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Modernismo gráfico norteamericano y la Escuela de Nueva York

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Fernanda S

on 20 May 2014

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Art Déco
Modernismo gráfico norteamericano y la Escuela de Nueva York
Posmodernismo en el arte y el diseño gráfico
Revolución tecnológica en
las artes y en la comunicación visual.

María Fernanda Salgado García
Grupo:107 Matricula:1702895
Fecha de entrega:19 de mayo 2014

Producto Integrador 3
Cassandre
Taller de gráfica popular en México
José Gudalupe Posada
Leopoldo Méndez
Alfredo Zalce
Estilos artísticos del siglo XX
Expresionismo abstracto
Se trata de un intenso movimiento artístico de los años cuarenta del siglo XX (posterior a la Segunda Guerra Mundial) surge en Estados Unidos y décadas después se difunde por todo el mundo. Este movimiento agrupa artistas de personalidades muy distintas y que defiende la libertad individual y el carácter expresivo del arte.
Action painting
Los pintores pertenecientes a este estilo quieren darle a su pintura un carácter gestual, que en el aspecto técnico consiste en salpicar con pintura la superficie de un lienzo, de manera enérgica y espontánea sin esquema previo, de tal manera que la superficie del lienzo se convierta en un "espacio de acción".
Historia de la animación
Winsor McCay
Walt Disney
Osamu Tezuka
Modernismo gráfico
en

Estados

Unidos
Walter P. Paepcke
Lester Beall
Corporation of america
&
La revolución en el diseño editorial y
El diseño editorial después de la declinación
Escuela de Nueva York
Paul Rand
Alex Steinweiss
Bradbury Thompson
Alvin Lustig
Saul Bass
Expresionismo tipográfico estadounidense
La fototipografía
Estilo tipográgico internacional
Estilos artísticos de carácter geométrico
Arte concreto
Surge en Francia en 1930 de la mano del pintor holandés Theo van Doesburg quién creó el término de "arte concreto" para sustituir al de arte abstracto.
El arte concreto viene a ser algo así como la geometría del pintor, que construye sus cuadros partiendo de las más elementales formas geométricas que luego pasa a rellenar con colores planos. Estableciendo así una muy interesante relación de forma-color que nada tiene que ver con el mundo visible que puebla nuestro entorno.

Minimal art

No cumple una función ideológica, no
cumple una función utilitaria, no es
expresionismo porque no busca la transmisión de ningún mensaje. Es la forma más pura de arte, es expresar lo más posible utilizando el menor número de elementos.

Op art
Es un movimiento pictórico
que surge a finales de la década
de 1950, para asentarse en los
años sesenta. Su finalidad es la
de producir la ilusión de vibración
o movimiento en la superficie del
cuadro. Se diferencia del arte cinético
por la total ausencia de movimiento real.


Max Bill
Naum Gabo
Helen Frankenthaler
Frank Stella
Kenneth Noland
Víctor Vasarely
Jesús-Rafael Soto
Univers
Creada por Adrian Frutiger
en 1957, es más irregular en
la mancha tipográfica, por
una ligera estrechez en sus trazos. Gozó de amplia difusión ya que fue la 1ª en usarse para la foto-composición y por su
gran versatilidad en estilos y
variantes.


Helvética
Creada en 1956 por Max Miedinger, se convirtió en una
de las fuentes más importantes en los años 60 y 70.
Podemos utilizarla en casi cualquier tipo de diseño, ya que el significado de este no dependerá del estilo tipográfico, sino del contexto en que la fuente sea utilizada. La esencia de esta fuente es su transparencia y simplicidad, su carácter
sencillo y claro, es una
tipografía imparcial y
neutral.
Ernst Keller
Theo Ballmer
Otl Aicher

Josef Müller-Brockmann
&
Neue grafik magazine
Hermann Zapf
Sistemas de identidad visual
Diseño gráfico en México
La formalización del diseño como disciplina es en 1952 en los Talleres de Artesanos y en el Centro Superior de Artes Aplicadas, creado por el INBA en 1956, ambos establecidos en la Ciudad de México.
A pesar de que en la enseñanza de ambas escuelas aún no había un claro deslinde del diseño gráfico con la del artesano o el artista, y aunque no les sea reconocido de manera oficial, estas instituciones abrieron el camino a la enseñanza del diseño en México.

La primera escuela de diseño en México como tal, la crea Bellas
Artes (EDINBA), pero como no otorgaba el grado de
licenciatura será la Universidad Iberoamericana (UIA) en
quien recaiga el honor de ser la primera
escuela de diseño gráfico en México.

Vicente Rojo
La imprenta Madero
La Imprenta Madero fue dirigida de 1962 a 1984 por Vicente Rojo (un exiliado español), la primera escuela no formal de diseño en México.
Chermayeff & Geismar & Haviv
Andy Warhol
Roy Lichtenstein
Robert Rauschenberg
Robert Indiana
Claes Oldenburg
Pop Art
Pop Art es un movimiento artístico surgido al final de los años cincuenta en Inglaterra y caracterizado por el empleo de imágenes y temas tomados del mundo de la comunicación de masas y aplicados al arte de la pintura. Puede afirmarse que el pop es el resultado de un estilo de vida, la manifestación plástica de una cultura (pop), caracterizado por la tecnología, la democracia, la moda y el consumo, donde los objetos dejan de ser únicos para producirse en serie. En este tipo de cultura también el arte deja de ser único y se convierte en un objeto más de consumo.
Arte posmoderno
Las fechas de comienzo del arte postmoderno que se suelen sugerir son el año 1914 en Europa y los años 1962 y 1968 en Estados Unidos. El arte postmoderno es híbrido, eléctrico, mixtificado y normalista.

Los artistas postmodernos recurren por igual al arte clásico y al de vanguardia, incluso los movimientos artísticos inmediatamente anteriores a ellos. Así mismo, mezclan imágenes del arte tradicional con el cómic, el graffiti, imágenes publicitarias o de medios de comunicación de masas. También recurren a todo tipo de técnicas artísticas, desde las tradicionales a las derivadas de las nuevas tecnologías.
Joseph Beuys
Hans Haacke
Julian Schnabel
Keith Hering
Cindy Sherman
Jean-Michel Basquiat
Roman Cieslewicz
Oxenaar
Nacido en Holanda, asistió a la
Real Academia de Arte de esa
ciudad y luego, desde 1966 hasta 1985, trabajó para el Nederlandsche Bank en el diseño de una serie de papel moneda. Fue aquí donde desarrolló su proyecto más ambicioso y famoso; y, en términos de diseño de la moneda, lo que muchos consideran el dinero más bello del mundo.
Nació en Polonia, interesándose desde pequeño en la fotografía y el diseño. Su estilo pasó por diferentes etapas, pero refleja mucho la estética hippie que dominaba el arte popular de aquellos años, se lo considera como uno de los primeros artistas polacos en alejarse de la gráfica más tradicional, además de un especial apego a la figura humana y a la introducción de efectos cromáticos y visuales pero usando la base fotográfica para tales construcciones.
Gert Dumbar
Estudió pintura y diseño gráfico en la Real Academia de Bellas Artes de La Haya. Estudió en el programa de diseño gráfico de postgrado en el Royal College of Art de Londres. En 1977 Gert Dumbar estableció Estudio Dumbar. Con su equipo en el Studio Dumbar completó numerosos programas de identidad corporativa extensas para muchos clientes nacionales e internacionales más importantes.
Ikko Tanaka
Hizo del Diseño Gráfico uno de los más depurados medios de comunicación y de expresión artística. Al fusionar tradición y modernidad, obtuvo un estilo y creó un sello de identidad dominado por la refinada simplicidad de sus composiciones. A través del Diseño Gráfico, Tanaka creó la imagen de empresas y corporativos industriales de todo tipo, y con particular dedicación de aquellas relacionadas con la cultura, como galerías, universidades y museos.
Vicente Rojo
Es un pintor y escultor mexicano, a partir de 1953 colaboró en el diseño de la revista Artes de México. Trabajó en el suplemento México en la Cultura de la oficina de ediciones del Instituto Nacional de Bellas Artes; asimismo colabora con la Revista de la Universidad de la Universidad Nacional Autónoma de México, siendo considerado uno de los artistas más importantes del abstraccionismo en México.
Luis Almeida
Almeida nace en el D.F en 1946.
En 1979 obtuvo su licenciatura en arquitectura por la Universidad Nacional Autónoma de México, con mención honorífica. En México inició sus trabajos en la Imprenta Madero, donde colaboró con Vicente Rojo, y en 1985 ingresó a Redacta, taller donde desarrollaría el diseño editorial y corporativo. Entre los diversos reconocimientos a su obra destaca el Premio Nacional al Arte Editorial del año de 1987 por el catálogo Miguel Covarrubias, en 1993 por la revista El observador internacional, y por el libro Imágenes de un encuentro, y en 1995 por su obra De las estaciones.
El diseño gráfico en el ámbito mundial
El diseño gráfico y la psicodelia
Victor moscoso
Peter Max
Heinz Edelmann
El Push Pin Studios
Milton Glaser
Seymour Chwast
David Lance Goines
Poetas visuales
alemanes
Gunther Kieser
Gunter Rambow
Grapus
Robert Massin
Jan Van Toorn y la práctica crítica.
El diseño gráfico posmoderno
El posmodernismo suizo
El espíritu del diseño posmodernista suizo más que buscar eliminar los alineamientos tradicionales que eran dictados por el movimiento tipográfico internacional, que se basaba una tipografía extremadamente formal de características neutrales de claridad y objetividad científica, quiso ampliar su gama de posibilidades inspirándose a través de la aplicación de estilos más cercanos a lo caótico, espontáneo e intuitivo.
El estilo new wave
En 1964, un joven llamado Wolfgang Weingart comenzó a cuestionar esta tipografía tan ordenada y refinada. Teniendo esta inquietud se dispuso a aplicar un estilo totalmente opuesto, caracterizado por un diseño alegre basado en la intuición, agregando efectos visuales que enriquecieran su gráfica, decidiendo con esto dar un paso más, incorporando a su repertorio en 1970 la técnica conocida como collage, transformándose en un innovador que creó una forma de gráfica tipografíca e imágenes pictóricas en formas nunca antes vistas.
La escuela de San Francisco
La escuela de San Francisco se caracteriza por la innovación del color y la forma floreciendo rápidamente un diseño creativo, optimista y alegre, con un agudo sentido del humor y actitud desenfrenada con respecto a la forma y el espacio. Los estilos posmodernistas de Memphis y de San Francisco se convirtieron en íconos dominantes del diseño de los ochentas, donde la superficie y el estilo se transformaron en su meta y justificación.
El estilo retro y/o vernáculo
Las impulsoras del estilo retro desarrollado en Nueva York fueron Paula Scher, Louise Fili y Lapin Goldberg.
Sus enfoques de espacio, color y textura son frecuentemente personales y originales, la permanente actitud de rechazo de los sistemas reguladores del diseño y específicamente de las tipografías que eran consideradas como adecuadas, las llevó hacia una profunda experimentación en donde se podían divisar exagerados espaciados de letra combinados con sutiles impresiones de texto en color sobre color.
Wolfgang Weingart
Estética del estilo punk
Jamie Reid
Jamie Reid fue el primero en “diseñar” el espíritu punk con la dirección de arte de los Sex Pistols además de influenciar posteriores diseñadores como Neville Brody.
Reid producía sus propios afiches, revistas y panfletos a favor de los grupos squatters, prisioneros políticos, el movimiento negro y el feminista. Nunca ocultó su simpatía por los pensadores libertarios como Charles Fourier y llegó a publicar libros con pensamientos de William Morris y Digger Gerrard Winstanley.

Neville Brody
Ralph H. Baer
Es un pionero de los videojuegos, inventor, e ingeniero germano-estadounidense que en muchas ocasiones es nombrado "El Padre de los videojuegos", siendo reconocido por sus grandes contribuciones a los juegos y la industria de los videojuegos.

Nolan Bushnell
Es el fundador de Atari y es junto a Ralph Baer uno de los pioneros de la industria de los videojuegos.
En 1982 Bushnell participó en la creación de Androbot Inc, una empresa que introdujo el concepto de robots para el entretenimiento doméstico.


Hiroshi Yamauchi
Fue un empresario japonés, fue el tercer presidente de Nintendo desde 1949 hasta que dimitió del cargo el 31 de mayo de 2002. Se le conoce por convertir Nintendo, bajo su mando, la compañía desarrolló la consola Famicom y la Game Boy portátil, que la ayudó a entrar en la era de las máquinas de juegos en el hogar.
Shigeru Miyamoto
Es un diseñador y productor de videojuegos japonés que ha trabajado para Nintendo desde 1977. Muchos le apodaron «el padre de los videojuegos modernos» y «el Walt Disney de los juegos electrónicos» por haber creado diversas franquicias de Nintendo, entre las que se encuentran Mario, Donkey Kong, The Legend of Zelda, Star Fox, Pikmin y F-Zero.
Arte Conceptual (Idea Art)
Arte de acción
New media art
Net.art
GUI & WYSWYG
Susan Kare
Desktop publishing
Matthew Carter
Sumner Stone
Erik Spiekermann
Rudy VanderLans
Zuzana Licko
Carol Twombly
Robert Slimbach
Tipografía digital
Pioneros del diseño digital
April Greiman
Willi Kunz
Nacido y educado en Suiza, desde 1970 reside en Estados Unidos donde ejerce su profesión como diseñador y teórico del diseño.
Su éxito en el diseño de un programa de marca de la compañía de la gasolina Mérito franquicia estación ayudó a establecer sus credenciales y finalmente establecer un estudio de diseño independiente que continúa activo.
Ha sido llamado un "arquitecto de la información" que utiliza jerarquía visual y la sintaxis para poner orden y claridad a los mensajes, como se ve en una serie de conferencias y el anuncio de horario de exposiciones.

Tibor Kalman
Crea en el 79 junto con Carol Bokuniewicz y Liz Trovato la agencia de diseño M&Co., la cual tuvo a cargo un variopinto catálogo de clientes como Limited Corporation, el grupo de música New Wave Talking Heads y el restaurante Florent del distrito de las carnicerías en Nueva York. También trabajó como director creativo de la revista Interview a principio de los años 1990. En 1990, se convierte en el editor en jefe/fundador de la revista Colors patrocinada por la marca Benetton.
Ed Fella
Es un artista, profesor y diseñador gráfico cuyo trabajo ha tenido una influencia importante en la tipografía contemporánea. Ed trabajó como diseñador gráfico, diseñando folletos e ilustraciones, en Detroit durante 30 años antes de recibir el doctorado en Diseño por la Academia de Arte de Cranbrook, en 1987. Desde entonces ha dedicado su tiempo a la enseñanza en el Instituto de Artes de California y de su obra que ha aparecido en publicaciones de diseño y en diversas antologías.
David Carson y la “Ray Gun Magazine”
El diseño de interacción
El Diseño Multimedia
Pentagram
MetaDesign
Imaginary Forces
MK12
Tim Berners-Lee
Stefan Sagmeister
Luba Lukova
Philippe Apeloig
Jianping He
Shepard Fairey
Ian Swifty
Germán Montalvo
Gabriela Rodríguez
Alejandro Magallanes
Art Déco surgió en el llamado periodo “de entre guerras” como una opción diferente al Art Nouveau. El Art Decó se caracterizaba por la geometría aerodinámica, en zigzag, moderna y decorativa, el aprecio por la máquina, y al mismo tiempo la búsqueda por satisfacer la pasión por la decoración. Su principal característica es la utilización de líneas definidas, contornos nítidos y formas elegantes y simétricas.
Diseñador gráfico francés, tipógrafo, pintor y maestro del cartelismo, es uno de los artistas del cartel más influyentes del siglo 20. Sus diseños tipográficos y de póster fueron centrales para gráficos Art Decó.
Cassandre se inclinó para la creación de tipos, tanto para emplearlos en sus carteles como para la elaboración de logotipos.
Algunos de sus tipografías reconocidas son: Bifur (1929), Acier (1930), Acier Noir (1936), Peignot (1937), Touraine (con Charles Peignot, 1947), Cassandre (1968).
En 1936 viajó a Estados Unidos para dedicarse a varios proyectos. Allí diseñó varias cubiertas surrealistas para Alexey Brodovitch en la revista Harper’s Bazaar, en Nueva York.
Es un colectivo de grabadores fundado en México en 1937 por los artistas Leopoldo Méndez, Pablo O'Higgins, y Luis Arenal Bastar. La primera preocupación del colectivo era utilizar el arte para fomentar sus causas sociales revolucionarias.
El taller se especializó en grabados en linóleo y en madera, produjo posters, panfletos, banderas y ediciones de portafolio. El arte apoyaba causas como el antimilitarismo, la unión obrera, y la oposición al fascismo. El arte era comúnmente realizado de manera colaborativa.

Lo importante para estos artistas es la materialidad del cuadro como superficie y la individualidad del artista.
Es una pintura no figurativa que intenta expresar la experiencia dramática e interior que vive el propio artista, que forma parte de su personalidad. Así se deja llevar por su mundo interior en un proceso no meditado ni planeado.
La primera generación del expresionismo abstracto la forman una quincena de pintores que trabajaron en Nueva York entre 1942 y 1957, entre ellos:
Willem de Kooning
Arshile Gorky
William Baziotes
Adolph Gottlieb
Philip Guston
Franz Kline
Robert Motherwell
Ad Reinhardt
Mark Rothko
Clyfford Still.
Será alrededor de 1947 cuando Pollock comienza a pintar con el estilo que le hará mundialmente famoso: se trata de abstracciones libres hechas a base de manchas y de “dripping”, una técnica que consiste en agujerear un bote metálico de pintura y desplazarse con él por el lienzo (previamente puesto en el suelo) o bien chorreando la pintura utilizando pinceles o brochas dejando caer la pintura.
Los principales representantes de este arte son:
Arshile Gorky, Hans Hofmann, Robert Motherwell, Franz Kline, Willem de Kooning (que fue el único que esbozó figuras) y el mayor representante de todos: Jackson Pollock.
Con la invención del paso de manivela, Chomón estableció los principios fundamentales de la animación. Más tarde Cohl los aplicó al campo gráfico, y estableció las bases de lo que con los años se convertiría en la poderosa industria de los dibujos animados.
Es, en el año
1915
, que Earl Hurd desarrolla la animación de celdas, avance que permitiría la evolución de la animación hasta ese entonces conocida. La animación por celdas les daba a los animadores la posibilidad de poder reducir el tiempo que invertían en redibujar los objetos perennes en un cuadro, y así dibujarlos solo una vez.
El nacimiento del cine de animación se produjo en
1905
. Fue ese año cuando Segundo de Chomón realizó El hotel eléctrico.
Emile Cohl, dibujante de cómics, desde
1908
realizó los primeros cortometrajes de dibujos animados, viendo los trabajos de Chomón, Méliès y Blackton, Con la misma técnica del registro fotograma a fotograma realizó Fantasmagorie.
En
1917
Oten Shimokawa realizó el primer corto animado de 5 minutos titulado Imokawa Mukuzou (El Portero).
En 1925, Willis O’Brien animaba figuras en tercera dimensión, con modelos de arcilla, con la técnica del stop motion. Realizó los efectos especiales da varias películas importantes, la más famosa de ellas el gorila a animado de King Kong.
Pionero indiscutible de los dibujos animados, era caricaturista y autor de cómics en el New York Herald y que se sintió atraído por el espectáculo cinematográfico, por lo que comenzó a experimentar con los dibujos animados.
Mickey Mouse fue un punto de inflexión importante en la historia del cine de animación, a partir del cual se desarrolló una de las mejores épocas del cine de animación. Walt Disney y Ub Iwerks (quien diseño a Mickey), comprendieron la importancia de los dibujos animados en el cine y, a pesar de su dificultad y los riesgos económicos, apostaron por esa vía cinematográfica.
Pionero del cómic actual japonés (manga) y de los dibujos animados nipones (anime). Creó su propia empresa, Mushi Productions, y con ella la primera serie de dibujos animados de Japón: Tetsuwan Atom (Astroboy). Más tarde Janguru Taitei (Kimba el león blanco), que rodaría más tarde Disney con el nombre El rey león, y Ribbon no Kishi.
Era una época de depresión como se puede observar los carteles callejeros en 1936 fotografiados por Walker Evans.

Lester Beal intento comprendió la organización fortuita, la colocación intuitiva de los elementos y el papel al azar en proceso creativo del movimiento dadá, buscaba el contraste visual y un alto nivel en el contenido de información.

Fundó la Container Corporation of America en el año 1926, fue una de las figuras más importantes en la evolución del movimiento del diseño moderno en Estados Unidos, iniciando en los años treinta. Las adquisiciones y las expansiones permitieron a la Container Corporation convertirse en una empresa nacional de embalaje de esa nación. Paepcke era único entre los jefes de la industria de su generación, pues el reconoció que el diseño podía ser un negocio para convertirse en uno de los principales impulsores culturales de la corporación.
Mehemed Fehmy Agha
Vogue contó con el Doctor Agha como director artístico a partir de 1929, Mehemed Fehmy Agha, de origen turco-ruso, fue un experto en pintura, fotografía y tipografia, lo que le hizo introducir en el mundo de las revistas a los precursores de la fotografía moderna Edward, Steichen, Cecil Beaton y Hoyningen-Huene. Gracias a los conocimientos de Agha la tipografía también se modernizó.
Alexey Brodovitch
En 1950 se produce una revolución en el diseño editorial causada, en gran medida, por Alexey Brodovitch que impartió clases de diseño. Brodovitch, también ruso, realizó composiciones gráficas para la revista Arts et Métiers Graphiques.
Ya en Nueva York, se encargó de la dirección artística de Harper´s Bazaar en 1934. En 1950 diseñó un producto editorial muy novedoso llamado Portfolio. Gracias las clases que impartiría, los nuevos diseñadores y fotógrafos contribuyeron a que esta época fuera extraordinaria en el diseño editorial.

Otto Storch
Otto Storch se unió a las clases de Brodovitch interesado por sus diseños en Harper´s Bazaar. En 1953 ingresa en la revista McCall´s, destinada al público femenino, como director artístico. Debido a problemas en la revista, contratan a Herbert Mayes para dar un nuevo impulso a la publicación y comienzan a unificar la tipografía con la fotografía haciendo de esto un método trasgresor.
Otto Storch y sus ayudantes hicieron de objetos pequeños grandes fotografías, en muchas ocasiones a doble página ocupando incluso los márgemes. Storch, debido a sus aportaciones, es considerado uno de los grandes innovadores de esta época. Pensaba que la idea, el texto, el arte y la tipografía no podían separarse en los diseños. Influenció tanto al diseño editorial como al publicitario.

Henry Wolf, director artístico de Esquire en 1953 también fue alumno de Brodovith y al marcharse éste último de Harper´s Bazaar, tomó su puesto en la revista. Wolf comenzó utilizando en Esquire el espacio en blanco y las fotografías a doble página además de experimentar con la tipografía cubriendo páginas enteras y menguando el tamaño en las siguientes.
Henry Wolf
Conformada por unos talentosos inmigrantes europeos, exiliados por la guerra y el nazismo, llegaron a Estados Unidos importando una primera ola de diseño moderno, trajeron consigo el vanguardismo europeo. En los años de 1940 se dieron los primeros pasos para añadir la originalidad al diseño modernista estadounidense, se consolidó en los años 50 y continúa presente en la actualidad.
Agregaron formas nuevas y conceptos a la tradición del diseño gráfico, la novedad de la técnica y la originalidad del concepto fueron muy apreciadas, y los diseñadores buscaron resolver los problemas de comunicación y satisfacer una necesidad de expresión personal. Esta época fue denominada la "Escuela Estadounidense del Expresionismo Gráfico" por Herb Lubalin. El diseñador que más inicio esta tendencia fue Paul Rand.

Comenzó su carrera en el diseño gráfico a los 23 años trabajando como diseñador promocional y editorial para varias revistas (Apparel Arts, Esquire, Directions Cultural Journal, entre otras) en las que las portadas rompieron con lo tradicional del diseño publicitario.
Tenía una gran habilidad para manipular la forma visual (figura, color, espacio, línea, valor) y analizaba el contenido de la comunicación reduciéndolo a una esencia simbólica.
Una de las áreas donde su trabajo fue realmente innovador fue en publicidad, donde introdujo los "equipos creativos" formados por redactores y directores de arte.

Diseñador gráfico y de interiores, que alternó también con la arquitectura, incorporó su visión subjetiva y de símbolos privados. Creyendo en la importancia de la pintura para el diseño y en la enseñanza del diseño, consideró la búsqueda de la pureza del artista a través de símbolos privados como una fuente para los símbolos públicos creados por el diseñador.
Nombrado director artístico de la Columbia Records a los 24 años, aplicó la sensibilidad del estilo moderno a las portadas de discos de la época. Buscaba formas y figuras visuales para expresar la música. Abordó el espacio informalmente, los elementos eran colocados de forma casual y donde las formas se dispersaban al azar. Inició lo que sería un compromiso para adecuar la calidad y la expresión con el contenido músical, que continuó durante más de cuatro décadas en la industria musical.
Destaco por sus diseños en Westvaco Inspirations. Una publicación a cuatro colores que tuvo un efecto tremendo, para demostrar papeles de impresión. Tenía grandes conocimientos sobre la impresión y la composición tipográfica, con los cuales experimentaba ampliando significativamente el rango de las posibilidades.
Diseñó en 1940 el alfabeto 26, un intento de crear un alfabeto de una sola caja combinando las siete letras que tienen el mismo símbolo en ambas cajas (con letra verde en la imagen) con cuatro letras en caja baja (en azul) y en caja alta (en negro).

Fue un reconocido diseñador gráfico estadounidense, conocido por su trabajo en la industria cinematográfica y en el diseño de algunas de las identidades corporativas más importantes de Estados Unidos.

El uso de la figura y del balance asimétrico que surgió en los años 40 fue una importante inspiración para él. En sus composiciones empleaba contrastes complejos tanto de forma como de color y textura, con frecuencia redujo sus diseños a una simple imagen dominante, normalmente centrada en el espacio.

Entre 1950 y 1960 se desarrolla en New York una tipografía figurativa.
Una de las primeras tendencias que surgió, fue que las formas de las letras se convertían en objetos y viceversa. Otra tendencia de este tipo de tipografía es la organización visual de los tipos, adquiriendo un significado connotativo, es decir, utilizaba las propiedades de las palabras o su organización en el espacio para expresar una determinada idea.

En el año 1925 se produjo la aparición de la máquina de composición fotográfica, inventada por E.K.Hunter y J.R.C.August, este nuevo invento sería la base de una revolución gráfica.
Durante un largo tiempo la fototipografía sólo se usó como un método alternativo para la composición de tipos. Una de las ventajas que se adquiría en la utilización del fototipo fue la drástica reducción presipuestaria a la hora de la introducción de nuevos estilos de tipo. La expansión a gran escala del fototipo se produjo en 1960.
Arte de obtener y de estampar clises tipográficos por medio de la fotografía.

Fue catalogado como el genio tipográfico de su tiempo. Apartó las reglas, y las prácticas tradicionales, trabajó el diseño como modo de dar forma visual a un mensaje.
Uno de sus trabajos más sobresalientes, es el tipograma, esta idea se basa en que, el concepto y la forma visual están ligadas al tipograma.
Otra de las aportaciones de Lubalin fue la creación, junto con Edward Rondthaler y Aaron Burns de la internacional Typeface Corporation (I.T.C), con el fin de lograr que los diseñadores fueran resarcidos por su trabajo, mientras que daban licencia y facilitaban a los fabricantes las fuentes maestras.

Herb Lubalin


 El rechazo de toda relación con lo natural, lo objetivo y lo simbólico.
 Utiliza la representación de ideas abstractas en una nueva realidad de carácter universal y constante.
 La expresión plástica se basa, principalmente, en la línea y la superfície, relegando al color a un segundo plano.
 Empleo de elementos geométricos sencillos (círculos, cuadrados, triángulos) y creación de tensiones.
 La forma tiene más importancia que el color.
 Composiciones geométricas formando estructuras que recuerdan construcciones o arquitecturas.
 Emplea colores planos creando efectos cromáticos de espacio y vibración plástica
Entre los seguidores de este movimiento se puede mencionar a Theo van Doesburg, Max Bill, Naum Gabo y Auguste Herbin, por señalar a algunos.

Se caracteriza por:
Sus características son el uso de formas rectangulares y cúbicas, igualdad de las partes del cuadro, la repetición, superficies neutras, los lienzos de gran formato y el color.

Se trata de una pintura abstracta
que se originó en los Estados
Unidos, concretamente en Nueva
York, en la década de los años 1960,
desarrollándose durante los años
1970.
En este movimiento se destacan Triond, Supernova, Yaacov
Agam (con sus cuadros en relieve), Doble metamorfosis
III, Briget Riley, Crrent, Jeffrey Steele; La volta, Richard
Anuszkiewicz, Iridiscencia, Michael Kidner; Azul,
verde, violeta y marrón.
Durante la década de 1950 surgió en Alemania y Suiza un movimiento de diseño al que se llamó Diseño Suizo o más apropiadamente Estilo Tipográfico Internacional, las raíces del Estilo Tipográfico Internacional provienen de la corriente de De Stijl, la Bauhaus y la nueva tipografía de los años 1920 y 1930.
Se caracteriza por:
 Imagen predominante objetiva fotografía fuerte.
 Renovación tipográfica uso casi exclusivo tipo sans serif.
 Composición estricta retícula o grilla.
 Ausencia de ornamentación.
 Enfoque del diseño independiente del criterio

Se puede mencionar a Bill, Gerstner, Loshe, Müller Brockman, Neuburg, Vivarelli.


Estas escuelas basadas en la Bauhaus incorporan aspectos nuevos como el estudio de la teoría de la publicidad, percepción y marketing.

Ruder como maestro de tipografía de la escuela de Basilea, defendió el diseño total sistemático y el uso de una estructura de red compleja para introducir todos los elementos: tipografía, fotografía, ilustración, diagramas y gráficas en armonía entre sí, mientras que se daba lugar a la variedad de diseño.

Hoffmann aplicó un profundo sentido de los valores estéticos y del entendimiento de la forma a su enseñanza y su diseño con base en el lenguaje elemental de la forma gráfica del punto, la línea y el plano, reemplazando las ideas pictográficas tradicionales con una estética modernista. Buscó una armonía dinámica donde las partes de un diseño están unificadas. Percibe la relación de los elementos contrastantes para dar vida en un diseño visual.
Escuelas de Basilea, Zurich y Ulm
Bill construyó composiciones de elementos geométricos organizados con un orden absoluto. La proporción matemática, la división espacial geométrica y el uso de un tipo sans serif son característicos de su trabajo. Combinaba su severidad en la elección del tipo con un enfoque simplificador de los electos incluidos en una comunicación, que a menudo desembocaba en carteles casi enteramente tipográficos, consistentes en unas pocas palabras.
Fue uno de sus mayores exponentes, y enseño pro más de 4 décadas a partir de su estilo la filosofía de este movimiento suizo en todo su esplendor y cada uno de sus trabajos reflejaba esta disciplina y técnica adquiridas.
Fue uno de los más importantes e influyentes diseñadores gráficos del S. XX. En 1946 junto con Max Bill y un grupo de intelectuales crean la Hochschule für Gestaltung (Escuela de Ulm) que se consagró a la función y a la inserción del diseño como factor fundamental en el mundo industrial.

Entre sus creaciones se cuentan las imágenes corporativas de Braun, Lufthansa, ERCO y de los Juegos Olímpicos de Múnich. Es autor de Sistemas de signos en la comunicación visual, El mundo como proyecto, Analógico y digital entre otros.

Según Otl, la función hace la forma y la belleza viene dada por la excelencia funcional de los objetos.

El resurgimiento de la popularidad de los sistemas de retículas, en la web y el diseño de impresión, se remonta al diseño de publicidad de Josef Müller-Brockmann. Müller-Brockmann comenzó su carrera en la década de 1930, perfeccionando el Sistema de Retículas Suizo y definiendo claramente su trabajo como una forma de arte en sí mismo.
Müller-Brockmann fue co-fundador de la Müller-Brockmann & Co, su agencia de publicidad, en 1967. En el mismo año se convirtió en consultor de diseño para IBM Europa, una relación
que confirmó su gran prestigio en el campo del diseño gráfico.

En los años 50, surgió en Alemania la revista Neue Grafik y con ella el deseo del orden universal. Como editores de Neue Grafik, Josef Müller-Brokmann, Carlo Vivarelli, Hans Neuberg y Richard Paul Lohse, buscaron activamente una expresión visual universal y colaboraron para transmitir este estilo al resto del mundo.
Neue Grafik contenía cuatro columnas y tres bandas horizontales o zonas espaciales, que organizaban todo el contenido, incluyendo las imágenes. Esta revista marcó un paso más en el desarrollo del diseño de revistas basado en retículas que ya estaba en proceso de creación: la realización de un módulo, es decir, de una pequeña unidad espacial de la página que, mediante la repetición, integra todas las partes de la misma.
En 1934 comienza un aprendizaje de 4 años como corrector en la imprenta Karl Ulrich & Co. Es en 1935 cuando se interesa por la caligrafía y ya en el año 1938, después de su aprendizaje, comienza a trabajar en el taller de Paul Koch en Frankfurt estudiando al mismo tiempo el arte de la imprenta y la grabación de punzones junto a August Rosenberg que era un maestro grabador. Con la colaboración de Rosenberg, Zapf produce un libro de 25 alfabetos caligráficos titulado Pen and Gravery que fue publicado por Stempel en 1949.

Algunos de los tipos que Hermann Zapf diseñó son:
Gilgengart (1941)
Palatino (1948)
Michelangelo (1950)
Aldus (1952)
Melior (1952)
Optima (1958)
Hunt roman (1962)
Medici (1969)
Orion (1974)
Zapf Chancery (1979)
Aurelia (1983)

Un sistema de identidad visual tiene como objetivo representar e identificar a una marca, producto, empresa u organización dentro del contexto de su mercado y competencia. Cumple también el objetivo de estandarizar y racionalizar el uso de símbolos y materiales utilizados en la comunicación, la cual además debe ir en línea con la imagen que ésta desea proyectar interna y externamente.
Los componentes gráficos básicos de una marca son el emblema (símbolo), el logotipo (ilustración tipográfica del nombre), la tipografía corporativa, los colores corporativos, y los diferentes "soportes de identidad", que varían entre empresas.


Chermayeff & Geismar & Haviv, ha cambiado la historia del diseño en EU y el mundo gracias a sus trazos y geometría simples.

Es la empresa de diseño responsable de muchas de las marcas más reconocibles del mundo. Desde 1958, la empresa ha sido pionera en el movimiento moderno de la idea impulsada por el diseño gráfico. La compañía tiene un alcance global, con proyectos en Europa, Asia, América Latina y Oriente Medio, así como en los Estados Unidos. Es dirigida por sus socios fundadores, diseñadores de la talla de Ivan Chermayeff y Tom Geismar, además del diseñador Sagi Haviv.
Estilo Tipográfico Internacional y los sistemas de identidad visual.
Consiste en combinaciones imposibles de colores saturados complementarios, tipografías libres al borde de la legibilidad, que se deforman, se retuercen y se deshacen como si fueran líquidas, desinhibidos adornos modernistas inspirados en los efectos alucinógenos del LSD y las anfetaminas.
Y es un estilo maximalista que inspira a muchos diseñadores actuales, hastiados y aburridos del minimalismo conceptual que ha dominado desde los 80 hasta hoy y que ahora convive con una mayor multiplicidad de estilos.

El Push Pin Studios fue uno de los estudios de diseño más influyentes durante 30 años a partir de mediados de 1950, tanto por la cantidad y como por la eficacia de los trabajos, cuyo primer presidente fue el maestro del diseño: Milton Glaser.
Push Pin se destacó por su tenacidad en utilizar ilustraciones. En el diseño gráfico el estilo que dominaba esos años era el racionalismo de la Escuela Suiza, Push Pin marcará un estilo ecléctico y excéntrico y de notable originalidad.
el Push Pin Graphic, que tuvo la virtud de ejercer una especie de encantamiento colectivo entre unos centenares de aficionados y aprendices del diseño gráfico del mundo entero, que se suscribían a ella fascinados por esta obra de autopromoción diversa, inquieta, brillante y siempre sorprendente.
En Alemania occidental, a comienzos de los años “60, y continuando dentro de los “80, emergió una aproximación poética al diseño gráfico, basada en la fotografía y en el manejo de imágenes fotográficas por medio del collage y el montaje. Materiales editoriales y promocionales probaron ser las áreas de comunicación que proporcionaban auditorios y clientes receptivos para estos poetas que estiraron el tiempo, fusionaron y fragmentaron imágenes inquietantes pero siempre cautivadoras. Lo conservador, tradicional y esperado fue rechazado por estos diseñadores, quienes definían el proceso de diseño como la invención de imágenes inesperadas para transportar ideas y sentimientos.
Comenzó su carrera en 1962. Experto imaginista ha demostrado su habilidad para inventar imágenes inesperadas y solucionar problemas de comunicación, junta ideas e imágenes para crea una nueva vitalidad un nuevo arreglo o una síntesis de objetos dispares. Siempre tiene una base racional que unifica formas expresivas para comunicar un contenido.

En sus diseños gráficos los recursos de la fotografía son manipulados masajeados combinados en montaje y aerografiados para convertir lo ordinario en extraordinario. Su manifestación es original y metafísica, llena de poesía y profundidad. Algunas veces el manejo tiene lugar mediante la creación de objetos o eventos diseñados o construidos para ser fotografiados como el cartel de “Baumeister Solness” en 1978
El grupo Grapus fue fundado en 1970 por Pierre Bernard, Gérard Paris-Clavel y François Miehe.
De aquel clima revolucionario surgió Grapus. Con una metodología procedente en buena parte de la semiología tamizada por la influencia de la gráfica polaca, sus imágenes, a veces agresivas y en ocasiones hasta repulsivas, con sus colores brillantes, sus garabatos infantiles y sus impredecibles mezclas de formas fueron una llamada de atención no sólo para sus compatriotas sino para un buen número de diseñadores inconformistas de todo el mundo que encontraron en ellos un camino a seguir.
Aunque el trabajo se hacía de manera individual, respetando el estilo de cada uno, cualquier propuesta se firmaba de manera conjunta tras ser examinaba y discutida por todos los miembros del grupo.
Grapus diseñó campañas sociopolíticas impactantes -como la de la “Union du peuple de France”- creó la imagen corporativa del sindicato comunista CGT y desarrolló la línea de comunicación de un buen número de organizaciones de ayuda humanitaria.
La practica critica asume la difícil tarea de explorar y tratando de dilucidar la obra de Jan van Toorn, un diseñador que no siempre está claro sobre sus intenciones, que hace que el uso frecuente de las imágenes y el texto inexplicables, y cuyo trabajo se describe a menudo con conceptos como "alienación", "incomprensible", "desfamiliarización”, “digresiones” e “intrusión”.
Van Toorn buscaba así generar un diálogo. Esto le llevó a cuestionar el brief de sus clientes tratando de infiltrar su visión personal y sus ideas políticas. El ejemplo más claro son la serie de calendarios creados para la imprenta Mart Spruijt, que muestran su visión crítica, provocadora, creando controversia entre el público.

La primera vez que se utilizo el termino postmodernismo con relación al diseño apareció en 1968 en la revista británica design.
Este estilo es hibrido, sus raíces están muy arraigadas en la sociedad incluso más que en el modernismo, es una yuxtaposición entre lo viejo y lo nuevo, una invención ingeniosa de lo viejo.
El uso de la tecnología a finales de los años setentas contribuyo a establecer el lenguaje posmoderno, pues daba nuevas herramientas para la invención y creación de nuevas formas de trabajar.

Rosmarie Tissi
en 1964 rompió el esquema tradicional, realizando un anuncio de imágenes desalineadas dispuestas de forma intuitiva y aleatoria donde se dejan ver líneas de bordes discontinuos.
Nacido en Alemania en 1941 cerca de la frontera con Suiza, es conocido internacionalmente como diseñador gráfico y tipógrafo. Su trabajo se clasifica como tipografía suiza y normalmente se le reconoce como el padre de la New Wave o tipografía Suiza Punk, ya que fue uno de los primeros críticos con el estilo internacional suizo.
Su trabajo se caracteriza por su aplicación pictórica de elementos gráficos y tipográficos. Tipos que forman líneas con una fuerte carga emocional, la imagen formada por cualidades del tipo, un impacto casi cinematográfico de sus diseños y una gran pasión en el desarrollo de formas gráficas.
En los 70 la estética punk tomaba de las entonces tecnologías en auge, como la fotocopiadora, técnicas de distorsión para diseñar un sentimiento de rechazo caótico y de ruptura. El diseñador británico Jaimes Reid cofundador de la revista anarquista Suburban Press y diseñador de la gráfica del grupo Sex Pistols del 76 al 79– utilizó letras recortadas para fabricar títulos al estilo «carta de extorsionista», collage e imágenes fotocopiadas para reforzar el mensaje rupturista. "...nace en oposición a las reglas que rigen el vestir de la sociedad correctamente alineada con ciertas ideas políticas, concepciones filosóficas y religiosas de la vida".
Diferentes posturas remarcan la importancia de la estética individual, dando significados a un color o a una combinación de prendas de vestir determinada. Para otros, simplemente representa la elección personal.

Neville Brody es un diseñador británico nacido el 23 de abril de 1957 en Londres. Brody se formó en el London College of Printing entre 1976 y 1979. Sus primeros trabajos fueron cubiertas de discos para sellos independientes en lo que ya podía apreciarse un interés por el diseño de los años veinte y un alejamiento de las convenciones de las tendencias de la década de los setenta.
Hacia 1988 comenzó a diseñar nuevas fuentes tipográficas distribuidas por Linotype. En 1988 apareció la primera monografía sobre su obra, The graphic language of Neville Brody, al tiempo que se celebraba una exposición en el Victoria and Albert Museum que ejerció una influencia destacada en toda Europa.
Baer empezó el desarrollo del sistema de videoconsola "Brown Box" y varios prototipos en 1966 para la defensa de electrónicos de la empresa Sanders Associates.
Baer creó la primera pistola de luz y de caza para el uso doméstico de televisión, siendo vendida con un paquete de expansión del juego para el Odyssey, conjuntamente conocido como la Galería de tiro
En 1984, Bushnell entró de nuevo en el negocio del videojuego, fundando 'Sente Games. Midway Games accedió a distribuir los juegos de Sente; la lista de títulos publicados de la empresa incluye el popular juego de hockey uno-a-uno Hat Trick (1984). Bushnell ha fundado más de 20 empresas (la más reciente es uWink que fundó en 1999). Ha sido incluido en el "Video Game Hall of Fame" y en el Consumer Electronics Association "Hall of Fame".
El Arte conceptual es una forma contemporánea de representación artística, en la cual, una idea o concepto específico, muchas veces personal, complejo e inclusivo, toma una forma abstracta, no convencional, basada en la negación de principios estéticos. El Arte conceptual es diferente del “Concepto” visto como contenido del arte, pero puede ser considerado una forma abstracta de la idea y de la percepción del trabajo artístico originada en la mente del artista, que luego puede ser presentada en una variedad de formas.
Emergió a mediados de los años 60 inicialmente en los Estados Unidos y Gran Bretaña.
Una obra de Arte conceptual no es una mera narración de la naturaleza en sus muchas variantes; los artistas, a través de inferencias personales, utilizan los elementos disponibles de la expresión para representar no solamente la naturaleza de los objetos sino además temas políticos, sociales y tecnológicos. En muchos casos el espectador, y a veces el artista en si mismo son parte íntegra de la obra de arte y su concepto base.
Se denomina arte de acción (action art o live art) a un grupo variado de técnicas o estilos artísticos que hacen énfasis en el acto creador del artista, en la acción.
El término fue creado por Allan Kaprow, que señaló la interrelación entre el artista y el espectador en el momento de creación artística.
El movimiento cobra importancia especialmente desde los años 1960, con grupos como Fluxus y Gutai.
El Live Art es una estrategia de creación cuyos ámbitos constituyentes, y que nosotros entendemos como claves, son: el cuerpo como instrumento de acción.
Con "arte de los nuevos medios" nos referimos a obras que se sirven de las tecnologías de los medios de comunicación emergentes y exploran las posibilidades culturales, políticas y estéticas de los mismos. Abarca un conjunto bastante amplio de manifestaciones artísticas: videoarte, arte de transmisión, instalaciones multimedia, arte interactivo, net.art, fotomontaje digital, realidad virtual, mediaperformances, cine expandido, experimental, inteligencia artificial y telepresencia, entre otras, es decir, aquellas que utilizan el soporte audiovisual electrónico o digital en el proceso de producción o exhibición.
El arte de los nuevos medios apareció en un clima de fragmentación artística extrema a finales del siglo XX como el Happening, Fluxus, y el Videoarte. La aparición de los primeros navegadores de Internet catalizó el nacimiento del arte de los nuevos medios como movimiento.

Utilizamos el término net.art para referirnos a aquellas prácticas artísticas creadas especialmente para difundirse en la red.
Una obra de net.art tiene como característica fundamental el uso de los recursos de la red para producir la obra. Esto puede ser en forma de uso de datos tomados de internet o del usuario, o uso de programación en el servidor.
Lo que las imágenes de los proyectos de net.art aportan a estas páginas visto fuera de su espacio nativo de HTML, fuera de su cualidad de red, de su hábitat social.
Entre los artistas de este movimiento destacan Daniel García Andújar, Gustavo Romano, Karen Villeda y Vasily Zaitsev.

La interfaz gráfica de usuario, conocida también como GUI (del inglés graphical user interface) es un programa informático que actúa de interfaz de usuario, utilizando un conjunto de imágenes y objetos gráficos para representar la información y acciones disponibles en la interfaz. Su principal uso, consiste en proporcionar un entorno visual sencillo para permitir la comunicación con el sistema operativo de una máquina o computador.
En el contexto del proceso de interacción persona-ordenador, la interfaz gráfica de usuario es el artefacto tecnológico de un sistema interactivo que posibilita, a través del uso y la representación del lenguaje visual, una interacción amigable con un sistema informático.

WYSIWYG es el acrónimo de What You See Is What You Get (en español, "lo que vez es lo que obtienes"). Se aplica a los procesadores de texto y otros editores de texto con formato (como los editores de HTML) que permiten escribir un documento viendo directamente el resultado final, frecuentemente el resultado impreso. Se utiliza en contraposición a otros procesadores de texto, hoy en día poco frecuentes, en los que se escribía sobre una vista que no mostraba el formato del texto, hasta la impresión del documento. En el caso de editores de HTML este concepto se aplica a los que permiten escribir la página sobre una vista preliminar similar a la de un procesador de textos, ocupándose en este caso el programa de generar el código fuente en HTML.
Susan Kare es una artista y diseñadora gráfica que ha creado muchos de los elementos de la interfaz para Apple Macintosh en la década de 1980. También fue una de los empleados de NeXT (la compañía formada por Steve Jobs después de salir de Apple en 1985), trabajando como director creativo.
Es la diseñadora de distintos tipos de letras, iconos, material de marketing para el Macintosh OS. De hecho, los descendientes de su trabajo pionero todavía se puede ver en muchas herramientas de gráficos de computadora y accesorios, especialmente los iconos tales como el lazo, el Grabber y el Cubo de pintura. Una pionera de pixel art, sus obras más reconocidas de su tiempo con Apple son el tipo de letra de Chicago, el tipo de Ginebra, Mónaco, el Happy Mac y el símbolo de la tecla Comando en los teclados de Apple.

La autoedición, publicación de escritorio o desktop publishing (DTP) en inglés, consiste en sistemas informáticos de tratamiento gráfico que combinan un computador personal y un programa de diagramación de páginas (maquetación) y unaimpresora o un económico dispositivo multifuncional para crear documentos de publicidad, tanto para publicación a gran escala, o salida, como para distribución a baja escala. Es un trabajo que implica la aplicación de software en el diseño editorial.
Es un conjunto de dibujos vectoriales que se pueden escalar sin pérdida de calidad, gracias a la información adicional codificada en la propia fuente que se conoce como “Hinting” (sugerencia).
Los formatos utilizados para almacenar los archivos de fuentes son: TrueType (TT), Postscript Tipo1 (PS1) y Open Type Font que son los formatos más reconocidos en la mayoría de sistemas operativos.

Es una diseñadora gráfica estadounidense. Termino los dos últimos años de su carrera en Kunstgewerbeschule de Basilea con el influyente Wolfgang Weingart. En aquellos años Weingart comenzaba a poner en cuestión algunos de los principios que habían inspirado la metodología del Movimiento Moderno como el rígido uso de la retícula o la intocable pureza del espacio bidimensional.
Su concepción del diseño concibe la página como si esta fuera un espacio tridimensional donde la tipografía, la fotografía y el resto de los elementos se mezclaran felizmente sin jerarquías y en un complejo orden. A partir de 1984 comienza a utilizar de formar sistemática el ordenador personal en su trabajo utilizando imágenes en baja resolución y tipografía bitmap.
Oliviero Toscani
Nació en Milán y estudió fotografía en el 'Kunstgewerbeschule' en Zurich desde1961 hasta 1965 empezando a trabajar con revistas desde ese momento. Sus fotos han aparecido en todas las revistas más importantes a nivel mundial, como Elle, Vogue, Vogue for Men, Lei, Donna, GQ, Mademoiselle, y Harper's.
David Carson es un diseñador gráfico americano. Es conocido por sus innovadores diseños para revistas, y por el uso de tipografía experimental. Fue el director artístico de la revista Ray Gun. Probablemente, Carson haya sido el diseñador más influyente de los años noventa. Su estilo, muchas veces imitado, definió la llamada era del "grunge".
En sus diseños busca continuamente la atracción y seducción del público, por eso los titulares están cargados de expresividad y emotividad por lo que los hace destacar ya que para él, los considera como el elemento primordial para que el lector se fije y continúe leyendo el artículo.
Ray Gun
fue una revista de rock-and-roll alternativo estadounidense, publicada por primera vez en 1992 en Santa Mónica, California. Liderado el director de arte David Carson, la Ray Gun exploró el diseño tipográfico. El resultado fue un estilo abstracto caótico, no siempre fácil de leer, pero distintivo en apariencia.
Es un campo de desarrollo interdisciplinario que define el comportamiento de los productos y sistemas con los que interactúa el usuario. La práctica generalmente se centra en sistemas de tecnología complejos, como el software, dispositivos móviles y otros dispositivos electrónicos; sin embargo, también se puede aplicar a otro tipo de productos y servicios, e incluso a organizaciones. Todo esto con la finalidad de generar una experiencia de usuario que sea agradable. Para lograr esta finalidad, se deben realizar pruebas con usuarios que no estén implicados en el desarrollo del software, ya que, como estos serán los usuarios finales, su percepción del producto es la que cuenta.

Está compuesto por la combinación de diversas ramas, que engloban texto, fotografías, videos, sonido, animación, manipulada y volcada en un soporte digital. Algunas de estas ramas pueden ser: Diseño Gráfico, Diséño Editorial, Diseño Web, y diseño de videos.
Es uno de los estudios de diseño más importantes del mundo. Cubren todos los campos del diseño: grafismo, identidad, arquitectura, interiores y productos. Comenzó su actividad en Londres en 1978, pero actualmente posee sucursales activas en San Francisco, Austin y Berlín.
Interfaz dinámica para Coca-Cola por MetaDesign
Brand para Munich-Re por MetaDesign
Fundada en 1996 es un estudio creativo y de servicio completo de producción especializada en la creación y desarrollo de contenidos para publicidad comercial, plataformas digitales e interactivas, largometrajes y filmes de marketing, televisión, los espacios arquitectónicos y marcas globales.
MTV VMAs 2011 para MTV por Imaginary Forces
Mad Men para Lionsgate/AMC por Imaginary Forces
Animación para Lancaster Caramels por MK12
Visualización artística de Fiber para Google por MK12
Titulos de ZeroFilm para NYC Film Festival por MK12
Es un científico de la computación británico, conocido por ser el padre de la Web. Estableció la primera comunicación entre un cliente y un servidor usando el protocolo HTTP en noviembre de 1989.
Ante la necesidad de distribuir e intercambiar información acerca de sus investigaciones de una manera más efectiva, Berners-Lee desarrolló las ideas fundamentales que estructuran la web. Él y su grupo crearon lo que por sus siglas en inglés se denomina Lenguaje HTML (HyperText Markup Language) o lenguaje de etiquetas de hipertexto, el protocolo HTTP (HyperText Transfer Protocol) y el sistema de localización de objetos en la web URL (Uniform Resource Locator).


The Cranbrook Academy of Art
es conocida como la cuna del modernismo americano, sigue teniendo un impacto significativo en el mundo del arte, arquitectura y diseño completamente desproporcionada a su tamaño. Destacados artistas, arquitectos y diseñadores como Saarinens, Ray y Charles Eames, Florencia Otero, Jack Lenor Larsen, Donald Lipski, Duane Hanson y Hani Rashid, por nombrar sólo unos pocos, han sido una parte de la comunidad de artistas de Cranbrook.
La comunidad fue fundada por George Gough Booth, y Eliel Saarinen, ambos se inspiraron en la visión del movimiento Arts and Crafts, que comenzó en Inglaterra en 1932 y pronto se extendió a los Estados Unidos.

La Escuela de Diseño de Rhode Island
(RISD, Rhode Island School of Design) es una de las principales instituciones artísticas de los Estados Unidos. Conocida como la “Ivy League” de las escuelas de arte, fue fundada en 1877 en Providence, Rhode Island.
RISD ofrece las licenciaturas en Arquitectura, Pintura, Escultura, Comunicación Audiovisual, Fotografía, Diseño Gráfico, Artes del Vidrio, Diseño de Mobiliario, Ilustración, Artes Impresas, Diseño Industrial, Arquitectura de Interiores, Diseño de Modas, Artes de la Cerámica, Joyería y Trabajos del Metal y Artes Textiles.

Historia del Arte y del Diseño
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