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Bitacora

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Leandro Plada

on 4 April 2014

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CONTINUUM
RINCON DE DARWIN
DAVID BOWIE
RELACIONES
<<¿Qué es tener un cuerpo?
Tener un cuerpo es tener una espalda,
una zona siempre descubierta por la que
podrían las cosas echársenos encima sin
que las hayamos visto venir. Tener un
cuerpo es la permanente posibilidad de
perder el equilibrio>>.
Cuando un libro en el que Charles Darwin (quien realizó un viaje por distintos lugares del mundo entre 1831 y 1836) contaba sobre la importancia que tuvo en su polémica teoría de la evolución la visita que realizó a Colonia, Uruguay, en 1833, el cineasta Diego Fernández pensó que aquello bien podría servir como una especie de "excusa argumental" para su primer largometraje.

Luego de una breve y clara introducción, la película nos presenta una comedia que - a manera de road movie - trata acerca del viaje que emprenden tres desconocidos en una averiada camioneta hasta el lugar que da título a la historia. El motivo de la travesía radica en que Gastón, un treintañero recientemente abandonado por su novia, tiene que hacerse cargo de regularizar la situación de una casa que heredó de su abuelo, ubicada justamente por aquellos lares. Sus compañeros de ruta serán Américo, un veterano y austero escribano, y Beto, chofer y dueño del destartalado vehículo.


A medida que los personajes se van conociendo y descubriendo, Fernández deja bastante claro que una de las prioridades del filme es concordar con la voz en off a través de la cual el mismísimo Darwin va desgranando alguno de los trazos fundamentales de su teoría.
Lo primero que hay que reconocerle al director es que se las ingenia para que las vivencias de los protagonistas y los enunciados darwinianos se articulen de manera entretenida y coherente. Para eso es fundamental la sutileza con que se maneja el tenue pero efectivo tono humorístico que sobrevuela el relato - algo bienvenido y no demasiado común en el cine uruguayo - y lo bien delineados que están unos personajes con características bien marcadas y que atraviesan situaciones fácilmente reconocibles.

Gastón, que ahoga sus penas en mensajes de texto y alcohol; Américo, que soporta estoicamente las continuas llamadas de su esposa obsesionada con la fiesta de casamiento de su hija; y Beto, que tras su aparente intrascendencia sabe muy bien lo que es el dolor, discuten, ríen, forman alianzas ocasionales y soportan los avatares de un viaje que no será tan sencillo como se presentaba al principio.

Muchas veces, este tipo de cine de carretera ofrece sus mayores atractivos en las relaciones que se van tejiendo con los personajes que aparecen a lo largo de la ruta, mientras que en este caso la historia se centra casi exclusivamente en el terceto principal. Y de verdad somos conscientes del avance que su comportamiento y forma de ver la vida va teniendo, tanto en cada uno de ellos como también - como lógica consecuencia - en lo grupal. Esa evolución, de la mano del aprendizaje, parece darle la razón a Darwin cuando decía que las especies que sobreviven no son ni las más fuertes ni las más inteligentes, sino aquellas que mejor se adaptan a los cambios.

Los diálogos certeros y algunas escenas por demás expresivas van generando un sólido tono narrativo, con una dosis convenientemente articulada de momentos graciosos con otros un poco más dramáticos. Estas bondades disimulan y dejan en segundo plano algunas exageraciones - la más clara es que, pese a todos los contratiempos, el viaje no podía demorar tanto - y la sensación que se produce en algunos pasajes de cierto estancamiento que por suerte la propia historia se encarga de solucionar, volviendo rápidamente el asunto a su mejor cauce.

El terceto protagónico está muy bien. Carlos Frasca (Américo) no hace otra cosa que confirmar en el cine el talento del que ha hecho gala en su larga trayectoria teatral, y últimamente también televisiva, si tenemos en cuenta el comercial que le ha dado popularidad. Con el personaje de Gastón, y tras alguna incursión apenas correcta, Jorge Temponi vuelve al muy buen nivel que mostrara en aquel entrañable Javi de 25 Watts. Y Jorge Esmoris, aún en sus tonos habituales, aporta credibilidad a Beto.

La música de Franny Glass, la fotografía de Arauco Hernández y en especial el dinámico montaje de Fernando Epstein lucen con luz propia, rodeando adecuadamente la anécdota. El debut de Diego Fernández ha sido realmente auspicioso. Este antecedente abre esperanzadas expectativas para próximos trabajos que seguramente hablarán de su evolución.
El camaleónico cantante aparece junto a la premiada actriz británica Tilda Swinton en The Stars (Are Out Tonight), donde interpretan a un matrimonio feliz, cuya tranquilidad se ve pronto afectada ante la llegada de una pareja de conocidas estrellas del rock, interpretadas por los modelos Saskia De Brauw y Andrej Pejic.
El videoclip de The Stars (Are Out Tonight) es pertubador por el parecido entre los personajes y la faceta andrógina de todos ellos. El modelo australiano Andrej Pejic, conocido por posar habitualmente con ropa masculina y femenina, interpreta a la seductora nueva vecina de David Bowie, mientras la holandesa Saskia De Brauw aparece en el vídeo como una doble del camaleónico cantante en su etapa como Duque Blanco. La pareja formada por Bowie y Tilda Swinton acrecienta la sensación, debido al parecido físico entre ambos.
La artista italiana Floria Sigismondi, directora de la pieza, que ya había colaborado con el inglés anteriormente en los vídeos de Little Wonder o Dead Man Walking hace confluir el presente y el pasado de David Bowie en The Stars (Are Out Tonight), jugando con aspectos reconocibles de su idiosincrasia como artista: su calculada androginia, su pasión por la polémica y las falsas apariencias, lo perturbador de sus propuestas estéticas y musicales o su faceta como actor, con referencias claras al filme de culto The Man Who Fell to Earth. Y acompañando todo ello del más puro sonido de Bowie.
Parecen maquetas en miniatura pero son fotografías a escala real tomadas o modificadas digitalmente con una técnica fotográfica llamada Tilt-shift o miniature faking. Para obtener estas imágenes, los fotógrafos profesionales utilizan los llamados objetivos descentrables, que permiten mover o doblar la lente con respecto a la cámara.
Dentro de las prácticas artísticas contemporáneas, los lenguajes conviven y se entrecruzan continuamente, incorporando y resignificando las posibilidades técnicas. Así, Continuum recorre la transversalidad por trabajos de artistas que utilizan dispositivos tecnológicos en el total o en parte de su proceso, proponiendo al cuerpo como hilo conductor de tales experiencias.En este proyecto, el cuerpo es entendido no sólo como soporte en el cual intervenir, sino también como una interfase en el relacionamiento con la obra, ya sea a nivel conceptual o físico: cuerpo biológico, cuerpo físico, cuerpo constituido por la conexión de evidencias y omisiones, conjeturas, pensamientos, imágenes, movimientos, informaciones; es decir, también cuerpo social.
En esta etapa Continuum toma el cuerpo como hilo conductor para transitar por multiples propuestas de producción tanto artística como teórica.
El proyecto aborda temáticas como la relación hombre-máquina, la habitabilidad, el concepto de prótesis, la teoría del Cyborg.
Director y guionista de varios cortometrajes, incluidos Nico & Parker (2000), Mandado hacer (2002) y Fábrica de enanos (2004), exhibidos en Uruguay y el extranjero, Diego Fernández Pujol (Parker) ha dirigido también videoclips (Buenos Muchachos, Franny Glass) y publicidades, siendo además productor y asistente de dirección. Es también dibujante y muralista. Es socio actualmente de Transparente Films, donde dirige el área de contenidos. Rincón de Darwin es su primer largometraje.
¿Cómo surge la historia de Rincón de Darwin? ¿Cuánto tiempo pasó desde la idea hasta la finalización del proyecto?
La historia original eran tres personajes muy diferentes que debían compartir un viaje. Luego conocí el Rincón de Darwin (en Punta Gorda, entre Carmelo y Nueva Palmira) y cayó en mis manos un libro con los relatos de Charles Darwin cuando estuvo acá. Ahí decidí unir ambas cosas y desarrollar que el viaje fuera a ese lugar, jugando un poco con el paralelismo de ambos.
Desde que empecé a desarrollarla hasta filmarla pasaron varios años. A la quinta vez que la presenté al FONA fue que gané el premio, en el 2010, siempre trabajando el guión cada vez que lo presentaba. Luego todo sucedió en los plazos normales; un año más para conseguir Ibermedia (2011), al siguiente la filmamos (2012) y este año la estrenamos. O sea, una vez que conseguimos financiamiento fueron tres años, pero antes hubo varios para lograr tener plata para poder pensar en filmarla. También porque mi idea del proyecto era poder hacerlo en las condiciones que deseaba, o sea, no teniendo que pedir las cosas de onda ni generando deudas.

Debutás en largometrajes con una road movie. ¿Qué películas de este género te influyeron?
No hay una en particular. Durante el tiempo de desarrollo y trabajo en el guión vi muchas road movies (todas las posibles casi) para entender las diferentes estructuras, digamos que para dominar el género y poder tomar las decisiones que esta película requería. También porque esta tiene una voz en off que no es de ningún personaje, ni siquiera de un narrador, sino algo extraño que entra en ciertos momentos. Sí puedo decir que hay influencia del cine de Jarmusch, de Alexander Payne y de algunos otros.

En la película hay tres personajes disímiles, interpretados, además, por tres nombres importantes de la escena local. De hecho, la película recae sobre ellos. ¿Fue difícil encontrar los intérpretes adecuados o ya los tenías en mente desde antes?
Fue bien diferente en el caso de los tres. El personaje de Gastón lo escribí para Jorge Temponi, con quien ya había trabajado y tenemos una relación de amistad. En el caso de Carlos Frasca, no tenía ningún actor en la cabeza, y luego de tener el FONA e Ibermedia (y la certeza de qué la iba a filmar) comencé a buscar aquí en Uruguay. También porque pensaba que ese actor podía llegar a entrar por coproducción, pero como no fue necesario, la verdad que fue muy cómodo el hecho que entrara Frasca. No hubo un casting, sino que luego de investigar y hablar con colegas, fui directo a él: conversamos, hicimos una prueba y quedó. El último en entrar al proyecto fue Jorge Esmoris, ya que ese papel había sido escrito para otro actor, que un mes antes de empezar a filmar no podía hacerlo, por lo cual tuve que buscar sustituto a contrareloj. Por suerte Jorge quiso y podía, porque no era nada fácil encontrar quién diera con el personaje. Inevitablemente, en el corto proceso de ensayos, ese personaje cambió para llevarlo más a él de lo que originalmente lo tenía pensado.
¿Qué fue lo que te llevó a juntar esos tres personajes dentro de una camioneta y ponerlos a realizar un viaje?
Siempre me gustó lo que sucede en los viajes, cuando las personas debemos salir de nuestro hábitat natural, porque desata muchas cosas en nuestra manera de ser. Hay quienes en los viajes sacan su mayor sinceridad de adentro y quienes aprovechan para mentir sobre sus vidas. También porque quedamos más expuestos, por el hecho de no controlar las variables que nos rodean en nuestra vida cotidiana. A todo esto le sumamos que uno debe convivir con extraños, pero con la certeza de que esta relación tiene una duración limitada. Es como un micromundo de la conducta humana, que por algo muchas veces genera las anécdotas más entrañables.

En definitiva, el camino termina siendo no solo más largo y accidentado de lo esperado sino también igual de importante que el destino…
Sí, para que el viaje sea removedor, debe cobrar importancia lo que sucede en el trayecto, para que el arribo al destino haya generado un cambio en quien hace el viaje. El destino debe sentirse diferente a cómo uno lo pensó al iniciar el viaje. Si eso sucede, es que aprendimos a valorar más lo que nos sucede que simplemente ir cumpliendo las metas. En este caso hay una progresión no sólo en ellos, sino que se da en el paisaje: se van alejando de la civilización y acercándose más a la naturaleza, es un poco un reencuentro con los orígenes, que refuerza el hecho de que el mundo existe hace mucho tiempo y va a seguir existiendo mucho después que no estemos. Creo que si partimos de entender que no somos tan importantes, es mucho más fácil ser felices y ser mejores personas. Tampoco una película es tan importante, porque si dejás todo en la vida para hacerla, luego de hecha no va a cambiar nada, es una película más que puede estar más o menos buena, pero es simplemente una película, entonces mejor disfrutar todo el proceso de hacerla, porque a nivel humano eso es más valioso que el hecho de haberla realizado.

¿De qué forma se relacionan los personajes y su viaje con la teoría darwinista de la evolución?
En las road movies está implícito el que exista una evolución de los personajes, por ello me parecía interesante que Darwin y la teoría de la evolución estén de alguna manera integradas.
Me divertía pensar qué podía significar “la evolución” para cada uno de ellos, y que evolucionar fuera en realidad superar sus principales conflictos. Hay una diferencia entre los tres personajes en ese sentido y es el tipo de conflictos que enfrentan. En el caso de Gastón (Temponi) y Américo (Frasca) sus conflictos son internos, ellos están mal por su dificultad para asumir el momento de su vida y aferrarse a algo que, aunque lo disimulen, es inevitable. Me parece que a todos nos pasa en determinados momentos, es un mecanismo casi infantil de defensa que tenemos, no asumir algo que no nos gusta, aunque luego que lo hacemos es más fácil de lo que pensábamos. Tiene que ver con adaptarse a los cambios. En el caso de Beto, es quien tiene el conflicto mayor, pues no depende de él, aunque es producto de sus decisiones. Y sin embargo, es el que lo lleva con mayor liviandad.

Con respecto a las locaciones, la película está filmada entre Montevideo, San José y Colonia. ¿Qué retos o particularidades tuvo filmar una película de carretera en Uruguay?
El hecho que fuera Uruguay creo que lo hace más fácil, ya que las distancias son cortas, el tráfico es bastante benévolo en cantidad, y hay muy buena disposición de la gente, especialmente en el interior. De todas formas, filmar arriba de una camioneta es complicado, la parte de armado lleva mucho tiempo, el trabajo con los actores se dificulta y es muy exigente para ellos, y cada inconveniente técnico exige detenerse. Sumale el calor, las variaciones de luz, etc. No es fácil. Luego de un par de día de filmar camara-car, cuando volvíamos a filmar escenas normales con trípode, parecía que hubiera pasado una semana.
Hay un cuidado especial en lo estético de la película, en la fotografía y también en la música…
Tanto en la fotografía, como el sonido y la música, fueron áreas muy trabajadas en todas las etapas. Son bien distintas, porque en el caso de la fotografía estás condicionado por lo que podés lograr en el momento del rodaje. Además de que filmamos en 24 jornadas nomás (4 semanas) que sin dudas habría sido mejor hacerlo por lo menos en 5 semanas. Así y todo, Arauco entendía muy bien el espíritu de la película y la importancia de lo narrativo por sobre lo estético. También en este sentido la postproducción en Portugal fue muy importante, por el cariño que le pusieron y la calidad del trabajo de corrección de color.
En cuanto al sonido el trabajo de Yafalian fue increíble, tanto en la captura del sonido directo como luego en la edición de diálogos y el trabajo con los ambientes que llevé a Portugal para la mezcla final.
Sobre la música, desde el principio sabía qué tipo de música quería, y luego de escuchar el último disco de Franny Glass, no tuve dudas que la tenía que hacer Gonzalo. Además de ser tremendo músico, tiene la particularidad de que estudió la carrera de realización cinematográfica, lo que le da una comprensión de la música “para” la película, y como debe funcionar narrativamente. También para que no sea un montón de canciones que me gusten y funcionen, sino que tenga una unidad de estilo y su propio desarrollo.
CONTRAPEDAL
El primer Festival Boutique donde convergen los proyectos emergentes más interesantes en la música, diseño, arte y tecnología de Iberoamérica.
Este año gracias a el apoyo del Programa Ibermúsicas y Montevideo Capital Cultural de Iberoamérica, tendremos una gran fiesta con artistas de Argentina, Brasil, Chile, Colombia, España, México, Panamá, Paraguay y Uruguay.
DANIEL ARGENTE
Artista mediático, docente en herramientas informáticas aplicadas al diseño y multimedia. Editor de Vídeo y Audio. Diseñador gráfico y multimedia, Infografista 2D y 3D. Dibujante de cómic, editor de revistas de cómic, automovilismo, diseño gráfico, e interactivas. Ha expuesto instalaciones informáticas e infografías en diversas salas de Uruguay; La Habana, Cuba; Maracaibo, Venezuela, Madrid, Segovia, España y Francia. Investiga en las diversas vertientes de la informática aplicada al arte, en nuevas formas de interface e intervención en el hardware de adquisición de datos aplicado a las instalaciones y la robótica en el arte . Actualmente es Encargado del Área de Lenguajes Computarizados Escuela Nacional de Bellas Artes de la Universidad de la República del Uruguay, contratado por el “Programa de Becas de Retorno y Contratación de Investigadores Provenientes del Exterior” de la CSIC. Ha investigado para las empresas españolas Infinity Madrid, Tanta Comunicaciones y Grial Comunicación la aplicación de entornos virtuales en aplicaciones de promoción y educación a distancia.
BITACORA
RODRIGO ALONSO
El arte digital es una disciplina de las artes plásticas que comprende obras en las que se usan elementos digitales, tanto en el proceso de producción como en su exhibición. Los soportes de este tipo de estilo son digitales, por ejemplo, el ordenador, que efectúa cálculos para crear por ejemplo una imagen o un sonido combinando los parámetros programados con un componente de aleatoriedad. Las técnicas utilizadas para el arte digital son muy diversas, una de ellas es el modelado 3D.

En los últimos años, los museos de arte contemporáneo se han visto desbordados por la creciente producción artística basada en medios tecnológicos. El vídeo, las instalaciones multimedia o el net.art aparecen cada vez con mayor frecuencia en las exposiciones, acomodándose en instituciones diseñadas para albergar otros formatos, que no siempre pueden responder a las exigencias de estas nuevas manifestaciones.

Las exposiciones que incorporan tecnología generan, todavía hoy, un cierto aire de novedad. Aun cuando los televisores, los ordenadores y los proyectores de vídeo son dispositivos relativamente estándares –los dos primeros forman parte de la vida cotidiana– lo cierto es que su aparición en museos y galerías continúa convocando la atención.
Por otra parte, en el circuito artístico, el uso de estos “nuevos medios” –todavía se los designa de esta manera– se ha transformado prácticamente en un sinónimo de contemporaneidad. Ninguna exposición, ninguna bienal puede considerarse realmente contemporánea si no incluye por lo menos alguna vídeo instalación, uno de los formatos más frecuentados por las exhibiciones de arte actual. Y el ansia de contemporaneidad se ha transformado casi en un deber ético entre las instituciones que aspiran a mantener un flujo de público continuado y los comisarios que deben desarrollarse en tal contexto.

Las muestras con fotografías, vídeos y películas poseen un atractivo especial para el público. En nuestras sociedades, los medios se han transformado en una compañía cotidiana y su presencia en el espacio expositivo constituye, sin lugar a dudas, un primer vínculo a establecer con los visitantes.
Sin embargo, no debe perderse de vista que la forma en que los artistas utilizan estos medios no es la misma en que lo hacen las cadenas de difusión. La producción artística exige una atención y un proceso de reflexión que no siempre coincide con la rapidez con que los medios de comunicación han marcado el consumo tecnológico contemporáneo.

Las artes tecnológicas forman parte hoy de múltiples propuestas expositivas. Éstas no siempre tienen por objetivo promover una reflexión sobre la propia tecnología. Muchas veces, las obras mediáticas son incorporadas a un discurso conceptual más amplio, con el que dialogan más allá de su naturaleza tecnológica. En estos casos, se suele buscar una integración de la pieza con el entorno expositivo, evitando la percepción del sostén técnico.

Con frecuencia, las obras tecnológicas son sensibles a las trasposiciones. Esto significa que un cambio en el formato de exhibición puede inducir un cambio conceptual en la pieza, o impedir que ésta sea percibida como fue concebida por su autor.
Licenciado en Artes de la Universidad de Buenos Aires (UBA), Argentina, especializado en arte contemporáneo y nuevos medios (new media).
Profesor de la Universidad de Buenos Aires (UBA), Universidad del Salvador (USal) y del Instituto Universitario Nacional del Arte (IUNA), Buenos Aires, Argentina. Profesor y miembro del Comité Asesor del Máster en Comisariado y Prácticas Culturales en Arte y Nuevos Medios, Media Centre d’Art i Disseny (MECAD), Barcelona, España. Profesor invitado en importantes universidades, congresos y foros internacionales en América Latina y Europa.
Escritor, crítico y colaborador en libros, revistas de arte y catálogos. Colaborador regular de Ámbito Financiero (diario argentino) y art.es (revista de arte internacional con sede en España). Entre los libros se incluyen: Muntadas. Con/Textos (Buenos Aires, 2002), Ansia y Devoción (Buenos Aires, 2003) y Jaime Davidovich. Video Works. 1970-2000 (New York, 2004).
Curador de exposiciones de arte contemporáneo en los espacios más importantes de Argentina y América Latina, y en prestigiosas instituciones europeas.
Vive y trabaja en Buenos Aires y Barcelona.
Video grabado con un tipo de lentes especiales llamados Tilt-Shift, en donde los componentes del lente no son paralelos al sensor de la cámara, lo que produce un particular efecto de profundidad de campo haciendo que cosas lejanas y cercanas se vean muy borrosas, y que el enfoque sea en un área muy particular de la imagen.
Esto crea la ilusión de que estamos viendo objetos muy pequeños que aparentan juguetes, pero aunque no lo crean, todos los objetos (desde automóviles hasta barcos y edificios) que verán en el video, son de tamaño real.
Hugo Aveta
Hugo Aveta nace en Córdoba, ciudad en donde estudia cine y arquitectura, para luego dedicarse de lleno a la fotografía.
En su obra representa la agonía fotografiando maquetas, logrando imágenes que verdaderamente parecen de la realidad.
Mediante la utilización de técnicas totalmente diferentes,
las fotografías tilf shift logran ocasionanar en el espectador una confusión al mismo tiempo que Hugo, con sus representaciones de espacios en agonía.
Si bien las fotografías tilf shift son fotografías de la
realidad, hacen que el espectador crea que son maquetas; y en el caso contrario, las imágenes de Aveta, son generadas a partir de maquetas, logrando que el espectador crea que son imágenes de espacios reales.
Por mi parte, lo único que pude presenciar fue este espacio donde se manifestó un estilo de art povera, en donde se utilizan materiales de fácil obtención, sacados de la basura, que ocupan el espacio y exigen la intromisión del público. Tratan de provocar una reflexión entre el objeto y su forma, a través de la manipulación del material y la observación de sus cualidades específicas.
Espacio ampliamente aprovechado por estos artistas que juegan con esa clase de equilibrio del cuerpo humano para completar sus obras, imágenes digitales, sensores de movimiento, y el ser humano siendo parte de esta obra y como reaccionan frente a ellas. Claramente se ve en la foto, como estas personas decidieron pasar por un costado y no atravesar la obra. Es muy interesante como estos artistas logran que todo funcione y los sorprenda al ser el cuerpo quien complete su espacio.
Sin lugar a dudas, Daniel, un ser muy ingenioso.
En un mundo donde todo esta hecho, logra sustituir aparatos tecnológicos con herramientas jamás pensadas. Si bien en un tono de burla, donde el ser humano se hizo dependiente de la tecnología, sus inventos funcionan como los nuevos.
WHISKY
Whisky es una película uruguaya dirigida por Pablo Stoll y Juan Pablo Rebella, producida en conjunto con Argentina, Alemania y España, en 2004 .

Jacobo Köller, es dueño de una modesta fábrica de medias y eso parece ser lo único en su vida monótona. Marta es su empleada de confianza. La relación entre ellos nunca excede lo laboral y está marcada por el silencio y la rutina. Esta monotonía se súbitamente amenazada por el anuncio de una inesperada visita: Herman, hermano de Jacobo, viene de Brasil después de más de diez años.
Jacobo, entonces se permite pedirle ayuda a Marta para sobrellevar la situación. Así, entre el absurdo y la melancolía, entre lo cotidiano y lo fabulesco, la película intenta retratar sutilmente cómo la torpeza y las pequeñas miserias de estos tres personajes tan distintos entre sí, se van manifestando mientras intentan simular resentimientos y asperezas. Una historia contada a través de detalles pequeños y triviales. Tres personalidades aparentemente inofensivas. Tres clases de soledad.



Desde el divorcio Alberto ya no pasa tanto tiempo con Lucía y Federico. Los tres salen hacia las termas una madrugada de tormenta, las vacaciones van a ser cortas y hay que aprovecharlas al máximo. Siempre entusiasta, Alberto trata de que nada arruine sus planes. Pero las piscinas cerradas por tiempo indeterminado y las miradas reprobatorias de sus hijos hacen que pierda el control. Rápidamente los ánimos se vuelven más susceptibles y el clima más pegajoso. Mientras tanto la lluvia sigue cayendo y la casa que Alberto alquiló parece ir haciéndose cada vez más chica.




Una visita a un balneario donde no deja de llover torrencialmente. Cualquier cosa que haga el padre parece haberlo hecho mejor antes la madre.
Desde que suben al auto hasta que llegan a las termas, prácticamente no intercambian palabras. Otra vez estamos en un caso de falta de comunicación, donde cada vez se le hace mas difícil al padre controlar la situación.

S.A.E.T.A. TV Canal 10 es la empresa que explota y opera la licencia CXB10 TV Canal 10 (desde Montevideo, para toda la zona metropolitana). Fue fundado en 1956 por Raúl Fontaina, constituyéndose como el primer canal de televisión uruguayo, y el cuarto fundado en Latinoamérica.
Programa de humor, actualidad y entretenimientos para toda la familia, con la conducción de Jorge Piñeyrúa, Gaspar Valverde, Diego González, Iñaki Abadie y Karina Vignola. MARTES A JUEVES 22:30 hs.
El espectro de un actor abre la escena. Solo y encerrado en sí mismo, comienza a materializar sus memorias que incorporan memoria. A partir de ahí todo comienza o se reanuda. Esta realización, tres personajes que surgen de facetas de espejo de este espectro. Son aspectos de la misma vida, estaciones, fractales, alegorías, espejos rotos pegados de la manera que lo ha hecho. El espectro ya no es un entero e ininterrumpida. Se trata de tres. Tres personajes a través de diferentes procesos, puntos muertos entre la vida y la muerte, separadores tras el intento de que no se alojen en las reglas del mundo. tres historias paralelas, independientes. Las conexiones están hechas en el campo de la subjetividad. El espectador se reservó el papel de desarrollo de estas conexiones por estímulos sensoriales que ofrece el montaje. Una narración fragmentaria escénica, los personajes viajan entre el pasado, el presente y el futuro con facilidad y claridad. Parecen decir que el tiempo sólo se puede dividir por la lógica. En el campo de las emociones y sentimientos que la división sería prácticamente imposible de realizar, una verdadera utopía de la razón. Todo esto antes de que comiencen es una respuesta a la angustia de la creación. El arte de generar arte cuando todo parece extraño y cruel. Y aquí, entre los escombros de nuestra angustia cantar el poder creador de las primeras sensaciones, la alegría de sentirse inmortal, la capacidad de ver lo real en lo irreal, para dibujar cuando se pierde el pie, pero es el camino, para realizar somos dueños de nuestro deseo voraz, finalmente llegamos antes de que todo siempre existe la emoción de ser descaradamente humano. Antes Todo básicos es una especie de celebración del teatro como caja de espejos donde los reflejos humanos se multiplican. Una celebración que arroja luz sobre los enfoques de la muerte instantánea de los hombres, ese momento en el que la vida adquiere nuevas proporciones, y respirar más aire tiene significados más amplios. Frente a la muerte la vida se fortalece. Ante el silencio de la música avanza. Ante el cuerpo de baile apatía. Y es precisamente en este momento cuando todo comienza.
Antes da toda coisa començar es un viaje hacia el abismo de la representación dramática, sin reembolsos intención, buscando caminos posibles para seguir narrando algo. Aunque es la lucha irreductible entre los vivos y los muertos.

TEATRO SOLIS
El Teatro Solís constituye el principal escenario artístico de la ciudad de Montevideo, Uruguay.
Está situado en el barrio de la Ciudad Vieja y su entrada principal es por la calle Buenos Aires esquina Bartolomé Mitre.
La fachada principal del Solís tiene similitudes con la del Teatro Carlo Felice de Génova, la sala tiene forma ligeramente elíptica, como la de la sala del Teatro de La Scala de Milán, aunque el interior del Solís guarda una similitud notable con otra sala italiana, el Teatro Metastasio de Prato, cerca de Florencia.
La sala posee las características típicas de los teatros líricos, con platea y 4 anillos conocidos como Tertulia baja, Tertulia alta, Cazuela y Paraíso.

Para evitar interferencias de ruidos con cualquier actividad a desarrollar y lograr una adecuada calidad del sonido en la sala y el escenario.

1.- Aislación de los ruidos trasmitidos por vía aérea
Corresponde a la aislación sonora tanto entre locales interiores como con el exterior del edificio.
Las soluciones consistieron en un estudio particular y en detalle de cada uno de los cerramientos verticales (tanto de paredes como aberturas), de los cerramientos horizontales, lucernarios, y de cada uno de los pase para instalaciones.
También se limitó la generación de ruidos de las diferentes fuentes (por ejemplo equipos, cisternas, etc.) y la atenuación de los ruidos trasmitidos por las instalaciones (ductos de aire acondicionado).
Los sistemas fueron evaluados previo a su puesta en Obra en Laboratorio y luego se realizaron Mediciones en Sitio.
2.- Aislación de ruidos por vía sólida
Corresponde a los ruidos generados por equipos de aire acondicionado, equipos de bombeo, transformadores eléctricos, etc.
En estos caso el Concepto se desarrolló en base a la atenuación de la vibración mecánica incorporando un elemento resiliente (amortiguador).
Por lo tanto la solución consistió en realizar tratamientos antivibratorios en cada uno de los equipos.
Se evaluó cada sistema previo a su puesta en obra mediante ensayos en laboratorio. Luego de instalados se realizó un estudio específico de mediciones en sitio del debilitamiento por impacto.


3.- Acondicionamiento Interior de la Sala y el Escenario
Se buscó acondicionar la sala y el escenario de manera de lograr una buena calidad del sonido. Se manejaron los siguientes parámetros:
Tiempo de reverberación:
El objetivo era mejor los tiempos de reverberación de las sala y permitir un uso válido tanto para música como para palabra. Para ello se incorporó un 18 % de volumen (incorporando el área sobre el plafond) y utilizando el sector de antepalcos como incorporación variable del volumen.
Difusión del Sonido:
Se incorporaron difusores laterales pseudoaleatorios
Refuerzo del Sonido:
Se incrementó la energía sonora que llega rápidamente al oyente mediante la Caja Acústica
Acondicionamiento Escenario:
El Escenario se trató acústicamente para evitar acoples perjudiciales para la acústica de la sala y mejorar la situación el propio escenario. El objetivo es lograr, que las respuestas acústicas sean similares en el escenario que en la sala. Por lo tanto se utilizaron revestimientos que permitieran igualar ambas respuestas.
Refuerzo electroacústico:
La sala se dotó de un sistema de amplificación de última generación y altísima definición. Se realizaron los ensayos en laboratorio de cada uno de los materiales a incorporar y luego en sitio se realizaron las mediciones de Tiempo de reverberación, inteligibilidad de la palabra y otros.
4.- Acondicionamiento Interior de locales Técnicos
Se buscó reducir el nivel de ruido dentro de los locales para disminuir la trasmisión a locales contiguos y para mejorar las condiciones dentro del propio local (evitar daño fisiológico).
Para ello se incorporaron materiales absorbentes, atenuadores y se limitó el ruido de las fuentes.
EL COSMONAUTA
El Cosmonauta (The Cosmonaut ) es una película española de ciencia ficción, o de historia ficción, estrenada en mayo de 2013. Fue filmada en Letonia, Rusiay España, en idioma inglés. Ambientada en la antigua Unión Soviética durante la época de la carrera espacial, en un supuesto viaje a la Luna.

Financiada en gran parte mediante la fórmula del micromecenazgo o financiación colectiva a través de pequeñas donaciones.2 En su distribución recurre simultáneamente a todos los sistemas: estreno convencional en salas de cine, emisión en TV, venta de libro con DVD, y acceso gratis en Internet.

En un centro de entrenamiento de cosmonautas soviéticos, Stas y Andrei se preparan para futuras misiones espaciales. Allí conocen a Yulia, que es deseada por ambos. Pronto Stas será enviado a la Luna en una misión secreta. En el viaje de regreso a la Tierra se producen contratiempos. Yulia también se verá afectada.

Es una película de extremos. De esas que te encantan o no soportas. Además, se apostó muy fuerte por una narrativa transmedia en la que, aún sabiendo que sólo el 10 o 20% de los espectadores vería completa, era el todo el que verdaderamente contaba la historia completa, dejando la película llena de interrogantes por mucho que funcionara por si misma.
Es la técnica de contar una sola historia o experiencia de la historia a través de múltiples plataformas y formatos que utilizan las tecnologías digitales actuales.
Desde un punto de vista de la producción, se trata de la creación de contenidos que se acopla a una audiencia usando varias técnicas para penetrar en su vida cotidiana. Con el fin de lograr este compromiso, una producción transmedia desarrollará historias a través de múltiples formas de medios de comunicación para ofrecer piezas únicas de contenido en cada canal. Es importante destacar que estas piezas de contenido no sólo son unidos entre sí (abierta o sutilmente), pero están en sincronización narrativa uno con el otro.


El sonido puede ocasionalmente convertirse en música, es cuestión, en mayor o menor medida, de saber combinar tonos, de trabajar armonías y de acordar un registro de afinación. Pero el sonido, por sí mismo, desconectado de la finalidad convencional de estructurar una pieza agradable al oído, abre además un margen de experimentación artística inmenso, donde caben lecturas de distinta índole; el célebre John Cage, por ejemplo, estaba en contra de la definición clásica de ruido, para él todo lo que sucedía a nivel sonoro era plausible de ser interpretado desde el arte.
MARTÍN CRACIUN

Artista visual, compositor, artista sonoro, docente e investigador en el campo de la representación y los nuevos medios.
En los últimos años ha desarrollado proyectos, exposiciones, audiovisuales, instalaciones y conciertos en Uruguay, Argentina, Chile, Brasil, Alemania, Suiza, España e Italia.
Ha compuesto canciones, remixes, bandas de sonido, instalaciones sonoras bajo diversos pseudónimos. Ha participado en diversos grupos y bandas del medio local. Actualmente trabaja en performances sonoras complejas, combinando la disonancia, el ruido y la melodía bajo su propio nombre.
Cree en este tipo de música avanzada para el, la música electrónica es una práctica colectiva. Y es una construcción histórica colectiva y una de las prácticas artísticas que entiende a lo colectivo y desvanece la figura del artista como el iluminado.
En su visita pudimos apreciar más a fondo todo esto que realiza. Mediante videos abstractos, que parecía que no ocurría nada más que un par de colores yendo y viniendo repetidas veces, con esos sonidos se podía llegar a experimentar distintas sensaciones.
Interesante propuesta la de estos directores que centra una conmovedora historia de tres personajes solitarios, que muestran la falta de comunicación de los uruguayos. Donde los silencios dicen mas que las palabras.
Interesante visita técnica donde pudimos apreciar como es, y como se desarrolla el teatro Solís por dentro. El estudio y control de las luces tanto como la disposición de las cajas acústicas están muy bien pensadas para lograr una gran exhibición en todos sus roles.

Experiencia enriquecedora en todos sus aspectos.
Pudimos visitar un canal de televisión y como se desarrolla un programa en vivo con conductores divertidos como tiene Yo y 3 más.
Desde el control entendimos como funciona la televisión en general y las cosas con las que te puedes enfrentar.
Este espacio, donde como dice su director José Ramón, quien prefiere hacerse llamar “Garin”, todo es versátil, se llama Laboratorio de Lenguajes Transversales, y funciona como estudio de diseño, como espacio para el fomento y la presentación de proyectos artísticos, y como punto de encuentro entre artistas y creadores de diversa índole. Para entender la propuesta basta conjugar cuatro palabras: arte, tecnología, innovación y multidisciplinariedad.
En la zona limítrofe entre Barrio Sur y Palermo, en la esquina de las calles San Salvador y Barrios Amorín, existe una de esas casas recicladas que por fuera parece igual a cualquier otra. Pero detrás de la puerta, y traspasando el recibidor, uno se encuentra con tres enormes pantallas de plasma colgadas en la pared, dos pedestales con pantallas táctiles y una nutrida biblioteca compuesta de libros y revistas de arte, museografía y arquitectura.
Asomando la cabeza a la sala contigua se ve una mesa alargada que flanquea la pared izquierda, y sobre ella varias computadoras. Hacia la mitad de la habitación, dividiéndola en dos ambientes, hay otra biblioteca, ésta compuesta por DVDs, CDs, libros y revistas; y hacia el final de la sala, más computadoras. En la pared del fondo se abre una puerta que da a un pequeño almacén atestado de más libros y equipamiento técnico. Cámaras, micrófonos y proyectores, entre otros aparatos.
Garín pone a disposición de proyectos equipamiento, bastantes proyectores, computadoras que facilitan la realización de algunos proyectos que de otro modo no son posibles.

Según definió, el labLT es “un espacio absolutamente mutante: todo tiene ruedas, todo desaparece, se oculta o se cambia de sitio, es muy versátil, nos ha permitido hacer performances y presentaciones de videos o debates sobre el arte robótico y actividades con tecnologías obsoletas”.
Nú er ég loks kominn heim -Ahora por fin estoy de vuelta a casa
Luego de trece meses de gira mundial donde presentaron su ultimo disco Takk, la banda Sigur Ros vuelve, en el verano de 2006, a su tierra natal de Islandia, para recorrer toda la isla y tocar en paisajes alucinantes, en pueblos abandonados, en un café, en un geriátrico y en la plaza principal de Reykjavik, la capital. Todos los Shows fueron gratuitos y no anunciados. Heima, que significa “en casa” fue filmado por Dean Deblois (Lilo & Stich)
Rosa de Victoria
Banda islandesa de post-rock, con elementos de shoegazing y minimalismo. La banda es conocida por su sonido etéreo y por el falsete de voz de su cantante Jón Þór Birgisson.
De manera totalmente diferente, Sigur Rós presentó el video (o mejor dicho los videos) que promociona el track “Stormur”. Para la promoción de la canción, la banda creó un sitio web en el que se presentan diferentes videos publicados en Instagram con el hashtag #Stormur. Bajo esta dinámica, el video que acompaña el tema nunca será el mismo, pues cada vez que se presione play en la página, nuevos videos aparecerán.
En los últimos años han habido varias bandas que apuestan por crear experiencias y plataformas interactivas como forma de promoción para su música, reemplazando así al videoclip convencional. Entre ellos Arcade Fire, Modest Mouse, y recientemente Kanye West.
Para promocionar Kveikur, su más recientemente album, pusieron en línea una serie de videos de un concierto realizado en Dresden, Alemania. Lo interesante de estos videos es que están grabados con cámaras de 360 grados, por lo que el espectador puede seleccionar la cámara/ángulo preferido, además de hacerla girar alrededor del escenario.
Nació en Montevideo, Uruguay. Comenzó a desarrollar su pasión por la música y la percusión cuando tomó contacto por primera vez con una batería a los once años; desde entonces su vida ha sido un largo viaje, a través de diferentes maestros, ritmos, países y culturas que hacen de su arte algo genuino, atravesando por la vivencia de cada instrumento y cultura nativa.

Dicho recorrido lo llevó a estudiar y vivir en lugares como La Habana - Cuba; Salvador de Bahía, Rio de Janeiro - Brasil; Guinea Conakry, Senegal - África; Lima - Perú; Portugal, Francia, España - Europa.
NICO ARNICHO
SUPERPLUGGED
Se trata de un show íntimo en el que 35 espectadores se disponen alrededor del músico, quien solo en escena hace sonar más de 20 instrumentos primitivos de percusión provenientes de distintas culturas y continentes. Cada espectador al llegar a la sala se coloca unos auriculares, pues es por allí por donde se escuchará el recital. Todos los instrumentos son acústicos pero presentan un micrófono y es con una pedalera de efectos especiales y por grabación que Arnicho va armando el recital, tocando melodías con distintos instrumentos y grabándolas progresivamente unas sobre otras hasta lograr abstraer al espectador de la realidad. Además de ejecutar todos los instrumentos canta canciones en distintos idiomas a distintas voces y en un tema hasta baila al ritmo de la música.

El show se llama Superplugged (superenchufado) porque hace el camino inverso a varias bandas eléctricas de los años ‘90, que grababan canciones desenchufadas (unplugged). El músico confesó que la idea del espectáculo nació de tanto tocar con guitarristas, bajistas y tecladistas que siempre utilizan pedales, cables y efectos. La variedad de instrumentos ejecutados los fue recolectando de numerosos viajes por el mundo en busca de más música.
CAMPO
Santiago Val
El primer cortometraje uruguayo totalmente realizado en lengua de señas.

OEI (Organización de Estados Iberoamericanos) dialogó con la licenciada Natalia Espasandín, del Departamento de Comunicación Audiovisual de la Universidad Católica del Uruguay (UCU), acerca de la filmación del primer corto en lenguas de señas en Uruguay, “Campo”, realizado a partir del guión homónimo elaborado por alumnos de la Escuela N° 116 Especial – Sordos de Salto, galardonado en el concurso “Escritura y Cine” de OEI.
El guion fue presentado mediante un video en el cual señan la historia, esta es la forma mas parecida a la escritura que tiene la lengua de señas: no tiene versión escrita.

El cortometraje, que fue exhibido recientemente en el Congreso Iberoamericano de las Lenguas en la Educación y en la Cultura en Salamanca, fue efectuado íntegramente con actores sordos, exigencia que manifestaron los escolares premiados.
Licenciado en comunicación audiovisual.
TRELSU (textualidad registrada en lenguaje de señas uruguaya).
Uruguay es un país trilingüe, debido a que tiene como lenguas oficiales el español, el portugués y el lenguaje de señas. Todos deberíamos tener el derecho a la información. Los sordos no tienen facilidad con el español al no tener contacto con él y deben ir a una escuela especial.
Lo que plantea es crear un diccionario con los parámetros de la mano sin tener que guiarse mediante el español. Se usa tecnología e informática para enseñar.
Traducir de una lengua a otra genera que se pierdan significados, hay diferencias de lenguajes con otros países y cada persona habla distinto.

Este lenguaje está dispuesto por la configuración manual (forma de la mano, hay 65 hasta el momento), posición, movimiento, orientación y rasgos manuales.
Al ser una lengua tan variante se necesita dejar archivo de esta, para una mejora con respecto al aprendizaje y comunicación.
Se están empezando a filmar como herramienta de expresión y registro.
Es de notoria importancia que se creen diccionarios y registros para un mejor desarrollo y desempeño de esta lengua.
Se acordó trabajar mediante un sistema de desarrollo mixto. Egresados y estudiantes avanzados de las carreras de Comunicación e Ingeniería Audiovisual de la UCU fueron cabeza de grupo, y en otros roles (de guion, traducción, producción y asistencia) se incluyeron itegrantes de la comunidad sorda.
Con respecto a que el desempeño de este trabajo se realizó de manera conjunta, cada una de las partes tuvo que equilibrar los aspectos técnicos con los emocionales para lograr un producto integrado. De manera que fue una ardua tarea, por lo cual se debe valorar este tipo de desarrollo.
Por otra parte, el guion, al no tener versión escrita, la historia es señada y muestra los saltos de intensidad y las emociones que fueron ajustados a un lenguaje audiovisual para su representación. Nunca va a ser la misma historia debido a la forma de contarla y es muy importante que se apoye cualquier producción que la valore.
En definitiva, este concurso dio un pie fundamental en un campo de producción y expresión a nivel nacional de gran trascendencia. Se debe se debe seguir apoyando el desarrollo de esta lengua en su mayor amplitud de crecimiento para que la sociedad reconozca su valor.
Es un show totalmente innovador, no se desprende a las masas debido a que se necesitan auriculares para el desempeño del mismo. Los temas tratados son de historias nativas de cada instrumento y donde surge o de cómo se relacionó el artista frente a él.
Los temas creados por capas crea una sensación de estar en otro lugar.
Una experiencia única, se debería apoyar más el desarrollo de estos espectáculos.

Objectbike
Que puedo decir, la bicicleta es uno de los primeros recuerdos que tengo de mi infancia, a decir verdad es el mejor regalo que recibí en una navidad.
La bicicleta en mi vida no significo un regalo más, significo un aprendizaje, un tener constancia para poder aprender a recorrer mis primeros caminos. ¿Quién no tiene una foto con su primera bici? ¿Quién no recuerda cuando le sacaron las rueditas? Para mi significo un paso importante, sentís que eres grande aunque eres muy pequeño, que estas empezando a crecer y que ya no necesitas tanta contención para poder moverte.
Tuve golpes y caídas, tengo el recuerdo de mis padres que me decían que siempre me tenía que levantar, es una frase que me la decían en todos los aspectos de la vida.


Poco a poco fui progresando y cada vez podía andar mejor, más rápido, sin caídas al fin.
La bicicleta me dio esa primera libertad de que podía hacer las cosas solo sin ayuda de mis padres.
Con el tiempo en el barrio mis amigos también tenían bicicletas, era nuestra máxima diversión, andar por la vereda y algún fin de semana nuestros padres nos llevaban por la plaza para andar mejor.
Todo el día dábamos vuelta en la misma cuadra con mis amigos, ya que nuestros padres no nos dejaban alejarnos más. Igualmente me sentía feliz y contento.

Con el paso de los años me dejaron ir a la escuela solo en bici, escuela que por cierto quedaba muy cerca, luego cuando era más grande me dejaban ir a mis prácticas de fútbol en ella.
Quien diría que se convertiría en mi primer medios de transporte.
Un día me di cuenta que esa bici que tanto amaba me quedaba chica, yo le tenía mucho cariño no me quería desprender de ella. Pero la realidad es que ya no me podía mover en ella, esa bici que me dio tantos momentos de alegría, era hora de cambiarla, pero sin deshacerme de ella. Aun mis padres la conservan como un recuerdo, recuerdo que algún día será de mis hijos.
Con mi primer trabajo me pude comprar una bicicleta, la cual hasta el día de hoy conservo.
Debo decir que la bicicleta me lleva a pensar en los recuerdos más lindos de mi niñez, esos que recuerdo con mucha emoción.

COCO
No tengo idea de cómo empezar, no sé de dónde vengo y ni por qué me encuentro aquí rodeado de todos estos muchachos iguales a mí.
Mucho tiempo he pasado sin darme cuenta pero hoy me puse a reflexionar. ¿Será que no existo? ¿Seré uno más perdido en el montón? ¿Será producto de mi imaginación?
Muchos días vamos de aquí para allá, recorriendo todo tipo de paisajes, y otros, los más oscuros, nos quedamos encerrados en un pequeño cajón de madera en el que apenas entra el aire. No hay certezas del tiempo que estaremos así, podemos estar un rato o tal vez días enteros sin salir. De vez en cuando se abre el cajón y uno espera poder salir, pero a veces toca y a veces no.

Todavía recuerdo cuando vivíamos en la otra casa, vieja y pequeña, apenas tenía un ambiente y era poca la intimidad, nos dejaban sobre cualquier lado y la gente que pasara nos movía de aquí para allá. Me asustaba mucho cuando coco, el cachorro, nos agarraba para jugar. Tanto nos movía que terminábamos exhaustos y mareados. Pobre del que quedara atrapado entre los dientes, lo mínimo era salir con la vestimenta rajada.
Ahora, por suerte tenemos nuestro cuarto y coco maduró, ya es todo un perro y se encarga de descolgar la ropa, aunque me parece que no la dobla porque siempre lo rezongan.

De compañeros sí que podré hablar, desde que tengo memoria ellos me acompañan en toda situación y no porque quieran, sino por cuestiones físicas. Sin embargo, pienso que somos un buen grupo y aunque no estuviéramos atados seríamos igual de unidos porque la suma de las partes forman el todo y por separados seríamos insignificantes.
Aunque parezca que seamos lo mismo, todos somos diferentes, cada uno tiene una personalidad única, están los que no se inquietan por nada y pasan desapercibidos y existen otros que con toda la energía brillan y contagian a los de su alrededor.
Colectivo Random
Es un videodanza interactivo que busca trascender algunos límites. Relaciona aspectos como el sonido, la emoción y el movimiento. Critica el encierro de lo cotidiano.
Video danza interactivo unipersonal, que trata el encierro físico, social y cultural en distintos aspectos de la vida de un individuo. Se presentan tres escenas, la primera muestra el encierro fisico, la segunda relaciona lo cultural -parada ómnibus- y la tercera ya entra en el plano psicológico -cartas- y las decisiones que afectan al personaje. Se basa en la psicología de la Gestalt. La mente configura, a través de ciertas leyes, los elementos que llegan a ella a través de los canales sensoriales (percepción) o de la memoria (pensamiento, inteligencia y resolución de problemas). En nuestra experiencia del medio ambiente, esta configuración tiene un carácter primario por sobre los elementos que la conforman, y la suma de estos últimos por sí solos no podría llevarnos, por tanto, a la comprensión del funcionamiento mental. El todo es mayor que la suma de sus partes. Tiene un carácter lúdico, que te saca del encierro.
Cada hombre construye su propia prisión
Para este video se utilizo un software de captura de movimiento, que traduce las acciones del Performer en sonidos, creando así el ambiente sonoro del video danza. Según los pixeles que se movían se enviaban mensajes midi, lo cuales si el movimiento se centraba en la parte superior sonaba grave y si se localizaba en la parte inferior se generaba un sonido agudo. Lo mismo ocurre con la derecha e izquierda, cuanto más a la derecha producia un sonido más bajo y cuanto más a la izquierda un sonido más alto.
Se trata de piezas de danza filmadas en distintos graffitis de la ciudad de Montevideo, explorando la interactividad con el arte del graffiti, la percepción del color y las bifurcaciones de la danza contemporánea en la actualidad.



Trascendemos el límite del color, interviniendo los graffitis con nuestros movimientos, generando una experiencia de relación entre lo estático y lo móvil, entre lo visual y lo sonoro.


Fantasmosidad
Aplicación interactiva: cámara web, captura de movimiento, visualización en tiempo real de las zonas que se mueven, fundido a foto de fondo.
Se busca romper con que el espectador solo observe la obra, que deje de ser pasivo y fome parte del proyecto.
Se muestra la fotografía de la escena vacía, hay una cámara que proyecta cuando capta que hay movimiento, si no hay vuelve a la imagen original.
Esto es lo que le da esa sensación de "fantamsosidad".

Ya con un largo bajo el brazo, al año ingresa en la Escuela de
Cine del Uruguay donde sigue realizando trabajos
extracurriculares como el corto Romeo Contra La Muzzarella
Lisérgica Asesina (2005), seleccionado en diversos festivales
internacionales. Terminada la carrera concibe el guión de la
comedia juvenil Relocos y Repasados, levantado por la productora
Salado. Con el proyecto es invitado a participar en diversos
laboratorios de guión en Colombia, Chile y Argentina hasta ganar
el premio FONA en el 2009. Apoyado también por Ibermedia y MVDEO
Socio Audiovisual, la película se rueda en marzo y abril del
2012, dirigida por el propio Facal.
Manuel Facal nace en Malmö, Suecia en 1982. Emigra con su
familia a Uruguay a los cinco años y al poco tiempo comienza a
desarrollar una pasión por las historietas, creando las suyas
propias y consumiendo unas cuantas más. Llegada la adolescencia,
la obsesión muta en cine y escribe su primer guión de largo a
los 14 años. Continúa escribiendo hasta rodar el primero a sus
20 años, un esfuerzo amateur de zombies titulado Achuras (2003).
ANDRÉS Y ELÍAS, SE JUNTAN UNA NOCHE SOBRE UN PUENTE A FUMAR SU ÚLTIMO PORRO VERANIEGO. EN EL CAMINO A SU CASA, ELÍAS ENCUENTRA ESCONDIDO UN ESTUCHE QUE CONTIENE CINCO TIPOS DISTINTOS DE DROGAS: MARIHUANA, COCAÍNA, LSD, ÉXTASIS Y KETAMINA.
A LA MAÑANA SIGUIENTE, ELÍAS LLAMA A ANDRÉS ANUNCIÁNDOLE SU HALLAZGO E INTENCIÓN DE JUNTARSE CON VARIAS PERSONAS Y HACER UN EXPERIMENTO: QUE CADA UNO TOME UNA DROGA DISTINTA, A VER QUÉ PASA. EL EXPERIMENTO TOMA UN RUMBO INESPERADO CUANDO LA NOVIA DE ANDRÉS LO LLAMA PARA IR AL FUNERAL DE SU ABUELA.
Con bastante expectativa era esperado el estreno de esta comedia uruguaya, que según se decía - y desde varios sectores se sigue afirmando - podía llegar a ser un soplo de aire fresco y originalidad en el panorama del cine uruguayo. Si bien las películas nacionales ya no son novedad en la cartelera local, también es cierto que la mayoría de esa producción no pasa por el cine de género, y mucho menos por la comedia. Por lo tanto, hay que decir que es bienvenida esta búsqueda de cineastas uruguayos de transitar por rutas no demasiado exploradas, tan legítimas como otras que - afortunadamente - han deparado unos cuantos ejemplos de valía y calidad.


Según sus propias palabras, el director Manuel Facal es gran seguidor de ese género en sí mismo que son las comedias juveniles del tipo Súper Cool (2007), Piña Express (2008) y la reciente Proyecto X (2012). También son claras las referencias a los aspectos más bizarros de la exitosa saga American Pie.
"La historia surgió un poco de qué pasaría si mis amigos estuvieran en una película de drogones…aunque no es necesariamente una línea de película que quiera hacer. Me gustan, y las mezclé con mis amigos.”
En un Montevideo “relativamente realista pero con una inyección de energía y locura” un grupo de amigos encuentra un estuche con sustancias ilegales. Deciden hacer un experimento en el que cada uno consume una de estas drogas, “y ver qué pasa y surgen problemas y tienen que irse de la casa en la que están. Son jóvenes de 20 y pocos años, dos de ellos son adolescentes, es un estilo de reconstrucción de sus memorias de lo que sucedió durante ese día.
"Las drogas no son el tema central, son el disparador del argumento, hay una temática en la película que no son las drogas y que se podría decir que tiene que ver más con crecer, con el paso de la adolescencia a la adultez. Eso es lo que yo veo más como el tema. Pero tampoco hay que agarrarla por el lado de que es una película seria y reflexiva, va más por debajo esto. Se llama Relocos y repasados, eso es lo que vas a ver.”
La puesta en escena apunta a parodiar e incluso degradar el tipo de imagen pulcra y sintética en todo "producto para el público joven masivo", estandarizada por la publicidad televisiva y la cultura de los centros comerciales. Es decir, colores fuertes y vibrantes, intérpretes y modelos caucásicos y con la requerida “belleza ambiental de shopping”, y ritmos pop plásticos acompañantes”.
Proyecto Documental
Licenciada en Comunicación Social, Universidad Católica del Uruguay.
Proyecto documental
Se pretende desarrollar y producir un documental.
Sus vertientes son: Realización documental (El hacer)
Producción documental (Tareas)
Lenguaje auidiovisual (Conocer discusiones teóricas problemáticas)
Historia del documental (Esquemas y líneas que tienen que ver con el

documental)
Actividad
Consigna: Elegir tres objetos que tengo encima que describan mi vida.
La consigna tenía límites (lo que tengo ahora), elegir tres. Hubo discrepancias en cada elección, algunos tuvieron que explicar ya que hubo sorpresas, las respuestas aportaban mas información o comentaban con humor.
Todo esto forma la clave del documental, que es la relativa independencia del factor pro fílmico (lo que va a ser filmado).
Hay cosas independientes al documental, cosas anteriores, simultáneas y posteriores.
Se debe construir la realidad y para ello se debe economizar el relato, lo que se llama costo de oportunidad (lo que descarto).
El espectador va a tener reacciones y discrepancias, van a existir lecturas diferentes (la favorable, la negociada y la oposicional).

"Materia Sensible". Es un producto cultural que intenta generar un espacio donde encontrar material de fotógrafos en su diversidad de estilos y experiencias, entrevistas especiales y toda la información especializada para admiradores de la fotografía.

Surge de la necesidad de ocupar un espacio con el sencillo motivo conductor del arte de hacer como quiero y plagar de sensaciones.
Se divulgan las obras de manera particular ya sean productos nacionales como productos del exterior.

Gabriel Rousserie
Payasos sin fronteras, una expedición.
Es un proyecto documental de circo, en el cual al conocer el ámbito y la forma de trabajo le facilita el espacio.
La llegada con la gente es muy importante para lograr una buena fotografía, ya que esta se rige por el instante decisivo, lo que el circo le permite jugar con eso por su dinamismo y acción.
"Menos es más" pasar de 3200 fotos a 30 es todo un desafío dado que se debe despegar del valor simbólico de ellas.

Ignacio Guani
"Andar solo es como me formé, siempre me gustó, ahora ando junto con mi cámara. Una forma de ver. Esta es mi vida, la de todos los días o casi, relacionada con los paisajes".
Ve y recrea realidades a 150 metros de altura. Un modo de vida. Es su forma de sentir y compartir. Se inspira en Burton Holmes.
Recorre el Uruguay con su casa rodante, bicicleta y parapente.
Las sombras deben ser largas sino queda muy plano y no pasa nada, hay lugares que de abajo se ven divinos y en la altura no es así, lo que con la experiencia se va aprendiendo al igual que no volar mucho sobre el agua ni sobre los montes.
A la noche luego de terminada la jornada lleva un proyector y proyecta sobre una pared blanca de los pueblitos donde estuvo.

Natalia Espasandín
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