Loading presentation...

Present Remotely

Send the link below via email or IM

Copy

Present to your audience

Start remote presentation

  • Invited audience members will follow you as you navigate and present
  • People invited to a presentation do not need a Prezi account
  • This link expires 10 minutes after you close the presentation
  • A maximum of 30 users can follow your presentation
  • Learn more about this feature in our knowledge base article

Do you really want to delete this prezi?

Neither you, nor the coeditors you shared it with will be able to recover it again.

DeleteCancel

Make your likes visible on Facebook?

Connect your Facebook account to Prezi and let your likes appear on your timeline.
You can change this under Settings & Account at any time.

No, thanks

HISTORIA DEL ARTE

Línea del tiempo de la historia del arte dividida por disciplinas.
by

B del Campo

on 3 February 2013

Comments (0)

Please log in to add your comment.

Report abuse

Transcript of HISTORIA DEL ARTE

EL ARTE PINTURA Beatriz del Campo MÚSICA 1200 aC LITERATURA ESCULTURA 40000 aC 1200 aC Siglo V Siglo XVI Siglo XVII Siglo XVIII Siglo XIX Siglo XIX Siglo XX Siglo XXI ARTE RUPESTRE Se trata de una de las manifestaciones artísticas más antiguas de las que se tiene constancia. Las más antiguas manifestaciones corresponden con el periodo de transición del Paleolítico al Neolítico. Aparecen figuras humanas (incluso con arcos) y de animales de cuatro patas, pero muy simplificadas. En algunas pinturas de grupos humanos hay composiciones escénicas. Pero lo más típico son signos abstractos. Priman la esencia y el dinamismo. Las figuras son muy sintéticas La simplificación es su rasgo más característico. ANTIGÜEDAD La pintura del Antiguo Egipto fue eminentemente simbólica, funeraria y religiosa. Hacían la pintura de los pigmentos naturales, extraídos de tierras de diferentes colores, una pasta de color, que mezclaban con clara de huevo y disolvían con agua para poder aplicarlo sobre los muros, revestidos con una capa de tendido "seco" de yeso.

Las figuras se representaban con el rostro, brazos y piernas de perfil, mientras que el tronco y el ojo estaban dispuestos de frente.
La representación estaba reservada a las figuras de dioses y faraones en las primeras épocas, posteriormente, también a personajes notables. Las figuras más importantes eran más grandes que las de los demás personajes, y la piel de los hombres era oscura, ocre, mientras que en las mujeres era más clara, ocre claro EGIPTO CRETA GRECIA ROMA Los temas de la pintura cretense van más lejos que los temas religiosos propios del Antiguo Egipto o Mesopotamia. También van más allá de los temas de la vida cotidiana de EgiptoLa incorporación a la pintura de la composición, del ritmo y las proporciones es el aspecto más inovador ya que a partir de Creta, estos elementos inmateriales estarán presentes en todas las manifestaciones de la pintura.Las formas de la pintura cretense son más ligeras y atrevidas. Dejan de lado la rigidezLa pintura cretense se encuentra en los palacios, no en las tumbas.Creta fue donde se inició el desarrollo de las artes Con anterioridad a la formación del arte griego hubo en territorios de la antigua Grecia un arte que se ha llamado prehelénico, conservadas tan sólo en ruinas de edificios de la época y sobre estuco, representando paisajes, acciones guerreras y ceremonias cortesanas o religiosas cuyas figuras aunque imperfectas revelan notable expresión y vida. La pintura griega se divide en tres periodos:
- El de formación y arcaico que dura hasta el siglo V a. C., el cual se distingue por los resabios de influencias asirias y egipcias que revela en sus dibujos. Las figuras son de color negro sobre fondo amarillo o rojo
- El de elegancia nacional, durante el siglo V a. C. y parte del IV a. C. donde de sitúa la invención del claroscuro. Las vasijas de este periodo tienen las figuras rojas sobre fondo negro
- El alejandrino o de difusión desde mediados del siglo IV a. C. donde comienza a usarse el relieve con uniforme color negro o rojo. Los asuntos representados en tales pinturas fueron escenas de la vida humana y tradiciones o leyendas mitológicas y heroicas. Las obras pictóricas griegas que al presente se conocen y conservan consisten únicamente en decoraciones de ánforas y de otras elegantes vasijas salvo algunos mosaicos de pavimento y placas de arcilla pintadas los griegos pintaron cuadros excelentes, por lo menos murales (cuyas copias pueden ser algunas decoraciones de las grandes ánforas de lujo) y que emplearon los procedimientos al fresco, al encausto, al temple y quizás al óleo. En las decoraciones de vasijas se presenta raras veces la figura humana y siempre estilizada y de escasos detalles. Los romanos admiraban la pintura griega, por lo que hacen copias de obras griegas especialmente famosas o populares. sin embargo, los romanos tendían más que los griegos a decorar sus paredes con pinturas murales, y aunque siguen la tradición griega, muestran en sus pinturas un gran colorido y movimiento. Las pinturas, con figuras individuales, grupos o paneles enteros, se reproducían, se adaptaban, estropeaban o embellecían según el talento de los artistas y las exigencias del cliente. Los principales monumentos de pintura greco-romana que hoy existen se han extraído de las ruinas de Herculano, Pompeya, Stabia, el Palatino de Roma y de las necrópolis de El-Fayun, en Egipto, además de los mosaicos descubiertos en numerosas ciudades que fueron romanas. La miniatura sobre pergamino fue otro género que estuvo de moda entre los 'pintores' romanos de la época de Augusto, pero de ella no se han descubierto ni se conservan ejemplares anteriores al siglo III de nuestra era. Sus pinturas ofrecen más que todo un carácter decorativo. Destacó también el arte pictórico de la civilización romana en el procedimiento del mosaico. Los procedimientos usados en esta pintura debieron ser el encausto, el temple y el fresco. Aunque se sabe que los romanos desarrollaron la pintura sobre tabla, los restos pictóricos conocidos más importantes son de tipo mural, frescos protegidos con una capa de cera que avivaba los colores. EDAD MEDIA La principal característica del arte paleocristiano es el simbolismo: las figuras representan alegóricamente cosas diferentes a lo que se pinta; cosas alusivas al cristianismo. De esta manera un pastor con oveja al hombro es la alegoría del buen pastor, y un plato con peces la alegoría del pescador del hombres. Estos serán los principales símbolos del cristianismo. A partir del siglo III entra en la iconografía cristiana la representación de la figura humana, y se recrean diversos pasajes del Nuevo Testamento.
Con el tiempo aparecen temas relacionados con la pasión y resurrección de Cristo, aunque el tema de la crucifixión es muy tardío. A Jesús se le representa como un hombre joven e imberbe, la imagen de Jesús maduro es muy tardía. La representación de la virgen es muy rara.
En el siglo IV, tras el edicto de Milán, aparece la iconografía cristiana propia. El arte sale de la catacumbas y se comienza a construir al aire libre y a pintar no sólo las casas particulares sino, también, los lugares públicos, como las basílicas. El arte cristiano se hace oficial. Aparecen mosaicos que se desarrollarán extraordinariamente en el arte bizantino.
El estilo paleocristiano se caracteriza por la ausencia de efectismos que puedan estorbar el mensaje. Tampoco hay dramatismo, sino una simple descripción.
Los colores más usados son el rojo el verde y el ocre. El arte paleocristiano se extiende desde el siglo I al IV, y se localiza en lugares discretos, y hasta ocultos, de las casas y las tumbas. Esto se debe a que la profusión de estas imágenes alegóricas en una casa identificaban a la familia como cristiana, y durante esos cuatro siglos las persecuciones fueron frecuentes. Hoy en día los restos mejor conservados se encuentran en la catacumbas. Las catacumbas no sólo fueron lugares de enterramiento sino, también, de reunión y enseñanza cristiana. La disposición de los nichos excavados en las paredes subterráneas dejaban espacios libres para altares y cátedras, y aquí es donde se encuentra la primitiva pintura cristiana. La característica peculiar de esta pintura traduce un arte tosco de carácter más artesano que artístico.los símbolos sí fueron tomados del paganismo, aunque dándoles una nueva interpretación que sólo conocían los iniciados. ARTE PALEOCRISTIANO En general los símbolos más representados son la paloma como alegoría del alma, el pavo como alegoría de la inmortalidad, el áncora como alegoría de la salvación eterna, el pez como alegoría de Cristo y como símbolo del cristiano, y el cordero como alegoría, también, de Cristo. También son símbolos del cristianismo el anagrama de Cristo PX, el cesto de panes y el jarro de vino, escenas de banquetes como alegoría de la última cena, y la vid. ARTE GÓTICO La característica más evidente del arte gótico es un naturalismo cada vez mayor,incluyendo la representación de paisajes.
En el gótico se tendió a aproximar la representar a los santos en un plano más humano que divino, dejándoles demostrar emociones y sentimientos.
En el principio del periodo gótico, el arte se producía principalmente con fines religiosos. Muchas pinturas eran recursos didácticos que hacían el cristianismo visible para una población analfabeta; otras eran expuestas como iconos, para intensificar la contemplación y las oraciones. Los primeros maestros del gótico conservaban la memoria de la tradición bizantina, pero también crearon figuras persuasivas, con perspectiva.
Utilizan colores muy luminosos y llenos de fuerza, son trazos sencillos y claros. RENACIMIENTO La perspectiva, la composición, el color y la luz son los elementos que centran las preocupaciones formales.
El Quattrocento destaca por su observación de la naturaleza y el paisaje, la plasmación del movimiento y la ampliación de los temas. Aparece el desnudo, el cuerpo humano se representa en sus proporciones correctas.
El centro más importante es Florencia, en donde trabajan, entre otros pintores menos conocidos, Fra Angelico, que es uno de los
pintores más importantes. Sandro Botticelli es el pintor más famoso de la época.Utiliza modelos religiosos, El nacimiento de Venus es su obra más representativa El Cinquecento es la edad de oro del Renacimiento. En los cuadros aparecen diferentes motivos, pero el principal se encuentra en primer plano, lo anecdótico desaparece. Se rinde culto a la belleza. Destacan los pintores como Leonardo da Vinci y el ideal humanista que representa; es uno de los más grandes pintores del arte universal. Entre la muchas grandes obras de Leonardo destaca La última cena y La Gioconda. El manierismo presenta un lenguaje más complejo, de colores decorativos y un tanto anticlásico. El pintor manierista más importante fue Miguel Ángel En el resto de Europa el Renacimiento tardó un poco más en calar:
En Francia siguen teniendo muchos convencionalismos góticos.
En los Países Bajos se sigue notando la influencia flamenca.
En Alemania el protestantismo tiene una etapa de cierto rechazo iconográfico, y continúa el gótico internacional BARROCO Es una pintura realista. Las obras barrocas están dotadas de un profundo naturalismo. El pintor barroco plasma la realidad tal y como la ve

La pintura barroca holandesa y de Flandes es heredera directa de la flamenca, tiene un lenguaje más burgués, que le diferencia del lenguaje cortesano del resto del mundo. El barroco admite una gran variedad de temas y técnicas, propaga los valores de la Contrarreforma, el absolutismo y la burguesía. Se recrea en los espacios abiertos, predomina el color y la luz sobre el dibujo, y busca los efectos de contraste que producen las luces y las sombras, con una técnica que se llamará tenebrismo. La pincelada suele ser larga y flexible El paisaje humanizado cobra importancia por sí mismoy surge como tema nuevo el bodegón, sin presencia humanaNo se entiende la pintura barroca sin hacer referencia a dos estéticas diferentes: el tenebrismo y el eclecticismo o clasicismo. El tenebrismo consiste en el choque violento de la luz contra la sombra. el eclecticismo Se trata de una estética decorativa efectista y teatral. Entre los más grandes pintores del período barroco se encuentran Caravaggio, Rembrandt,Rubens, Velázquez, Poussin, y Vermeer. NEOCLASICISMO El Neoclasicismo, como ideología burguesa, aspira tanto al orden y la estabilidad, como a la libertad que les era negada por el Antiguo Régimen; del mismo modo, es la burguesía la que se plantea la dialéctica entre la razón, que defiende un sistema político más racional que el del Antiguo Régimen, y el sentimiento en este período neoclásico trabajaron artistas como Goya, Füssli o Blake. Ambas corrientes convivieron durante el siglo XVIII.
Como todo artista, se fue creando como pintor a través de influencia de otros pintores, pero poco a poco Goya fue creando su propia configuración como artista, creador de nuevas técnicas muy originales. Francisco de Goya consiguió un estilo aun más suelto y atrevido que introdujo en los últimos años de vida, en una ultima etapa de vida marcado por la soledad, por la sordera, sumido en el pesimismo y la tristeza.
El consiguió fundir lo real y lo ficticio, lo tradicional y lo innovador abriendo así las puertas del modernismo. Goya llegaría más allá de sus coordenadas temporales y espaciales, ejerciendo una poderosa influencia en la pintura posterior, como fue el modernismo y el impresionismo. ROMANTICISMO Y REALISMO El Neoclasicismo surge como contra al Rococó, corriente pictórica promovida por la Aristocracia que tiene un estilo de despreocupación de la vida. El Romanticismo supone un momento de renovación técnica y estética de importantes consecuencias para el futuro: utiliza diferentes técnicas como el óleo, acuarelas, grabados y litografías; la textura comienza a ser valorada en sí misma y aparecen las superficies rugosas junto con las formas más sutiles. La pincelada es libre, viva y llena de expresividad; desaparece la línea frente al color. La luz es importantísima y se cuidan sus gradaciones; las composiciones tienden a ser dinámicas, marcadas por las líneas curvas y los gestos dramáticos.
En cuanto a los temas lo característico es la variedad: surge el exotismo que incluye desde la antigua Grecia hasta la edad Media pasando por el mundo desconocido del norte de África y la nueva América salvaje. Se descubre Oriente, que ofrece la luz y el color, así como nuevos temas. Otro tema relevante es la fantasía , y sobre todo el drama con un obsesivo sabor por la muerte, la noche y las ruinas, así como por los monstruos y las criaturas anormales.
Se cultiva del género del paisaje y hay un importante culto al individualismo. El artista prefiere su libertad a la de la colectividad.
A partir de ahora el artista ya no es el artesano. Se crean grupos de artistas que trabajan en común sin romper la individualidad
Destacan autores como Delacroix o Friedrich. En el Realismo pintaron escenas de la vida cotidiana del pueblo, como crítica social y como desprecio absoluto por el mercado del arte oponiéndose a todo lo artificioso e indeterminado, traduciendo la realidad como única verdad del hombre y del mundo, sin falsas representaciones. Fueron pintores apasionados por las problemáticas, ocasionadas por las contradicciones sociales, dentro del proceso productivo, en las relaciones sociales de producción, inspirándose en aquellos temas.Fue censurado y calificado de grosero, arte de mal gusto, insulto a la tradición. Por eso los temas predilectos son los retratos en su exactitud natural, como códigos sin previo aviso. IMPRESIONISMO Y POST IMPRESIONISMO Los impresionistas intentaban captar fielmente la realidad influidos por el positivismo y las ciencias. Eran un grupo de pintores coincidentes en ciertos avances técnicos pero con muy diferentes maneras de entender la pintura. A pesar de su individualismo, presentan unos rasgos comunes:

Utilizan colores claros, luminosos y brillantes. En vez de fundir los colores en la paleta, los impresionistas superponían pinceladas de colores puros.
Tiene gran importancia la plasmación de luz vibrante sobre el lienzo mediante lo cual intentaban captar la impresión momentánea de las cosas, por eso debían trabajar deprisa. Además evitaban las sombras negras Utilizaban encuadres originales, que cortaban los cuerpos de forma parcial.
Los temas preferidos eran banales, secundarios, sin importancia: escenas urbanas, de interior de cafés, bulevares de Paris, regatas, carreras de caballos y bailarinas Y preferentemente paisajes pintados al aire libre Lo autores más importantes son: Claude Monet, Auguste Renoir, Edgar Degas, Camille Pissarro y Joaquín Sorolla. SIGLO XX El arte del siglo XX se caracteriza por la gran variedad de movimientos y estilos que tuvieron su origen en Europa antes de la II Guerra Mundial.
El cuestionamiento sobre los principios artísticos que se inició en las últimas décadas del siglo XIX tuvo una influencia decisiva en la formación del espíritu crítico propio del siglo XX. Esta revolución estética trajo consigo una sucesión de estilos y movimientos, muchos de ellos de corta duración y la mayoría centrados en la búsqueda de nuevas direcciones y principios innovadores. Los movimientos más destacados fueron, entre otros, el fauvismo, el expresionismo, el cubismo, el futurismo, el constructivismo, el neoplasticismo, el dadaísmo, el surrealismo, el expresionismo abstracto y el Pop Art. Pintura Cubista Pintura fauvista Pintura dadaísta Pintura surrealista Pintura Futurista Actualidad Destacaron pintores como Pablo Picasso, Gustav Klimt, Claude Monet, Salvador Dalí y Jean Miró. Actualmente no hay ninguna corriente pictórica específica en el siglo XXI.
Se siguen dando corrientes tan diferentes, originales y cambiantes como se han dado durante el Siglo XX. SigloXVII Siglo XX Siglo XIX Siglo V Siglo XV Siglo XVI ANTIGÜEDAD En Grecia aparecen las 1º manifestaciones musicales descifrables y escritas que actualmente se conservan en manuscritos. Es de los griegos de donde viene la palabra música (mousike) que engloba tanto la poesía como la danza y la música. Consideraban que la música tiene su origen en los dioses.
La música en Roma es heredera de la música griega. Desde la antigüedad existieron escuelas de flauta y trompeta. En esta época adquieren gran importancia las representaciones teatrales acompañadas por música y el acompañamiento musical en el anfiteatro, además juglares y acróbatas actuaban por las calles de la ciudad acompañados de personas que tocaban la pandereta y la tibia (flauta en forma de hueso). Era frecuente que los matrimonios más ricos diesen conciertos en sus villas. La música militar tuvo un gran desarrollo en esta época. Eran muy valorados los músicos virtuosos o famosos, añadiendo vertientes humorísticas y distendidas a sus actuaciones. Estos músicos vivían de una manera bohemia rodeados siempre de fiestas.Eran habituales los certámenes y competiciones en esta disciplina. Pese a todo esto, no está claro que Roma valorara institucional y culturalmente a la música. GRECIA Y ROMA

La Antigüedad greco-romana influyó de modo extraordinario en la conformación del arte occidental. Los aspectos musicales, en cambio, no pudieron conservarse del mismo modo, dada su propia naturaleza y su transmisión mediante el ejemplo. Sin embargo hay testimonios literarios y reproducciones artísticas que permiten ver la importancia de la música en esta época. EGIPTO

En el antiguo Egipto, la música solemnizaba las celebraciones religiosas y funerarias, amenizaba las veladas de los faraones y acompañaba los trabajos agrícolas.
Era una música no sistematizada, pero sabemos que combinaba una serie limitada de sonidos, no demasiado alejados los unos de los otros. EDAD MEDIA La única música medieval que puede ser estudiada es aquella que fue escrita y ha sobrevivido. Dado que la creación de manuscritos musicales era muy cara, debido al costo del pergamino, y la buena cantidad de tiempo necesario para escribir toda una copia, sólo las instituciones muy acaudaladas pudieron producir manuscritos que han sobrevivido hasta la actualidad. Entre esas instituciones generalmente están la Iglesia y las instituciones eclesiásticas, como monasterios, si bien algunas obras seculares también se conservaron en esas instituciones. Estas tradiciones manuscritas no reflejan mucho de la música popular de aquella era.La música medieval está formada por dos periodos principales: el Románico y el Gótico y se pueden distinguir diferentes fenómenos musicales, entre los que destacan el canto gregoriano, la música profana y la polifonía. La música y el canto sacro gozará de aprecio sobre todo por su valor educativo al ser un instrumento de edificación religiosa. Con este enfoque el canto sacro asume la función de instrumento auxiliar de la oración con el sentido de volver esta más agradable. También existieron los juglares, perseguidos constantemente por la Iglesia. Son personajes errantes que van de aldea en aldea, de castillo en castillo, asombrando y divirtiendo a un público analfabeto. Aparte de habilidades circenses, los juglares en general se acompañaban con instrumentos musicales prohibidos por la Iglesia a causa de su antigua relación con la vida pagana. Pero los verdaderos protagonistas del nuevo estilo fueron los trovadores, que eran poetas músicos que cantaban a todos los sentimientos humanos, siendo su temática principal especialmente el amor, la guerra y la naturaleza. Esta música se caracteriza por un ritmo mucho más marcado y variado que el gregoriano y depende del estado de ánimo del autor. Generalmente los trovadores componen y cantan sus propias obras. su actividad surge en el sur de Francia (Provenza). El canto gregoriano tuvo gran importancia, ya que es la única música conservada anterior al siglo IX.Era un tipo de música estrictamente vocal y a una sola voz. La música renacentista se caracteriza por una suave sonoridad y progresivo aumento del número de voces, todas de igual importancia. Son piezas vocales de textura polifónica, frecuentemente imitativa. RENACIMIENTO En esta época desaparecieron algunos de los instrumentos del periodo gótico y pervivieron, sobre todo, aquellos que mejor se adaptaban a la polifonía. Predominaron los instrumentos de teclado y de cuerda, como el órgano, el clavecín, el laúd y la vihuela lo que facilito la consagración de la música como acompañamiento de sus composiciones.
Durante este período, el auge alcanzado por la música profana fue otra de las innovaciones de la época. La música paso a ser un arte no solo cultivado por clérigos.
En esta época las formas musicales más difundidas fueron el motete, la misa, la canción polifónica y el villancico (como aportación española).
Entre los compositores, la figura más destacada fue Joaquín des Pres (1440-1521), que cultivo tanto la música religiosa como la profana.
La división religiosa que el cisma protestante había marcado, dejo también su huella en la música. Entre los reformadores alemanes y centroeuropeos se entendió que la música tenia una gran importancia para los actos religiosos de la nueva Iglesia. Fue el momento en el que la música instrumental despertó un verdadero interés entre los compositores y la música de instrumentos sin acompañamiento de voz se empleo, de manera especial, para el baile. BARROCO Es especialmente importante por la evolución de las obras, aparecen las primeras óperas, oratorios, cantatas, suites, sonatas, concerto grosso … .
También lo es por la talla de sus compositores: Bach, Vivaldi, Handel Scarlatti, Cabanilles o Antonio Soler. El compositor del barroco era un trabajador al servicio de quien le contrataba, ya sea el rey, la Iglesia estuviese o no inspirado. La genialidad de muchos de los compositores, como Bach, superó esa rutina para dejarnos esas verdaderas joyas de la música. Actualidad Aunque las primeras óperas fueron comparadas con otras formas de drama cantado, la ópera las superó, y actuó como transición entre la corte y el teatro público, adquiriendo espectaculares montajes.
La ópera surgió como una tentativa por restablecer la clásica tragedia griega. Los precursores de este género consideraban que los coros de los dramas griegos eran originalmente cantados, y posiblemente también el texto entero de todos los actos; por lo que la ópera así fue concebida como una manera de restaurar esta situación. Buscan los contrastes a través de las intensidades, los tempos y los timbres de los distintos instrumentos. Ello no impide que una característica de este periodo sea la armonía. Es un periodo que rompe con la unidad religiosa del renacimiento y aumenta la parcela del laicismo y lo profano en la música. CLASICISMO En esa época se desarrolló un nuevo estilo musical, más simple, cuyas premisas eran el equilibrio, la claridad y la moderación.

Bach y Galuppi, entre otros, fueron unos precursores del clasicismo, huyendo de la complejidad del barroco. Fueron también determinantes en esta nueva etapa además, los ideales de la Ilustración, de gran influencia en los criterios estéticos de la época.
Se descubrieron las ruinas de Pompeya, lo que reavivó el interés por retomar los modelos griegos y romanos.
La música en el clasicismo se popularizó, llegando a más esferas dentro de la sociedad.
Los mecenazgos de antaño, en los que el compositor era “propiedad” del mecenas desaparecieron, y aunque los grandes siguieron recibiendo ayudas, eran mucho más libres para componer según sus propios gustos y criterios, lo cual fue dando una mayor riqueza a la composición musical.
En el clasicismo destacan compositores como Haydn, Mozart y Beethoven. Concierto de Brandemburgo
Tocata y Fuga en re menor
Watched Out
Arte de la Fuga
Misa en si menor Sinfonía de los dioses
La sorpresa
Militar
El reloj
Sus más de 50 sonatas para piano BACH HAYDN MOZART BEETHOVEN Ópera Don Giovanni
Sinfonía no. 36.
Réquiem
Ópera: las Bodas de Fígaro
Sinfonía no. 40 Los conciertos cinco para piano
Todas las sinfonías, con énfasis en: la
novena, la sexta (Pastoral), la quinta y la
tercera.
Fur Elise
La Overtura Leonore No. 3
El concierto triple (violín, cello y piano) ROMANTICISMO Entre los compositores románticos se buscaba era la originalidad. Se pretendía que lo emocional e instintivo destacara sobre todo lo demás.
Beethoven y su música, con la fuerza que poseía y la emoción que suscitaba fue el precursor del romanticismo, pero también destacaron otros autores como Mendelssohn, Schubert, Listz o Chopin.

Surge en una época de extremos, donde los compositores miraban al pasado pero con un tratamiento nuevo y atrevido.

La música del romanticismo siempre ha gozado de las preferncias del público, gracias a su belleza melódica y capacidad de emocionar, cualidades estas que han llevado a este estilo musical a permanecer vigente hasta el día de hoy. POSROMANTICISMO Período en el que se funden las características del Romanticismo y del Barroco. NACIONALISMO Las principales características de la música nacionalista son estas:

Se interesan por el folclore propio y tradicional de la nación.
Las obras nacionalistas incluían leyendas, historia, ritmos y melodías populares, instrumentos autóctonos, etc.
Huían de las formas clásicas .
Nacen nuevas escalas basadas en la música de cada pueblo.
Redescubren instrumentos, sobre todo en el campo de la percusión.
Las formas musicales predominantes eran la canción, el poema sinfónico, el ballet y la ópera SIGLO XX Surge principalmente gracias a la unión de la música negra y la música blanca. Entre los principales estilos de música popular destacan: el blues, el jazz, el rock y el pop. Es una música en la que no existe la simetría y está lleno de cambios de ritmos, por lo que es una música que no busca la armonía y en la que las doce notas de la escala musical se utilizan libremente. Hay gran libertad en las voces y está basada en ritmos de jazz y ritmos gregorianos. Respecto a la instrumentación se busca el individualismo y se prefieren los instrumentos de percusión. El jazz es un género musical nacido a finales del siglo XIX en Estados Unidos, que se expandió de forma global a lo largo de todo el siglo XX. La mayoría de las veces está basado en la improvisación. Sus orígenes musicales son el blues, música africana y música clásica

Y los instrumentos más comunes son la corneta, el trombón, la trompeta , la tuba, el clarinete, el saxofón, el piano, la batería, la guitarra, el contrabajo, el violín, el vibráfono, la flauta el órgano Hammond, el bajo eléctrico y el piano eléctrico. Los músicos más importantes de esta nueva disclipina son: Louis Armstrong, Ray Charles, Ella Fitzgerald, Duke Ellington, Billie Holiday, Django Reinhardt, Sidney Bechet, Nat King Cole, Count Basie y John Coltrane. ORIENTE MEDIO EXTREMO ORIENTE GRECIA ROMA Los primeros escritos de los antiguos sumerios no son literatura, ni las primeras inscripciones en jeroglíficos egipcios. Los textos literarios más antiguos que nos han llegado datan de siglos después de la invención de la escritura.
Muchos textos han desaparecido, ya sea deliberadamente, por accidente o por la total extinción de la cultura que los originó como los que se encontraban en la biblioteca de Alejandría. ANTIGÜEDAD La literatura sumeria se desarrolló en las principales ciudades. Los textos eran fijados en tablillas de barro. Diferentes temáticas, desde las puramente mitológicas hasta las de tipo amoroso.

Hacia el año 2600 a. C. pasó a fijarse por escrito. Se escribieron una treintena de mitos sobre las divinidades sumerias y acadias más importantes, entre los que destacan: el descenso de Inanna a los infiernos, el mito del diluvio y los generados en torno a los dioses Enki y Tammuz.

Aunque se sabe que los fenicios tuvieron una variada literatura, que influyó fuertemente en la literatura en hebreo,3 es muy poco lo que se ha conservado.3 Aun así, por menciones de otros autores y pequeños hallazgos fragmentarios se sabe que escribieron sobre muy diversos temas.

En la India se desarrollaron varios tipos de literatura: literatura védica, literatura épica, literatura en sánscrito clásico y la literatura prácrito (La forma más sobresaliente del prácrito fue la pali, que se usó en India, Sri Lanka y el sudeste asiático y como herramienta de propagación del budismo, de trabajos filosóficos, poesía y obras gramaticales). Literatura antigua de China

La literatura china se inició hace más de tres mil. Los primeros documentos escritos que se pueden considerar literatura provienen de la dinastía Zhou.

Temas principales son el amor y respeto a la naturaleza, a los padres, a los ancianos, al orden político, al social y al religioso.

Literatura antigua de Japón

En el llamado período arcaico, entre los siglos III y VI d. C., Japón produjo sus primeras obras literarias. Muchos autores consideran que la tradición literaria occidental comenzó con los poemas épicos La Ilíada y La Odisea que siguen siendo grandes figuras en el canon literario por sus descripciones y el manejo de temáticas como la guerra y paz, honra y deshonra, amor y odio. Entre los poetas posteriores fue notable Safo, que dio forma a poesía lírica como género. El dramaturgo Esquilo cambió la literatura occidental por siempre al introducir el diálogo y la interacción en el teatro. Aristóteles, alumno de Platón, escribió docenas de trabajos en muchas disciplinas científicas, pero su contribución más grande a la literatura era probablemente su Arte Poética, en donde plantea su término del drama y establece parámetros para la crítica literaria. En muchos aspectos, los escritores de la Antigua república romana y el Imperio romano eligieron evitar la innovación en el favor de imitar a los grandes autores griegos, retomando gran parte de las veces los mitos

Una de las pocas creaciones literarias romanas fue la sátira. Horacio fue el primero en usarla como herramienta argumental. EDAD MEDIA Los monasterios pasan a ser lugares en los que se cultivaban las artes y se enseñaba y surgen las primeras universidades.

Los juglares que interpretaban romances viajaban de pueblo en pueblo transmitiendo estas historias.

Procedentes del latín surgieron las lenguas romances, que en la Península fueron el catalán, el castellano, el gallego y el portugués.

El camino de Santiago se convirtió en una vía para la difusión cultural en una época en la que las comunicaciones eran muy difíciles.

Las primeras manifestaciones literarias conocidas datan del siglo X. Gracias a la tradición oral pudieron ser transmitidas en el tiempo.
• Jarchas mozárabes: Composiciones breves de tema amoroso escritas en mozárabe. Son recitadas por los juglares.

• Poesías trovadorescas: Composiciones cultas, de autor conocido, escritas en provenzal.

• Cantigas galaico-portuguesas: Poesías de autor conocido, por ejemplo Ayras Nunes, que pueden ser de tres tipos: de amigo, de amor y de escarnio y maldecir.
• Villancico castellano: Estrofa típica de Castilla, compuesta por cabeza y glosa. Tema más representativo: el amor.
• Mester de Clerecía: Destaca el Arcipreste de Hita con el Libro del Buen Amor.
• Poesía culta: Dos tipos de poesía: CORTESANA que trata del amor cortés y ALEGÓRICA con temas más complicados. Ambas utilizan un lenguaje formal.
• Mester de Clerecía: Destaca el Arcipreste de Hita con el Libro del Buen Amor.

• Obras y autores:
•El Marqués de Santillana con sus serranillas populares.
•Juan de Mena con El Laberinto de Fortuna.
•Jorge Manrique con Coplas a la muerte de su padre. LÍRICA TEATRO • La obra más representativa del siglo XV es La Celestina, de Fernando de Rojas, cuyo mayor atractivo reside en la fuerza de sus personajes.

• Auto de los Reyes Magos: Se conserva un fragmento de éste como única muestra del teatro medieval de finales del siglo XII. • Novela sentimental: Destacan Siervo libre de amor, de Rodríguez del Padrón, yCárcel de amor de Diego San Pedro.

• Biografía: Representa el interés por lo humano.

• Cuentos: Destaca Don Juan Manuel con El Conde Lucanor, una colección de cuentos con moraleja.

• Prosa histórica: Destacan las Crónicas del canciller Ayala.

• Libros de caballería: Novelas que recrean un mundo ficticio y que culminan en 1508 con Amadís de Gaula.

• Destaca Alfonso X el Sabio, que dirigió la Escuela de Traductores de Toledo e impulsó el castellano al rango de lengua oficial y de cultura.

• Los cuentos: Aparecen con intención didáctica. Destaca el

Libro de Calila e Dimna. PROSA • Mester de Juglaría: Juglares que cantaban relatos épicos, conocidos como cantares de gesta. Destaca El Poema de Mío Cid.

• Mester de Clerecía: Clérigos que utilizan la lengua romance para difundir sus enseñanzas. Métrica innovadora: la cuaderna vía. Destaca Gonzalo de Berceo conMilagros de Nuestra Señora. VERSO RENACIMIENTO El Renacimiento supone una renovación tanto en las formas como en el aspecto de la Literatura.
En este momento se desarrollaron 2 corrientes de literatura religiosa:
a. Poesía ascética ( camino de perfección para llegar a Dios)
b. Poesía mística ( estado de perfección espiritual que permite la unión del alma con Dios)

Los géneros más usados en la época son los siguientes:

1) LA LÍRICA es el género que más se desarrolla. Destaca GARCILASO DE LA VEGA.
Se expresaba a través del endecasílabo, y variedad de estrofas. Debido a las circunstancias políticas y religiosas durante el reinado de Felipe II se centra el interés en lo religioso. Así destaca:
a) Poesía mística
b) Poesía ascética
En este tipo de literatura destacan FRAY LUIS DE LEÓN y SAN JUAN DE LA CRUZ.

2) LA NARRATIVA adquiere un gran desarrollo de diversas formas:
a) Libros de caballerías
b) Novelas pastoriles
c) Novelas moriscas
d) Novelas picarescas (sobre todo)

3) TEATRO se desarrolla en el Renacimiento en torno a varias tendencias:
a) Teatro religioso
b) Teatro clasicista ( imitación de obras de autores clásicos)
c) Teatro popular
d) Comedia dell Arte italiano ( que buscan la diversión en el espectador)


La lengua empleada por los humanistas era el latín. Pero esto no impidió el desarrollo de las lenguas vernáculas, nacionales, a estas también se les aplicó los criterios de perfección, formal. BARROCO Al principio el término barroco no se utilizó más que para las artes plásticas, es en los años 1920 cuando se empieza a hablar de barroco literario. Los poetas barrocos del siglo XVII, mezclaron estrofas tradicionales con las nuevas, así cultivaron el terceto, el cuarteto, el soneto y la redondilla. Se sirvieron de copiosas figuras retóricas de todo tipo, buscando una disposición formal recargada. No supone una ruptura con el clasicismo renacentista, sino que se intensifican los recursos estilísticos del arte renacentista, en busca de una complejidad ornamental, en busca de la exageración de los recursos dirigidos a los sentidos, hasta llegar a un enquistamiento de lo formal.

En este siglo XVII en que aparece el movimiento barroco se intensifican los tópicos que ya venían dándose en el Renacimiento, pero en especial los más negativos: fugacidad de la vida, rapidez con que el tiempo huye, desaparición de los goces, complejidad del mundo que rodea al hombre, etc.

La Literatura del siglo XVI se expresaba en un estilo sereno y de equilibrio; el barroco del XVII viene a desestabilizar esa serenidad y diversas fuerzas entran en conflicto. Pedro Calderón de la Barca, Félix Lope de Vega y Carpio, Luis de Góngora, Garcilaso de la Vega , Tirso de Molina , Francisco de Quevedo, Juan Ruiz de Alarcón, Juana de Asbaje y Ramírez NEOCLASICISMO Características generales.

Finalidad didáctica. Los escritores pretenden con sus obras enseñar a las gentes a practicar virtudes. Por ello usan un lenguaje muy claro y unos personajes muy simplificados. Esto supuso la ruina de la poesía y el papel preponderante de la novela y el teatro.
En este siglo se daba importancia a la razón y todo estaba sometido a las normas; por ejemplo, en las obras de teatro, la acción tenía que transcurrir en un solo día y en un solo lugar.

La prosa.
La prosa didáctica tiene un lenguaje claro y sencillo. Destaca el ensayo (Feijoo, Jovellanos, Cadalso, Cartas Marruecas) y la crítica. La novela apenas se cultiva.

La poesía.
La poesía también está sometida a la razón, luego está falta de vigor y espontaneidad. Su fin es moral y educativo. A partir de la obra Poética de Luzán se vuelven los ojos a la naturalidad de los poetas del siglo XVI: Garcilaso y Fray Luis. Se cultiva la fábula (Iriarte y Samaniego).

El teatro.
Se sigue la regla de las tres unidades de lugar, tiempo y acción (Luzán, La virtud coronada; Leandro Fernández de Moratín, El sí de las niñas; Gaspar Melchor de Jovellanos, El delincuente honrado). ROMANTICISMO REALISMO El Romanticismo nace como movimiento contra Ilustración. Los románticos rechazaron el optimismo que los ilustrados tenían sobre el poder de la razón y de la ciencia para proporcionar a los hombres la felicidad. Para el Romanticismo el hombre era un ser desgraciado en esta vida.Se negaron a aceptar las normas morales hasta entonces estipuladas. Los héroes de la literatura romántica son hombres rebeldes, que exaltan a los bandidos, piratas, reos, mendigos, prostitutas; seres al margen de la sociedad y de sus leyes.Muchos románticos se rebelaron contra la concepción política del momento y lucharon por la implantación del liberalismo.
El romanticismo va a significar una explosión incontenible de individualidad, de exhibición de lo más íntimo del alma del escritor. El escritor romántico va a exponer su “yo” la contemplación de los demás sin vergüenza ni pudor.
El hombre romántico lucha contra la moral tradicional, contra la monarquía absolutista, contra la contención de los sentimientos impuesta por la Ilustración, contra todo lo que signifique norma o esclavitud. Tratan de crear un mundo en el que la libertad sea la única norma.
Decepcionados por la incomprensión, se rebelan contra es sociedad y huyen. Esa huida puede ser realizada de tres modos distintos:
a) A través de los viajes.
b) Construyendo mundos de poesía y ensueño sobre la Edad Media y los países orientales.
c) La huida definitiva. Procura mostrar en las obras una reproducción fiel y exacta de la realidad.
Hace un uso minucioso de la descripción, para mostrar perfiles exactos de los temas, personajes, situaciones e incluso lugares; lo cotidiano y no lo exótico es el tema central, exponiendo problemas políticos, humanos y sociales.
Rechaza el sentimentalismo, muestra al hombre objetivamente pues da toques de una realidad cruda.
El lenguaje utilizado en las obras es coloquial y crítico, ya que expresa el habla común y corriente.
Así como rechaza lo sentimental, de igual forma lo espiritual, dando como resultados toques individualistas.
Las obras muestran una relación mediata entre las personas y su entorno económico y social, del cual son exponente; la historia muestra a los personajes como testimonio de una época, una clase social, un oficio, etc.
Temas relacionados con los problemas de la existencia humana.
El autor analiza, reproduce y denuncia los males que aquejan a su sociedad.
Transmitir ideas de la forma más verídica y objetiva posible.

En pocas palabras el realismo pretende reflejar la verdad tal y como es. Los principales autores realistas son Benito Pérez Galdós, Leopoldo Alas, Juan Valera y Pereda. MODERNISMO El modernismo es un movimiento literario que se desarrolló entre los años 1880-1910, fundamentalmente en el ámbito de la poesía, que se caracterizó por una ambigua rebeldía creativa, un refinamiento narcisista y aristocrático, el culturalismo cosmopolita y una profunda renovación estética del lenguaje y la métrica. El rechazo de la realidad cotidiana, ante la cual el escritor puede huir en el tiempo (evocando épocas pasadas y mejores) o en el espacio (muchos de los poemas se desarrollan en lugares exóticos y lejanos). Tanto la fidelidad a las grandes estrofas clásicas como las variaciones sobre los moldes métricos, utilizando versos medievales como el alejandrino, el dodecasílabo y el eneasílabo; con aportes de nuevas variantes al soneto.
El uso de la mitología y el sensualismo.
Una renovación léxica con el uso de helenismos, cultismos y galicismos, que no buscaba tanto la precisión como el prestigio o la rareza del vocablo.
El deseo innovador que aspiraba a la perfección que apreciaban en la literatura europea.
La adaptación de la métrica castellana a la latina.
El culto a la perfección formal, con poesía serena y equilibrada. GENERACIÓN DEL 98 La Generación del 98 es el nombre que acreditamos a un grupo de escritores, ensayistas y poetas españoles que se vieron afectados por la crisis moral, política y social acarreada en España por la derrota militar en la Guerra Hispano-Estadounidense y la consiguiente pérdida de Puerto Rico, Guam, Cuba y las Filipinas en 1898. Todos ellos nacen entre 1864-1876. Estaban inspirados en el canovismo (regeneracionismo) ofreciendo así una visión artística . Estos autores empezaron escribiendo en una vena juvenil hipercrítica e izquierdista orientándose al final como una concepción de lo nuevo y lo viejo , Pío Baroja y Ramiro de Maeztu negaron la existencia de tal generación, y más tarde Pedro Salinas la afirmó, en sus cursos universitarios y en un breve artículo aparecido en Revista de Occidente , basándose en el concepto de "generación literaria" definido por Julius Petersen. José Ortega y Gasset distinguió dos generaciones en torno a las fechas de 1857 y 1872, una integrada por Ganivet y Unamuno y otra por los miembros más jóvenes. Su discípulo utilizando el concepto de “generación histórica” estableció que pertenecían a ella Miguel de Unamuno , Ángel Ganivet , Vicente Blasco Ibáñez , Antonio Machado y otros mas. El concepto de generación fue criticado Primero por Juan Ramón Jiménez y luego por un importante grupo de críticos . Todos ellos han puesto en duda la oposición del concepto de generación del 98 y de Modernismo.





NÓMINA

Formado inicialmente por el llamado Grupo de los Tres (Baroja, Azorín y Maeztu), Artistas de otras disciplinas pueden también considerarse dentro de esta estética, como por ejemplo los pintores Ignacio Zuloaga y Ricardo Baroja, también escritor este último. Entre los músicos destacan Isaac Albéniz y Enrique Granados. La mayoría de los textos escritos durante esta época literaria se produjeron en los años posteriores a 1910 y están siempre marcados por la autojustificación del radicalismos y rebeldías juveniles.





Centros de reunión

Benavente y Valle-Inclán presidían tertulias en el Café de Madrid; la frecuentaban Rubén Darío, Maeztu y Ricardo Baroja. Poco después Benavente y sus seguidores se fueron a la Cervecería Inglesa, mientras que Valle-Inclán, los hermanos Machado, Azorín y Pío Baroja tomaban el Café de Fornos. El ingenio de Valle-Inclán le llevó luego a presidir la del Café Lyon d'Or y la del nuevo Café de Levante, que congregó a mayor número de participantes.





REVISTA

Los autores del 98 se agruparon en torno a algunas revistas características. Don Quijote (1892-1902), Germinal (1897-1899), Vida Nueva (1898-1900), Revista Nueva (1899), Plenitud (1901-1902), Electra (1901), Helios (1903-1904), Alma Española (1903-1905) y Los Helechos ( 1894-1895).





LIBROS DE MEMORIAS

No fueron muy aficionados los autores del 98 a hablar de sus compañeros. Pío Baroja dejó bastantes recuerdos de ellos en dos libros de memorias. Unamuno dejó varios textos autobiográficos sobre su juventud, pero pocos sobre su edad madura.





Características

Los autores desde un primer momento mantuvieron una estrecha amistad y estaban en contra de la España de la restauración. Compartían una serie de puntos en común :



Distinguir entre una España real (miserable ) y una España oficial (falsa). Se preocupaban por la identidad.

Sienten un gran interés y amor por la castilla miserable. Recorren las dos mesetas escribiendo libros de viajes y resucitando y a la vez estudiando los mitos literarios españoles y romanceros.

Rompen y renuevan los moldes clásicos de los géneros literarios, creando nuevas formas en todos ellos.

Rechazan la estética del Realismo y su estilo de frase amplia, de elaboración retórica y de carácter menudo y detallista, prefiriendo un lenguaje más cercano a la lengua de la calle, de sintaxis más corta y carácter impresionista; recuperaron las palabras tradicionales y castizas campesinas.

Intentaron aclimatar en España las corrientes filosóficas del Irracionalismo europeo, en particular de Nietzsche.

El pesimismo es la actitud más corriente entre ellos y la actitud crítica y descontentadiza les hace simpatizar con románticos como Mariano José de Larra, al que dedicaron un homenaje.

Ideológicamente comparten las tesis del Regeneracionismo, en particular de Joaquín Costa, que ilustran de forma artística y subjetiva.

La generación del 98 se caracterizó por un aumento del egotismo, por un precoz y morboso sentimiento de frustración, por la exageración neorromántica de lo individual y por su imitación servil de las modas europeas del momento. La Generación del 98 es el nombre que acreditamos a un grupo de escritores, ensayistas y poetas españoles que se vieron afectados por la crisis moral, política y social acarreada en España por la derrota militar en la Guerra Hispano-Estadounidense y la consiguiente pérdida de Puerto Rico, Guam, Cuba y las Filipinas en 1898. Estos autores son: Baroja, Azorín y Maeztu. Estos autores empezaron escribiendo en una vena juvenil hipercrítica e izquierdista.
Los autores del 98 se agruparon en torno a algunas revistas características. Don Quijote(1892-1902), Germinal (1897-1899), Vida Nueva (1898-1900), Revista Nueva (1899),Plenitud (1901-1902), Electra (1901), Helios (1903-1904), Alma Española (1903-1905) y Los Helechos ( 1894-1895).
Características
Los autores desde un primer momento mantuvieron una estrecha amistad y estaban en contra de la España de la restauración. Compartían una serie de puntos en común:
1.Distinguir entre una España real (miserable) y una España oficial (falsa). Se preocupaban por la identidad.
2.Recorren las dos mesetas escribiendo libros de viajes y resucitando y a la vez estudiando los mitos literarios españoles y romanceros.
3.Rompen y renuevan los moldes clásicos de los géneros literarios.
4.Usan un lenguaje más cercano a la lengua de la calle, de sintaxis más corta y carácter impresionista con palabras tradicionales y castizas campesinas.
5.Intentaron aclimatar en España las corrientes filosóficas del Irracionalismo europeo, en particular de Nietzsche.
6.El pesimismo es la actitud más corriente.
Los autores que pertenecieron a esta generación son: Miguel de Unamuno, José Ortega y Gasset , Azorín, Ramón del Valle Inclán, Pío Baroja, Antonio Machado y Juan Ramón Jiménez. SIGLO XX Aparecen una serie de vanguardias(=unión de arte y técnica) que quieren romper con todo lo anterior, de forma radical y violenta. Buscan la renovación de la literatura y del mundo en general.
Las distintas vanguardias que aparecieron fueron:
-Futurismo: Su fundador ideológico es Marinetti. Asegura que cualquier máquina sirve para extender el arte.
-Dadaísmo: Su ideólogo fue Tristán Tzara y se fundamenta en la destrucción y la negación de todo.
-Surrealismo: Andre Breton es su creador y constituye una creación constructiva frente al dadaísmo. No pretende destruir todo sino reivindicar el valor del subconsciente.
-Expresionismo: Refleja una visión trágica del mundo y la angustia del hombre.
-La institución libre de enseñanza crea la residencia de estudiantes. Era un centro de encuentro y foco de difusión en la España de esos años.
-Se desarrolla la industria editorial y nacen las editoriales, que gracias a modernas técnicas ponen la lectura al alcance de todas las clases sociales. Los autores más destacados son Pedro salinas, Gerardo diego, Luis Cernuda, Rafael Alberti, Jorge Guillén, Lorca (cuya obra más importante fue “El Romancero Gitano”. En ella, los personajes se convierten en símbolo de libertad y espontaneidad ante la civilización. Lorca, en el romancero, quiere plasmar una Andalucía trágica, marcada por la fatalidad, muerte y tragedia). 3300 aC Siglo V Siglo XVI Siglo XVII Siglo XVIII Siglo XIX Siglo XX Actualidad ARQUITECTURA Siglo V Siglo XV Siglo XVI Siglo XVII Siglo XVIII Siglo XIX Siglo XX 2-3 Ma 3500 aC 2000 aC PREHISTORIA La arquitectura prehistórica es el conjunto de construcciones levantadas antes al menos de 4000 años antes de la era de Cristo.
Son las primeras estructuras creadas por el hombre, y gracias a ellas conocemos los primeros elementos utilizados para su construcción. Las construcciones arquitectónicas de la prehistoria se estudian a partir de 3 períodos de la evolución del hombre que componen lo que se llama la Edad del Piedra: el paleolítico, el neolítico y el mesolítico.

En el Paleolítico y en el Neolítico, todavía no puede considerarse que exista la agricultura, sin embargo, si que aparecen algunas cabañas o chozas de barro que pueden ser consideradas como las primeras construcciones.

Es en el Mesolítico cuando aparece la arquitectura más propiamente dicha.
Hacia el año 7000, en palestina, las viejas cabañas circulares habían sido sustituidas por casas de planta rectangular, subdivididas en habitaciones y con las paredes y el suelo cubiertos de arcilla. Sus pobladores enterraban a los difuntos bajo sus casas.
Hacia el año 6500 encontramos en Anatolia, Turquía una agrupación de pueblos de cerca de 6.000 habitantes, con casas y santuarios de ladrillo crudo y frescos de divinidades femeninas y toros.
En Europa y África central surge la cultura megalítica, caracterizada por la construcción de grandes monumentos de piedra: a veces simples piedras levantadas a modo de columnas, a veces alineadas según ciertos patrones, otros en forma de enormes losas horizontales apoyadas sobre otras dos verticales, etc. Naturalmente, estas construcciones debían estaban asociadas a rituales y creencias. Las principales construcciones son: MENHIR DOLMEN CROMLECH Monumento megalítico que consiste en una piedra larga hincada verticalmente en el suelo. Monumento megalítico en forma de mesa, compuesto de una o más lajas colocadas de plano sobre dos o más piedras verticales. Monumento megalítico consistente en una serie de piedras o menhires que cercan un corto espacio de terreno llano y de forma elíptica o circular. ANTIGÜEDAD La arquitectura en Mesopotamia se desarrollo entre los ríos Tigris y Eúfrates, dio relevancia a la construcción de los Templos donde se centraba la religión
Los Zigurat, eran grandes monumentos relacionados al templo y dedicados a alguna divinidad.
El palacio fue otra edificación relevante. Estos alcanzaron su máxima expresión con Nabuconodosor II , el cuál se considera como maravilla arquitectónica. Los egipcios utilizan grandes bloques de piedra. La Arquitectura Egipcia es adintelada, esto quiere decir de cubierta plana. Desarrollan un concepto nuevo en las proporciones, el concepto matemático que las relacionan y el uso de columnas las cuáles eran adornadas con motivos vegetales, hacen de esta arquitectura monumental una de las mas bellas estéticamente.
Los constructores de las pirámides usaban rampas de barro y grava que se desmantelaban al terminar la obra, estas podían ser rectas, en zigzag a un costado y rectas en zigzag rodeando la pirámide. Las mastabas es el nombre que reciben las pirámides egipcias. Se construyeron con adobes (ladrillos de barro), y posteriormente de piedra, generalizándose entre los egipcios más ricos.
Eran las tumbas de laos faraones y personas más influyentes del Antiguo Egipto. Esta construcción tenía dos niveles: el subterráneo, con la cámara sepulcral a la que se accedía a través de largos pozos verticales, que se cegaban después de depositar la momia y el nivel superior, en el que estaba la capilla, que imitaba la casa del difunto, donde los familiares podían pasar para depositar ofrendas, con una o varias "falsas puertas" decoradas con relieves, situadas en la parte oriental, que servían para indicar al espíritu el lugar por donde debía salir o entrar al edificio. Las más suntuosas disponían de varias salas ricamente decoradas. ANTIGÜEDAD CLÁSICA La arquitectura y el urbanismo practicados por los griegos y romanos se distinguía claramente de la de los egipcios y babilonios en la medida en que la vida civil pasaba a tener más importancia. La ciudad se convierte en el elemento principal de la vida política y social de estos pueblos: los griegos se desarrollaron en ciudades estado y el Imperio romano surgió de una única ciudad. El arquitecto griego Hipódamo de Mileto es considerado el primer urbanista de la historia. El ejemplo más conocido de este tipo de arquitectura corresponde a Apolodoro de Damasco.

Durante los periodos y civilizaciones anteriores, los asuntos religiosos eran ellos mismos el motivo y el mantenimiento del orden establecido; en el periodo grecorromano el misterio religioso traspasó los límites del templo-palacio y se hizo asunto de los ciudadanos (o de la polis): surge ahí la palabra política, absolutamente relacionada a la idea de ciudad.

Mientras los pueblos anteriores desarrollaron sólo las arquitecturas militar, religiosa y residencial, los griegos y romanos fueron responsables del desarrollo de espacios propios a la manifestación ciudadana y de los quehaceres cotidianos: el ágora griega se definía como un gran espacio libre público destinado a la realización de asambleas, rodeado por templos, mercados y edificios públicos. El espacio del ágora se convirtió en un símbolo de la nueva visión de mundo, que incluía el respeto a los intereses comunes, e incentivador del debate entre ciudadanos, en lugar del antiguo orden despótico.

Los asuntos religiosos aún poseían un papel fundamental en la vida mundana, pero ahora fueron incorporados a los espacios públicos de la pólis. Los rituales populares eran realizados en espacios construidos para tal fin, en especial la acrópolis. Cada lugar poseía su propia naturaleza (Genius Locci), insertados en un mundo que convivía con el mito: los templos pasaron a ser construidos en la cima de las colinas (creando un marco visual en la ciudad baja y posibilitando un refugio a la población en tiempos de guerra) para estar más cerca de los cielos. EDAD MEDIA ROMÁNICO Entre los elementos arquitectónicos que destacan en el estilo Románico los más característicos del mismo son:
el pilar compuesto y de núcleo prismático.
el arco de medio punto.
la cubierta de bóveda de medio cañón y de arista.
la cúpula poligonal sobre trompas.
los ábsides semicirculares en planta de cruz latina en las iglesias.

A continuación otros de los elementos arquitectónicos propios el estilo:
contrafuertes muy desarrollados
arcos doblados y arquivoltas
capiteles decorados
impostas, frisos decorativos
escultura monumental aplicada a la arquitectura

La estructura general de una iglesia románica puede inferirse de lo dicho sobre la planta, soportes y bóvedas. Sólo falta advertir que toda la composición interior se acusa exteriormente por los contrafuertes que señalan los tramos de la planta. Asimismo, por las impostas corridas que indican las divisiones de la alzada. Por las ventanas y arquerías, que responden a los triforios interiores o a sus equivalentes y a las diferencias de altura en las naves, etc.
En las fachadas bien dispuestas se advierte una gran cornisa sostenida por canecillos sobre la portada, una o tres ventanas o un rosetoncito en lo alto, dos o tres series de arquerías ciegas a diferentes niveles y un frontón o piñón bordeado por una cornisa en el término superior del muro. GÓTICO El nuevo sistema constructivo, eficiente y ligero en su conjunto, permitió elevar los edificios hasta alturas inimaginables, colmando una de las aspiraciones históricas tanto de la arquitectura como de la religión.

La estructura general interior de una iglesia gótica se infiere de todo lo dicho sobre la planta, bóvedas y pilares, siendo de notar que el paramento lateral en las grandes iglesias se halla dividido en siete zonas:

la inferior consta de la arcada que separa las naves laterales o las capillas
la media, formada por el triforio que en el estilo gótico es mucho más estrecho que en el románico
la superior que contiene los grandes ventanales, el claristorio
la media superior
la media inferior
la intermedia
la continental.

Unas iglesias alzan todas sus bóvedas a igual altura (o al menos la nave central y laterales inmediatas) y otras (lo más común) presentan mucho más bajas las naves laterales lanzándose por encima de éstas los arbotantes. El exterior del edificio suele acusar la estructura interna de modo que la fachada viene a ser como una sección transversal de las naves. El imafronte se constituye por las tres hermosas portadas correspondientes a las tres naves y entre ellas, los contrafuertes que resisten el empuje de las arcadas. Encima de las puertas corre una galería que responde a los triforios interiores. Se abre más arriba un rosetón calado y remata el frontispicio en gablete o en ático de hermosa crestería. Las empinadas torres, con sus atrevidas flechas que terminan y guardan los costados de la fachada; los pináculos y doseletes que animan el contrafuerte; las estatuas y relieves que pueblan las entradas y los tímpanos. Todo, en fin, contribuye a causar la impresión de una religiosidad sublime. RENACIMIENTO El espíritu renacentista evoca las cualidades intrínsecas del ser humano. La idea de progreso del hombre - científico, espiritual, social - se hace un objetivo importante para el periodo. La antigüedad clásica redescubierta y el humanismo surgen como una guía para la nueva visión de mundo que se manifiesta en los artistas del periodo.

La cultura renacentista se muestra multidisciplinar e interdisciplinar. Lo que importa al hombre renacentista es el culto al conocimiento y a la razón, no habiendo para él separación entre las ciencias y las artes. Tal cultura se mostró un campo fértil para el desarrollo de la arquitectura.

La arquitectura renacentista se mostró clásica, pero no se pretendió ser neoclásica. Con el descubrimiento de los antiguos tratados (incompletos) de la arquitectura clásica (de entre los cuales, el más importante fue De Architectura de Vitruvio, base para el tratado De re aedificatoria de Alberti), se dio margen a una nueva interpretación de aquella arquitectura y su aplicación a los nuevos tiempos. Conocimientos obtenidos durante el periodo medieval (como el control de las diferentes cúpulas y arcadas) fueron aplicados de formas nuevas, incorporando los elementos del lenguaje clásico.

El descubrimiento de la perspectiva es un aspecto importante para entender el periodo (especialmente la perspectiva cónica): la idea de infinito relacionada con el concepto del punto de fuga, fue profusamente utilizada como herramienta escénica en la concepción espacial de aquellos arquitectos. La perspectiva representó una nueva forma de entender el espacio como algo universal, comprensible y controlable mediante la razón. El dibujo se hizo el principal medio de diseño y es así como surge la figura del arquitecto singular (diferente de la concepción colectiva de los maestros de obra medievales). Los nuevos métodos de diseñar los proyectos influyeron en la concepción espacial de los edificios, en el sentido en que las percepciones visuales podían ser controladas y enfatizadas desde puntos de vista específicos. El poder representar fielmente la realidad mediante la perspectiva, no se limitó a sólo describir las experiencias conocidas, sino también a anticiparlas posibilitando proyectar imágenes de características realistas.

Entre los principales arquitectos del Renacimiento se incluyen Vignola, Alberti, Brunelleschi y Miguel Ángel. MANIERISMO Con la evolución del Renacimiento y el constante estudio y aplicación de los ideales clásicos, comienza a surgir entre los artistas del periodo un sentimiento anticlásico, aunque sus obras continuaran siendo en esencia predominantemente clásicas. En este momento surge el manierismo.

Los arquitectos manieristas (que rigurosamente pueden continuar siendo llamados renacentistas) se apropian de las formas clásicas pero comienzan a deconstruir sus ideales. Algunos elementos del manierismo:

son constantes las referencias visuales en espacios internos a los elementos típicos de la composición de espacios externos: ventanas que se vuelven para dentro, tratamiento de escaleras externas en alas interiores de edificios, etc.
el ya consagrado dominio de la perspectiva permite experimentos diversos que huyen al espacio perspectivo de los periodos anteriores.

Miguel Ángel es uno de los arquitectos renacentistas que pueden ser llamados manieristas. BARROCO El Barroco surge en el escenario artístico europeo en dos contextos muy claros durante el siglo XVII: de entrada había la sensación de que, con el avance científico representado por el Renacimiento, el Clasicismo, aunque hubiera ayudado en este progreso, no estaba en condiciones de ofrecer todas las respuestas necesarias a la dudas del hombre. El Universo ya no era el mismo, el mundo se había expandido y el individuo quería experimentar un nuevo tipo de contacto con lo divino y lo metafísico. Las formas lujuriantes del Barroco, su espacio elíptico, definitivamente antieuclidiano, fueron una respuesta a estas necesidades.

El segundo contexto es la Contrarreforma promovida por la Iglesia Católica. Con el avance del protestantismo, el antiguo orden cristiano romano (que, en cierto sentido, había incentivado el advenimiento del mundo renacentista) estaba siendo suplantado por nuevas visiones de mundo y nuevas actitudes ante lo Sagrado. La Iglesia sintió la necesidad de renovarse para no perder los fieles y vio en la promoción de una nueva estética la oportunidad de identificarse con este nuevo mundo. Las formas del barroco fueron promovidas por la institución en todo el mundo (especialmente en las colonias recién descubiertas), haciéndolo el estilo católico, por excelencia. NEOCLASICISMO A finales del siglo XVIII e inicios del XIX, Europa asistió a un gran avance tecnológico, resultado directo de los primeros momentos de la Revolución industrial y de la cultura de la Ilustración. Fueron descubiertas nuevas posibilidades constructivas y estructurales, de forma que los antiguos materiales (cómo la piedra y la madera) pasaron a ser sustituidos gradualmente por el hormigón (y más tarde por el hormigón armado) y por el metal.

Paralelamente, profundamente influenciados por el contexto cultural de la Ilustración europea, los arquitectos del siglo XVIII pasaron a rechazar la religiosidad intensa de la estética anterior y la exageración lujuriante del Barroco. Se buscaba una síntesis espacial y formal más racional y objetiva, pero aún no se tenía una idea clara de cómo aplicar las nuevas tecnologías en una nueva arquitectura. Insertados en el contexto del Neoclasicismo en las artes, aquellos arquitectos vuelcan en la arquitectura para los nuevos tiempos el ideal clásico.

El Neoclasicismo no pretendió, de hecho, un estilo nuevo (diferente del arte clásico renacentista). Era mucho más una reinterpretación del repertorio formal clásico y menos una experimentación de esta formas, teniendo como gran diferencia la aplicación de las nuevas tecnologías. MODERNISMO Todo el siglo XIX asistirá a una serie de crisis estéticas que se traducen en los movimientos llamados historicistas: bien por el hecho de que las innovaciones tecnológicas no encuentren en aquella contemporaneidad una manifestación formal adecuada, bien por diversas razones culturales y contextos específicos, los arquitectos del periodo veían en la copia de la arquitectura del pasado y en el estudio de sus cánones y tratados un lenguaje estético legítimo.

El primero de estos movimientos fue el ya citado Neoclásico, pero también va a manifestarse en la arquitectura neogótica inglesa, profundamente asociada a los ideales románticos nacionalistas. Los esfuerzos historicistas que tuvieron lugar principalmente en Alemania, Francia e Inglaterra por razones ideológicas, vendrían más tarde a transformarse en un mero conjunto de repertorios formales y tipológicos diversos, que evolucionarían hacia el Eclecticismo, considerado por muchos como el más decadente y formalista de entre todos los estilos historicistas.

La primera tentativa de respuesta a la cuestión tradición x industrialización (o entre las artes y los oficios) se dio con el pensamiento de los románticos John Ruskin y William Morris, proponentes de un movimiento estético que fue conocido justamente con el nombre de Arts & Crafts (cuya traducción literal es "artes y oficios"). El movimiento propuso la investigación formal aplicada a las nuevas posibilidades industriales, viendo en el artesano una figura a destacar: para ellos, el artesano no debería extinguirse a causa de la industria, sino hacerse su agente transformador, su principal elemento de producción. Con la disolución de sus ideales y la dispersión de sus defensores, las ideas del movimiento evolucionaron, en el contexto francés, hacia la estética del Art nouveau, considerado el último estilo del siglo XIX y el primero del siglo XX. SIGLO XX El Postmoderno
Parte de la consideración del Movimiento Moderno como un fenómeno histórico más, sin vigencia en el mundo actual su muerte se habría debido a que generó una arquitectura fría, aburrida y muy difícil de entender por el público. Los teóricos postmodernos, como Robert Venturi o Philip Johnson propugnan una arquitectura variada, imaginativa y comprensible para todos. En definitiva, una arquitectura que fuera capaz de satisfacer a una sociedad cada vez más relativista, divertida y cínica, donde los grandes sistemas ideológicos están desapareciendo. Sus seguidores, como Charles Moore o Michael Graves, utilizan un doble código: por un lado, sus edificios presentan referencias históricas o cultistas que interesan al público especializado, mientras que, por otro, también tienen elementos fácilmente reconocibles y asimilables por las personas sin formación arquitectónica. Los elementos que utilizan son variados: recuperación de las formas históricas, valoración del entorno, gusto por la sorpresa, ironía, humor…
Obras en el texto:
· Edificio AT&T. Johnson, N. York. 1978-82.
· Edificio Humana, Michael Graves. Louisville, EEUU. 1982-86.

El Tardomoderno
Los autores que, como Norman Foster, I.M. Pei o Frank O. Ghery, defienden el tardomoderno, creen que en su esencia el Movimiento Moderno sigue vigente. No existen unas características formales que permitan hablar de estilo. Dentro de esta corriente hay diferentes maneras de entender la arquitectura, desde la muy ligada al racionalismo de los años 20, hasta la Deconstrucción. Ahora bien, se pueden señalar tres principios básicos muy generalizados en esta arquitectura: predominio de edificios con un cierto sentido escultórico, con gran fuerza en sus líneas externas; composiciones variadas y disgregación del espacio en pequeñas unidades; utilización masiva de elementos relacionados con la tecnología y la industria. A partir de mediados de los 80, dentro del Tardomoderno, se definieron dos grandes tendencias: High-Tech y Deconstrucción.

La denominación de High-Tech deriva del empleo obsesivo de elementos tecnológicos. Los conductos de ventilación o agua, las escaleras mecánicas, las grúas para la limpieza de los cristales, etc. se evidencian hasta convertirse en un elemento fundamental de la construcción. El cierre de los muros se realiza, por lo general, con cristal reflectante, con lo que se potencia un aspecto brillante y agresivo de alta tecnología. El primer edificio e este género fue el Centro Pompidou de París, de Renzo Piano y Richard Rogers. Primera mitad del siglo:

Art decó
Arquitectura moderna
Bauhaus
Constructivismo ruso
Arquitectura orgánica
Estilo Internacional
Arquitectura brutalista ESTILOS Segunda mitad del siglo hasta la actualidad:

Arquitectura postmoderna
Arquitectura deconstructivista
Arquitectura High Tech PREHISTORIA La mayoría de estatuillas de la edad de piedra fueron hechas de marfil o piedra blanda, sin embargo, han sido encontradas figuras de barro con forma humana y animal. Posteriormente usaron el grabado, el relieve en piedra y en huesos de animales. Aparecen representadas las primeras figuras humanas femeninas de piedra, que muestran una gran exuberancia en una exaltación a la fertilidad. Durante la cultura Magdaleniense se utilizaron bastones y propulsores.n. 1 Durante el Paleolítico superior, los ejemplos más abundantes son tallas u objetos grabados. Evolucionaron desde una fase más primitiva, con decoraciones esquemáticas, hasta llegar a la representación de figuras de animales que se adaptaban a la estructura del hueso. Las herramientas de metal permitieron mejorar la precisión y reducir el tiempo en el proceso de elaboración de las tallas, tanto de madera como de piedra. ANTIGÜEDAD En el Antiguo Egipto se emplearon materiales duraderos como la piedra. En sus obras, en general, representaron las divinidades mitológicas, los faraones y de otros personajes importantes, también realizaron, sin embargo, pequeñas piezas de figuras en las que quedaban reflejados los trabajos domésticos. Muchas de estas obras se colocaban en las cámaras sepulcrales. Las estatuas que representaban a los faraones se realizaban siempre de pie, con los brazos pegados al cuerpo o apoyados en las rodillas si estaban sentados. Del arte púnico y grecopúnico se conservan multitud de estatuas, en general femeninas, y bustos de barro cocido, en conjunto con una diversidad de amuletos de marfil y de metal que se descubrieron en las necrópolis de Ibiza y Formentera. Se calcula que las más antiguas son obras del siglo VIII a. C., y que su fabricación tuvo continuidad hasta muy avanzada la dominación romana. Los íberos fueron un conjunto de pueblos que habitaron la costa oriental de la Península Ibérica como mínimo desde el siglo VI a. C. La estatuaria arcaica griega fue principalmente religiosa. Los templos se decoraban con imágenes de los dioses, de sus hazañas y batallas, y las figuras se alejan del realismo. Las korai o kuroi no son retratos de personas concretas; a los rostros se les añadía una sonrisa «ficticia», un gesto facial conocido en el mundo del arte como «sonrisa arcaica». ANTIGÜEDAD CLÁSICA Se ha dicho que la escultura griega alcanzó un elevado grado de perfección, calidad que venía impulsada por la búsqueda de una mejor expresión de la belleza de la figura humana, llegando a establecer un determinado canon y unas proporciones consideradas «perfectas».
Se conservan muy pocas esculturas griegas. Desde el período Severo los artistas se esforzaron por la obtención de una verosimilitud en las formas escultóricas con relación al modelo vivo; procurando esa transición con tal de mantener y poder expresar las virtudes internas. Para los griegos antiguos la belleza física estaba identificada con la propia perfección moral, bajo un concepto denominado kalokagathia. Los escultores griegos buscarían un mayor control por el acabado de los detalles y el interés de estos artistas ya no sólo residió en la expresión total del cuerpo; sino que se extendió a la representación única e interesante de la indumentaria que estos tenían, con tal de recalcar el cuerpo y describir los efectos del viento con mayor fluidez y ritmo, de modo que recurrieron al uso de materiales plásticos para obtener mejores efectos de luz y sombra. EDAD MEDIA Las obras escultóricas más destacadas del Imperio Bizantino son los trabajos ornamentales de los capiteles, con motivos vegetales y animales enfrentados. Se han conservado pocas obras escultóricas exentas: las más numerosas son relieves en marfil aplicados a cofres, dípticos o la célebre Cátedra del obispo Maximiliano, una obra tallada hacia el año 550. Durante el período del arte otoniano lo que se produjeron no fueron obras de grandes dimensiones sino pequeñas esculturas en marfil y bronce en las que se añadían incrustaciones de piedras preciosas. Otro material empleado fue la madera, con la que se realizaron imágenes recubiertas de oro que se usaban como relicario. En el peíodo romántico, varias partes de las iglesias —tímpanos, portadas y capiteles con historias sobre temas bíblicos— eran tratadas por los escultores con un gran realismo. El Maiestas Domini y el Juicio Final fueron los temas iconográficos más representados.52 Dejando de lado los relicarios chapados con metales, el material más empleado fue la madera, que era usada para la elaboración de imágenes de devoción. La aplicación escultórica a la arquitectura se ejecutó en la parte delantera de las fachadas, especialmente en las portadas de los templos. Se utilizó el relevo como la mejor técnica para la narración de escenas impresionantes, donde el volumen ayudaba a crear una mayor sensación de realismo En la época gótica la escultura sigue enmarcada dentro de los grandes edificios religiosos, las formas son mucho más naturales y también se aplica en sepulcros, sillerías del coro y retablos. Otra tendencia evidente del periodo fue desarrollar un gusto por la complejo y máxima sofisticación, la cual es notable y evidente en los grandes retablos con varias escenas yuxtapuestas, que sustituyeron a las portadas de la fachada, como forma de ilustración didáctica de la doctrina en un gran panel narrativo, la propia estructura de los retablos, que enmarcaban las escenas en estructuras arquitectónicas, a menudo recordando una fachada de iglesia. La mayor parte de los retablos poseían paneles desplegables ubicados en los laterales, que se abrían en las grandes solemnidades religiosas, junto a la representación de Cristo, los ángeles y los santos, estaban también las figuras del pueblo y de la jerarquía civil.60 RENACIMIENTO La nueva forma artística del Renacimiento plantaba raíces en la escultura de la antigüedad clásica, buscando una total exaltación de la belleza. La matemática se convirtió en su principal ayuda, aplicando a todas las artes determinados principios y leyes como, por ejemplo, la perspectiva.
Este etapa también mezcló los elementos góticos, dándole un nuevo sentido a la percepción y el espacio. A pesar de los avances de los maestres del Trecento, su trabajo aún seguía reflejando la fricción entre las tendencias antiguas y modernas, así como la clara influencia de los elementos góticos. Para finales del Trecento, surgió en Florencia la figura de Lorenzo Ghiberti, autor de relevos en el Baptisterio de San Juan, donde los modelos clásicos fueron recuperados por completo. Posteriormente Donatello comenzó los avances en varios frentes. Innovó también la estatuaria ecuestre, creando el monumento a Gattamelata. Artistas importantes en otros países de Europa iniciaron a trabajar en las mismas líneas claramente italianas, como Adriaen de Vries en el norte y Germain Pilon en Francia, la difusión del estilo italiano por una extensa zona geográfica dio lugar a varias fórmulas sincréticas con las escuelas regionales. MANIERISMO Y BARROCO La escultura del Manierismo tuvo sus precursores en Michelangelo, Jacopo Sansovino y Benvenuto Cellini. El estilo es tipificado por un modelo formal predominante, la figura serpentinata, una forma básicamente espiral que tiene su obra prima en el Rapto de las Sabinas, de Giambologna. La idea no era nueva, puesto que se remonta a los antiguos griegos, considerando una línea devanada como el mejor vínculo para la expresión del movimiento, inspirando en la forma en que el fuego crepita y mantiene su versatilidad.
Las artes ornamentales, durante el Manierismo, continuaron en gran evolución, siguiendo la idea de Alberti; donde constituía «una forma de luz auxiliar y como complemento de belleza», modificando el concepto de que la belleza es abstracta, en tanto el ornamento es material, estableciendo así un punto imprescindible entre la idea y el fenómeno, entre la belleza y las imperfecciones de la materia.73 En este sentido, la escultura también se aplica a una enorme cantidad de retábulos, púlpitos, altares y otros elementos decorativos de las iglesias, a los frisos y estucos de los edificios profanos, y también en la joyería. Algunos de los autores más conocidos: Michelangelo en su fase final, Benvenuto Cellini, Bartolomeo Ammannati y Giambologna en Italia; Jean Goujon, Francesco Primaticcio, Pierre Franqueville y Germain Pilon en Francia; Alonso Berruguete, Juan de Juni y Diego de Siloé en España La escultura barroca se desarrolla a través de las creaciones arquitectónicas, sobre todo en estatuas, y también en la ornamentación de ciudades en plazas, jardines o fuentes.
En España también se manifestó en imágenes religiosas talladas en madera, en la llamada imaginería con la que se esperaba despertar la fe del pueblo. Estas son sus principales características:
- La tendencia a la representación de la figura humanoide con una objetividad perfecta en todos sus aspectos, tanto en los más sublimes como los más vulgares.
- Realización de esquemas compositivos libres del geometrismo, lo que choca con la proporción equilibrada del renacimiento. La escultura barroca se proyecta dinámicamente hacia afuera. Esta inestabilidad se manifiesta en la inquietud de los personajes, en las escenas y en la amplitud y ampulosidad del ropaje.
- Representación del desnudo en su estado puro, como una acción congelada, conseguido con el influjo de la composición asimétrica, donde predominan las diagonales, los cuerpos sesgados y oblicuos, la técnica del escorzo y los contornos difusos e intermitentes, que dirigen la obra hacia el espectador con un gran expresionismo.
- Se da gran importancia al desnudo, creando grupos compositivos que permiten la contraposición de las mujeres al incidir la luz sobre las superficies de las esculturas..
- La diferencia con la escultura renacentista es que sus formas eran menos geométricas.
- Se utiliza preferentemente la madera,
el mármol, etc. El nacimiento del neoclasicismo se debe en general al creciente interés por la antigüedad clásica que se observa en Europa a mediados del siglo XVIII, asociado a la influencia de los ideales de la Ilustración, que se basan en el racionalismo, lucharon superstición y el dogma religioso, y destacó la superación personal y el progreso social dentro de un marco ético fuerte. Los eruditos de la época comenzaron a realizar investigaciones más sistemáticas de arte antiguo y la cultura, incluyendo excavaciones arqueológicas, formaron importantes colecciones públicas y privadas de arte y objetos antiguos, y el número de estudios especializados creció significativamente. Estudiosos como Robert Wood, Bouverie John, James Stuart, Adam Robert, Giovanni Battista Borra y James Dawkins publicó varios relatos detallados de las expediciones arqueológicas e ilustrado, siendo especialmente influyente tratado de Bernard de Montfaucon, L'Antiquite expliquee representee et en cifras (1719 -24), y fuertemente ilustrado con textos paralelos en lenguas modernas, no sólo en América como era la costumbre académica y el conde de Caylus, Recueil d'Antiquites (1752-1767), el primero en tratar de agrupar las obras de arte criterios de la antigüedad clásica de estilo y no de género, abordando también las antigüedades celtas, egipcias y etruscas. Estas publicaciones han contribuido de manera significativa a la educación pública y ampliar su visión del pasado, estimulando una nueva pasión por todo lo que estaba antiguo. También tenía un peso en la formación de reconsideración neoclasicismo del arte italiano del Alto Renacimiento francés barroco y clasicista. Añádase a esto el descubrimiento de Herculano y Pompeya, una gran sorpresa entre los conocedores y el público, y aunque las excavaciones que comenzaron a realizarse en las ruinas en 1738 y 1748 no se han encontrado obras maestras en el arte, sacó a la luz una cantidad de reliquias y artefactos que revelan aspectos de la vida cotidiana romana hasta ahora desconhecidos. NEOCLASICISMO ROMANTICISMO A diferencia de la arquitectura, los escultores románticos no volvieron sus ojos a la Edad Media, manteniendo en cierta medida las pautas del Neoclásico al que sin embargo dotaron de un mayor movimiento y fuerza expresiva. Los temas más utilizados fueron de carácter contemporáneo más que mitológico.
Sobresalieron las figuras de Rudé (La Marsellesa) y Carpeaux. SIGLO XX Al igual que la pintura del siglo XX, también la escultura se vio afectada por los principios teóricos de los nuevos “ismos" y por el deseo de encontrar nuevas fórmulas escultóricas superadoras de los principios formales vigentes de la antigüedad. También la escultura manifiesta con sus cambios la evolución política, económica y social del siglo XX.
Por una vez se produce la pérdida del humanismo sustituido por el afán tecnicista y experimental, por otra parte, ha surgido un fuerte individualismo que no sólo se aparta de las normas tradicionales, sino también de todo aquello que su ponga relación con una escuela o modo de hacer determinado.

Las características más importantes de esta escultura son:
-la búsqueda de las nuevas estructuras esenciales de las figuras, humanas o animales, despersonalizándolas para destacar la naturaleza del material. creación de nuevas formas para conseguir una estructura plástica casi arquitectónica.
-experimentación con el valor expresivo de los nuevos materiales: piedra, metal, plásticos, que algunas veces llegan incluso a combinarse.
-la gran importancia concedida al espacio, al vacío.
Los avances conseguidos se hacen más patentes si tenemos en cuenta que durante casi dos milenios la escultura fue entendida como el arte de ocupar el espacio con un volumen de un determinado material y como un arte de “imitación”. Ahora se concede especial importancia al vacío y se despreocupan del modelo. En este nuevo rumbo de la escultura influyó decisivamente el arte negro africano y el de las culturas oceánicas.
El panorama escultórico del siglo XX es muy complejo. No resulta fácil su sistematización y tampoco es fácil clasificar a un artista dentro de una determinada tendencia. Las innovaciones plásticas del siglo XX son de una audacia innegable. En síntesis se podrían resumir en varios principios:
-El hueco: crea formas como el silencio en la obra musical (Gargallo).
-La deformación: constituye un recurso tradicional del artista con el que se descubren nuevas posibilidades expresivas (Moore).
-La incorporación del espacio: la escultura se funde con su contorno (Pevsner).
-La abstracción: las formas sin apoyo en la realidad han renovado el lenguaje escultórico (Chillida).
-El movimiento: unión de la energía y la forma en esculturas-máquinas (Calder). SIGLO V SIGLO XVI SIGLO XVII SIGLO XVIII SIGLO XIX SIGLO XX 2-3 Ma 4OOO aC FIN
Full transcript