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POP ART

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Paff Stone Casablancas

on 25 May 2015

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POP ART

design by Dóri Sirály for Prezi
El movimiento como tal surgió a mediados de 1950 en el Reino Unido y a finales de 1960 en los Estados Unidos, con diferentes motivaciones:
Fundado en Londres en 1952, integrado por un grupo de jóvenes pintores, escultores, arquitectos, escritores y críticos que eran

reconocidos como el conjunto precursor del movimiento artístico pop. Desafiaban la visión modernista de la cultura así como la perspectiva tradicional de ver las bellas Artes. Las discusiones del grupo se centraban en la cultura popular y la implicación de la aparición de dichos elementos de comerciales, películas, tiras cómicas, ciencia ficción y la tecnología.
El arte Pop!
- Grupo Independiente -
Norteamericanización de la Cultura
El arte pop temprano de Inglaterra se puede considerar como una serie de ideas alimentadas por la cultura popular estadounidense vista desde lejos; mientras que los artistas estadounidenses estaban inspirados en la experiencia de vivir dentro de esta.
La mayoría de las obras de este estilo son consideradas incongruentes debido a que las prácticas conceptuales que generalmente son utilizadas hacen que sean de una difícil comprensión. El concepto del Arte Pop no hace tanto énfasis al arte en sí, sino a las actitudes que lo conducen.
La finalidad del
Pop Art
parecía consistir en describir todo lo que hasta entonces había sido considerado indigno de atención, y todavía menos, propio del arte: La publicidad, las ilustraciones de revistas, las producciones en serie, los vestidos, las latas de conservas, los "hot dogs", los "comics" y todo aquello que fuese parte de la nueva rutina norteamericana . Se habían roto todos los tabúes; para el pop cuanto más vulgares y baratas pareciesen las cosas, mejor. Artistas de esta corriente ni siquiera se preocupaban de inventar panoramas o imágenes, se ha dicho con frecuencia que lo único que hacían era tomarlas de la realidad.
El arte pop, como la música pop, buscaba utilizar imágenes populares en oposición a la cultura elitista existente en las bellas Artes, separándolas de su contexto y aislándolas o combinándolas con otras; además de resaltar el aspecto banal o kitsch de algún elemento cultural, a menudo a través del uso de la ironía.
Los artistas desarrollaron sus obras utilizando las imágenes desacreditadas, tomadas de la cultura de masas (mass media). Empeñados contra la historia del arte, estaban convencidos de que los cines de pantallas gigantescas y la televisión habían modificado los hábitos visuales contemporáneos, y de que la divulgación y abundancia de las reproducciones artísticas habían convertido lo que hasta entonces eran obras maestras en bienes simplemente monetarios, de estatus social e incluso de "mal gusto".
Los artistas prestaban atención a la vida que les rodeaba, pintaban las cosas que veían cada día, con lo cual parecían retratar el materialismo, el vacío espiritual y el ambiente ridículamente sexualizado de la norteamérica opulenta.

Así resulta que el término "
popular
", implícito en la expresión Pop Art, no tiene nada que ver con el concepto europeo de la creatividad popular, sino más bien con la no-creatividad de la masa social. Se trata de una concepción desencantada y pasiva de la realidad social contemporánea.
El Pop Art dio origen a una "cultura" particular, que impide con frecuencia comprender su auténtica aportación. Sus formas y temas son fáciles y divertidos, su contenido es superficial , puede ser captado sin dificultad, el Pop fue apreciado y aplaudido por un público amplio a un nivel muy vulgar y elemental.


El nuevo movimiento artístico empezó muy pronto a ejercer una enorme fascinación sobre los estadounidenses, y ello sólo puede explicarse por el hecho de que en Estados Unidos todo el mundo ha vivido una infancia nutrida por las mismas imágenes e iconos mentales. El Pop Art ejercía una atracción nostálgica, incluso sobre las personas más sofisticadas, porque les recordaba el tiempo feliz del pasado, los partidos de baseball, los "hot dogs", las latas de sopa Campbell y los cómics llenaban igualmente la vacía vida de todos.
Eduardo Paolozzi
Escultor y artista escocés.
Paolozzi fue el fundador del
Independent Group
, que es considerado como
precursor del movimiento británico pop art de los 60
.

Su collage de 1947
I was a rich man's plaything
es etiquetado como la primera muestra del Pop Art, aun que él ha descrito su obra como surrealista.

Londres y Nueva York son las cunas del arte pop. Fue en Gran Bretaña donde surgió la primera obra verdadera que se conoce y se admite como pop, un collage de
Richard Hamilton
titulado
Just what is it that makes today's homes so different, so appealing?
(Sencillamente, ¿qué hace que los hogares de hoy sean tan diferentes, tan llamativos?)


En esta obra se encuentran presentes muchos de los elementos de la cultura trivial americana: una chica de revista, un culturista, un televisor, un emblema de la Ford, un cartel de cómic, una aspiradora, un cartel de cine, un retrato de un antepasado centenario y un enorme chupa-chup con la inscripción ‘pop’, sostenido por el culturista a modo de raqueta de tenis. Este collage se convirtió en la imagen programática del Pop Art británico.
David Hockney
Pintor, proyectista, escenógrafo, impresor, y fotógrafo inglés. El artista nació con Sinestesia y en consecuencia ve colores sinestéticos en respuesta a estímulos musicales. Esto no se ve reflejado en sus pinturas ni trabajo fotográfico, pero es uno de los principios que utiliza para ello; él basa los colores y la iluminación en los colores que ve mientras escucha las piezas musicales.

Hockney es abiertamente homosexual, él exploraba abiertamente la naturaleza del amor dentro de sus retratos. Una visita a California, lugar en el que viviría muchos años, lo inspiró a realizar una serie de pinturas de albercas utilizando pintura acrílica (relativamente nueva) de colores vibrantes, con un renderizado altamente realista. Tambien retrató a personajes importantes de aquel momento en los suburbios.

Fue un importante contribuidor del movimiento de Arte Pop en la década de 1960, es considerado uno de los artistas británicos más influyentes del siglo XX.
Derek Boshier
Pintor, fotógrafo y escultor británico. La obra de Boshier se alimenta de la yuxtaposición de distintos elementos: cajas de cereales para desayuno, adhesivos, calcomanías y gráficos de todo tipo. Como dice el artista, Todas las imágenes que utilizo en mi obra guardan mucha relación con la presentación, es decir, con la idea de la proyección.

Temas recurrentes en su obra son la influencia de los medios de comunicación social y la publicidad en la sociedad; el proceso de sumisión de los valores culturales europeos a los propuestos por la Norteamérica triunfadora de la Segunda Guerra Mundial.
Allen Jones
Escultor, grabador y pintor britanico.

Su arte proviene del mundo de los medios de masas. Su obra se caracteriza por su enfasis en la sexualidad: examina el deseo representando provocativas y explicitas imagenes de mujeres vistas a traves de la fantasia de la publicidad y la imaginacion masculina.
Su obra se inspira tambien en la temprana lectura de autores como Nietzsche, Freud y Jung. Allen Jones es famoso por sus esculturas, donde combina o convierte partes del cuerpo femenino en mobiliario funcional.

En las esculturas vemos a mujeres de silicona, creadas a escala humana, que se encuentran en posiciones incómodas para volverse una pieza de mobiliario, con elementos fetichistas y de sadomasoquismo. La controversia que generaron estas obras no fue para bien, y surgieron en un momento en que las feministas estaban adquiriendo tanta fuerza que demolieron con sus argumentos la propuesta del artista.
- POP NORTEAMERICANO -
Por el contrario, los artistas de América siendo bombardeados a diario con la diversidad de las imágenes producidas en masa, el trabajo que se producen en general más audaz y agresivo. Dos pintores importantes en el establecimiento del vocabulario del arte pop de Estados Unidos fueron Jasper Johns y Robert Rauschenberg.

De igual importancia para el arte pop es Roy Lichtenstein. Su trabajo probablemente define la premisa básica del arte pop mejor que cualquier otro. Las pinturas de Lichtenstein, como las de Andy Warhol, no solo comparten un vínculo directo a la imagen habitual de la cultura popular norteamericana, sino también a tratar el tema de una manera impersonal, ilustrando claramente la idealización de la producción en masa.
Jasper Jones
Pintor, escultor y artista gráfico estadounidense.

Su obra mundialmente más conocida son las banderas de los Estados Unidos realizadas en la década de 1950. Otros símbolos, como letras, números y dianas, aparecen recurrentemente en sus pinturas y grabados.
Realizó numerosas pinturas "grises", las que comenzaba con color para finalmente cubrir todo el lienzo con gris. En 1960 comenzó a integrar en sus pinturas objetos reales como perchas, tenedores y cucharas.

Es considerado, junto con Robert Rauschemberg, promotor del Neodadaísmo, aunque su producción artística circula entre el Expresionismo abstracto, el Minimalismo y el Arte pop.
Robert Rauschenberg
Estaba profundamente interesado en la iconografía de la cultura popular estadounidense. Evitó el estilo emocional de los Expresionistas Abstractos, sin perder la expresividad que manifestaban, al desarrollar un estilo que enfatizaba el collage y utilizaba materiales poco comunes como pintura de interiores, así como técnicas tales como pintar con una llanta sumergida en pintura. Extendió sus collages incorporando objetos tridimensionales, a los que llamó “combinados.” (combine paintings). Esta innovadora técnica contribuyó al desarrollo del arte moderno.

Rauschenberg utilizó imágenes de acontecimientos contemporáneos tomadas de revistas y diarios para su collage de 1964, Retroactive 1. Una enorme fotografía de prensa de John F. Kennedy hablando en una conferencia televisada fue la fuente para esta serigrafía sobre lienzo. Superpuso a la imagen de Kennedy otra serigrafía fotográfica de un astronauta en paracaídas. La superposición, y la aparente disparidad de la composición crea un colorido comentario visual sobre una cultura saturada por los medios que lucha por comprender la era de la televisión.
Roy Lichtenstein
Roy Lichtenstein fue uno de los máximos exponentes del arte pop americano. En sus obras representó temas de la sociedad de consumo, de la vida cotidiana y de la cultura de masas, que sacaba de la publicidad, los cómics y las revistas populares. A través de estas composiciones, en apariencia sencillas, pintadas casi exclusivamente con colores primarios, hizo una personal crítica del mundo contemporáneo.

En 1961 realizó sus primeras obras de gran formato con imágenes sacadas de los cómics que definirían a partir de entonces su producción artística.

Su característica técnica imitaba los puntos benday, un proceso de impresión industrial usado en los cómics que, a base de pequeños círculos coloreados, representaba las variaciones cromáticas de una manera muy esquemática.
Andy Warhol.
Artista plástico y cineasta estadounidense.

Su primera exposición individual fue en la galería californiana Ferusel.4 5 Era el 9 de julio de 1962 y marcó el debut del movimiento pop art en la costa oeste.6 Cuatro meses más tarde, entre el 6 y 24 de noviembre, inauguró su primera exposición en Nueva York. Allí incluyó el díptico de Marilyn, 100 latas de sopa, 100 botellas de cola y 100 billetes de dólar.

En esa época empezó a pintar sus famosos dibujos de la sopa Campbell y de las botellas de Coca-Cola, a los que consideraba tan iconos estadounidenses como Marilyn Monroe, Troy Donahue o Elizabeth Taylor. También fundó su estudio The Factory, por donde pasaron artistas, escritores, modelos, músicos y celebrities underground del momento.

De esta época parte su cuestionamiento sobre el estatus de arte y su relación con el mercado: A partir de entonces, criticaría su separación y trató de interpretar la cultura comercial y popular como un tema artístico. La escultura más conocida de Warhol es quizás la caja de Brillo, una réplica serigrafiada sobre madera de las cajas de un detergente bastante conocido. Las Cajas de Brillo formaban parte de una serie de esculturas que representan objetos típicos de tienda de barrio, como el kétchup Heinz o las Latas de Sopa Campbell.

Norte-
América-
Nización
de la Cultura
Los europeos llaman a la globalización "mundialización", término más justo porque podría haber una mundialización de las finanzas, de la economía, del trabajo plenamente global, como la que pretende estar en marcha, pero que realmente no existe.
Es un fenómeno mundial que se originó quizás a fines de la Guerra Fría y adquirió su amplitud actual con los modernos sistemas de comunicación: el Internet y la ahora denominada <mass media> hacen que el mundo quepa, literalmente, en un pañuelo; en este caso, en una página web o una imagen reproducida millones de veces.

De modo que parece claro que en lugar de una mundialización hay una "norteamericanización" del mundo, más acelerada, e incluso impuesta por la fuerza brutalmente, minuto a minuto en el mundo entero, en casi todos los espacios de la actividad humana, económicos, sociales, culturales, ideológicos por
la única potencia mundial,
exigiendo los derechos humanos internacionales de los pueblos en oposición al "poder" de decidir de su destino a favor o en contra de esta, incluso con una intervención armada y organizando la identidad de cada uno de ellos.
La mayoría de las personas no lo sabe: hubo una comisión de economistas estadounidenses a los que se les pidió que encontraran una palabra que expresara de un modo significativo la expansión económica norteamericana. La comisión optó por la palabra “globalización”. Desde entonces todos dicen globalización, porque la CNN dice globalización, y porque toda la prensa comercial comprada por las corporaciones multinacionales dice globalización.
La definición que yo daría a la globalización seria un proceso que cuente con la participación de todas las generaciones, todas las razas, todas las clases sociales, todas las naciones y todos los Estados sin interferir en su cosmogonía, sino al contrario auto abastecernos de distintos conocimientos como una sola raza y cultura con cara a un mundo mejor.
Pero lo que se está haciedo es la contrario: es la elección de una nación, la anglosajona; de un Estado, EEUU e Inglaterra; de un sexo, el masculino; de una clase, la media alta; y naturalmente, de una raza, la blanca.

Muchos críticos sociales argumentan que las grandes compañías multinacionales como McDonal`s, Coca – Cola, Nike, Microsoft, Disney, MTV no solo están “globalizando” sus marcas, sino que están “norteamericanizando” las culturas del mundo.




Los adolescentes de India ven MTV y piden a sus padres ropas y otros símbolos mas occidentalizados de la cultura popular y los valores estadounidenses. En Arabia Saudita las mujeres ven películas estadounidenses y cuestionan sus papeles sociales. En China, casi nadie bebía café antes de que Starbucks entrara en el mercado. Ahora los consumidores chinos van a las tiendas Starbucks “porque son símbolo de un nuevo estilo de vida”.

No se trata sólo de ver, de descubrir, o constatar, las formas en que el contenido de los mensajes, diseminados por prensa, publicidad, cine, radio o televisión, influyen en las creencias o en las conductas de sus públicos, sino que es igualmente importante atender y comprobar cómo la sociedad, su historia, sus valores, su trayectoria, en definitiva, han conformado los medios y han producido modelos específicos de actuación, persuasión, dirección, valoración o introspección individual y social, en relación o en dependencia del tipo de sociedad de que se parte.


El gobierno de EEUU no solo afecta cuestiones culturales de países latinoamericanos y europeos, sino que se involucra en cuestiones políticas, militares, económicas, territoriales, comerciales, ideológicas, inclusive filosóficas.

Todos tenemos presente en nuestro ritmo de vida algo de este proceso en el que estamos inmersos, ya sea consciente o inconscientemente, y puede variar desde la manera de pensar, vestir, vivir, comer y actuar hasta las decisiones que tomes en el día a día. Además de que nuestro estilo de vida aspira cada vez mas a la globalización, nuestras herramientas cotidianas se ven tecnologizadas, los medios de transporte, las maneras en como nos comunicamos e interactuamos se desarrollan en la capitalización.
La nueva Tenochtitlan
- POP LATINOAMERICANO -
Para finales de la década de 1960, el Pop Art dará un giro en Latinoamérica y por supuesto en Argentina, ya que los artistas más jóvenes lo utilizarán no como un medio estético sino como un arma de denuncia política, esto se ve reflejado en este breve texto de Clemencia Lucena:

“Estamos invadidos de un arte propio de un país superdesarrollado… de un arte que se permite el lujo de no decir nada…somos los compradores de altos precios, los vendedores a bajos precios… los imitadores mediocres… los puestos de avanzada de la metrópoli en la América pobre… Necesitamos un arte que nos sirva de arma contra la alienación… la medicina de la comunidad para la peor de las enfermedades mentales: la corrupción de la conciencia”.
El Pop en ese momento es visto como un repertorio de signos neoyorkinos; de ahí que la única posibilidad de traspaso sea la de ridiculizar los signos o de emplearlos para el ataque.
Con esto quiero decir que los artistas más jóvenes logran apoderarse de la señalética para devolverla, como un bumerán, contra quien la emitió, en este caso las grandes metrópolis desarrolladas.

Se da la “nacionalización del Pop”, es decir, el Pop Art comienza a ser manejado con elementos, técnicas y procedimientos locales latinoamericanos, que dan como resultado los rostros del Che Guevara, de José Martí, Fidel Castro entre otros inundados de color, plasmados en carteles, vallas y afiches de la Habana y de Latinoamérica entera.
La cultura Pop latinoamericana imponía su propio lenguaje y aparentemente su propia estética. Pero estas formas no distaban mucho del original, ya que lo Pop norteamericano y lo Pop latinoamericano seguían compartiendo algunas categorías estéticas, entre las que destacaron
el Camp y el Kitsch
.
Raúl Martínez
CUBA
No sólo fue pintor, sino diseñador gráfico y fotógrafo. Fue, según aseguran, un comunicador de íconos ligados a la cultura popular: pasaron por su mesa de trabajo los rostros del Che, de Martí, de Fidel Castro y luego de inundarlos de color se fueron a pasear por las calles de La Habana en forma de afiches.

Por estos años el cartel adquiere un rol preponderante como medio de divulgación. La vida de los cubanos se hizo muy intensa en las calles, en los sitios públicos; había mucho intercambio social por motivos laborales, estudiantiles, recreativos o de preparación militar. En tales circunstancias el arte pop representado en el cartel sirvió de eficaz comunicador, de cronista de la realidad cubana.
El valor de su obra y su incansable labor por mantener viva la tendencia pop en el país lo hicieron merecedor del Premio Nacional de Artes Plásticas en 1994.

Desde inicios de los años 50, junto a creadores como Guido Llinás y Tomás Oliva, Raúl integró el grupo denominado Los Once, que asumió el Expresionismo Abstracto de la Escuela de Nueva York en el contexto cubano.

Con la serie “Homenajes” (1964) Martínez se apartó de la ortodoxia abstracta para convertir la pintura en un campo expandido. En ella integró dos elementos: fragmentos de objetos “reales”, muebles, portadas de revistas, fotos de familia, que fueron fundidos a la estética espontánea del graffiti callejero: los slóganes políticos revolucionarios que los cubanos escribían con entusiasmo en las paredes de las ciudades. Las pinturas de Martínez se convirtieron en la crónica no oficial de un país en cambio.
CUBA
Por otro lado Gómez Fresquet o simplemente Frémez, como se le conoce en el medio artístico, ostenta también el Premio Nacional de Artes Plásticas pero en el año 2005.

De Frémez sobresale en primer lugar su versatilidad. Diseñador y caricaturista, es considerado uno de los iniciadores del arte digital y la serigrafía en nuestro país. Colaborador del semanario humorístico Zig-Zag, del periódico Revolución; Director de Diseño y Fotografía de la revista Cuba (1964-67) y del Taller Experimental de Gráfica de La Habana (1976-80), actualmente es vicepresidente de la Asociación de Artistas Plásticos de la UNEAC.

En varios de sus trabajos más recientes el artista ha ido incorporando un toque muy oxigenante de sensualidad y banalización, lo que lo hace más imparcial y a la vez más pop.
Asimismo, en los últimos tiempos sus obras han ganado considerablemente en dimensiones, de modo que el impacto visual en el receptor es aún mayor. Pero, por sobre todas las cosas, algo que siempre ha destacado en sus propuestas es la limpieza en el manejo de la técnica, unida a un gran poder de síntesis y limpieza.
José Gómez Frequet
CUBA
Cuenta con una cifra considerable de exposiciones personales y colectivas, tanto en Cuba como en el extranjero, al tiempo que ha sido acreedor de numerosos premios y menciones por la calidad de su obra. Sin embargo, sus trabajos, quizás por causa del pernicioso «fatalismo geográfico», son poco conocidos en el ámbito capitalino.

Aún cuando figuras noveles como Ferrer Guerra se adentran hoy con buen pie en el universo de las artes visuales, la incursión en esta tendencia se ha visto disminuida en años recientes; es necesario que los artistas se interesen por continuar el estilo pop, revitalizando sus visión de la realidad, haciéndolo cada día más cercano a la cultura de su gente.

La creatividad, el atrevimiento y la frescura son elementos que definen a la más popular de las corrientes artísticas contemporáneas. Sin dudas, nuestra isla ha devenido en escenario fértil, pleno de creadores que han sabido apropiarse de sus presupuestos para hacerla más genuina, diversa, revolucionaria; porque precisamente de eso se trata, de hacer del arte pop cubano: un culto eterno a la innovación.
Julio Ferrer Guerra
Ernesto Lozano
A Ernesto Lozano Rivero se le considera el maestro del Pop Art en Latinoamérica, ya que no sólo es comparado con Warhol en Estados Unidos, sino que logró trascender en la cultura latina con personajes como María Félix, Frida Kahlo, Mauricio Garcés, entre otros. Su pintura, lejos de ser “retro”, se convirtió en vanguardia y no arte kitsch (arte considerado como una copia inferior de un estilo existente, o arte pretencioso), aunque muchas de sus obras fueron clasificadas como tal en el mercado del arte.

En 1997, Lozano declaró, durante el recibimiento del Premio Nacional de Diseño Gráfico de México, su descubrimiento por el gusto de Pop Art: “El descubrimiento de la obra de Raúl Martínez fue determinante en mi vida; cuando pude contemplar de cerca a Warhol, supe que mi destino era el Pop Art”.
Edwin Daniel
Mexico
C
reador del Naïf Siniestro Mexicano, corriente derivada del pop art; Su propuesta es “preservar lo tradicional del arte mexicano en un contexto adaptado al siglo XXI”. Irreverente, irónico, directo y con toques “alebrijescos”, el NSM refleja el espíritu del hombre moderno.

Sus colores son vibrantes, puros y contrastados, los planos de color se superponen para crear un intenso ruido visual y las figuras son hechas en trazo caligráfico. "El trabajo lleno de color es atractivo para el público, le da más vida a la obra, refleja el colorido y la vida en México"

Marisol Escobar
CUBA
Ella se ha hecho famosa por sus esculturas de personajes del cine como James Bond o John Wayne, así como otros de importancia mundial como líderes políticos y miembros de la monarquía.

Sus creaciones realizadas en maderas ensambladas, intervenidas, pintadas y hasta dibujadas también han tocado otros temas, que van desde simples mujeres que van de visita a alguna parte o caminan llevando a un perro, hasta la vida precaria de los niños cubanos.

También se ha sindicado la obra del brasileño Antonio Henrique Amaral con el pop, quizá porque algunos críticos han relacionado sus grandes y voluptuosas frutas y vegetación con las inmensas hamburguesas de Claes Oldenburg o las botellas de Coca Cola de Warhol. Pero también hay de los que aseguran, como el conocido crítico de arte latinoamericano Edward Sullivan, que las creaciones del brasileño carecen del espíritu frío y alienado de lo pop.





Antonio Henrique Amaral
La cultura Pop latinoamericana imponía su propio lenguaje y aparentemente su propia estética. Pero estas formas no distaban mucho del original, ya que lo Pop norteamericano y lo Pop latinoamericano seguían compartiendo algunas categorías estéticas, entre las que destacaron el
Camp y
el
Kitsch
.

Camp
es una palabra de origen australiano que significa salón o taberna deteriorada. Fue difundido con el significado de afición a lo artificioso y exagerado, y hace referencia al gusto estético basado esencialmente en un entorno nostálgico a formas plásticas, consideradas anteriormente pasadas de moda. El Camp es amanerado y equívoco, extravagante y desmesurado. A la sensibilidad camp le gustan las ruinas artificiales y las porcelanas chinas. Se puede considerar Camp al Arte Nouveau, la pintura prerrafaelista, las postales de los años veinte o la exageración femenina y masculina de los personajes. En el límite de Camp descubrimos que algo es bueno porque es horrible.

Kitsch

es un concepto artístico que se suele definirse como mal gusto. Es la falta de criterio que lleva a un determinado público a imitar en arte aquello que cree modélico y que, habitualmente, pertenece a un pasado al que se echa de menos, generalmente el arte burgués de finales del siglo XIX. Ejemplos de Kitsch pueden ser la típica bola de vidrio con una torre Eiffel en su interior y un paisaje nevado, el papel tapiz que imita las estrías de la madera, las flores de plástico o Disneylandia
Marcos López
ARGENTINA
Ante este panorama plástico latinoamericano, lleno de categorías estéticas que problematizan lo estético mismo y de nacionalizaciones artísticas surge, Marcos López, fotógrafo y artista plástico argentino que revoluciona la escena fotográfica latinoamericana a partir de su trabajo original e innovador que desdibuja los límites entre la fotografía convencional y la plástica latinoamericana, creando verdaderas ilusiones de realidad o “collages de realidad”, según afirma el mismo artista.

Todo en sus imágenes reluce en colores brillantes (tipo technicolor) para comentar nuestras vidas. En su repertorio, las imágenes son siempre reales, pero con su correspondiente tensión entre retratos domésticos y figuras emblemáticas. En ellas, él color viste y señala el estereotipo, hasta convertir la fotografía en algo artificial y mentiroso; hasta hacer evidente el valor de engaño que siempre define la fotografía en su relación con la "realidad".

Lo Kitsch, lo popular, lo grotesco se combinan con los primeros planos, la gran angular y el color brillante: fotografías que se mueven entre la publicidad y el comic, entre la imagen televisiva de los noventa y el cine.
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