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Barroco: Antonio Vivaldi

Presentación sobre el periodo Barroco medio, características generales como géneros, instrumentos y vida del compositor Antonio VIVALDI.
by

Sara Bogarín

on 21 September 2012

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Transcript of Barroco: Antonio Vivaldi

Abarca desde el nacimiento de la ópera en el siglo XVII (aproximadamente en 1600) hasta la mitad del siglo XVIII (aproximadamente hasta la muerte de Johann Sebastián Bach, en 1750). Música del Barroco Las monarquías dominan el panorama político. El poder sigue estando en manos de la aristocracia y de la Iglesia, que mostraban su poder con la creación de actos donde estaba presente la música. Contexto Histórico Características generales y Contexto Musical. Se trata de una de las épocas musicales más largas
y fecundas de la música occidental. Sus características
más definitorias son el uso del bajo continuo. y el gusto por los fuertes contrastes sonoros
(entre coros, entre familias instrumentales o
entre solista y orquesta), materializado en la
policoralidad y el «estilo concertante». Durante el Barroco los músicos siguen cultivando texturas a cuatro y cinco voces heredadas del Renacimiento (polifonía imitativa, homofonía...), pero las voces de dichas obras no son ya de similar importancia, sino que se destacan la voz superior y el bajo, abreviándose la escritura de las intermedias en el llamado bajo continuo; esta textura suele llamarse bipolar o de monodía acompañada.
En esta época se desarrollan como nuevas formas la sonata, el concerto grosso, la ópera, el oratorio y se vive además un auge de la música
instrumental pura. El Barroco temprano (1580-1630) Ocuparía la primera parte del siglo XVII. Los compositores realizan experimentos armónicos que
más tarde darán lugar a la música tonal en cierto modo producido por el nacimiento de la ópera.
Los compositores: C: Monteverdi, J. Peri, Frescobaldi, Praetorius. Claudio Monteverdi - L'Orfeo: Act 1 Prologue "Dal mi permesso" El Barroco medio
(1630-1680) La música Instrumental se pone a la altura de la vocal. Se abandona poco a poco la música
modal y hay una vuelta hacia el contrapunto. LOs compositores: Purcell, Lully, Pachebel. Canon en Re mayor, Johann Pachelbel El Barroco tardío
(1680-1750) Se da un predominio de la música instrumental sobre la vocal. La tonalidad queda totalmente
establecida. Los compositores más resaltantes son: A. Vivaldi, D. Scarlatti, y los alemanes Bach y
Haendel. Johann Sebastian Bach - Air Periodización y evolución Los géneros vocales
La evolución posterior y su fusión con otras formas
músico-teatrales acabó
convirtiendo a la ópera barroca en una representación teatral
íntegramente musicada en la que se
suceden números de cuatro tipos:

- Recitativos, en los que los cantantes hacen avanzar los diálogos de la
obra dramática en un canto silábico apenas acompañado por
el bajo continuo.

- Arias, verdadero núcleo musical de la ópera. Son números
solísticos líricos y muy elaborados, a menudo virtuosos,
al servicio del lucimiento del cantante y del puro deleite
musical (aun a costa del decurso teatral, aquí suspendido).
Hacia el final del periodo se impuso la forma A-B-A,
llamada aria da capo.

- Números instrumentales ejecutados por la orquesta
desde el foso, como la sinfonía inicial y, sobre todo,
las danzas bailadas en escena.

- Coros, generalmente a cuatro voces. La ópera Musicalmente casi idéntico a la ópera
(aunque con más énfasis en los coros), solía tener
una temática religiosa y no era representado.
A diferencia de la ópera, casi siempre en italiano,
los oratorios solían escribirse en lengua vernácula
(originaria del autor o el lugar donde se representaba).
El más famoso ejemplo es El Mesías, de Händel. El oratorio Händel: Mesías La asunción de la monodia, el recitativo y el estilo concertante por la música de iglesia dio lugar a una nueva forma musical, la cantata, obra de uso litúrgico que intercalaba sinfonías instrumentales, recitativos, arias y coros. Se escribieron también cantatas profanas de cámara.
como la muy conocida Cantata del café de Bach. La cantata Bach - Cantata del Café - Coro Final El motete es una forma musical ya marginal en el Barroco. La denominación se reserva para ciertas composiciones religiosas corales escritas a varias voces iguales, frecuentemente en un estilo obsoleto. En el siglo XVII mantuvo cierta vigencia en Alemania e Italia, y en el XVIII aún se usaba a veces la palabra para designar algunas cantatas de estilo concertante. El Motete Los géneros instrumentales Este periodo vio aparecer la orquesta en el sentido moderno del término,
y conoció la transformación de los instrumentos renacentistas hacia modelos
dinámicamente más flexibles. Nacida durante el siglo XVI, la familia del violí
n (violines, violas, violonchelos) alcanzó su grado máximo de perfección
constructiva en el XVII, hasta el punto de que entonces quedaron fijados los
modelos que, en lo fundamental, han sido reproducidos durante los
trescientos años siguientes.
Los instrumentos de madera fueron radicalmente transformados por la
familia Hotteterre en la corte francesa de Versalles, apareciendo entonces el oboe
, el fagot y la flauta travesera barroca.
El cultivo de la música puramente instrumental llevó a un importante
desarrollo de la técnica, al servicio de una fuerte expresión emocional.
Se destacó el caso del violinista Arcangelo Corelli quien, según
el testimonio de François Raguenet, cuando tocaba en público
"perdía el dominio de sí mismo", tenía los ojos enrojecidos y, pese a
todo esto, lograba expresarse a la perfección. El auge de la música instrumental Al igual que la palabra cantata designaba una composición
para canto solista y bajo continuo, la palabra sonata designa
en el Barroco una composición para uno o dos
instrumentos de cuerda o viento y bajo continuo, dividida en
tres o cuatro movimientos de carácter contrastante, habitualmente
allegro-adagio-allegro o adagio-allegro-adagio-allegro. Sonata Arcangelo Corelli - Sonata No.1, Op.5 en D Major Pequeño grupo de solistas que tocan con un grupo más grande, que se le llama TUTTI que significa todos. Consta de tres movimientos: Rápido, Lento y rápido.
A mediados del siglo XVII se convierte en el género instrumental más típico de la época. A diferencia de la música de cámara, cada parte es ejecutada por más de un instrumento, como ocurre típicamente en la orquesta. El concerto grosso Vivaldi: Concerto Grosso en D menor Los preludios, fantasías o tocatas son piezas
para un instrumento solista (generalmente de teclado) de carácter improvisatorio,
y como tales de ornamentación cargada,
forma indefinida y textura variable. Preludios, tocatas, fantasías y fugas J.S.Bach-Toccata e Fuga BWV 565-Karl Richter Una suite es un conjunto de movimientos o piezas de danza
agrupados.
Habitualmente tenía seis partes:

Allemande: danza alemana de compás cuaternario y tempo moderado.

Courante: movimiento que generalmente es un poco más rápido que el anterior,
de compás ternario y frecuentes hemiolias.

Zarabanda: danza lenta de compás ternario que acentúa característicamente su segundo pulso, de origen español.

Giga: danza rápida en diversos compases de subdivisión ternaria, de origen irlandés.

Minué: obra parecida a un vals. La suite suele contener dos minués emparejados.

Rondó: pequeña obra basada en la repetición de un tema (A), con intrusiones de
(B, C, D, etc.).

La música de las suites suele ser aristocrática, vigorosamente rítmica
y melódicamente rica, uniendo la variedad y decoro
italianos a la gravedad alemana. La suite En esta época, el compositor y/o músico
no es considerado un artista como más adelante se le vería, sino que su imagen yace al nivel de un artesano o siervo. Este no gozaba de tanta libertad creativa, sino que su obra estaba adherida a la necesidad de satisfacer a un noble o mecenas. Ya para el Barroco tardío, la producción musical comienza a innovarse y a proponer
nuevas formas. Los compositores Johann Sebastian
Bach Antonio Lucio Vivaldi Contexto Cultural El Barroco es una época de gran fecundidad para el mundo de la cultura, el arte y la ciencia. En esta época hubo personajes importantes como Lope de Vega, Galileo Galilei, Velázquez. La palabra Barroco significa recargado, excesivo o adornado. en este periodo se busca una codificación de todos los
parámetros musicales ritmo, tonalidad...) como forma de
ordenar y racionalizar la música. Lugar de referencia
es Florencia, Italia. De:
Sara Bogarín
Fátima Girala
Marlene González Textura Características de la
Música Barroca La monodía: Los compositores de Barroco consideraron que con lo del Renacimiento no se podía expresar ningún sentimiento y por ello, una de las innovaciones que van a crear es el uso de la monodia acompañada (una sola melodía con acompañamiento instrumental). Esta técnica les dejo crear obras donde podían expresar sentimiento, donde mas se desarrollo fue en la ópera. El Bajo continuo: Es una línea de notas graves que se interpreta de manera ininterrumpida desde el inicio hasta el final de la canción. Normalmente, los instrumentos que se encargarán del bajo continuo serán instrumentos polifónicos como el órgano, el clave o el arpa. Establecimiento de la tonalidad y el ritmo:
En el Barroco se establece el concepto de
tonalidad. Se formulan tratados de armonía, a
lo largo del siglo XVII se generaliza la escritura de
Música utilizando compases. El término barroco se tomó de la arquitectura (donde designaba algo «retorcido», una construcción «pesada, elaborada, envuelta», siendo el significado original del término luismo que describía una perla deformada o joya falsa). En el siglo XVIII se usó en sentido peyorativo para describir las características del género musical del siglo anterior, que se consideraba «tosco, extraño, áspero y anticuado». Nació en Venecia, el 4 de marzo de 1678 fue un compositor del Barroco tardío. Se trata de una de las figuras más relevantes de la historia de la música Apodado "il prete rosso" (el cura rojo) por ser sacerdote y ser pelirrojo. Su padre, Giovanni Battista fue el primer maestro de Vivaldi. La carrera del veneciano estuvo marcada por cuatro etapas La primera fue la de la adquisición de una fama europea en el terreno de la música instrumental con la publicación, por el editor veneciano Sala y después por el prestigioso impresor holandés Roger, de dos opus de sonatas para violín y dos colecciones revolucionarias de conciertos para el mismo instrumento: L’ Estroarmonico en 1711, seguido de La Stravaganza en 1714 La segunda etapa fue la de su contrato en la Ospedale della Pietà, un orfanato para niñas de su ciudad. Para ellas fueron creadas muchas de sus composiciones Tres movimiento estructura concierto, la escritura idiomática (para cuerdas), estableció la forma ritornello, que es una estructura que se utiliza en los movimientos primero y 3 ª de un concierto barroco, en el pasaje inicial llamado ritornello y se vuelve manifiesto a lo largo movimiento
Vivaldi practicó el concierto, tanto el concerto grosso como el solista. Imprimió al concierto una gran expresividad, generalizó el esquema «rápido-lento-rápido» y aplicó a la música instrumental todos los recursos estilísticos de la música vocal. Influyó mucho en la música instrumental, hasta tal punto que Bach transcribió algunas de sus obras. Vivaldi es, además, un precursor del poema sinfónico.
Hizo notables aportaciones a la composición y a la técnica violinística. Pero también compuso obras para todos los instrumentos, incluido un Concierto para guitarra. Legrenzi, Giovanni (1626-1690). La tercera etapa fue la de su oficio como compositor y empresario de Opera, obteniendo grandes éxitos, fue cuando conoció a Anna Giraud, una joven cantante, que a partir de entonces estaría siempre con él. Fue entonces cuando compuso en Vicenza, en mayo de 1713, Ottone in villa, su primera ópera conocida, seguida de una auténtica conquista de la Venecia teatral que se basó en el control de los pequeños teatros de Sant’ Angelo y San Moise. La cuarta etapa de ese despegue fue la del desarrollo de una actividad estructurada como compositor particular, que multiplicaba sus compromisos puntuales y lucrativos con una red de clientes y mecenas. Contribución de Vivaldi a la Historia de la Música Gasparini, Francesco (1668-1727). Músicos de la época OBRAS Obras Su producción fue numerosísima. Escribió 46 operas, 70 sonatas, 195 composiciones vocales, entre las que se cuentan 45 cantatas de cámara y 554 composiciones instrumentales, en su mayoría conciertos. Los más conocidos son los doce que componen el Cimento dell´ Armonia y dell´ Invenzione (1725). Los primeros cuatro conciertos incluyen las célebres Cuatro estaciones: nº 1 en mi mayor, La primavera; nº 2 en sol menor, El verano; nº 3 en fa mayor, El otoño y nº 4 en fa menor El invierno. También escribió concertigrossi, 25 para dos violines y 32 para tres o más instrumentos y algunos son concerti de ripieno (para orquesta sin solistas). Vivaldi, virtuoso del violín que asombraba al auditorio por su técnica, estableció una de las características básicas del concierto de los siglos siguientes: su uso para lucimiento del virtuoso. Sus conciertos para violín también fueron decisivos en la evolución de la ejecución violinística en cuanto a su escritura de cuerdas cruzadas y al desarrollo de una nueva técnica para el manejo del arco. Música religiosa como el oratorio Judithatriumphans (1716), el Gloria en re (1708), misas y motetes. Sus sonatas instrumentales son más conservadoras que sus conciertos y su música religiosa a menudo refleja el estilo operístico de la época y la alternancia de orquesta y solistas que ayudó a introducir en los conciertos. Johann Sebastian Bach, contemporáneo suyo, aunque algo más joven, estudió la obra de Vivaldi en sus años de formación y de algunos de los conciertos para violín y sonatas de Vivaldi sólo existen las transcripciones (en su mayor parte para clavecín) de Bach. Antonio Lucio Vivaldi compuso: 12 conciertos para violín
38 conciertos para fagot
27 conciertos para violonchelo
25 conciertos para flauta dulce o traversa
23 conciertos para oboe
6 conciertos para viola d'amore
1 concierto para mandolina
25 dobles conciertos para dos violines
4 dobles conciertos para violín y violoncello
3 dobles conciertos para dos oboes
2 dobles conciertos para dos trompas
1 doble concierto para dos trompetas
1 doble concierto para dos violoncellos
1 doble concierto para viola d'amore y laúd
1 doble concierto para dos mandolinas
1 doble concierto para dos flautas
1 doble concierto para oboe y fagot
47 conciertos para tres o más instrumentos Opus 1, 12 Sonatas para 2 violines y bajo continuo (1705)
Opus 2, 12 Sonatas para violín y bajo continuo 1709)
Opus 3, L'estro armonico, 12 conciertos para diversas combinaciones. Los más conocidos son el No. 6 para violín en La menor, el No. 8 para 2 violines en La menor, y el No. 10 para 4 violines en Si menor (1711)
Opus 4, La stravaganza, 12 conciertos para violín (c. 1714)
Opus 5, (segunda parte del Opus 2), 4 sonatas para violín y 2 sonatas para 2 violines y bajo continuo (1716)
Opus 6, 6 conciertos para violín (1716-1721)
Opus 7, 2 conciertos para oboe y 10 conciertos para violín (1716-21)
Opus 8, Il cimento dell'armonia e dell'invenzione, 12 conciertos para violín os primeros 4, en Mi mayor, Sol menor, Fa mayor, y Fa menor son mundialmente conocidos como Las cuatro estaciones, el quinto en Mi bemol mayor como La Tempestad del Mar y el sexto en Do mayor como El Placer) (1725) Opus 9, La cetra, 12 conciertos, once para violín y uno para dos violines (1727)
Opus 10, 6 conciertos para flauta (c. 1728)
Opus 11, 5 conciertos para violín, 1 concierto para oboe (el segundo en Mi menor, RV 277 es conocido como "El favorito") (1729)
Opus 12, 5 conciertos para violín y 1 sin solos (1729)
Opus 13, Il pastor fido, 6 sonatas para musette, viola, flauta, oboe o violín, y bajo continuo (1737, obras falsas de Nicolas Chédeville)
Opus 14, 6 Sonatas para cello y bajo continuo 1740

Óperas:
Antonio Lucio Vivaldi compuso 46 Óperas, siendo sus más famosas :
Ottone in Villa, L’Adelaide, Armida al campo d’Egitto, Motezuma, Nerone fatto Cesare, L’Olimpiade, Orlando Furioso, Semiramide, Il Giorno Felice.

Música Vocal : 44 Cantatas y 12 Motetes
Obras de Música Sacra : 49
Oratorios : 3 El 28 de julio de 1741, Vivaldi murió arruinado en la ciudad de Viena a causa de un “fuego interno”, probablemente el asma bronquial o angina de pecho que había sufrido durante toda su vida. Tenía 63 años. Recibió un entierro modesto Muerte de Vivaldi
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