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Principales enfoques y tendencias enla enseñanza del arte.

Claudia del Pilar Ortega.
by

Stephanie García Olivera

on 17 October 2012

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Transcript of Principales enfoques y tendencias enla enseñanza del arte.

Claudia del Pilar Ortega Fuente: ¿Qué es la educación artística?
Principales enfoques y tendencias en la enseñanza del arte.
Claudia del Pilar Ortega. Se proponen los siguientes objetivos en base a lo que se espera del estudiante al finalizar el abordaje de este tema:
Existen dos grandes temáticas principales en torno a las cuáles giran las discusiones que refieren al estudio del arte. Si bien actualmente, y ya desde mediados del siglo XIX ha dominado la discusión acerca de la educación artística en la Escolar, su funcionalidad a los procesos educativos; ya desde los antiguos griegos se discutía acerca de la influencia o impacto de las artes en la formación integral de los ciudadanos. Principales enfoques y tendencias en

la enseñanza del arte Claudia del Pilar Ortega, autora del material, es especialista en Arte y educación. Cabe mencionar brevemente otros de sus reconocimientos a modo de ponernos en contacto con quien desarrolla este módulo. Es también Maestra en Estudios de Arte y Licenciada en Historia del Arte reconocida por la Universidad Iberoamericana Campus Ciudad de México. Es Profesora de Danza egresada del Instituto Nacional de Bellas Artes de su país, cuenta con un Diplomado en Docencia Universitaria y otro en Culturas Juveniles.
Debido a su reconocimiento a nivel internacional ha sido partícipe de importantes eventos relacionados a la temática. En el material se aborda la descripción y análisis de las principales tendencias y enfoques de la enseñanza del arte. Dicho abordaje se plantea de manera integradora, ya que no se limita a las artes plásticas o visuales, sino que también presenta las propuestas de otros teóricos que se enfocan en campos como la música, el teatro, la danza o la expresión corporal y su aplicación real a la Escuela. Identificar y distinguir las principales características de cada tendencia. Este punto es considerado fundamental a la hora de adoptar una postura docente acorde con lo que pretendemos enseñar. Reconocer el enfoque de enseñanza de las artes con el que se trabaja en la práctica cotidiana. Que el estudiante pueda formular preguntas concretas que re-orienten los enfoques y principios pedagógicos de la enseñanza de las artes, en sus contextos escolares particulares. Valorar el impacto de la influencia socio cultural en el establecimiento de enfoques de enseñanza, como insumo contextual para la definición del qué, cómo y para qué enseñar arte en la escuela. ENFOQUES Y TENDENCIAS EN LA ENSEÑANZA DEL ARTE. Es denominado “Educación Artística” al conjunto de las variaciones que han tenido a lo largo del tiempo los enfoques y tendencias.
Dicho trayecto histórico no ha sido homogéneo ni lineal y se encuentra aún en constante transformación. Debido a ello es que las tendencias acerca de la enseñanza de las artes en la escuela se han modificado, siendo ampliadas, problematizadas, rectificadas y muchas veces reinventadas. CONCEPCIONES Y VERSIONES DE LA ENSEÑANZA DE LAS ARTES SEGÚN LA CATEGORIZACIÓN DE ELLIOT W. EISNER El autor plantea que la concepción y selección de los objetivos y los contenidos de la enseñanza de las artes en el contexto escolar pertinente, no son uniformes, debido a que los considera fruto de “(…)mentes visionarias, argumentos persuasivos y de fuerzas sociales que crean condiciones que hacen que ciertos objetivos sean más adecuados a los tiempos. Se puede enseñar matemáticas o artes para diversos fines.”
De acuerdo a esto se plantea la siguiente clasificación: Enseñanza del arte basado en las disciplinas o DBAE.
Autor o representante: Jerome Bruner.
Esta tendencia se focaliza en las artes plásticas. Presenta 4 objetivos principales que plantean el quehacer de los artistas:
1.Crearlo.
2.Apreciar sus cualidades.
3.Relacionarlo con su contexto socio – cultural
.4.Exponer y justificar los juicios propios. Autor o representante: Graeme Chalmers.
Se caracteriza por buscar que los estudiantes aprendan a decodificar valores e ideas tanto en el arte popular como en las llamadas bellas artes. Se habla de comprender e interpretar el medio multicultural, englobando un análisis sociopolítico.
Se plantea el valor de la educación artística como una mejora en la cultura. Solución creativa de problemas.
Autor o representante: Bauhaus.
Esta tendencia se relaciona con el campo del diseño.
Apuntaba a resolver problemas prácticos de maneras técnicamente eficaces y estéticamente satisfactorias.
Llevado al plano escolar, un enfoque de esta índole busca ayudar a los alumnos a ser conscientes de una gran variedad de consideraciones de carácter económico, estructural, y estéticos en el proceso de diseño. Expresión personal creativa.
Autor o representante: Víctor Lowenfeld y Herbert Read.
Gran impacto en Iberoamérica. El autor no brinda breves características debido a que se desarrollará más adelante. Preparación para el mundo laboral.
Autor o representante: Se ajusta a la enseñanza por competencias, no solo para el trabajo sino para la vida.
Es un enfoque esencialmente pragmático. El mismo se basa en el empleo de las artes para desarrollar las aptitudes y actitudes necesarias para el mundo del trabajo, propiciando la experiencia en las artes para desarrollar la iniciativa y la creatividad, estimular la imaginación, fomentar la destreza, desarrollar la capacidad de planificación y ayudar a los estudiantes a cooperar entre sí y trabajar en equipo. Las artes y el desarrollo cognitivo.
Autor o representante: Rudolph Arnheim.
Gran impacto en Iberoamérica. El autor no brinda breves características debido a que se desarrollará más adelante. Las artes para mejorar el rendimiento escolar.
Se propone mejorar el aprendizaje de otras asignaturas utilizando como medio y herramienta al Justifica la presencia de las artes en la escuela por su contribución al rendimiento escolar en el ámbito de las llamadas materias básicas. Artes integradas.
Caracterizado por el aprendizaje por proyectos.
Es el arte en sí mismo y el arte como herramienta o medio a su vez. Principales tesis y argumentos de autores representativos de las principales corrientes que delinean el debate contemporáneo de la llamada “educación artística”: la tendencia Cognitiva, la tendencia Expresiva y las tendencias Posmodernas. Tendencia cognitiva Siguiendo la línea del autor, podemos plantear que la inclusión de contenidos de educación artística en los programas educativos puede considerarse como un logro en sí mismo, más aún teniendo en cuenta que en el campo de la educación se ve al arte desde una posición marginal. Aún hoy existen muchas concepciones que, si bien otorgan al arte importantes connotaciones emocionales, no reconocen en ella la puesta en juego de procesos intelectuales tanto en producción como en apreciación. El fundamento que ha posibilitado la programación educativa que integra al arte, está íntimamente relacionado con la idea de que el aprendizaje se relaciona con conexiones cognitivas que incluyen las que se relacionan con la emoción. Esto se forma en base a que la denominada cognición interactiva sostiene la existencia de la conexión entre forma, sentimiento y conocimiento, siendo la misma, parte indispensable del proceso cognitivo, concluyendo que la “expectación” es un estado emocional vinculado al conocimiento. De acuerdo a su interés cognitivo, Rudolf Arnheim, Elliot W. Eisner y Howard Gardner, a pesar de no encontrarse en una misma línea de pensamiento, han presentado diversos argumentos a favor de una actitud receptiva hacia el arte por parte de los sistemas educativos. Rudolf Arnheim y el estudio de la percepción visual. Para el autor el seno del proceso educativo se encuentra ocupado por la percepción y la creación artística.
Plantea aspectos fundamentales acerca de la interpretación y el significado, y los define como un aspecto indivisible de la visión. Plantea además que el proceso educativo es capaz de frustrar o potenciar estas habilidades humanas.
La percepción es concebida como un hecho cognitivo, donde el uso inteligente de los sentidos juega un papel fundamental, siendo la potenciación de los mismos un compromiso educativo.
La percepción por lo tanto colabora en el desarrollo de procesos como la discriminación, el análisis, la argumentación y el pensamiento crítico. La percepción es entendida como construcción, inteligencia y proceso dinámico por lo que el acto de “ver” es una función de la inteligencia. No deja de ser un proceso influido por la cultura, bajo incidencia y posterior construcción de concepciones, creencias, valores y conductas que son indispensables en la conformación de estructuras de pensamiento.
Lo que se busca, fundamentalmente, con la inclusión de las artes en la escuela, es ampliar la capacidad de percibir las cosas, de identificar sus significados culturales, personales y sociales, de reflexionar en torno a estos, de comparar y sacar conclusiones.
La percepción debe ser entonces potenciada como habilidad, la cual considera que se va a desarrollar a partir de las artes, constituyendo una manera de explorar y conocer el mundo. El arte y la mente: la propuesta de Elliot W. Eisner. El autor propone un estudio acerca del tipo de pensamiento que la práctica artística hace posible y de las implicaciones que esto tiene en la educación. Se consideran para esto las relaciones tanto en la pedagógica como filosófica.
Considera que el pensamiento artístico tiene una naturaleza particular, debido a que es dinámico, relacional, constructivo y poético, constituyendo una manera peculiar de concebir la realidad.
Se habla entonces de un sujeto activo que participa en una interpretación simbólica. El arte suscita el pensamiento en diversas formas, como la atención a las relaciones entre el contenido y la forma de una obra artística (correspondencia entre lo que se “dice” y la manera en que es “dicho”); la flexibilidad en los propósitos que caracterizan al proceso de elaboración de una obra; los materiales y los medios artísticos como vehículos de percepción y representación; la elaboración de formas expresivas; el ejercicio de la imaginación; la capacidad de ver el mundo desde una perspectiva estética y la posibilidad de traducir las cualidades de la experiencia estética en lenguaje hablado o escrito.
Eisner participó en la elaboración de un modelo pedagógico en artes visuales que se denominó Discipline Based Art Education (DBAE). Dicho modelo se estructura básicamente en cuatro ámbitos: práctica artística, estética, crítica e historia. Los propósitos perseguidos son: el desarrollo de la imaginación; el logro de una ejecución artística de calidad a partir de la adquisición de habilidades técnicas; aprender a observar las cualidades de las obras artísticas y a hablar con saber acerca de ellas; la comprensión del contexto cultural e histórico del arte; y la formulación de juicios acerca de su naturaleza y su argumentación. Gardner y la nueva concepción de la(s) inteligencia(s). El autor es reconocido por elaborar la teoría sobre las “inteligencias múltiples”. Gardner se ha dedicado al estudio de los procesos cognitivos superiores y del papel de la creatividad en el arte, basándose en la psicología cognitiva y del desarrollo.
Para Gardner no hay una sino varias inteligencias, que consisten en un conjunto de habilidades, talentos o capacidades mentales que determinan la competencia cognitiva
del hombre. El autor determina la existencia de las inteligencias: musical, cinético-corporal, lógico-matemática, lingüística, espacial, interpersonal, intrapersonal y naturalista.
El papel que otorga Gardner a la educación artística consiste en relacionar de forma eficaz los valores de la cultura, los medios para la enseñanza y la evaluación de las artes, con los perfiles individuales y de desarrollo de los estudiantes a educar.
Plantea que las habilidades artísticas son actividades de la mente que involucran la utilización y transformación de símbolos y que debido a su complejidad es necesario contar con profesores formados en la materia, tanto en aspectos disciplinares como en técnico pedagógicos, para que sean ellos quienes diseñen y evalúen las experiencias y trayecto del aprendizaje de sus alumnos. Tendencia expresiva.
Los principales representantes de esta corriente son Herbert Read y Viktor Lowen¬feld.
Read concibe al arte como un proceso que libera al espíritu y ofrece una salida constructiva y positiva para la expresión de ideas y sentimientos, sostiene que el arte es producto de la espontaneidad, la creatividad y el talento individual. Su punto de partida es la sensibilidad estética (literaria, poética, visual, plástica, musical, cinética y constructiva), con el fin de lograr desarrollar una personalidad que se encuentre integrada y que permita al individuo moverse con libertad, independencia y solidaridad.
Lowenfeld destaca la importancia de que el niño adquiera libertad para expresarse, basándose en la teoría del desarrollo psicogenético de Jean Piaget y realiza el primer intento para traducir estos principios al campo del arte. Concibe a la estética como un medio de organización del pensamiento, los sentimientos y las percepciones y como una forma de expresión que permite comunicar a otros esos mismos pensamientos y sentimientos. Esta teoría tuvo un eco importante entre los educadores hasta los años 70, ya que permitía a cualquier profesor no especializado en arte comprender el desarrollo estético de sus alumnos.
Uno de los aspectos a tomar en cuenta de esta tendencia, es que nunca se puede estar seguro de qué se aprende y cómo se aprende debido a que la planeación didáctica, la implementación de las actividades y la evaluación de las mismas, no se contemplan como algo relevante. Para Read el arte más que enseñarse y aprenderse, se capta. Desde este planteamiento, el papel del docente se reduce a acompañar al niño, procurando no interferir en su proceso creativo. Tendencia posmoderna Hacia fines de los 80, algunos teóricos e intelectuales cuestionaron el concepto de modernidad que se había construido en décadas previas, incluyendo las ideas como la “evolución en el arte”.
Esta crítica influyó al campo de la educación artística en la década posterior, lo que llevó a una revisión de los modelos previos, siendo Arthur D. Efland uno de los pensadores principales. Desde su postura, Efland invita a cuestionar algunos valores que han estado presentes en nuestra sociedad como el valor de la originalidad y el aprecio por la individualidad de los artistas. Plantea la necesidad de nuevas respuestas pedagógicas que apunten a las condiciones sociales y culturales de la producción artística, como la valoración del arte de las mujeres o de los grupos marginados; . El autor advierte también del importante vínculo entre arte y política para comprender temas como la opresión, la desigualdad y la pobreza.
Tenemos entonces que en los últimos tiempos se ha consolidado una tendencia iternacional de educación artística “posmoderna” que cuenta entre sus principales representantes a Graeme Chalmers, Kerry Freedman y al propio Arthur Efland. Sus implicaciones pedagógicas son varias y han impulsado experiencias educativas que se relacionan con asuntos como la revaloración de otras formas artísticas y culturales, el multiculturalismo, la diversidad, las identidades de género y sexuales, entre otros. ENFOQUE POSMODERNO DE LA ENSEÑANZA DE LAS ARTES EN EL MUNDO CONTEMPORÁNEO. El enfoque o tendencia posmoderna para la enseñanza del arte en la escuela, se concreta en una propuesta de Arthur D. Efland, Kerry Freedman y Patricia Stuhr que fue desarrollada en el texto "Postmodern Art Education". Esta propuesta busca plantearnos las necesidades educativas en la complejidad del mundo actual, a la vez que actualiza el debate en torno a las concepciones decimonónicas y del siglo XX sobre educación, sociedad, arte y estética, sirviendo como punto de partida para poder comprender los procesos que han influenciado sobre la validez, vigencia e incorporación de la enseñanza del arte en la escuela en nuestro tiempo. Preguntas clave. Durante la teoría moderna del arte se consideraba que las manifestaciones artísticas estban destinadas a proporcionar a sus espectadores experiencias estéticas desinteresadas, ya no es reconocida como universal; ahora el arte es concebido como una forma de producción y reproducción cultural que sólo puede entenderse teniendo en cuenta los intereses de sus culturas.
¿De qué manera la situación antes descrita afecta, influye o modifica los enfoques de la enseñanza del arte en la escuela? (Efland, et.al.: 2003). ¿Es posible continuar reproduciendo una enseñanza académica y decimonónica de las artes, con maestros formados en el siglo XX, para alumnos del siglo XXI?
El desafío ahora es la formación de maestros que sepan más sobre artistas y culturas diferentes Concepto de arte. Muchas de las dificultades para consolidar una enseñanza de calidad en el terreno de las artes, tienen que ver con la lenta actualización en relación con las teorías, perspectivas y conceptos propios del campo de conocimiento. Resultan ser demasiados los profesores que continúan enseñando bajo un concepto moderno de arte, bajo una concepción que reivindica el rango superior de las bellas artes, que considera los procesos históricos como lineales.
El concepto moderno se ha trasladado con el posmoderno que no reconoce la dicotomía entre arte superior e inferior, rechaza el elitismo y cuestiona el papel de la comunidad artística al concebirla como espejo de la sociedad y no cómo un grupo de iniciados. Paradigmas en la trayectoria histórica de la enseñanza de las artes en la escuela. Las visiones de progreso que permearon las ideas educativas en occidente desde el siglo XVIII tuvieron cierta vigencia y reconocimiento pero terminaron por ser superados bajo la creencia de que los nuevos cancelaban del todo las situaciones educativas precedentes, lo cual no es correcto si tenemos en cuenta que aún hoy coexisten estas prácticas pedagógicas.
Los paradigmas a los que se refiere Efland son:
De las prácticas del arte academicista de los siglos XVII al XIX, a la enseñanza de los elementos y principios del dibujo a principios del siglo XX;
De la enseñanza de los elementos y principios del dibujo a principios del siglo XX, a la expresión creativa del yo de principios a mediados del siglo XX;
De la expresión creativa del yo de principios a mediados del siglo XX, a la incorporación del arte en la vida cotidiana entre 1930 y 1960;
De la incorporación del arte en la vida cotidiana (1930 -1960), a la concepción pedagógica del arte como disciplina (1960- 1990). Finalidad del arte y por lo tanto de la “educación artística”. Esta es una cuestión fundamental que sitúa a los responsables de la educación, y a la sociedad, frente al desafío que resulta formar ciudadanos en la actualidad "¿debemos continuar con el debate de la importancia de las artes en el currículo escolar, o deberíamos avanzar en la concreción y diseño de propuestas congruentes, inteligentes, pertinentes y creativas?"
Hoy en día las artes funcionan como protagonistas de un buen número de debates y discursos contemporáneos por lo tanto para que los estudiantes puedan lograr alguna participación, deberán conocer el lenguaje.
"Partir del enfoque que sitúa la importancia de la enseñanza del arte en la escuela como un aspecto central en la comprensión e interpretación de los niveles y complejidades en los que se insertan hoy la sociedad y la cultura, da pie para la consolidación de un enfoque posmoderno de la “educación artística”, de tal manera que las formas de repensar la enseñanza deberían hacerse patentes cuando por ejemplo, ante el desconcierto de los alumnos frente a una obra de arte, el profesor lejos de construir y proporcionar respuestas, formule preguntas que orienten la discusión en relación con la interculturalidad, el género, los problemas sociales, la relación pasado presente, las propuestas artísticas emergentes frente a la tradición de las bellas artes: ¿Por qué es esto así? ¿El artista no ha sabido comunicarse a través de su obra o más bien trata de expresar ideas contradictorias? ¿De qué manera podrían ustedes expresar por medio de los elementos y/o lenguajes artísticos, por ejemplo la idea “conjunción del centro y la periferia”?" Conclusiones. Versiones de la enseñanza del arte. "La vigencia, pertinencia e importancia de los diversos enfoques y tendencias de la enseñanza de las artes, se encuentra a debate tanto en Norteamérica como en Iberoamérica.
Es posible identificar las concepciones y versiones descritas por el autor, en las prácticas educativas de diferentes países, tanto en su forma pura como entremezcladas. Las distintas posiciones que sobre el tema mantienen educadores, filósofos, psicólogos, antropólogos o artistas, son el origen de las tendencias que históri¬camente han marcado el desarrollo de la enseñanza de las artes en la educación básica, en el que se pueden ubicar tanto momentos de avance, como de retro¬ceso, estancamiento y valoración, por lo que las variaciones que en el tiempo han tenido los enfoques y tendencias de la llamada “educación artística”, son el resultado directo de los cambios y transformaciones en las concepciones que se tienen de la educación y de la sociedad. Dado que el trayecto histórico de las diversas teorías del aprendizaje no es homogéneo ni lineal y se encuentra en constante transformación, así también las tendencias al interior de la enseñanza de las artes en la escuela, se han ampliado, problematizado, rectificado y reinventado en función del contexto educativo y la situación particular de cada país frente a la educación artística." Tendencias vigentes en el debate iberoamericano contemporáneo. "A lo largo de este siglo, el debate en el campo de la educación artística se ha planteado en términos de aquellos que se concentran en la enseñanza de los contenidos y aquellos que ven el arte como expresión personal.
La tendencia actual de la educación artística parece ser un formalismo pedagógico derivado de las iniciativas del currículo centrado en la disciplina, poniendo énfasis en el orden y la estructura. En otros momentos la educación artística ha tenido que emanciparse de las limitaciones pedagógicas tal como lo demuestra la filosofía de la expresión personal ¿sería posible encontrar un equilibrio entre estas dos tendencias? Hoy en día deberíamos hablar de un equilibrio entre las artes, las ciencias y las humanidades. Cada uno de estos campos de estudio requiere sus propias formas de conocimiento y es esencial para completar la imagen de la realidad. Las artes tienen un papel que desempeñar como parte de la educación general. " Pertinencia actual del enfoque posmoderno en la enseñanza. "De acuerdo con Arthur D. Efland, el principal objetivo de la enseñanza del arte es que los alumnos lleguen a entender los mundos sociales y culturales en los que viven. Estos mundos son representaciones creadas a partir de cualidades estéticas de los medios artísticos. Para entender cómo estas cualidades llegan a producir significado, es preciso que los estudiantes se enfrenten a ellas en su propia experiencia con diferentes medios. Un currículo artístico debería ani¬mar a los estudiantes a salir al encuentro de interpretaciones y concepciones de filósofos, h. del arte y críticos que hayan estudiado los fenómenos del arte en toda su complejidad. El arte y la ciencia no sólo se oponen sino que son igualmente importantes. Resulta necesario en aras de la concreción de un enfoque intercultural y pos¬moderno de la enseñanza del arte en la escuela, que se diseñen planes para la mente y la experiencia con estrategias didácticas, contenidos y propósitos congruentes con las exigencias en la formación de ciudadanos críticos, bien informados y competentes para moverse en un mundo incierto, multiperspectivo y en continua transformación." Textos de referencia. Efland, Arthur D., "Una historia de la educación del arte. Tendencias intelectuales y sociales en la enseñanza de las artes visuales, Barcelona: Paidós, 2002." »»“A medida que las bellas artes comenzaban a separarse de los oficios artesa¬nales, la educación artística para aficionados procedentes de las elites sociales paso a ser también socialmente aceptable. En la medida en que el arte re¬quería de conocimientos de tipo literario y científico, los aristócratas podían considerar que había suficiente dignidad en el estudio de materias como el dibujo. A lo largo de la historia de la educación de estos siglos (XVI – XVIII), las artes visuales eran vistas como una ocupación demasiado baja como para ser digna de personas socialmente prominentes, o bien como una actividad ociosa a la que sólo los ricos podrían dedicarse. El cambio fundamental en el estatus del arte que se había producido durante el renacimiento había tenido poco o ningún efecto a la hora de acercar el estudio de las artes a la mayoría de los niños”
»»“A lo largo del siglo XIX una corriente de idealismo romántico influyó sobre la teoría y práctica educativa en los Estados Unidos de América. El romanticismo alteró de modo radical la noción de mente que pasó de ser un receptor pasivo de impresiones aleatorias a convertirse en un activo organizador de la percepción para hacer comprensible el mundo”
»»"Durante el siglo XIX “la educación artística se ha visto fuertemente influenciada por ideas que han marcado la educación en general. El predominio varía de acuerdo al clima social dominante, las circunstancias sociales o lo grupos en el poder. La tendencia actual de la educación artística parece ser un formalismo pedagógico derivado de las iniciativas del currículo centrado en la disciplina, poniendo el mismo énfasis en el orden y la estructura” La experiencia estética en la educación: la aproximación de John Dewey. John Dewey criticó la visión dicotómica que tenían los educadores conductistas a principios del siglo XX que sostenía la separación inconciliable entre mente y emoción, y dedicó gran parte de su vida a transformar las prácticas pedagógicas que sustentaban la repetición mecánica de modelos como la base del conocimiento. Dewey consideró que la pedagogía activista era el medio para que el niño enriqueciera su experiencia del mundo, a través del contacto sistemático con las ciencias y el conocimiento histórico.
Decidió incluir el aprendizaje del arte en su proyecto de investigación educativa (que llevó a cabo en la Escuela Laboratorio de la Universidad de Chicago). Para Dewey, el arte es una cualidad que da valor a ciertas experiencias. En ese sentido el arte deviene experiencia activa, “dotada de unidad e intensidad propias y, a su vez, de cualidades siempre diferentes".
Mezcla de valores idealistas y empiristas, por tanto se considera que el arte no podría limitarse a una asignatura autónoma, sino que debía trasladarse en su dimensión productiva, a “otras ramas simbólico-formales del aprendizaje”, como la lectura, la escritura y el álgebra.
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