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Teoría Visual

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by

María Jesús Montes

on 4 June 2016

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Transcript of Teoría Visual

Pedro Paul Rubens, Retrato de su hijo Nicolás, 1620
Alberto Durero, Retrato de su madre, 1514
Bartolomé esteban Murillo, Golfillos, 1670-75
Pieter de Hooch, Mujer pelando manzanas en un interior, 1663
Melozzo da Forli, Ángel, 1480
Hans Memling, Ángel, 1490
Guido Reni, El Cristo coronado de espinas, 1639-40
Maestro Toscano, Cabeza del cristo, 1175-1225
Alberto Durero, Liebre, 1502
Rembrandt van Rijn, Elefante, 1637
Pablo Picasso, Gallina con polluelos, 1941-42
Pablo Picasso, Gallo, 1938
Théodore Géricault, Carreras de caballos en Epsom, 1821
Eadweard Muybridge, Caballo al galope, 1872
Caravaggio, San Mateo, 1602
Rafael, la Virgen del prado, 1505-06
Rafael, Cuatro estudios para La Virgen del prado, 1505-06
La belleza en la naturaleza nos atrae y agradecemos a los artistas que lo recojan en sus obras
¿Puede nuestro gusto por lo bello hacernos rechazar obras que representan asuntos menos agradables?
Los golfillos representados por Murillo tal vez no sean estrictamente bellos, pero tal como fueron pintados poseen un gran encanto
¡Qué opinas sin embargo del niño pintado por Pieter de Hooch?
Los gustos y criterios en torno a la belleza varían mucho y a veces nos cuesta más descubrir o apreciar la belleza en algunas obras...¿A que se debe esto?
Algunas personas se sienten atraídas por una expresión cuando pueden comprenderla con facilidad...y es la expresión de un personaje en el cuadro lo que hace que nos guste o disguste...
Muchas veces nos gusta sólo porque... "parece de verdad"
Pero ¡Quien diría que el dibujo de una elefante de Rembrandt es menos bueno porque presenta menos detalles?
Nadie está preocupado acerca de si el ratón Mickey se parece o no a un ratón de verdad...no nos preocupan los mismos prejuicios que cuando observamos una obra de Arte
Hay que tener en cuenta dos cosas importantes cuando observamos una obra de Arte: 1. si el artista no tuvo sus motivos para alterar la apariencia de lo que vió. 2. nunca debemos condenar una obra por estar incorrectamente dibujada...a menos que estemos completamente seguros de que el equivocado es el artista y no nosotros!
Grandes pintores pasaron siglos pintando un caballo al galope de manera incorrecta...hasta la invención de la fotografía!
Hubo una época en que incluso se censuraban las obras si es que están tenían una apariencia "demasiado real" y estas no eran aceptadas.
Resulta fascinante poder observar a un artista luchando por obtener el equilibrio y la armonía justas..aunque sólo haya usado su intuición.
Estética
Arte
¿Qué es el Arte?
El problema surge cuando intentamos definirlo o explicarlo
¿Será necesaria una teoría que explique como se reconoce el arte, cómo se lo distingue entre otras coas y para qué sirve?
Todos tienen una propia filosofía del arte, aunque probablemente no se hayan detenido a pensarla
aquí vienen algunas de las teorías más comunes:

-quizá no sepa mucho sobre el Arte ¡Pero sé lo que me gusta!
Bueno, no puede ser Arte, porque ciertamente no es hermoso
Debe ser Arte, porque cuesta una fortuna
El punto es que lo que es valorado como Arte hoy quizá no lo sea más tarde, y la "idea" de lo que es el Arte hoy es muy diferente de la idea de lo que era el arte en, digamos, los años 60 y ni hablar del Renacimiento o la Edad Media. Nuestra apreciación de estas diferencias se agrega a nuestro interés en el arte.
¿Qué sería entonces una filosofía del Arte?
Una filosofía es una reflexión, a menudo autorreflexión, de cosas que vemos y que comprendemos. Una filosofía del arte es una serie de principios que intentan reflejar el porqué describimos ciertos objetos o eventos como arte, los cuales nos permiten identificar las características comunes de las obras de arte. ¿De qué podemos estar seguros?:
filosofía del Arte
I.
En todas las edades se hicieron artefactos culturales.
II.
Estos creadores y observadores contemporáneos tienen una actitud hacia estos artefactos, la cual es su filosofía del arte.
III.
La gente que viene después mira hacia estos artefactos y adopta una actitud hacia ellos. Ésta es su filosofía del (historia del) arte.
IV.
Esta filosofía del (la historia del) arte afecta en cómo es producido entonces el arte.
¿Y qué es entonces la Estética?
Desde siempre, la gente trató de crear teorías para descifrar el código de la belleza. ¿Qué hace a un objeto Bello"? A través de la temprana historia del arte Occidental han habido diferentes ideas sobre la belleza. Al mismo tiempo , la cuestión de qué es la belleza fue siempre tratada como auto-evidente: era el principal objetivo del arte.
La palabra arte proviene del Latín "ars", lo cual se traduce como "habilidad o "técnica". Cualquier objeto de arte fue en algún punto hecho técnicamente, el arte es una actividad hecha por seres humanos.
Mímesis
Nunca seremos aptos para comprender el arte de otro tiempo si ignoramos por completo los fines a que sirvió.
Mientras más retrocedemos en el tiempo más definidos, pero a la vez más extraños son esos fines a los cuales el arte tenía que servir...
No existe diferencia entre una construcción útil
y la creación de una imagen, en cuanto a la necesidad concierne. Si una choza me resguarda de la lluvia, el viento y el sol; las imágenes están hechas para protegerlos contra otras fuerzas que son, tan reales como las de la naturaleza.
No como algo agradable de contemplar, sino como objetos de poderoso empleo.
Pinturas y estatuas son empleadas con fines mágicos
Los cazadores primitivos creían que con sólo pintar a sus presas -haciéndolo tal vez con sus lanzas o hachas de piedra- los animales verdaderos sucumbirían también a su poder.
Las tres grandes civilizaciones anteriores a los griegos fueron los Egipcios (776-146 a.C.) desde el Nilo y los Babilónicos y Asirios (3.500-400 a.C.) desde Mesopotamia. Estas culturas nos han dejado muchos objetos maravillosos que hoy miramos y pensamos como obras de arte. Por supuesto, sabemos que estas culturas no pensaron en esos objetos como arte, porque nuestra filosofía del arte es un concepto reciente
Jardín de Nebamun, 1.400 a.C. Pintura mural en una tumba de Tebas.
La cultura egipcia era muy visual. Ellos escribieron los jeroglíficos, los cuales eran símbolos visuales del mundo que los rodeaba. Ellos organizaban las escenas con las secuencias anteriores arriba de las figuras. En las descripciones de los faraones era muy importante que nada oscureciera ninguna parte del faraón, todas las figuras están hechas de tal manera que no provoquen confusión alguna, son de origen simbólico al igual que su escritura.
Los egipcios valoraban mucho su tradición, esta duró un periodo de tres mil años, estílisticamente e ideológicamente a los egipcios les gustaba que las cosas fueran hechas como eran en el pasado. Por eso casi todo su arte parece tener un estilo similar.
Grecia en cambio, estaba muy abierta a las nuevas ideas y al cambio. Amaban el debate, la filosofía, y hacer teorías. Con su amor por el arte y por la discusión estuvieron destinados a ser importantes para la filosofía del arte.
Los griegos como otras civilizaciones antiguas antes de ellos, no tuvieron una palabra para el arte, y , por lo tanto, no tuvieron un concepto específico de él. Lo más cerca que llegaron es a usar la palabra "tecne" la cual, como la palabra romana "ars", se traduce realmente como habilidad, y puede ser usada para describir cualquier cosa, desde pintar un cuadro hasta sembrar un campo.
Platón (428-354 a.C.)
En el capítulo 10 de su obra La República, escrito en el siglo IV a.C. nos enseña su propia filosofía del arte, en la cual rechaza el arte como práctica porque decía que cada objeto artístico es realmente una versión degradada del ideal. En su teoría de las formas ideales, Platón ve una falsa verdad en la idea de la realidad exterior. Siendo la realidad una copia del ideal, el arte se convierte en una copia, en una confusión de lo ideal.
Dicho de otro modo; si lo más cercano a la verdad son las ideas, las cosas en sí mismas se alejan una vez de la verdad, en esos términos, la representación exterior de las cosas se aleja tres veces de la verdad. Para Platón entonces, el arte está en contra de la verdad y al igual que el teatro es un engaño, por tanto debe ser extirpado de la república y jamás ser tomado en serio.
En cambio Aristóteles (384-322), discípulo de Platón que sólo fue una generación más joven, aceptó la idea de representación.
La escuela de Atenas (1509-1511) Rafael
En esta pintura Platón apunta a los cielos, para mostrar la fuerza de las ideas. Aristóteles apunta hacia abajo a la tierra, porque sus observaciones se basaban en la realidad.
A diferencia de Platón no veía el arte como un juego degradante, sino como una manera de representar el significado interno de las cosas. De hecho él no escribió sobre arte sino sobre poesía, pero sus puntos de vista se ven conectados con el arte porque él habla mucho sobre "mímesis", lo que en griego significa "imitación". Es esta idea del arte como transcripción la que ha perdurado en el mundo occidental. Para Aristóteles, cuanto más cerca un objeto de arte estaba de la cosa que representaba mejor era. Al igual que Platón, él también pensaba que la belleza era una cualidad OBJETIVA INHERENTE al objeto más bien que algo que existía sólo en nuetras respuestas a ese objeto
La teoría mimética del arte
Existen muchos mitos griegos que dan cuenta de la tería mimética del arte. Una de las más conocidas es la de Zeuxis y Parrhasios.
Zeuxis y Parrhasios eran dos afamados artistas griegos, un día realizaron una competencias para comprobar cuál de ellos era el mejor, esta consistía en que ganaría el que obtuviera el mayor parecido a la cosa representada.
Cuenta la leyenda que Zeuxis pintó un racimo de uvas, tan lleno de vida, y de un realismo tal que llegó a confundir a las aves que por allí pasaban, los cuales detenían su rumbo para intentar picotarlas. Al comprobar Zeuxis que había logrado engañar a la propia naturaleza se dió por vencedor y riendo se volteó a la obra que Parrhasios había realizado, esta se encontraba en el otro extremo del taller tapada por una cortina; Zeuxis le dijo Parrhasios, destapa tu obra para que todos seamos testigos de tu derrota. Gran sorpresa se llevó cuando se percató de que Pharrasios había representado una cortina sobre la tela, y que con este artificio había logrado engañar a todos los presentes. Al lograr engañar al mismo artífice Parrhasios ganó la competencia.
En sus Historias Naturales, Plinio el viejo (23-79 d.C) cuenta una leyenda griega sobre la invención de la pintura. Se trata de la doncella de Corinto, una muchacha y su joven amante se reunen por última vez antes de que él parta a la guerra. En su agonía ella se percata de que gracias a la luz de la vela que alumbra la habitación, la sombra de su amado se proyecta sobre el muro. Ella toma un pedazo de carbón y estampa su silueta, dando como resultado la primera representación mimética.
Semiótica/Semiología
La palabra "semiótica" viene de la raíz griega "seme", intérprete de signos. La semiótica como disciplina es el análisis de los signos o el estudio del funcionamiento de estos.
Entre los precursores de la semiótica se cuentan a Platón, cuyo Cratilo reflexiona sobre el origen del lenguaje, y Aristóteles, quien analíza los sustantivos en la Poética.
El debate se centraba en la diferencia entre los "signos naturales" (los que se dan libremente en la naturaleza) y los signos "convencionales" (los diseñados específicamente para la comunicación).
para los estoicos, el signo por excelencia era lo que conocemos como un síntoma médico.
Las enseñanzas de San Agustín, en la Edad Media, sentaron las bases en Occidente para la disquisición sobre los signos. Para San Agustín los signos eran objetos apropiados para la reflexión filosófica.
Eso sí, recién en el siglo XX surgió una cabal conciencia semiótica, impulsada por dos fundadores.
Definió el signo como una díada, entidad de dos caras
Ferdinand de Saussure (1857-1913)
Nace en el seno de una familia instruida en Ginebra en 1857. Estudia lenguas en la universidad de Leipzig
Significante
:
es el aspecto totalmente material de un signo, se refiere al sonido que emiten nuestras cuerdas vocales al pronunciar determinada palabra (significante verbal) y también cuando escribimos dicha palabra (significante escrito).
Significado
:
es el concepto mental que tenemos del significante verbal o escrito. Es engendrado por el significante. Si tomamos la palabra inglesa "cat" (gato), formada por los significantes /c/, /a/ y
/t/, lo que se origina para el oyente no es el gato "verdadero" sino un concepto mental de felino (cuadrúpedo, maulla, come pescado, ronronea, etc).
Diagrama
La inseparabilidad del
significado
(concepto mental) y el
significante
(aspecto material) lleva a Saussure a plantear el siguiente diagrama:
Charles Sanders Pierce (1839-1914)
Nace en Cambridge, Massachusetts. Estudia en Harvard.
Su teoría de los signos es denominada semiótica, a diferencia de Saussure que la llama semiología. Para Pierce el signo estaba conformado por una relación triple, una tríada; el
representamen
(es el signo mismo), mantiene una relación con un
objeto
, relación que a la vez implica un
intérprete
.
Signo/Representamen
Cualisigno
: un representamen formado por una cualidad, p. ej. el color verde.
Sinsigno
: un representamen formado por una realidad física existente, p.ej. una señal de tránsito en una calle.
Legisigno
: un representamenformado por una ley, p. ej. el sonido del silbato del árbitro en un partido de fútbol.
Objeto
Ícono
: donde el signo se relaciona con su objeto por tener alguna semejanza con éste, p. ej. una fotografía.
Símbolo
: donde el signo se relaciona con su objeto sólo por una convención, p. ej. una palabra, una bandera.
Índice
: donde el signo se relaciona con su objeto en términos de causalidad, p. ej. humo, síntoma médico.
Interpretante
Rema
: donde el signo se representa para el interpretante como una posibilidad, p. ej. un concepto.
Decisigno
: donde el signo se representa para el interpretante como un hecho, p. ej. una enunciación descriptiva.
Argumento
: donde el signo se representa para el interpretante como una razón, p. ej. una proposición.
Un árbitro de fútbol le muestra una tarjeta roja a un jugador que ha cometido una falta ostensible. Como la tarjeta roja invoca reglas (las faltas son ilegales y traen aparejadas sanciones para el infractor), se trata de un
argumento
. También es
simbólica
(la tarjeta roja significa falta por convención), y por lo tanto es también un
legisigno
(una ley general).
Pero la tarjeta roja ya ha sido utilizada antes por los árbitros, y los jugadores lo saben bien. Por consiguiente, este acto de utilización de la tarjeta roja funciona como un hecho en bruto, y como tal es un
sinsigno indexial decisigno
(una declaración fáctica del protocolo del fútbol, causada por la acción del árbitro. El sinsigno indexial decisigno es por lo tanto una réplica del argumento-símbolo-legisigno.
Entre 1954 y 1956, apareció una serie de ensayos en una revista francesa, Les Lettres Nouvelles, en cada uno, su autor , Roland Barthes (1915-80) procedía a exponer una "Mitología del mes", que demostraba principalmente cómo las denotaciones de los signos de la cultura popular delatan connotaciones que son en sí mismas "mitos" generados por el sistema de signos más amplio: la sociedad.
Mediante la deconstrucción de estos "mitos"; el strip-tease, el bife con papas fritas, el rostro de Greta garbo, la espuma que producen los detergentes, Barthes elabora un método de decodificación de signos que inundan nuestra sociedad. Lee estos fenómenos con detenimiento y en su deconstrucción presta especial atención a las complejidades que mantienen ciertas construcciones convencionales.
Roland Barthes (1915-80)
En su ensayo de 1964, "La retórica de la imágen", analiza un aviso publicitario de pasta Panzani compuesto por una simple fotografía de algunos ingredientes básicos (tomates, champiñones, ajíes), paquetes de fideos y latas de salsa, que emergen de una bolsa de red.
Barthes separa el aviso en tres mensajes:
1. Mensaje "linguistico": todas las palabras que aparecen en el aviso.
2. Mensaje "Icónico codificado": las connotaciones (derivadas del sistema de signos -más amplio- de la sociedad) de la fotografía.
3. Mensaje Icónico no codificado": las denotaciones de la fotografía.
El elemento clave de este mensaje es la asonancia particular de la palabra " Panzani". La misma denota el nombre del producto pero, junto con otros signos lingüísticos, como "a l'italienne" (a la italiana), también connota la idea general de "italianidad".
Son las connotaciones visuales derivadas de la forma en que están dispuestos los elementos fotografiados.
La frescura de los ingredientes naturales y por asociación, de los productos envasados que intenta vender la marca.
La bolsa de compras en red, evoca la red de pesca
Una naturaleza muerta de la tradición pictórica.
Italianidad (la tonalidad tricolor de los ingredientes naturales y de las etiquetas del paquete: bandera italiana).
Barthes utiliza este término para referirse a la denotación "literal", el reconocimiento de objetos identificables en la fotografía, independientemente del código más amplio de la sociedad (o lengua)
Retórica
La retórica es la disciplina transversal a distintos campos de conocimiento, que se ocupa de estudiar y de sistematizar procedimientos y técnicas de utilización del lenguaje, puestos al servicio de una finalidad persuasiva o estética, añadida a su finalidad comunicativa.
Históricamente, la retórica tiene su origen en la Grecia clásica, donde se entendía, en palabras de los tratadistas clásicos, como el ars bene dicendi, esto es, la técnica de expresarse de manera adecuada para lograr la persuasión del destinatario (etimológicamente, la palabra es un helenismo que proviene del griego, «rhetorikè (téchne)»).
La retórica se configura como un sistema de procesos y recursos que actúan en distintos niveles en la construcción de un discurso. Tales elementos están estrechamente relacionados entre sí y todos ellos repercuten en los distintos ámbitos discursivos.
En principio, la retórica se ocupó de la lengua hablada, pero su saber trascendió al discurso escrito e influyó poderosamente en la literatura cuando la palabra escrita ganó prestigio en el régimen imperial en Roma, si bien el discurso escrito suele considerarse como una transcripción limitada o imitación estrecha del discurso oral. En la actualidad, la retórica ha vivido un gran resurgimiento y sus enseñanzas se utilizan en publicidad, la academia, la política, así como en la defensa de puntos de vista durante los juicios civiles. Por otro lado, gracias a las nuevas tecnologías audiovisuales podemos hablar de una retórica de la imagen, ya que mediante una imagen o vídeo podemos hablar sobre algo utilizando figuras retóricas (metáfora, metonimia, prosopopeya, personificación, etc.).
http://www.retoricas.com/2009/06/principales-figuras-retoricas.html
Romanticismo
L
Algunas figuras retóricas...
Metáfora
: La metáfora es una figura retórica que consiste en identificar un término
Real
con uno
Imaginario
entre los cuales existe una relación de semejanza o analogía. Por ej.
Tus hermosos cabellos de oro.
En este ejemplo tenemos un término
Real (cabellos)
, y otro
Imaginario (oro)
, entre los cuales existe una relación de semejanza
(cabellos rubios cuyo color se asemeja al dorado del oro).
"Las mariposas pueblan tu boca. Los dientes son perlas; las perlas son pétalos de margarita: los pétalos de margarita son alas de mariposa"
Metonimia
: La metonimia es una figura retórica que consiste en
designar una cosa o idea con el nombre de otra
con la cual está relacionada semánticamente. En la metonimia existe relación semántica, mientras que en la metáfora no. Por, ej.
Tomar una copa (tomar el contenido de una copa)
,
se comió dos platos (se comió el contenido de dos platos)
,
fumarse una pipa (fumarse el contenido de una pipa)
.
Un Picasso (un cuadro de Picasso), en este museo hay varios Rubens (hay varios cuadro de Rubens.

Dicho en otras palabras; es la sustitución de términos basada en la asociación mental entre lo que se muestra y su significado debido a una relación causal, espacial o temporal. Por ejemplo sustituir a la obra por el autor, el producto por el lugar donde se produce o el objeto por su utilización.
Sinécdoque
: El sinécdoque es una figura retórica que consiste en expresar
la parte de un objeto por el todo
o
el todo por la parte
. Por ej. tiene quince primaveras (tiene quince años), quedó sola con cuatro bocas que alimentar (cuatro hijos).

Hipérbole
: La hipérbole es una figura retórica que consiste en una
alteración exagerada
o
intencional
de la realidad que se quiere representar. La hipérbole tiene como fin conseguir una
mayor expresividad
. Por, ej. te llamaré un millón de veces, tengo tanta hambre que me comería una ballena, lo sabe todo el mundo.

La palabra "romántico deriva de la voz romanz del francés antiguo, que significa los idiomas vernáculos "romances" que se desarrollaron a partir del latín: italiano, francés, español, portugués, catalán y rpovenzal.
El romance medieval o romaunt era un relato de caballería escrito en alguna de esas lenguas romances, por lo general en verso. Nuestro uso coloquial de "
romance
" y "
romántico
" para describir experiencias emocionales intensas se relaciona con el sentido medieval de esas palabras, y lo mismo ocurre con el concepto de "
romanticismo
" de los siglos XVIII y XIX como experiencia intelectual.
Su característica fundamental es la ruptura con la tradición clasicista basada en un conjunto de reglas estereotipadas. La libertad auténtica es su búsqueda constante, por eso es que su rasgo revolucionario es incuestionable.
Debido a que el romanticismo es una manera de sentir y concebir la naturaleza, la vida y al hombre mismo que se presenta de manera distinta y particular en cada país donde se desarrolla; incluso dentro de una misma nación se manifiestan distintas tendencias proyectándose también en todas las artes
Principales características:
La conciencia del Yo como entidad autónoma y, frente a la universalidad de la razón dieciochesca, dotada de capacidades variables e individuales como la fantasía y el sentimiento.
La primacía del Genio creador de un Universo propio, el poeta como demiurgo.
Valoración de lo diferente frente a lo común, lo que lleva una fuerte tendencia nacionalista.
El liberalismo frente al despotismo ilustrado.
La originalidad frente a la tradición clasicista y la adecuación a los cánones. Cada hombre debe mostrar lo que le hace único.
La creatividad frente a la imitación de lo antiguo hacia los dioses de Atenas
La obra imperfecta, inacabada y abierta frente a la obra perfecta, concluida y cerrada.
Pintura Romántica
La pintura romántica sucede a la pintura neoclásica de finales del XVIII, con unos nuevos gustos desarrollados por todas las facetas artísticas del Romanticismo como la literatura, la filosofía y la arquitectura. Está hermanada con los movimientos sociales y políticos, que ganaron cuerpo con la Revolución francesa.
El romanticismo en la pintura se extiende desde 1770 hasta 1870, prácticamente cien años.El primer período del romanticismo (1770-1820) se desarrolla en paralelo con el neoclasicismo (1760-1800) o más bien en oposición a esta corriente. En efecto, allí donde el neoclasicismo propone una belleza ideal, el racionalismo, la virtud, la línea, el culto a la Antigüedad clásica y al Mediterráneo, el romanticismo se opone y promueve el corazón, la pasión, lo irracional, lo imaginario, el desorden, la exaltación, el color, la pincelada y el culto a la Edad Media y a las mitologías de la Europa del Norte.
William Turner,
Luz y Color (Teoría de Goethe) - La mañana después del Diluvio - Moisés escribiendo el Libro del Génesis.
Esta obra de Turner ejemplifica esta oposición. Esta pintura se caracteriza por un torbellino sensual de colores y de luz en torno a un personaje o persona que no podría identificarse sin conocer el título.
Charles Baudelaire (principalmente escritor, pero también crítico de arte), con motivo del Salón de Pintura de 1846, declaró:
«El romanticismo no se halla ni en la elección de los temas ni en su verdad exacta, sino en el modo de sentir. Para mí, el romanticismo es la expresión más reciente y actual de la belleza. Y quien dice romanticismo dice arte moderno, es decir, intimidad, espiritualidad, color y tendencia al infinito, expresados por todos los medios de los que disponen las artes.»
Este movimiento consiste en una forma de sensibilidad que glorifica al individuo. Delacroix dijo que el romanticismo era «la libre manifestación de sus impresiones personales». El romanticismo defiende la superioridad del sentimiento sobre la razón, y por ello exalta la sensibilidad, la imaginación y las pasiones. Más que como un estilo pictórico, ha de concebirse como un movimiento social y espiritual.
La libertad guiando al pueblo, de Delacroix, 1830, Museo del Louvre. Obra en la que el pintor canta a la Revolución de 1830.
El individualismo propio de la época hizo que, por vez primera, los pintores no trabajasen de encargo, sino conforme los dictados de su imaginación, expresándose a través de la pintura, buscando pintar sus ideas y sentimientos personales.
Centró su atención en el paisaje y la naturaleza, así como la figura humana y la supremacía del orden natural por encima de la voluntad de la Humanidad. La idea que los seres humanos no están por encima de las fuerzas de la Naturaleza entra en contradicción con los ideales de la Antigua Grecia y del Renacimiento, en los que la Humanidad estaba por encima de todas las cosas y era dueña de su destino. Este pensamiento llevó a los artistas románticos a representar lo sublime, iglesias en ruinas, naufragios, masacres y locura.
Caspar David Friedrich: El caminante sobre el mar de nubes
Ya en esta época trabajaba en España uno de los grandes nombres del romanticismo: Francisco de Goya (1746-1828), quien a partir de 1790 y, sobre todo, durante la guerra de la independencia se consagró a temas dramáticos, mezclando lo fantástico y lo real. La paleta clara de su primera época se oscureció, apareciendo en ocasiones, destellos de luz.
Es uno de los pintores más potentes y visionarios, uno de los románticos más geniales. Cuando representó los acontecimientos de la época, como la guerra de independencia, lo hizo creando una atmósfera de pesadilla, mezclando lo fantástico y lo real.
Saturno devorando a sus hijos, Goya. Simbólicamente esta obra alude a la frase de Vergniaud, revolucionario, «La Revolución devora a sus propios hijos».
Fusilamiento de mayo, Goya
Título original: Un chien andalou
Año: 1929
Duración: 17 min.
País: Francia
Director: Luis Buñuel
Guión: Luis Buñuel, Salvador Dalí
Música: Richard Wagner
Fotografía: Albert Duverger (B&W)
Reparto: Pierre Batcheff, Simone Mareuil, Salvador Dalí
Productora: Luis Buñuel
http://www.taringa.net/posts/arte/16374393/Como-el-arte-hizo-al-mundo-Serie-BBC-Youtube.html
Narcissus, Caravaggio 1597-99
Mierda de Artista, Piero Manzoni 1961
For the love of God, Damien Hirst 2007
Paulina Palma, Selfie 2014
La Gioconda, Leonardo Da Vinci 1503-19
L.H.O.O.Q, Marcel Duchamp 1919
La Fuente, R. Mutt (Marcel Duchamp) 1917
Museum of Internet, Facebook 2015
Museum of Internet, Facebook 2015
Erwin Panofsky (1892-1968)
Historiador del arte y ensayista alemán, exiliado en Estados Unidos. Fue discípulo de
Aby Warburg
, y uno de los fundadores de su fundación el Instituto Warburg a la cual luego se incorporaría el también historiador del arte
Ernst Gombrich.
Ambos historiadores se empeñaron en la tarea de perpetuar y traducir el importante legado de Warburg, fundando los estudios iconológicos de la imagen, fundamentales para el estudio y análisis de la historia del arte clásico.
Para Panofsky la Historia del Arte es una ciencia en la que se definen tres momentos inseparables en el acto interpretativo de una obra:

la
lectura
del sentido fenoménico de la imagen es decir la
iconología

la
interpretación
de su significado
iconográfico

la
penetración
de su contenido esencial como
expresión de valores.


1. Descripción pre-iconográfica; El historiador del arte consigna aquellos datos que posee la obra, fácticos y expresivas. Alcanzado por nuestra percepción.
2. Análisis iconográfico; Identificación de imágenes, historias y alegorías. El análisis iconográfico implica un método descriptivo y no interpretativo y se ocupa de la identificación, descripción y clasificación de las imágenes.
3. Interpretación iconológica; Verdadero objetivo del análisis de la obra de arte, dilucidar la significación intrínseca o contenido. Se debe prestar atención a los procedimientos técnicos, a los rasgos de estilo y a las estructuras de composición tanto como a los temas iconográficos.
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