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Nuevas Tendencias de Diseño

Catálogo Digital.
by

Andrea Cordero

on 10 November 2011

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Nuevas Tendencias de Diseño
1er parcial 3300 a. C. (cc) image by jantik on Flickr Prehistoria Egipto Grecia Roma Edad Media Renacimiento Barroco Neoclasico 3150 a. C. Utilizaron el interior de las Cuevas como vivienda.
Usaron objetos biodegradables (de orígen animal o vegetal)
Pinturas rupestres Iluminacion por ventanas altas pequeñas.
Vivienda sencilla y pequeña de adobe con un patio interior el cual conducía a 3 habitaciones generalemente.
el moviliario era tambien simple, como butacas, sillas, tripoides, taburetes, lechos de reposo, lechos de mesa (por que se comia tendido).
las paredes estaban decoradas con pinturas y los suelos cubiertos de alfombras y cojínes. Vivian en casas de planta rectangular baja, construida de adobe
puertas de madera y las ventanas se cubrian de esterillas para evita la entrada de moscas polvo y calor
jardines con estanques
comenzaron a hacer muebles de madera con incrustaciónes de piedras, con pinturas y chapas de bronce y plata. Destinaron areas para actividades concretas
en las casas señoriales habia atrio, vestibulo y un patio central.
el mobiliario era escaso, las ventanas eran pocas, pequeñas y sin cristales.
no habia baños, letrinas ni agua corriente solo en algunas mansiones.
decoración lujosa para ocultar la mala calidad de la construcción.
1100 a. C. 753 a. C 476 d.C. Integración del vidrio en ventanas.
viviendas humildes de una sola estancia.
estanteria de madera.
jergones rellenos de paja o maíz para dormir.
la alta sociedad comenzo a construir con piedra mientras que la clase baja mantenia sus construcciones de adobe y paja. 1400 d. C. se comienza a trabajar mas en el mobiliario y en los accesorios.
ventanas mas anchas
balcones
mobiliario con formas simetricas y elegantes.
predomina macizo sobre el vano. 1700 d. C. 1600 d. C. se emplean productos como el vidrio de carrá, alfombras pérsicas y cerámicas
edicficios con plantas complicadas y ornamentacion sobrecargada.
palacios con fachadas dinámicas, utilización de juego de luces y sombras.
uso de linea curva.
uso de materiales ricos para dar sensación de ostentación los muebles eran simples y geometricos, con patas rectas que se iban estrechando de sección redonda o cuandrada.
En los muebles neoclásicos se usaba distinta ornamentación como medallones, dentículos, molduras corintias, jónicas o dóricas y se usaban maderas como el ébano o la caoba.
predominio arquitectónico sobre la decoración. Linea del Tiempo Antecedentes del
modernismo (cc) photo by theaucitron on Flickr WILLIAM MORRIS
Oxford 1834-1896 (Walthamstow, Londres, 1834 - Londres, 1896) Escritor, reformador social, diseñador y artista inglés que a través de su obra literaria, teórica y artística intentó la renovación de la cultura recuperando el espíritu de las artes y oficios medievales. Como diseñador y artesano, su obra ejercería gran influencia en el diseño de libros, en el arte de la impresión, en las artes visuales y en el diseño industrial del siglo XIX. Su ideario social, de signo utopista, quedó recogido en escritos teóricos y en novelas como Noticias de ninguna parte (1890).
En Oxford conoció al pintor prerrafaelista E. Burne-Jones, cuya romántica religiosidad había de producir en él crisis místicas, pronto dominadas por la reflexión y por su amor a la vida. Su pensamiento quedó definido de 1853 a 1855. La fuerte influencia producida sobre él por la predicación de J. Ruskin, y su descubrimiento del gótico en las catedrales de Francia e Inglaterra lo orientaron hacia un "retorno al gótico", basado en razones sociales de carácter libertario, y por ello laico. Fue ésta la más original característica de su ideología, que, en el terreno político, desembocó en su adhesión al Manifiesto de Marx.

Las libres asociaciones corporativas de los trabajadores, y no las catedrales, fueron el motivo fundamental de su elección de la época gótica como período ejemplarmente humano y del que era preciso recuperar el sistema de producción artesana ("...un arte hecho por el pueblo y para el pueblo constituye la felicidad de quien lo crea y de quien usa de él..."); recalcaba con ello su aversión a la máquina. Su ideario estético y social proponía acabar con la distinción entre "el gran arte" y "las artes menores", revitalizar el trabajo manual y promover y realizar un arte para toda la sociedad y no sólo para las élites. Frente al trabajador industrial, que no tenía ningún contacto personal con sus materiales, el artesano medieval sentía, según Morris, el trabajo como alegría y como belleza. Por todo ello fue calificado de utopista y visionario.

En 1861, con un grupo de amigos, entre ellos Rossetti y Burne-Jones, fundó la empresa de decoración Morris, Marshall, Faulkner & Co., que se dedicó a la producción de vidrieras, tapices, alfombras y artículos de artesanía en general, diseñados por los propios artistas y confeccionados manualmente. El grupo de los "prerrafaelistas", que le habían precedido en el mismo combate, colaboró después con él en el laboratorio de arte aplicada y adorno llamado "Arts and Crafts", lo mismo que en el movimiento que lo continuó; Morris había derrochado en esta obra su propio dinero, pero la empresa, idealista y prácticamente paradójica, fracasó; su nombre, sin embargo, se había hecho famoso. Fue entonces cuando Morris bajó a la calle, dedicándose a la lucha social, mientras, por otra parte, brillaba por sus trabajos literarios.

Había comenzado en 1854 a escribir poesías, y en el año 1858 publicó una colección de ellas, La defensa de la Reina Ginebra y otros poemas. Éste fue por cierto también el tema del único cuadro de su obra pictórica, La reina Ginebra, que responde a la perfección a los ideales del grupo prerrafaelista. En 1867 publicó La vida y muerte de Jasón, epopeya que narra las peripecias de los argonautas. El Paraíso terrestre (1868), considerada por J.L. Borges la obra mayor de Morris, consta de una serie de poemas narrativos basados en fuentes clásicas y medievales.

En el prólogo, titulado "Los Vagabundos", canta a "ciertos nobles marineros noruegos" que van rumbo a Occidente buscando el paraíso terrestre y, llegados a una ignota tierra, viven allá en medio de una gente extraña, y allá mueren. Por ellos y por sus huéspedes se suponen cantados los 24 poemitas, puestos alternativamente en boca de uno de los ancianos de la ciudad y de uno de los navegantes. Son poemas de naturaleza novelesca, inspirados en leyendas clásicas y góticas: "Atalanta", "El hombre nacido para ser rey", "La suerte del rey Acrisio", "La historia de Cupido y Psique", "El amor de Alcestes", "Mirando al halcón", "Los amantes de Gudrun" (el más notable), etc. Los poemas están escritos en la llamada rima real, esto es, en estancias de siete versos, que Morris imitó de Chaucer.

En 1875 logró llevar a término la larga y ardua empresa de traducir en versos ingleses la Eneida; en 1887 hacía lo mismo con la Odisea. Mientras tanto había aparecido, en 1876, un largo poema épico suyo, La historia de Sigurd el volsungo y la caída de los Nibelungos. Continuaba, además, su trabajo de decorador, construía vidrieras, muebles, tapices, y realizaba una apasionada vida de agitador: escritos, conferencias, mítines y manifiestos se sucedían sin interrupción.

En 1885 fundó la Liga Socialista y dirigió un diario de la misma, The Commonweal; pero, poco a poco, se convenció de que su buena fe era incompatible con la vida política. Abandonó entonces la Liga, apoyándola, sin embargo, románticamente hasta su muerte. De estos años son sus trabajos de tema social: dos novelas (una de ellas utópica, Noticias de ninguna parte) y los Chants for Socialists, que son una historia del socialismo. Pero su actividad fue absorbida más tarde por la Kelmscott Press, un taller para la impresión y encuadernación de libros a mano que había fundado en el año 1890, y que constituyó una de sus realizaciones más logradas e importantes. Amó ese trabajo más que cualquier otro, y lo atendió, ya pobre, hasta su vejez; todavía en su lecho de muerte le llevaban pruebas de imprenta para corregir. Butaca de Morris con estructura de bastidor, para el Comedor Verde.
Credenza diseñada por Webb para Morris en 1880.
Sus ideas e influencia en la arquitectura y diseño dieron origen al movimiento “Arts and Crafts”
Morris es el primero en arquitectura que ve la relación entre cultura y vida en el sentido moderno estableciendo un puente entre teoría y práctica.
Fue organizador y promotor de las exposiciones de los años 1888, 89, 93, 96, y 99.
Entre sus trabajos mas reconocidos se encuentra la casa de Red Lyon Square, equipada con muebles de Morris, ya que decía que no había nada a la venta que pudiera satisfacerle y esto precisamente despertó su genio personal.
Si no podemos comprar muebles sólidos y honestos, hagámoslos nosotros.
The Red House: Casa construida por Philip Webb para William Morris. El interior fue decorado por el mismo Morris, es a raíz de este trabajo que se creó un paradigma, en el que el mobiliario era algo más que arte. Interior diseñado por Morris. Sus principios pretendían crear una nueva cultura nacional de respeto al trabajo artesanal de refinamiento artístico, moral y social.
“No tengan en sus hogares nada que sepan que no es útil y que consideren que no es bonito” William Morris. Simplicidad en la forma
Sobrio
Funcional
Diseño en tapicería
Calidad en acabados
Uso de color
DetallistaMano de obra artesanal y orgánicaMobiliario mas sencillo (pesado-ligero).Conocimiento de materialesRevaloro a los artesanos Las características de su mobiliario es el siguiente: CHARLES RENNIE
MACKINTOSH
Charles Rennie Mackintosh (7 de junio de 1868 – 10 de diciembre de 1928) fue un arquitecto, diseñador y acuarelista escocés, que tuvo una importancia fundamental en el movimiento Arts and Crafts y que además fue el máximo exponente del Art Nouveau en Escocia.
Protomodernista (antecedente del modernismo). Trata de reformar rompiendo con lo anterior. Saltó a la fama después de exponer sus muebles en la Secesión de Viena en 1900. Formó parte del grupo “Los cuatro” de Glasgow, creado en 1897. Fue su principal figura.
Toma elementos del Arts and Crafts, y fue muy bien aceptado por la oposición al Art Nouveau belga (fue un héroe para la Secesión).
Era uno de los Arquitectos mas destacado de los personajes vinculados al Art Nouveau (incluyendo a Victor Horta), pero después de 1913 no recibió más encargos y murió en la miseria en 1928 (miseria que también está relacionada con su afición a la bebida). INFLUENCIAS

En su infancia Mackintosh vivió en una zona verde de la ciudad de Denistom, donde se aficionó a la jardinería, desarrollando una valoración profunda de la naturaleza, de donde más tarde sacaría su estética orgánica.1
En 1884 entró como aprendiz en el estudio del arquitecto John Hutchinson, donde se estaría formando durante cinco años. Al mismo tiempo, asistía a clases nocturnas de dibujo y pintura en la Escuela de Arte de Glasgow, adquiriendo una gran destreza en el dibujo y diseño, así como acuarelista. Este fue un periodo de duro trabajo pero, a la vez, recompensado con varios premios. Sería en las clases nocturnas donde conocería a las personas con las que más tarde formaría el grupo The Four (los Cuatro), las hermanas Frances Macdonaldy Margaret Macdonald, con quien más tarde se casaría, y Herbert MacNair, colega de trabajo en estudio de Honeyman & Keppie, donde entraría a trabajar en 1889 y permanecería hasta 1913.2 En 1890, la concesión de la beca de viaje Alexander-Thomson –que ganó con el diseño de un edificio público de estilo clásico griego– le permitió recorrer en 1891 Francia, Italia y Bélgica durante tres meses. En 1896, su proyecto ganó el concurso para realizar la Glasgow School of Art (1896-1909), su obra maestra. El grupo The Four participó en una exposición de la Arts & Crafts Society de Londres en 1896, lo que propició su lanzamiento internacional, gracias a los favorables artículos que escribió el famoso crítico Gleeson White, a quien impresionaron, sobre todo, los muebles diseñados por Mackintosh, de roble tratado al natural y ornamentados con detalles de una gran simplicidad.
En colaboración con su mujer, amuebló a partir de 1896 varios salones de té en Glasgow; también recibió encargos de Inglaterra y del extranjero para realizar villas y viviendas; entre ellos, uno para realizar un salón de música para Fritz Waerndorfer.3
El grupo The Four participó también en la VIII Exposición de la Secesión vienesa de 1900.
En 1915 el matrimonio Mackintosh se trasladó a Londres, donde permaneció hasta el final de sus días, a excepción de los años 1923 a 1927, durante los cuales residió en Port-Vendres (Francia), donde se dedicó a la pintura (acuarelas).
En Londres los Mackintosh se dedicaron a los trabajos gráficos y a las artes del libro. Murió en esta ciudad, el 10 de diciembre de 1928. Concepto de Diseño

Liberado de ataduras con lo histórico, aunque su formación había transcurrido en el revival gótico, se decide por la geometría, por lo cúbico, los juegos de líneas rectas y el gusto por la línea ascendente.
En un principio desarrolla su estilo en la superficie, sus ornamentos son planos. Su fantasía es desbordante y tiende a crear formas abstractas. Líneas paralelas verticales delgadas, muy finas, interrumpidas por cuadrados pequeños que, aun conservando su rigidez, no dejan en algunos momentos de ser laberínticas. Como en el fino tallo Art Nouveau, que va configurando sin solución de continuidad todo un espacio, o los trazos continuos de Beardsley, Mackintosh no renuncia a ensamblar individualidades, creando esos espacios al mismo tiempo compactos y perforados, armonizando los adornos (picaportes, verjas, herrajes) con su fondo, segmentada la pared, segmentado el respaldo, estrecho y muy alto de las sillas que también están integradas en el ambiente (Los Willow Tea Rooms de Glasgow, 1904). Los respaldos también pueden ser muy bajos y sólidos, evidenciando la consistencia de la madera, o curvados en arco, de apariencia casi escultórica, o afilados y estrechos con listones que se cruzan ortogonalmente (el denominado crate style6 ).
Características estilísticas y formales

Para comprender su obra es preciso considerar que cada proyecto es una unidad organizada, ya sea en arquitectura o en decoración de interiores, en la que el todo es mucho más que la suma de las partes. Quería dar a su obra una orientación funcional y espiritual, gracias a una aproximación de la arquitectura y del dibujo, asociando el simbolismo y el equilibrio entre factores opuestos: modernidad-tradición, masculino-femenino,7 luz-oscuridad, sensualidad-castidad.
El símbolo de la rosa (elaborado, según parece, a partir de una col seccionada), de forma muy contundente, que se convertiría en la marca del grupo.
Los Cuatro comparten con el modernismo más normativo el interés por la línea, pero la suya es más previsible, ascendiendo con suavidad y evitando los fuertes contrastes. También comparten el interés por la naturaleza, aunque buscando en ella estructuras esenciales, dibujando paisajes que nos remiten más al inicio de la primavera que a su estallido.
Los juegos entre simetría y asimetría, que le van a acompañar siempre, se pueden seguir fácilmente desde el armario-cajón de su despacho, a la fachada de la Glasgow School of Art.
La influencia oriental estaba todavía muy viva en aquellos momentos, sobre todo a través de los esteticistas, que permanecían activos, y es de suponer que éstos eran bien conocidos por Mackintosh.
También diseñará tejidos con estampados rítmicos de gran colorido que anticipan el Art Déco. ART NOUVEAU CORRIENTE ARTISTICA QUE SE DIO A FINALES DEL SIGLO XIX Y PRINICPIOS DEL XX. NACIÓ SIENDO UNA OPOCISION AL ECLECTICISMO.ALREDEDOR DEL MUNDO SE LE CONOCIÓ DE DIFERENTES MANERAS:
ART NOUVEAU = FRANCIA Y BELGICAMODERN
STYLE = INGLATERRA
SEZESSION = AUSTRIA
JUGENDSTIL = ALEMANIA Y PAISES NORDICOS
LIBERTY = ESTADOS UNIDOS
FLOREALE =ITALIA
MODERNISMO = ESPAÑA E HISPANOAMERICA

CARACTERÍSTICAS: DISEÑO INTEGRAL, TODO SE HACIA EN BASE A LAS CARACTERISTICAS DEL ART NOUVEAU.UTILIZACIÓN DE FORMAS NATURALES Y ORGANICAS.APARECE LA LINEA HORTA.DISEÑOS EXCLUSIVOS E UNICOS.EXTREMADAMENTE CARO.PRESENCIA DE MUJERES ESBELTAS, CON CABELLOS RIZADOS Y SUELTOS.ASIMETRIA EN LOS DISEÑOS.SE PODIA REALIZAR EN UNA VARIEDAD DE MATERIALES DE CONSTRUCCIÓN.DISEÑO ROMANTICO.EL ART NOUVEAU SE DIO EN DIFERENTES LUGARES DE EUROPA Y AMERICA DURANTE ESA ÉPOCA: PARIS (FRANCIA), NANCY (FRANCIA), BELGICA ITALIA, VIENA, MÉXICO, ESTADOS UNIDOS, ESPAÑA. PARIS CARACTERISTICAS EN FRANCES “ART NOUVEAU” SIGNIFICA “ARTE NUEVO”.ESTE ESTILO COMPARTE LAS DIFERENTES CARACTERISTICAS YA MECIONADAS ARTERIORMENTE, COMO LA LINEA LATIGAZO.EL ART NOUVEAU FUE UN ESTILO RICO, CARO Y VOLUPTUOSO, ESTABA HECHO PARA LA GENTE QUE PUDIERA PAGAR LOS EXCLUSIVOS DISEÑOS.
El auge del Art Nouveau llega con proezas técnicas relacionadas con los progresos de la construcción metálica: la Torre Eiffel nace a 300 metros en 1889.

NANCY JUNTO CON PARIS, NANCY SE CONVIRTIÓ EN UNO DE LOS LUGARES MAS IMPORTANTES DE ART NOUVEAU EN FRANCIA.
EN NANCY SE CREO LA “ÉCOLE DE NANCY” (ESCUELA DE NACY), LA CUAL REUNIÓ A DIFERENTES TIPOS DE ARTISTAS, COMO DECORADORES, ARTESANOS, PINTORES, ETC.MAJORELLE SE CONSIDERA COMO UNO DE SUS LIDERES.
EMILLE GALLE ESTE DISEÑADOR FRANCES SIGUE LOS PRECEPTOS DE WILLIAM MORRIS ANTES DE 1880.SE INSPIRA EN EL VIDRIO CAMEO CHINO, PARA HACER SUS CREACIONES, LAS CUALES FUERON UNA INFLUENCIA PARA TIFANY EN ESTADOS UNIDOS. BÉLGICA
Los ondulados y elásticos órganos de animales sirvieron de modelo a las líneas del art-nouveau en Bélgica. Los colores irisados de las alas de las libélulas y de las mariposas, el cambiante colorido de los caparazones quitinosos de los escarabajos e insectos en general tiene su correspondencia en la escala cromática del modernismo belga. Los arquitectos belgas respondieron de la manera mas estricta y con genialidad a la exigencia. Podemos decir que, junto a Héctor Guimard, fue le belga Víctor Horta el que invento el “nuevo arte”, el art nouveau, en la arquitectura, en la que el hierro aparece esbelto, musculoso, estáticamente efectivo.
EL PRINCIPAL AUTOR DEL MODERNISMO EN BELGICA FUE VICTOR HORTA, ENTRE SUS OBRAS MAS DESTACADAS ENCONTRAMOS:
• Hotel van Eetvelde
• Hotel Tassel
• La Maison du Peuple
GUSTAVE STRAUVEN.FUE UN ARQUITECTO QUE COMOPARTE CON HORTA SU CONCEPCIÓN DEL ESTILO Y SU ENTUSIASMO POR EL MATERIAL “HIERRO” QUE NO EMPLEO DE TODOS MODOS, EN SU MUSCULODA FORMA RECTILINEA, SINO AL QUE DIO UNA FIGURA MUY PERSONAL, EN UN GRACIL, “MALEZA ORNAMENTAL”.
Paul Hankar fue un diseñador de muebles y arquitecto, su obra mas reprecentativa es la Maison Cianberlani, esta obra muesta elementos de la arquitectura cuatrocentista del norte de Italia.
Henry Van de Velde : Estuvo ligado al modernismo pero más tarde evolucionó hacia el racionalismo, mostrándose partidario de la ausencia de ornamentación.
Despacho exhibido en la exposición de 1897 en Múnich, de roble esculpido, este despacho intenta cautivar al usuario y atraerlo, en cierto modo quiere mostrar que puede prestarle apoyo en su trabajo y que posee todos los requisitos necesarios para la concentración.
ITALIA
En Italia el modernismo no paso de ser un simple episodio, en Italia y Rusia se concentraron las energías para presentar de manera súbita e imprevista, como un golpe de sorpresa al futurismo y supermatismo. Aunque la profusión floral de la arquitectura alrededor del cambio de siglo desemboco en el azucarado estilos de los pomposos edificios.
El artista del periodo modernista de Italia cuya proyección hacia el futuro fue Antonio Sant´Elia. Formado en la concepción artística de vienes Otto Wagner, también Sant´Elia empezó a transformar prácticamente el arte en un bien para todos, pues se intereso por los grandes complejos de edificios y por una planificación urbana de nivel técnico moderno. Proyecto casas en terraza, torres de ascensores, así como distintos niveles del trafico.
VIENA
Otto Wagner, Gustav Klimt, Joseph Maria Olbrich, Josef Hoffmann y Koloman Moser fundaron este grupo artístico. De las ideas de este grupo desarrolló un estilo que incluía referencias cuasi-simbólicas a las nuevas formas de modernidad. Aunque la secesión es incluible en el modernismo, corresponde señalar que presenta importantes diferencias con el contemporáneo Art Nouveau y con otros estilos semejantes a este; en la secesión, aunque se busca la elegancia, predomina la sobriedad formal, e incluso cierta severidad, en los casos en que se transgrede la sobriedad sale a la luz el expresionismo, y en muchos aspectos por su rupturismo la secesión ya es incluible dentro del vanguardismo.Los artistas vieneses querían dar a su arte una expresión despojada de sus velos y nada envuelta en accesorios. Un arte propio. No quieren imitar al arte exterior, pero sí que les sirva de inspiración y análisis.La decoración es modernista, ni orgánica, ni naturalista sino estilizada y abstracta. La tipografía es un elemento determinante, le dan gran importancia a la letra, esta tiene un valor formal, compositivo y comunicativo.Algunos secesionistas como Joseph Maria Olbrich y Kolo Moser trabajaron en un primer momento en el estilo “ Jugendstil floral”, pero hacia 1900 ya estaba orientado hacia la conexión de estructuras verticales y horizontales.Josef Hoffmann. Gran maestro del modernismo, y fundador de la Sezession. Tiene claras influencias de Mackintosh, como sus formas de geometría cuadrangular.Otto Koloman Wagner (Penzing, 13 de julio de 1841 Viena, 11 de abril de 1918) fue un arquitecto austríaco. En su primera época su estilo se caracterizó por la robustez y la sobriedad clásicaGustav Klimt (14 de julio, 1862 6 de febrero, 1918) pintor simbolista austríaco. Empezó a estudiar cuadros impresionistas, neoimpresionistas, puntillistas y simbolistas y esto le dio el estímulo para crear una forma específicamente austríaca del Art Nouveau. Aportacion de Klim en el palacio Stonclet.

ART NOUVEAU EN MÉXICO
EN CUANTO A LA ARQUITECTURA, SE CONSTRUYERON EDIFICIOS Y CASAS CON FACHADAS Y DECORACIONES INTERIORES QUE RETOMARON ELEMENTOS DE DICHO ESTILO, LO CUAL NOS PERMITE SUPONER QUE LOS MODELOS DE ART NOUVEAU TUVIERON ACEPTACIÓN EN LA SOCIEDAD MEXICANA DE LA ÉPOCA.LA MAYOR INFLUENCIA DE ART NOUVEAU EN MÉXICO SE PRESENTA EN LA ARQUITECTURA HABITACIONAL.EL ART NOUVEAU NO SE PRESENTÓ DE MANERA PURA EN EL PAIS.CASI SIEMPRE EN LOS EXTERIORES SE DESPLIEGA GRAN IMAGINACIÓN AL RESALTAR LAS FACHADAS POR MEDIO DE:VOLUMENES SALIENTES.LINEAS CURVAS.ELEMENTOS VEGETALES.

ESTADOS UNIDOS
El Liberty (en inglés, libertad) es un estilo artístico encuadrado dentro del movimiento conocido en España como modernismo (Art Nouveau).TIFFANY Procede esta denominación de los almacenes londinenses "Liberty & Co." que, gracias al apoyo a los diseñadores de este nuevo estilo por parte de su propietario Arthur (Lasenby) Liberty, suministraron a finales del siglo XIX objetos pertenecientes a este movimiento desde Inglaterra, dando a conocer la tendencia.ESPAÑA Antonio GaudíEL

ART NOUVEAU ESTUVO FUERA ANTES DE LA PRIMERA GUERRA MUNDIAL. ENTRE LOS 20S Y 50S FUE CONSIDERADO COMO UN ESTILO MORIBUNDO.EN 1960 SE COMENZARON A RETOMAR ALGUNOS ELEMENTOS QUE DIERON LUGAR A NUMEROSAS EXHIBICIONES. COMENZARON A APARECER EN VENTA OBJETOS MUY CAROS.A FINALES DE LOS 60S EL ART NOUVEAU ARCHIVÓ SU LUGAR COMO UN SIGNIFICATIVO ESTILO EN LA HISTORIA DEL ARTE MODERNO. ART DECÓ Pertenece a la época de lujo y decadencia de la gran depresión de la postguerra. 1904-1930
Es la época de los gánster, el jazz y los salones suntuosos.
Tomó su nombre de la exposición Internacional de Artes Decorativas e Industriales Modernas, que se celebró en París en 1925.
Se manifiesta todo tipo de arte y diseño, edificios, joyería, automóviles, aparatos domésticos y espacios interiores.
Se construyen los primeros rascacielos en Nueva York, Chicago etc.

ART DECÓ EN EUROPA
Surgió en la Exposición Internacional de las Artes Decorativas en París en 1925.
En ese tiempo los países gozaban de cierta prosperidad económica e industrial.
Sus representantes fueron: Murice Dufrene, Jean Dunand, André Groult, Paul Follot, Edgar Brandt.
CARCTERÍSTICAS:
• Profusión ornamental
• Lujo en los materiales
• Frecuente recurso a motivos geométricos y vegetales
• Decoración por encima de la funcionalidad
°CONCEPTOS:
• Abstracciones de la naturaleza
• Rayos luminosos radiantes, fluidos acuáticos, nubes ondulantes
• Fauna (velocidad: gacelas, galgos, panteras) representada geométricamente
• Formas fitomorfas (flores, cactus, palmeras) representadas geométricamente.
FORMAS:
° Geométricas, vegetales, escalonadas, zigzag, fuentes, motivos de culturas prehispánicas (azteca, maya, inca…), formas inspiradas en descubrimientos arqueológicos en Egipto, Mesopotamia, vikingos, africanos o indios.
° El Art Déco se da en autos, aparatos domésticos, ramas y especialidades del arte y artesanía, textiles, joyería, pero principalmente en la arquitectura y diseño industrial.
° Se utilizaron materiales como los plásticos, cromo, aluminio, baquelita, mármoles, maderas exóticas como el ébano y el palisandro, granito.
ART DECÓ EN ESTADOS UNIDOS
A finales de los años 1920, la influencia del Art Déco se hace sentir en la arquitectura americana, mezclándose con las exigencias urbanísticas locales y las fuentes de inspiración precolombinas.
• Simplificación geométrica
• Estilización
• Empleo de materiales lujosos
Está principalmente ilustrado en:
• Los rascacielos de Nueva York
• Hoteles y edificios de departamentos en Miami
• Otras realizaciones aisladas en distintos lugares del país.

Los principales representantes fueron:
William F. Lamb, William Van Allen y Kem Weber
¨En Nueva York a pesar de la crisis de Wall Street en 1929, los rascacielos se elevan sobre el suelo como el Empire State Building que esta calificado como maravilla del mundo moderno, el Rockefeller Center, enorme complejo situado en el corazón de Manhattan. Para sostener este arranque y bajar el paro en el sector de la construcción, el presidente Roosevelt invierte en una serie de grandes obras públicas.
¨El Art déco tuvo un desarrollo singular en Florida: numerosos hoteles se construyeron en Miami Beach después del huracán de 1926.
¨Elementos decorativos en estuco y en mármol
¨Representan la fauna y la flora locales (flamingos, palmeras...) por lo que se habla de una tendencia Tropical Art Deco
¨Utiliza colores pastel.
¨La comisión de los sitios históricos ha clasificado más de 800 de estas construcciones que se concentran en Lincoln Road Mall y Ocean Drive.
¨El Art Déco de FLORIDA se declinará en cuatro tendencias de los años 20 a los años 40:
• §Zig-zag modern
• §Mediterranean revival
• §Streamline moderne
• §Depression modern

Fases del Art Deco en MÉXICO:
1. Arte Deco Geométrico : Estilo clásico que se basa en las figuras geométricas como escalonamientos , rayos del sol y ventanas verticales
2. Spanish : Termino dado por los Estadounidenses (se utilizan torres y torreones)
3. Neoplateresco : Tiene relieves con plumas, gacelas, etc.
4. Neobarroco : Se pueden encontrar grandes manifestaciones de este estilo en las casas en la colonia Polanco en la CD de México
5. Neoprehispanico : se retoman modelos de las culturas prehispánicas así como centro americanas
6. Deco-funcionalismo : se comienza a fusionar el estilo con el funcionalismo eje: ventanas horizontales (se encuentran en el interior de los edificios de la avenida Adolfo López Mateos en la CD de León Gto.)
Se integran las pérgolas cubiertas de teja
Características
1. -Columnas estriadas
2. -Abocinados (entradas remetidas)
3. -Cornisamientos
4. -Guardapolvos y rodapiés en granito
5. -Utilización de bronce
6. -Color dorado, aleaciones metálicas
7. -Edificios con su nombre
8. -Marquesina
9. -Piso en Domino
10. -Arco poligonal
11. -Alerones
12. -En esencia es funcionalista
13. -Se integran elementos construidos en concreto armado
14. -Diseño integral
15. -El estilo Deco permite la construcción de piezas en serie
Art Decó en México
•En México, los primeros ejemplos de arquitectura con elementos compositivos propios del Déco surgieron en la capital del país en los inicios del segundo lustro de los años veinte.
•Citamos algunos de los elementos que consideramos más significativos: implantó nuevas formas de diseño que fueron relacionados con la idea de "novedad arquitectónica"; respondió al llamado a la sinceridad arquitectónica, que ya desde finales del siglo XIX había cuestionado al historicismo.
Características
•Fue una arquitectura que eliminó de su discurso el contenido estético, logrado mediante la composición y el uso de los materiales de la historia y de la tradición vernácula; esta fue en los años cuarenta la gran arquitectura nacionalista que se ufanó de haber construido el México moderno.
•El Déco fue capaz de descubrir el modo de ser, los símbolos y la identidad de una sociedad que, habiendo vivido una revolución, demandaba cambios totales de contenido y continente.
•Las Fachadas con amplios paños, ventanearía rectangular, accesos remetidos con un sombreado profundo provocado por una marquesina; en los interiores, un ambiente de elegancia logrado con pisos de mosaico formando dibujos geométricos, aplicaciones de herrería con diseños lineales, iluminación eléctrica proveniente de lámparas y focos en cornisas, mobiliario con soportes tubulares cromados, revestimientos de tela afelpada y trabajos en madera con un cuidadoso tratamiento de vetas y tonalidades
El racionalismo arquitectónico, es la depuración de lo ya sobresaturado, dejando solamente lo esencial, lo practico y funcional para cada situación.

En la escuela francesa de la Bauhaus destaca la importante labor investigadora del arquitecto Le Corbusier, principal figura del racionalismo europeo y mundial.
El nombre Bauhaus deriva de la unión de las palabras en alemán Bau, "de la construcción", y Haus, "casa.
La Bauhaus, fue la escuela de diseño, arte y arquitectura fundada en 1919 por Walter Gropius en Weimar (Alemania) y cerrada por las autoridades prusianas (en manos del partido nazi) en el año 1933.
La Bauhaus sentó las bases normativas y patrones de lo que hoy conocemos como diseño industrial y gráfico; puede decirse que antes de la existencia de la Bauhaus estas dos profesiones no existían tal y fueron concebidas dentro de esta escuela. Racionalismo Predilección por las formas geométricas simples, con criterios ortogonales. Empleo del color y del detalle constructivo en lugar de la decoración sobrepuesta. Concepción dinámica del espacio arquitectónico El uso limitado de materiales como el acero, el hormigón o el vidrio (nuevos materiales). CARACTERISTICAS
• Nació en 1902 en Guadalajara, donde hizo sus estudios profesionales y se graduó como ingeniero civil y arquitecto en 1925. Tras terminar sus estudios estuvo en Europa durante dos años, durante este se impresionó de la belleza de los jardines de las ciudades que visitó, como el Generalife de Granada y los de las villas italianas y de la costa del Mediterráneo. Desde entonces conservó su interés por la arquitectura del paisaje.
• De regreso a Guadalajara construyó algunas residencias, varias de las cuales fueron publicadas en revistas de los Estados Unidos, como el Architectural Record, e italianas.
En 1936 se trasladó a la ciudad de México, donde se instalaría definitivamente. Hasta 1940 ejerció su profesión construyendo algunos edificios de apartamentos en la colonia Cuauhutémoc y algunas pequeñas residencias.
• El arquitecto desarrolló el proyecto total de planificación y urbanismo para la firma Jardines del Pedregal de San Ángel, en el mismo fraccionamiento diseñó varios jardines y obras ornamentales y estableció normas de construcción a fin de crear un ambiente armónico en términos arquitectónicos y evitar destruir la belleza del paisaje. El desarrollo del Pedregal ocupó a Barragán de 1945 hasta 1952,.
• Entre 1952 y 1955, comenzó también la reconstrucción del convento de las Capuchinas en Tlalpan, donde edificó una capilla nueva.
• En 1955 desarrollo para el Banco Internacional Inmobiliario la planificaron completa, con jardinería y obras de ornato, del fraccionamiento residencial Jardines del Bosque, en Guadalajara.
• En 1957 fue invitado por la empresa que desarrollo ciudad Satélite para constituir el símbolo de la urbanización, para el cual Barragán, ya con la idea definida de que consistiera en un grupo de elementos verticales de gran proyección publicitaria, invitó al escultor Mathías Goeritz a colaborar en el desarrollo del proyecto
• El mismo año Barragán promovió un fraccionamiento residencial al norponiente de la ciudad de México, Las Arboledas, para el cual hizo el proyecto completo de planificación, incluyendo obras de ornato y la arquitectura de paisaje general.
José Villagrán García nace en México, D. F., el 22 de septiembre de 1901 y muere el 10 de junio de 1982 fue un arquitecto mexicano. Es reconocido por el desarrollo de una teoría de la Arquitectura y es considerado como uno de los maestros de la nueva arquitectura mexicana del siglo XX, participó en el plan maestro de la Ciudad Universitaria de la UNAM.

Realiza sus estudios profesionales en la Escuela de Arquitectura de San Carlos entre 1918 y 1922. Se recibe de arquitecto el 1 de octubre de 1923.
Premio de la Bienal de Arquitectura de São Paulo, Brasil; 1955.
Premio Nacional de Artes, por el gobierno de México; 1968.
Premio Nacional de Arquitectura, de la Sociedad Mexicana de Ingenieros y Arquitectos, México, D. F.; 1981.

Su libro Teoría de la Arquitectura, publicado en 1962 por el Instituto Nacional de Bellas Artes.

El valor de lo arquitectónico se integra con formas de valores:
· Útiles · Lógicos · Estéticos · Sociales
RACIONALISMO EN MÉXICO De origen cubana, estudió arte, arquitectura y diseño industrial en estados unidos y Europa estableciéndose después definitivamente en nuestro país, en donde se convirtió en pionera del diseño industrial local. Diseños sublimes, sutileza en sus líneas y sencillez son la característica principal de su trabajo que goza total contemporaneidad.
Discípula de Josef albers, precursor de la bauhaus, clara porset es la mujer detrás del genio, colaboró con los arquitectos mexicanos más importantes de la década de los 40´s y 50´s -maxcetto, Mario pani, enrique Yáñez entre otros- destacando su participación con Luis barragán.
tras su muerte en 1981, porset heredó a su querida escuela - centro de investigaciones de diseño industrial de la unam de la que fue profesora, su biblioteca, archivo y bienes mismos que dieron lugar al actual concurso premio beca clara porset otorgada por la fundación clara porset.
Nació en Coyoacán, en 1905 y murió en 1982. Pintor mexicano. Contemplado en muchos estudios como el último representante de la estirpe de los grandes muralistas mexicanos, que florecieron en la primera mitad del siglo XX.

Influido por las teorías del funcionalismo construyó escuelas y casas-habitación, como la del muralista Diego Rivera (1931).

Construyo la Biblioteca Central de Ciudad Universitaria (1949-1951)

Admirador de los arquitectos funcionalistas europeos, especialmente de Walter Gropius.

Sus obras se caracterizaron esencialmente por el empleo del cemento armado, los exteriores asimétricos y una constante búsqueda de aire y luz. JUAN O`GORMAN LE CORBUSIER (Charles-Édouard Jeanneret; La Chaux-de-Fonds, 1887 - Cap Martin, 1965) Arquitecto francés de origen suizo que fue, junto a Walter Gropius, el principal protagonista del renacimiento arquitectónico internacional del siglo XX. Además de ser uno de los más grandes renovadores de la arquitectura moderna, fue un incansable agitador cultural, labor que ejerció con pasión a lo largo de toda su vida. Con sus escritos se ganó una merecida fama de polemista y aportó un verdadero caudal de ideas innovadoras que han hecho que su obra influya decisivamente en la arquitectura posterior.

Con una formación tan sólo artesanal, construyó su primera casa a los diecisiete años. Aprendió después con los mejores arquitectos de su época: Joseff Hoffmann, Auguste Perret y Peter Behrens. En 1919 fundó con Amadée Ozenfant el purismo, una derivación del cubismo. También había creado una revista, L'Esprit Nouveau, desde la que lanzaba sus proclamas contra la Escuela de Bellas Artes y fustigaba los dictados de una tradición anquilosada y obsoleta.

En 1921 Le Corbusier publicó un artículo en el que exponía un concepto totalmente nuevo de vivienda. Para guardar concordancia con su tiempo, la casa debía ser una "máquina para vivir" y homologarse al resto de bienes que configuran la sociedad tecnológica. Con ello no defendía la estética ni el espíritu maquinista, sino que trataba de hacer una casa tan eficaz funcionalmente como lo eran las máquinas en las tareas para las que habían sido inventadas. Le Corbusier la fundó en torno a cinco puntos básicos: utilización de pilotis (elementos de sustentación), jardines en el tejado, libre conformación de las plantas, ventanales continuos y libre formación de la fachada, todo ello dentro de un estricto orden geométrico como único generador de "volúmenes puros". Estas soluciones pasarían a ser las características fundamentales y paradigmáticas del racionalismo arquitectónico.
La utopía de Le Corbusier fue crear una nueva realidad urbana, una ciudad que fuera una síntesis entre naturaleza y desarrollo tecnológico. Para ello, arquitectura y urbanismo debían estar perfectamente integrados. Le Corbusier concebía el urbanismo como interacción del espacio de la civilización en el espacio de la naturaleza y su ciudad ideal.
Le Corbusier realizó planes urbanísticos para muchas ciudades, entre ellas París (1925), Argel (1931), Barcelona (1932), Estocolmo (1933), o Saint Dié (1945). En la Carta de Atenas (1943), su escrito más importante junto a Hacia una arquitectura (1923), Le Corbusier enunció los principios generales que inspirarían las nuevas tendencias del urbanismo moderno. Entre ellos destaca la apuesta por la edificación abierta que, al contrario de la planificación basada en manzanas cerradas, permite la concentración de viviendas en altura para dejar grandes espacios abiertos ocupados por jardines; además, Le Corbusier propugnaba la sectorialización de la ciudad, dividiéndola en áreas especializadas (comerciales, administrativas, lúdicas). Nació en Brownswood, Irlanda. (9 de agosto de 1878 - 31 de octubre de 1976) artista, diseñadora de muebles, de interiores y arquitecta irlandesa bien conocida por incorporar el trabajo de la laca con lujo en el International style. Fue una de las primeras mujeres reconocidas internacionalmente en la actividad del diseño industrial.
Diseñadora de mobiliario, accesorios para decoración y proyectos arquitectónicos. Pionera, como mujer, dedicada a estas ramas del arte, comenzó su carrera en Londres, estudiando en la escuela Slade, y seguidamente, alrededor de 1902, se radicó en París, en esa época centro de la actividad artística europea.
La emigrante anglo-irlandesa empezó a experimentar directamente con la arquitectura desde 1926, cuando se convirtió en colaboradora del arquitecto rumano Jean Badovici (1893-1956), quien le confirió todo su conocimiento en la materia. Únicamente nueve de las obras de Gray y renovaciones de interiores se llevaron a cabo, y cuatro de ellas fueron atribuidas a Badovici, dada la semejanza de estilos, y aún el trabajo de Gray continúa inspirando a arquitectos y diseñadores.
Más de 45 proyectos se encontraron en su archivo, muchos de los cuales representados sólo por pequeños y simples esbozos y/o permanecen formalmente sin resolver. No dejó testimonio acerca de sus reuniones con clientes; sin duda, hasta el final de su vida, Gray negó que hubiera tenido cliente alguno. Por otra parte, para sus diseños más conocidos, dos casa que proyectó para Badovici y para ella respectivamente, Gray hizo elaborar presentaciones aportando además numerosas fotografías. Mostró sus intenciones en un diálogo con Badovici que publicó en un artículo de L'Architecture Vivante, referente a la E.1027, la casa de veraneo de Roquebrune, Francia, que construyó junto con Badovici. Ésta, junto con su mobiliario, se exhibieron en París en el Salon d'Automne y el Union des Artistes Modernes (UAM), grupo de diseñadores de la que ella fue miembro fundadora. Le Corbusier fue un ferviente admirador de la arquitectura de Gray.
Su trabajo combinó laca y maderas raras, abstracción geométrica y adornos japoneses . Esto atrajo la atención de Jacques Doucet, un connoisseur y colecccionista del arte que comisionó algunas piezas y ella solo firmó y fechó las creaciones. Sus diseños interiores generaron mucha alabanza y acuerdo en la prensa. EILEEN GRAY Francés de nacimiento pero educado en Londres, René Herbst trabajó en varios estudios de arquitectura de Londres y Frankfurt, tras varios viajes de estudios que lo llevaron también a Rusia e Italia.
En sus primeras obras se notan claramente las influencias del movimiento Arts and Crafts y del Jugendstil.
En 1929 fundó en París, junto con Le Corbusier y Eileen Gray entre otros la Union des Artistes Modernes, como reacción a los excesos decorativos del Art Déco, predominante en la época.
Herbst fue precursor en el uso de los metales industriales y fabricaba sus muebles en la empresa que él mismo había fundado. Es famosa la silla que presentó en el 29 en el Salon d'Automne de París: estructura en tubo de acero, asiento y respaldo de tiras elásticas, normalmente usadas para sujetar los paquetes a las bicicletas.
No solo se dedicó a la arquitectura y el diseño, sino también a escaparatismo e iluminación.
Enamorado del “mundo moderno”, estaba firmemente convencido de que sacar el arte "a la calle" era el mejor modo de encauzar las ciudades hacia el siglo XX. RENE HERBST LA BAUHAUS Y SUS DISEÑADORES WALTER GROPIUS (Berlín, 1883 - Boston, 1969) Arquitecto alemán, fundador y director de la Bauhaus de 1919 a 1928, figura clave en la renovación arquitectónica del siglo XX. Tenía veintitrés años cuando se le confió el primer encargo de arquitectura: la construcción de un grupo de casas rurales. A los veintiocho, daba a la arquitectura contemporánea una de sus obras fundamentales: el establecimiento Fagus.
En sus viviendas urbanas las ideas de Gropius tienen que ver con el máximo protagonismo posible de la luz natural, un espacio exterior que no construia a la edificación, y con una búsqueda de la integración de la arquitectura en un paisaje que busca dar protagonismo a los elementos naturales MIES VAN DER ROHE (Aquisgrán, Alemania, 1886-Chicago, 1969) Arquitecto alemán. En 1900 empezó a trabajar en el taller de su padre, que era cantero, y en 1905 se trasladó a Berlín para colaborar en el estudio de Bruno Paul y, de 1908 a 1911, en el de P. Behrens, donde conoció a Walter Gropius y Le Corbusier, que son, junto con él mismo y el estadounidense, F. Ll. Wright, los mayores arquitectos del siglo XX.

Inicialmente se orientó hacia la arquitectura neoclásica, pero un viaje a los Países Bajos en 1912 le llevó a cambiar sus intereses, a raíz del descubrimiento de la obra de H. P. Berlage. Tras el paréntesis de la Primera Guerra Mundial, se adhirió a diversos movimientos de vanguardia (Novembergruppe, De Stijl).

Durante este período publicó la revista G, en colaboración con Hans Richter, y se relacionó con algunos de los artistas más avanzados del momento, como Tristán Tzara o el Lissitzki. A partir de 1926 llevó ya a cabo obras de cierta envergadura, como la casa Wold en Guben, toda de ladrillo, y la casa Hermann Lange en Krefeld. Por las mismas fechas levantó el monumento a Karl Liebknecht y Rosa Luxemburg (destruido por los nazis), un simple muro de ladrillo con dos paneles en voladizo.

A raíz de estos y algunos otros proyectos, se convirtió en un arquitecto de prestigio y empezó a recibir encargos oficiales, el primero de ellos un complejo experimental de viviendas para la Exposición de Stuttgart de 1927, el Weissenhof Siedlung, para el que pidió ayuda a los principales arquitectos europeos.

La consagración de Mies van der Rohe se produjo en 1929, cuando realizó el pabellón de Alemania para la Exposición Internacional de Barcelona, considerado por muchos su obra maestra y una de las obras arquitectónicas más influyentes del siglo XX. Su enorme simplicidad y la continuidad de los espacios, que parecen no tener principio ni fin, son sus cualidades más admiradas Es considerado el más riguroso de los Racionalistas, con sus espacios puros, perfectamente geométricos, organizados en superficies sin verdaderas paredes. MARCEL BREUER Marcel Lajos Breuer nació en Pécs, (Hungría en 1902) y se convirtió en uno de los arquitectos y diseñadores de mueble más famosos del siglo XX. Fue pionero en el desarrollo de las nuevas tecnologías y nuevos materiales para desarrollar su “estilo internacional” estudió arte en Viena, siendo estudiante trabajo en la oficina de Arquitectura vienesa.
A partir de 1920 a 1928 fue estudiante y profesor en la Bauhaus de Alemania, donde se afianzo sus ideas sobre los principios modernos, las tecnologías y el uso de nuevos materiales, aprendió las técnicas de la carpintería y viajo a Paris, donde trabajó en un estudio de arquitectura. ANNI ALBERS Nació en 1899. Estudió en la Kunstgewerbeschule de Hamburgo y en la Bauhaus de Weimar. De 1929 a 1933 enseño en el departamento de textiles de la Bauhaus. Fue un precursor en el desarrollo de modelos operativos de diseño artístico para la producción industrial
En 1925-26 diseñó sus primeros tapices tejidos, en el que se basa el diseño de colores en las líneas verticales y horizontales impuestas por los telares.
En 1933, junto con su esposo Josef Albers, que emigraron a los Estados Unidos donde enseñó en la universidad Black Mountain College en Carolina del Norte y numerosas escuelas, que combina su trabajo creativo con una intensa actividad en los campos didácticos y teóricos.
En la misma línea realizó posteriormente algunas otras obras, caracterizadas siempre, como era connatural en él, por un uso avanzado de los nuevos materiales de construcción (cemento armado, acero y vidrio) y una gran simplicidad, que lleva a dejar las estructuras desnudas y a dotarlas de formas casi lineales en las que se cifra la creación de belleza.

Tras dirigir la Bauhaus de 1930 a 1933, la evolución de los acontecimientos en Alemania le obligó a emigrar a Estados Unidos, donde fue nombrado director de la facultad de arquitectura del Illinois Technology Institute de Chicago (1938), para el que proyectó un nuevo campus que, una vez finalizado, extendió su fama por todo Estados Unidos. En lo sucesivo le llovieron los encargos y trabajó fundamentalmente en la capital de Illinois, donde recogió y llevó a sus últimas consecuencias los postulados de la escuela de Chicago.

En 1958-1959 puso broche de oro a su carrera con el famosísimo Seagram Building de Nueva York, del que se dice que es el rascacielos más hermoso en vidrio ahumado y aluminio, y la Neue Nationalgalerie de Berlín (1962-1968), con un pesado techo de acero que se apoya en pocas y delgadas columnas, con lo que adquieren todo el protagonismo las paredes de vidrio. Con esta obra, Mies van der Rohe se mantuvo en la línea de oponer el horizontalismo de sus obras arquitectónicas europeas al verticalismo predominante en las estadounidenses. JOSEP ALBERS (19 de marzo de 1888 - 26 de marzo de 1976) fue un artista y profesor alemán cuyo trabajo, tanto en Europa como en los Estados Unidos, creó la base de algunos de los programas de educación artística más influyentes del siglo XX.

Comenzó a enseñar en el Departamento de Diseño en 1923 y fue ascendido a profesor en 1925, el mismo año en que la Bauhaus se mudó a Dessau. Su trabajo en este momento incluía el diseño de muebles y de trabajo con el vidrio. En esa época se casó con Anni Albers que era entonces un estudiante de la Bauhaus.
Albers experimentó con una gran cantidad de efectos de colores, formas, líneas y áreas entre sí, con la subjetividad de la percepción visual: Sólo las apariencias no engañan. Con sus dibujos sobre la base de las ilusiones ópticas fue junto a Víctor Vasarely fundador del Op-art. GUNTA STÖLZL Nacida en Munich como Adelgunde Stölzl. (1897 1897). Se conserva un diario donde describe su vida.

Estudió en la Kunstgewerbeschule (Escuela de Artes y Oficios) en Munich: pintura decorativa, pintura sobre vidrio, cerámica, y la historia del arte y en 1919 empieza sus estudios en la Bauhaus.
Obras abstractas sobre papel muestran la influencia de Paul Klee y Wassily Kandinsky en las cuales se anticipa con valentía a crear cortinas de colores abstractos, mantas y pinturas en la pared.
1923. Hace su primera gran alfombra anudada. 1924. Es invitada por Johannes Itten, que ha dejado la Bauhaus, para establecer y dirigir su Ontos talleres de tejido, cerca de Zurich. 1925. Nombrada maestra de arte del Taller de tejido en la Bauhaus en Dessau. Dirige la instrucción de los alumnos teórica y práctica y trabaja en un método sistemático de entrenamiento. JOHANNES ITTEN (Süder-Linden, 1888 - Zurich, 1967) Pintor y diseñador suizo. Estuvo estrechamente vinculado a la escuela Bauhaus, de la que fue uno de sus miembros fundadores.Comenzó sus estudios en 1904, e ingresó en un seminario sobre profesorado en Berna. Finalizados éstos, ejerció como profesor. Acorde con su gusto heterogéneo, se matriculó en cursos de matemáticas y ciencias naturales, los cuales ejercieron gran influencia cuando posteriormente fuese el encargado de dirigir el "Vorkus" o curso preparatorio de los estudios en la Bauhaus.
Por su experiencia en el sector textil, fruto de su paso por la Bauhaus, fue nombrado director de la Escuela Textil en Krefeld.Hasta su fallecimiento en Zurich en 1967, Itten se dedicó a escribir sus teorías sobre arte y pedagogía. OSCAR SCHLEMMER Nace en Stuttgart el 4 de Septiembre de 1888. Pintor, escultor y diseñador alemán relacionado con la Escuela de Bauhaus.

El 30 de Septiembre del año 1922 se estrena la presentación del Ballet Triádico; su obra más reconocida, en la que participó en el proceso de vestuario, dirección teatral, coreografía y música. Posteriormente se dedica fundamentalmente a la pintura; destacando su gran serie de dibujos a la aguada.

Los años siguientes residiendo en Weimar se basan en su nombramiento como encargado del taller de decorados teatrales.


JEAN PROUVE Nació en París, Francia. Trabajó en el rubro metalurgico desde los 13 a los 20 años, bajo la tutela de tres maestros reconocidos de esa época. En 1924 formó una empresa de diseño industrial y arquitectura. Comenzó la producción de muebles fabricados en lámina de acero. Fue profesor del Conservatorio Nacional de Arte Francés.
MART STAM Nació en un pueblo de Holanda llamado Purmerend. En 1928 fue profesor de la Bauhaus en Dessau, concluida la segunda guerra mundial es nombrado profesor de la Academia de Arte de Dresde y Berlín Oriental. Stam es considerado uno de los vanguardistas izquierdistas sus ideales y su lucha por una sociedad socialista le impulsan a ofrecer sus servicios a la Unión Soviética, El radicalismo de su postura política es el reflejo que siente hacia la intuición artística en el proceso creativo y opta por el movimiento Constructivista. En cuanto a sus diseños citaremos la silla tubular para la empresa Thonet (1926) y su predilección por los materiales industriales como los tubos de acero cromados.
STIJL Era un movimiento artístico -principalmente pictórico y arquitectónico.

Durante este Período se descartan el uso de columnas, la simetría, la repetición de elementos (en fachadas), etc., que reflejaban el estilo propio de la arquitectura clásica o medieval. Esto llevó al Stijl a una tendencia estética neoplástica: el plano por el plano, el rectangulismo estructural, la ruptura en la convergencia del tejado mediante la inserción de paralelepípedos que emergen equidistantes de la base, entre otros. Estos argumentos sirvieron de base para la realización de una arquitectura nueva y diferente a la cual se venía dando.
THEO VAN DOESBURG Fue un pintor, teórico y arquitecto neerlandés que nació el 30 de agosto de 1883 y murió el 7 de marzo de 1931. En 1908 realizó su primera exposición de pintura en La Haya, encuadrando su arte en el naturalismo hasta 1916, cuando al mismo tiempo que inicia su etapa de abstracción, publica los primeros números de la revista De Stijl, portavoz del movimiento neoplasticista.
En el período en que fuera profesor en la Bauhaus de Weimar (1921-23), se ve influenciado por la estética de su amigo y compatriota Piet Mondrian, pero en 1926, tras la ruptura con éste, escribió un manifiesto en el que explicaba el arte elementarista.

GERRIT RIETVIELD Arquitecto y diseñador holandés, nació en Utrech, Países Bajos, fue uno de los más innovadores diseñadores de interiores y de muebles del siglo XX.En 1911 comienza a diseñar y construir muebles por cuenta propia, al mismo tiempo que emprende estudios de arquitectura. La pureza abstractizante de sus muebles tomó forma también en el plano arquitectónico. Rietveld diseñó tiendas, oficinas, cines, casas, siempre con un estilo original y creativo.
El diseño de la silla Roja y Azul (1917) logra sintetizar gran parte de sus ideas. La búsqueda de la expresión de la estructura matemática y la armonía universal de la naturaleza, eran alguno de los objetivos que perseguía este diseño.La silla no destaca por ser un mobiliario confortable, es más una pieza decorativa que funcional diseñada a partir de un sistema modular. LUIS BARRAGAN CLARA PORSET JOSE VILLAGRAN GARCIA

MODERNISMO Universidad de Guanajuato
División de Arquitectura Arte y Diseño
Departamento de Diseño
Andrea Cordero Sandoval
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