Loading presentation...

Present Remotely

Send the link below via email or IM

Copy

Present to your audience

Start remote presentation

  • Invited audience members will follow you as you navigate and present
  • People invited to a presentation do not need a Prezi account
  • This link expires 10 minutes after you close the presentation
  • A maximum of 30 users can follow your presentation
  • Learn more about this feature in our knowledge base article

Do you really want to delete this prezi?

Neither you, nor the coeditors you shared it with will be able to recover it again.

DeleteCancel

Make your likes visible on Facebook?

Connect your Facebook account to Prezi and let your likes appear on your timeline.
You can change this under Settings & Account at any time.

No, thanks

Cine periférico

No description
by

Michelle Martinez Marin

on 4 April 2013

Comments (0)

Please log in to add your comment.

Report abuse

Transcript of Cine periférico

Cine
Periférico Cuba Rusia Chile India Arabia Marruecos Sudáfrica Noruega Suecia Representa el cine independiente, alejado del mainstream y las súper producciones Generalmente cuenta con un presupuesto muy limitado para su realización. En este tipo de cine se toma en cuenta más la visión del director y los actores simplemente interpretan lo que el desea, similar al cine de autor. Las temáticas que aborda el cine periférico generalmente son realistas y retratan problemáticas sociales como las drogas, la prostitución, la mentira del sueño americano, entre otros. Su estética se distingue por la experimentación de diferentes formatos e ideas: blanco y negro, fotografía sucia, colores saturados, silencios muy largos, poco o nulo uso de la cámara fija, encuadres o montaje no convencionales.
El 17 de febrero de 1895 en Santiago, el empresario Francisco de Paola muestra el kinescopio en la calle Estado nº 171. El 16 de agosto de 1896, en Santiago se realiza la primera exhibición pública del cinematógrafo, exhibiendo las mismas películas que los Lumiére exhibieran 8 meses antes en París. El 26 de mayo de 1902, en la sala Odeón de Valparaíso, se presentó el cortometraje documental "Ejercicio General de Bombas", que había sido grabado una semana antes en la plaza Aníbal Pinto de Santiago. Aquellos tres minutos de cinta marcan el inicio del cine en Chile, apenas siete años después de que en 1895 los hermanos Lumière. Como celebración del centenario de la república, el 10 de septiembre se estrena en el Teatro Unión Central la primera película argumental chilena: Manuel Rodríguez. El papel principal estuvo a cargo de Nicanor de la Sota, quien posteriormente será figura central del cine chileno. Posteriormente Urzúa filma dos películas más: El violín de Inés (1910) y El billete de lotería (1914) Llegada del cine a Chile El desarrollo del cine en Chile El caminar del séptimo arte en suelo nacional fue de ritmo vertiginoso en el periodo mudo, que abarcó en las décadas comprendidas entre 1910 y 1931. En esta etapa 78 filmes vieron la luz, incluyendo 15 títulos en 1925, el año más prolífico de la industria cinematográfica local. En 1938, se estrenan dos largometrajes: El hechizo del trigal de Eugenio de Liguoro y Hombres del Sur de Juan Pérez Berrocal. Ambas películas coinciden en sus temáticas campesinas. Estas temáticas “camperas” están influenciadas directamente por la gran popularidad de la cinta mexicana Allá en el rancho grande, como también de todo el cine mexicano de la época de oro que tenía gran arraigo en el público chileno. En la década del '50, la producción fílmica decae notoriamente, con apenas trece películas estrenadas en todo el periodo. Pese al exiguo volumen, en este decenio aparecen los primeros indicios de lo que vendría en la siguiente década, con un cine enfocado al entorno social.
El cine chileno comenzó a enfocarse en su mirada social, tendiendo hacia un cine de corte neorrealista y casi documental, en el que los recursos no abundaban como en generaciones anteriores, pero donde sí se produjo un avance cualitativo en las cintas nacionales. "Morir un poco" (1967), con dirección y música Alvaro Covacevich; y especialmente "Largo Viaje" (1967) El nuevo cine Chileno La celebración del Primer Festival del Nuevo Cine Latinoamericano, realizado en Viña del Mar en 1967, permitió a los autores chilenos por primera vez a tener una mirada panorámica del trabajo de sus pares continentales. A la siguiente cita, en 1969, también en la Quinta Región, Chile ya tenía con qué competir en el festival. "Tres tristes tigres" (1968) de Raúl Ruiz, "Valparaíso, mi amor" (1970) de Aldo Francia, y "El chacal de Nahueltoro" (1970) de Miguel Littin, se estrenaron en aquella muestra y son las piezas más destacadas del "Nuevo Cine Chileno"
El 1º de julio de 1971 las compañías norteamericanas con sede en Santiago (entre ellas, Metro, Columbia, Fox y United Artists, afiliadas a la Motion Picture Association of America, MPAA) anunciaron la suspensión de la importación de películas de sus casas matrices Decadencia del cine Chileno Desde 1973 y durante el gobierno militar, la producción fílmica desciende a los niveles históricos más bajos. Los principales representantes del cine nacional se dedican a trabajar fuera del país, haciendo un cine chileno fuera de sus fronteras. En un período que va desde 1973 a 1983, se estima que se realizan 178 filmes en los distintos países donde se radican los realizadores nacionales
1989, que marca el fin de la dictadura, tras cerrarse el periodo del gobierno militar, la cantidad de cintas producidas volvió a crecer. Gonzalo Justiniano dio que hablar con "Sussi" (1988) y "Caluga o menta" (1990), mientras Silvio Caiozzi reapareció con "La Luna en el espejo" (1990). Resurgimiento del cine en Chile Con este nuevo impulso, el cine chileno ha marcado una presencia más constante en las competencias internacionales. "Coronación" (2000) de Silvio Caiozzi destacó con trofeos en los festivales de Montreal, Huelva, Cartagena y La Habana, siendo lejos la más exitosa en este sentido
Otras películas nacionales recientemente aplaudidas internacionalmente han sido "La Fiebre del Loco" (2001) en Cartagena y Lleida; y "Taxi para tres" (2001) de Orlando Lübbert, en Cartagena, La Habana, Mar del Plata, Miami y San Sebastián. Se comienza a hacer evidente una línea de películas que no se estrenan comercialmente, pero que destacan en festivales y muestras alternativas que desafían la poca cabida que dan las grandes cadenas de cine, además poseen temáticas que el cine más comercial deja de lado como la marginalidad o problemáticas como la cesantía o los vicios de la gran ciudad, además algunas desafían la narrativa convencional y se realizan con escasos recursos, casi autofinanciados El cine de Cuba o cine cubano fue introducido a la isla a principios del siglo XX, con el inicio de la producción cinematográfica que produjo alrededor de 80 películas completas antes de la Revolución cubana en 1959. En su mayoría estas películas trataban sobre melodramas. Después de la revolución, Cuba entró al período conocido como "la época de oro del cine cubano".
El 24 de enero de 1897, Gabriel Veyre llevó el primer cinematógrafo a La Habana desde México. La primera presentación se llevó a cabo en el Paseo del Prado #126, al lado del Teatro Tacón, hoy llamado el Gran Teatro de La Habana. Cuatro cortometrajes fueron mostrados: "Partida de cartas", "El tren", "El regador y el muchacho" y "El sombrero cómico". Las entradas costaron 50 centavos, 20 para niños y militares. Poco después, Veyre protagonizó el primer filme producido en la isla, llamado "Simulacro de incendio", un documental sobre los bomberos de La Habana. Primeros años Antes de la Revolución cubana de 1959 el total de películas filmadas fue de aproximadamente 80 películas completas. Se destacaron, La Virgen de la Caridad protagonizada por Miguel Santos y Romance del Palmar por Ramón Peón. Muchos actores cubanos también hicieron presencia en México y Argentina. Músicos como Ernesto Lecuona, Bola de Nieve o Rita Montaner también actuaron o participaron en la banda sonora de películas de de diferentes países.Cabe destacar el Cineclub de la Habana fundado por Germán Puig y Ricardo Vigón en 1948 y que luego, en 1951 tomaría el nombre de Cinemateca de Cuba. Cine pre-revolucionario En los primeros días de 1959, el gobierno de Fidel Castro creó un departamento cinematográfico dentro de la Dirección de Cultura del Ejército Rebelde, la cual produjo documental como "Esta tierra nuestra" de Tomás Gutiérrez Alea, y "La Vivienda" de Julio García Espinosa. Éste departamento fue el antecesor de lo que se convertiría en el ICAIC (Instituto Cubano del Arte y la Industria Cinematográficos), fundado en marzo de 1959, como resultado de la primera ley de cultura. Cine post-revolución Al perído comprendido entre 1959 y 1969, muchos críticos cinematográficos lo bautizaron como la época de oro del cine cubano, generalmente por la producción de Lucía (1969) por Humberto Solás y Memorias del subdesarrollo (1968) por Tomás Gutiérrez Alea. Estos dos directores son por lo general catalogados como los dos mejores directores que ha tenido Cuba. La película Memorias del subdesarrollo fue seleccionada entre las 100 mejores películas de todos los tiempos por la Federación Internacional de Clubes de Cine, pero probablemente la más notable de la última década del siglo XX fue la película Fresa y Chocolate (1993) por Tomás Gutiérrez Alea y Juan Carlos Tabío. Trata sobre intolerancia y presenta la amistad entre un homosexual y un joven revolucionario militante de la Unión de Jóvenes Comunistas. Fue la primera película cubana nominada a los Premios Óscar.

Esta época de inicios de cine revolucionario también se destacó por una fuerte censura a jóvenes realizadores que su único delito era el de mostrar un cine documental experimental o espontáneo, como el "free cinema", siendo el caso más escandaloso el documental realizado por Orlando Jiménez Leal y Sabá Cabrera Infante,"PM",un retrato de La Habana nocturna,solo con la mirada de la cámara sin apoyo de luces,sin entrevistas,ante paisajes nocturnos en los que la rumba y los tragos eran el paisaje que se movía como sombras en la noche. Algunas películas del siglo XXI son extremadamente llamativas y profundas. Viva Cuba, por ejemplo, es la primera película infantil cubana, donde se va mucho más allá de una aventura de dos niños, hasta la política y las relaciones en el hogar. La Edad de la Peseta, fue otro filme de gran repercusión donde se narra una historia en la sociedad cubana a fines de 1958. En octubre de 2008 se estrena Kangamba, una producción dramática y bélica de gran envergadura, que rememora las acciones de las tropas cubanas que colaboraron en Angola en esa decisiva batalla. Post-Guerra Fría En esta etapa, han destacado las obras de jóvenes realizadores cubanos, presentadas en la Muestra Nacional de Nuevos Realizadores del ICAIC (2000- Actualidad), principalmente compuesta por documentales y cortometrajes realizados en formato digital, y con presupuestos independientes. Entre los nuevos autores del cine independiente cubano se destacan Esteban Insausti, Miguel Coyula, Eduardo del Llano, Pavel Giroud, Ernesto Daranas, Karel Ducases, Alina Rodriguez, Aram Vidal, Susana Barriga, Alejandro Brugués, Ian Padrón, Carlos Rodriguez, Gustavo Pérez, entre muchos otros. Directores Eduardo Manet
Enrique Colina
Enrique Pineda Barnet
Fausto Canel
Fernando Pérez
Fernando Villaverde
Humberto Padrón Humberto Solás
Humberto López y Guerra
Jorge Luis Sánchez
Jorge Molina
Juan Carlos Cremata
Juan Carlos Tabío
Juan Padrón
Luis Felipe Bernaza
Manuel Octavio Gómez Mario Rivas
Mario Crespo
Miguel Coyula
Nicolás Guillén Landrián
Octavio Cortázar
Orlando J. Leal
Pastor Vega Pastor Vega
Ramon F. Suarez
Raul Molina
Roberto Fandiño
Rolando Díaz
Santiago Álvarez
Sergio Giral
Tomás Gutiérrez Alea
Miguel Torres Actores y Actríces Adolfo Llauradó
Alberto Pujol
Blanca Rosa Blanco
Beatriz Valdés
César Évora
Mario Cimarro
Consuelito Vidal
Coralia Veloz
Daisy Granados Enrique Molina
Enrique Santiesteban
Ernesto Tapia
Eslinda Nuñez
Eva Méndez
Isabel Santos
Jacqueline Arenal
Jorge Perugorría
Luis Alberto García
Mario Balmaseda Mijail Mulkay
Mirtha Ibarra
Patricio Wood
Raúl Pomares
Reinaldo Miravalles
René de la Cruz
Renny Arozarena
Rogelio Blaín
Rubén Breñas
Salvador Wood
Samuel Claxton Sergio Corrieri
Silvia Planas
Susana Pérez
Thais Valdés
Tito Junco
Verónica Lynn
Vladimir Cruz
Carlos A. Acosta Marruecos ha sido un país bajo el protectorado francés y español, y por ende, sus producciones cinematográficas contenían trabajos de directores de estos dos países, quienes hacían sus películas mayormente dirigidas al público de los países europeos que buscaban ver exotismo en el cine. Estos directores, al intentar darle más realismo al contexto y región en el que se desarrollaban sus historias, utilizaban extras marroquís, pero nunca como actores y menos como protagonistas. Eran películas que reflejaban un Marruecos devastado y poco civilizado, grabando a sus habitantes y representándolos como bárbaros que necesitaban ser modernizados a base de las armas y la violencia. Los años setenta dan a conocer nuevos cineastas, como Mohamed Ousfour, Hammid Benani, Mustapha Derkaoui, Jilali Ferhati y, especialmente, Souheil Ben Barka, que dirige Mille et une mains (1972) y La guerre du petrole n'aura pas lieu (1974) y Abdellah Mesbahi, que produce tres películas en seis años: Silence sans interdit (1973), Demain la terre ne changera pas (1975), Ou cachez-vous le soleil (1979). La década de los ochenta empieza con un gran reconocimiento para las creaciones cinematográficas marroquíes: en 1982, se crea el 1er Festival National du Film de Rabat. Así, en esta primera edición, la película Assarab/Mirage, de Ahmed Bounani (1979), gana cuatro premios; Poupées de roseau de Jilali Ferhati (1981), tres; Le gran voyage, de Mohamed Abderrahmane Tazi, dos; Le facteur, de Hakim Noury (1980) uno; Les beaux jours de Sheherazade (1982), de Moustapha Derkahoui, uno; y Transes / Al hal de Ahmed El Maanouni (1981) -que había sido recompensado en 1981 con el premio ESEC de Cannes-, otro. Sin duda alguna, una de las películas de más éxito de estos años, es Hadda, de Mhamed Abouelouakar, que en 1984 obtuvo el Gran Premio del 2º Festival National du Film celebrado en Casablanca, además de cinco premios y dos menciones más en el mismo festival. La película Couchemar de Ahmed Yachfine, ganó tres premios.A lo largo de esta década, mientras algunos cineastas se consolidan, como Latif Lahlou y Mohamed Tazia, aparecen otros productores como Mohamed Abbazi, Hassan El Moufti o Hammid Benchrif. La década de los noventa es la más prolífica de la historia del cine marroquí. Así, en cinco años, en Marruecos se producen más de 25 películas de directores tan diferentes como: Hakim Noury, Hassan Benjelloun, Chrigui Tijani, Noureddine Gounajjar, Abdelkader Lagtaa, Saâd Chraïbi, Moumen Smihi, Jilali Ferhati, Nabyl Lahou, Hakim Noury o Moustapha Derkaoui, entre otros. Los historiadores debaten respecto al tema, pero se considera que la primera película realizada por un cineasta de origen marroquí, fue en el siglo XX, el largometraje: “Vencer Para Vivir” (1968) de los cineastas Ahmed El Mesnaoui y Mohamed Tazi.Durante los años 1998-2000 se produjeron 23 largometrajes, pero más que producción cualitativa, fue una producción cuantitativa, pues las películas eran de calidad variable. Inicios Fue hasta los años noventa que la calidad del cine del norte africano, cambió, utilizando temas con mejor y mayor narrativa y discurso cinematográfico. Dentro de las cosas que explota el cine marroquí están: la trata injusta a las mujeres, debido al Islam; conflictos de ideologías tradicionalistas y modernas; los problemas vinculados al éxodo rural, entre otros. La primer películas que trata el delicado tema del éxodo rural es “Vencer para vivir” de Mohamed Tazi, que retrata la historia del hijo de un carpintero que se muda a la ciudad para tener una nueva vida. Otras películas emblemáticas con temáticas parecidas son: “Sol de primavera” de Lotif Lahlou; “Mil y una mano” de S. Ben Barka; “Grieta en la pared” de Jilali Ferhati y muchas más. Temas del cine marroquí Days of glory, de Rachid Bouchareb (1943)
El asunto de Ben Barka, de Saïd Smihi
La vida perra de Juanita Narboni, de Farida Benlyazid
El largo viaje, de Ismaël Ferruokhi
The Objectiv, de Daniel Myrick
Un novio para Yasmina, de Irene Cardona
What a wonderful world, de Faouzi Bensaïdi Películas marroquís famosas Karima Adebibe
Lubna Azabal
Gad Elmaleh
Bibiana Manuela
Fernandez
ChicaPedro Reyes
Jean Reno Actores y actríces La historia del cine noruego es la relación de todas las generaciones de cineastas, actores y trabajadores de entre bastidores que han cultivado su arte a través de distintas eras culturales. La situación del cine ha variado enormemente con el tiempo, como sugiere la larga lista de directores conocidos sólo por una película. Comparada con Suecia y Dinamarca, que desde un principio han logrado éxito internacional con la producción de películas a gran escala, Noruega llegó tarde a la industria del cine. Poco se sabe sobre la primera película que se realizó en Noruega, ya que se ha perdido y el material que se tiene es ambiguo. Realizada por Hugo Hermansen en 1906 ó 1908, el filme se titulaba “Los Peligros del Pescador”. Los siguientes esfuerzos no se realizaron hasta 1911, cuando Halfdan Nobel Roede filmó “La Maldición de la Pobreza”, considerada por muchos expertos la primera película noruega. Las obras de Roede estaban inspiradas en los melodramas eróticos daneses de la época, y no tenían una base en la sociedad noruega. La década de los treinta puede ser calificada de manera acertada como la Edad de Oro del cine noruego. La primera película sonora fue “El Gran Bautizo”, en 1931 de Tancred Ibsen, un nieto de los grandes literatos noruegos Henrik Ibsen y Bjørnstjerne Bjørnson. Los años anteriores a la guerra fueron una época de crecimiento y ensalzamiento de la industria del cine, y se hicieron adaptaciones para la gran pantalla de conocidas obras literarias usando actores de teatro profesionales. EDAD DE ORO En la Segunda Guerra Mundial, durante la ocupación Nazi, tanto la producción de cine como la programación en las salas estuvieron sujetas a una fuerte censura por parte de los alemanes. Sin embargo, el público corría a los cines para disfrutar de cualquier producción nórdica que pasaba la censura. De una manera paradójica, fue durante este periodo cuando se estableció una comisión nacional de cine, sentando las bases de una primera política nacional sobre cinematografía. El veterano director Leif Sinding fue el administrador jefe de la comisión, la cual al final de la guerra había amasado un fondo de más de 10 millones de coronas noruegas (aproximadamente 1,25 millones de euros). EPOCA DE LA GUERRA Y POSGUERRA El período de posguerra supuso un momento decisivo para el cine noruego con la aparición de una nueva generación de cineastas. Edith Carlmar, la primera directora noruega, realizó 10 películas entre 1949 y 1959. Sus obras, muy aclamadas por la crítica, con frecuencia provocaron el debate público, y tuvo un éxito de taquilla poco usual. Otra nueva generación de jóvenes cineastas apareció durante la década de los sesenta, influidos por las corrientes modernistas del continente europeo. La versión noruega de la Nouvelle Vague francesa está representada por Jakten (La Caza 1959) de Erik Løchen y Liv (“Vida” 1967) y Exit (1970) de Pål Løkkeberg. Pero los cines se llenaban con comedias noruegas y grandes éxitos internacionales. Las familias preferían sobre todo la televisión. Después surgió el boom de jóvenes activistas de los setenta, que confirieron mayor rebeldía al cine noruego y comenzaron un período de realismo social. Hoy en día está considerada un clásico. En su última película– Ung flukt (La Joven Rebelde, 1959) – aparece Liv Ullmann en su primer papel protagonista. Ullmann es la actriz y directora más conocida de Noruega. Troløs (Infidelidad), película que Ullmann hizo en el año 2000, estuvo nominada en el Festival de Cannes de ese año. Arne Skouen, que debutó como director el mismo año que Carlmar, tiene 17 películas en su palmarés. Es uno de los mayores triunfadores del cine noruego, y su Ni liv (Siete Vidas) fue nominada al Oscar en 1957. Muchos críticos noruegos la consideran la mejor producción noruega de todos los tiempos. Las películas de Skouen todavía se siguen proyectando en festivales y otros eventos cinematográficos de todo el mundo. ACTUALIDAD Los cortometrajes noruegos compiten con éxito en festivales de todo el mundo. Durante la Semana de la Crítica de Cannes en 2003, el corto ganador fue El Amor es la Ley de Eivind Tolås.
El año 2003 ha visto el lanzamiento de una gran cantidad de películas noruegas, más que cualquier otro año. Además, una nueva ola de cineastas y actores de talento se ha puesto en marcha para causar impacto durante las siguientes décadas. El cine sueco recibió su primer impulso decisivo gracias a la gran exposición de arte e industria de Estocolmo, en 1897. Fue entonces cuando se rodaron también las primeras cintas suecas. Se filmó al rey Oscar II a su llegada a la exposición, y así el monarca se convirtió en la primera estrella de cine. Durante los años del cine mudo, alrededor de 1920, Suecia se contaba entre los países de vanguardia del séptimo arte. El cine sueco de los años 20 descansaba fuertemente en las destacables cualidades visuales del paisaje nórdico, mezclaron su imaginería natural de montañas, mar y hielo con el drama psicológico y cuentos de búsqueda sobrenatural. Los inicios Al nacer el cine sonoro, a comienzos de los años 30, sus profesionales suecos abandonaron toda aspiración artística y ambición internacional para caer en el provincialismo y el popularismo. En los círculos artísticos y literarios el cine nacional se consideraba tan vulgar que lo calificaban de “vergüenza” para la cultura sueca. Alrededor de 1940 cuando casi todo el resto de Europa se encontraba en plena guerra se produjo un cambio debido a que el cine asumió una función importante en la defensa psicológica Cine sonoro La gran explosión de los medios de difusión en la segunda mitad de los años 80, cambió fundamentalmente las condiciones de la cinematografía. Hoy está integrada en los medios que la rodean, y la producción de películas se inscribe en el mercado de televisión, incluida la pagada, y del vídeo. Por la evolución de los costos en la industria cinematográfica, la mayor parte de las películas suecas actualmente se realiza en coproducción con un buen número de financieros. En tal situación, la cooperación entre los países nórdicos se ha convertido en un importante factor económico del cine sueco. El cine sueco se ha ganado una reputación de frío, escueto y grave. Desde √Östr√∂m y Stiller a la película para niños “Ronia, la hija del bandolero” (Ronja R√∂var-dotter), han sido motivos fílmicos prominentes la naturaleza, las dificultades de la vida en común y la muerte. Han sido tan frecuentes en las cintas populares como en las grandes producciones y las obras de arte más comentadas. Pero el cine sueco no sólo es ambiente severo y melancolía. En buena parte trata del amor. ¡Basta con echar una ojeada a la lista de “películas favoritas a través de las épocas”! La hilaridad las comedias y farsas casi siempre han tenido un fiel público y asegurado la base económica de la industria cinematográfica. Géneros cinematográficos Los documentales han sido desde hace más de 80 años orgullo del cine sueco. Una larga tradición de documentar la naturaleza culminó en la década de los 50 en “La gran aventura” (Det stora ¬§ventyret), célebre cinta de Arne Sucksdorff. Esa tradición llegó a su perfección en los años 60 y 70 gracias a Jan Lindblad y sus películas sobre animales, de una exótica fascinación. A raíz del empeño político en los años 60 nacieron documentales más orienta-dos a las cuestiones sociales. En 1968, “Los inadaptados” (Dom kallar oss mods), un inaudito estudio de problemas juveniles hecho por Jan Lindqvist y Stefan Jarl, marcó un hito en la historia del cine documental sueco. Jarl continuó con la misma temática y los mismos personajes a lo largo de un proyecto sociológico de muchos años. El cine infantil ha sido especialmente favorecido por el apoyo de la comunidad desde los años 50. También se ha convertido en insignia de la cinematografía sueca, en un comienzo gracias a Astrid Lindgren y a las cintas “Pippa” (Pippi L√≠¬•ng-strump), “Miguel el Travieso” (Emil i L√∂nneberga) y algunas más que tratan de otros héroes de los párvulos. Casi todas las versiones cinematográficas de cuentos de Astrid Lindgren han tenido buena acogida en el extranjero. Las primeras sesiones de cine en Rusia tuvieron lugar en 1896, varios meses después de la primera proyección cinematográfica de los hermanos Lumière. Pero el primer filme de producción rusa apareció en 1908 con el título Stenka Razin. Este cortometraje histórico de seis minutos de duración marcó el nacimiento del cine nacional ruso. La película, basada en una obra sobre el conocido insurgente nacional del siglo XVII, presenta una serie de imágenes sin una trama concreta. Su dirección y presentaciones artísticas eran muy primitivas aunque ya se pueden ver los primeros efectos especiales. Uno de los principales directores de esta época fue Yákov Protazánov. Sus cintas La dama de picas (1916) y El padre Sergio (1918), basadas en las obras homónimas de Pushkin y Tolstói, son consideradas las principales obras maestras del cine prerrevolucionario. En estos años aparecen también las primeras estrellas del cine ruso, entre las cuales destaca la actriz Vera Jolódnaya, que tuvo miles de admiradores por todo el país.
La revolución bolchevique del 1917 marcó una nueva etapa en la historia del país y en el desarrollo del cine nacional. El cine ruso en los primeros años de la URSS En los años 20, el joven cine soviético alcanzó extraordinarios éxitos y produjo una serie de obras maestras que hasta ahora son estudiadas en las escuelas de cine de todo el mundo. Los nombres de Serguéi Eizenshtéin (con frecuencia escrito “Eisenstein”), Lev Kuleshov, Vsévolod Pudovkin y Dziga Vertov son internacionalmente conocidos. Serguéi Eizenshtéin. En 1925 rodó El acorazado Potemkin, considerada una de las más importantes películas de la historia del cine mundial. En los años 30, las autoridades soviéticas bajo el mando de Iósif Stalin comenzaron una serie de campañas de represión y persecución política más tarde denominada "la Gran Purga". Esos tiempos estuvieron marcados por el aumento del control estatal en todos los ámbitos de la vida y en todas las ramas del arte. El cine de esa época se convirtió en un fuerte medio de propaganda que tenía como objetivo principal divulgar los ideales del socialismo. Los años 30: el cine ruso de la época Stalinista El año 1931 destacó por la aparición del sonido en el cine ruso, lo que marcó el fin de la época muda. La cinta El camino a la vida, sobre la dura realidad de un centro de reeducación para niños vagabundos, fue el primer filme sonoro ruso Durante ese duro tiempo, los estudios cinematográficos del país producían principalmente cintas propagandísticas documentales y de ficción, para mostrar el heroísmo del pueblo ruso en la lucha contra las tropas nazis. La Segunda Guerra Mundial: el heroísmo en la pantalla Tras la muerte de Stalin en marzo de 1953, el poder pasó a las manos de Nikita Jruschov, quien pronto comenzó la campaña de revelación de los delitos de su predecesor La cinta Cuando pasan las cigüeñas (1957) de Mijaíl Kalatózov es hasta ahora la única película rusa que ha alcanzado el máximo galardón del Festival de Cannes Los años 60 y 70 fueron la "época dorada" de la comedia soviética. Los directores más destacados de ese género son Leonid Gaidái, Eldar Riazánov y Gueorgui Danelia. Otro género muy popular en el cine ruso en los tiempos de Brézhnev fue el "western rojo". A principios de los años 2000 la economía rusa comenzó a restablecerse. El cine nacional también, poco a poco, salía de la crisis. El primer gran triunfo internacional del cine moderno ruso tuvo lugar en 2003 cuando la cinta El regreso (o El retorno), de Andréi Zviáguintsev Los guardianes de la noche, de Timur Bekmambétov En 2010 dos cintas recibieron galardones en Venecia y Cannes. La película Kak ya proviol etim letom (distribuida internacionalmente como How I ended this summer), de Alexéi Popogrebski, ganó los premios al mejor papel masculino y al trabajo de camarógrafo; mientras que el filme Ovsianki (traducido "Verderones" y distribuido como Silent souls), de Alexéi Fedórchenko, recibió varios premios en el Festival de Cannes. Otro nuevo filme ruso, Krai (comercializado internacionalmente con el título en inglés, Edge), de Alexéi Uchitel, fue proyectado con éxito en el Festival de Toronto y presentado por Rusia como candidato al premio Oscar 2011. La industria del cine de la India es la más importante del mundo en términos numéricos en cuanto al volumen de largometrajes y cortometrajes anuales. Cronología del cine Hindú El cinematógrafo de los hermanos Lumière proyectó seis cortometrajes mudos en el Hotel Watson, Bombay, el 7 de julio. 1986 1900 El primer rodaje de una película hindú y su posterior proyección tuvieron lugar cuando Harishchandra Bhatvadekar (Save Dada) filmó dos cortometrajes y los mostró a través del sistema del kinetoscopio de Edison. Hiralal Sen y F.B. Thanwalla eran dos pioneros indios dedicados a la realización de cortometrajes en Calcuta y Bombay. 1899 El cine hindú fue tomando forma de industria. La nueva década vió la llegada de muchas compañías nuevas y nuevos directores. Dhiren Ganguly, Baburao Painter, Suchet Singh fueron los directores más famosos durante los años veinte. 1920 La primera película hablada hindú fue Alam Ara, producida por la Imperial Film Company y dirigida por Ardershir Irani y fue estrenada el 14 de marzo en el cine Majestic de Bombay. Fue la película que revolucionó toda la industria filmográfica del país. 1931 Sale Kisan Kanya la primera película hindi en color. 1937 El primer festival internacional de cine celebrado en India, tuvo lugar en Bombay. Tuvo un gran impacto en el cine indio. 1952 El punto de inflexión tuvo lugar el 1955, con la llegada de Satyajit Ray y su clásico Pather Panchali, que abrió un nuevo camino para el cine indio, ya que fue la primera película reconocida internacionalmente, obteniendo un premio en Cannes al mejor documental social, seguido por una cosecha de premios nacionales e internacionales sin precedentes. 1955 En el cine hindi, el impacto del neorrealismo fue evidente en algunas destacadas películas de la época, como Do Bigha Zamin, de Bimal Roy. Los sesenta fueron una década mediocre. Las películas se realizaban principalmente para satisfacer las exigencias de los distribuidores y de la taquilla. Los sesenta comenzaron con el estreno de Mughal-E-Azam, de K. Asif, que consiguió el récord de taquilla. Fue seguida por notables producciones que incluían desde musicales románticos hasta melodramas de la mejor calidad. Satyajit Ray, Ritwik Ghatak y Mrinal Sen fueron los padres fundadores del nuevo cine de la India. Aclamado como el mejor director de la India, Satyajit Rayrealizó 30 películas de ficción y 5 documentales, abarcando un amplio rango de temas del mundo rural, urbano e histórico. Su cinematografía le puso dentro de los dominios del neorrealismo. La siguiente década (los ochenta), continuó con el espíritu de estos nuevos realizadores. Shyram Benegal presentó algunas buenas películas como Manthan, Bhumika, Nishant, Janoon, y Trikal. Los maestros de la nueva ola hindú, consolidaron sus posiciones en los ochenta con films como Elippathayam que ganó el prestigioso premio del British Film Institute en 1982. Meera Nair, la joven directora, ganó la Cámara de Oro en el festival de Cannes por su primera película Salaam Bombay en 1989. En 1990, Adoor Gopalakrishnan ganó los premios FIPRESCI y UNICEF con Mathilukal. Bollywood Ees una de las más importantes del mundo y en sus películas podemos ver reflejadas las tradiciones y culturas indias ancestrales pero también la parte más moderna y rica del país. El término Bollywood viene del juego de palabras Hollywood + Bombay. Aunque existen estudios a lo largo de todo el país, como en Malayalam conocido como Mollywood, Kodamdakkam (Tamil) conocido como Kollywood, en Madrás o en Calcuta utilizando diferentes idiomas en cada zona Temática: comedia, acción, suspenso, triller. Pero en general, se les reconoce por desarrollar temas románticos y dramáticos, en especial sobre el amor y la búsqueda de la felicidad. No hay escenas apasionantes. Tradiciones socio-culturales. El cine como forma de representación de la realidad también involucra el estilo de vida de las personas. Es así como los personajes indios encarnan comportamientos, gestos, valores y tradiciones de la sociedad india. La convivencia, la hermandad, la amistad, la lealtad, el amor y la paz se ven reflejados de manera sólida desde el núcleo familiar. Las locaciones y paisajes. En las cintas encontramos templos, monumentos, grandes ciudades, o paisajes naturales, valles llenos de flores o campos de cosecha de las aldeas. Esto se da sobretodo en las coreografías, donde vemos a los protagonistas bailando en sitios inverosímiles. La imagen, el centro de atención. Los directores no recurren a extensos y profundos diálogos; prefieren escenas emocionales y altamente impactantes. Los personajes y en el lenguaje no verbal entre ellos es como si lo dijera todo: sus miradas, sus caricias, el trato entre ellos. Características del cine de Bollywood El vestuario. Así como hay cintas que llevan ropa occidental: zapatillas, tejanos, camisetas, chaquetas, también hay cintas que rescatan la tradición de vestidos confeccionados en seda y acompañados de accesorios lujosos que sobresalen e impactan en la trama de las cintas. Música. Este elemento acompaña el desarrollo de la historia, haciéndola más entretenida. La mayoría de las películas producidas en Bollywood cuentan con un importante número de escenas musicales, a través de los cuales se muestran las danzas y los cantos típicos de la India; últimamente mezcladas con movimientos habituales de la música pop de occidente. Las pioneras en estos números de baile fueron Helen en los años 60,y Bindu y Aruna Irani en los 70. En los años 80 , la canción “ Ek Do Teen” fue añadida a la película “Tezaab” y convirtió a Madhuri Dixit en una súper estrella, considerándola la pionera de esta tendencia de incorporar “item numbers“ en las películas. La edad de oro del cine de Bollywood es de fines de la década del 40 y toda la de 1950 y 1960. Se estrenaron las películas épicas Mother India y Mughal-e-Azam. El cine paralelo se inició a los finales de los años 60 con los directores famosos Mani Kaul, Govind Nihalani y Shyam Benegal. El los 1970 las películas de acción se volvieron populares. Sharmila Tagore, Amitabh Bachchan, Dharmendra, Anil Kapoor, Hema Malini, Jaya Bachchan y Rekha fueron algunas de las estrellas más grandes de esta época. La época de oro de Bollywood Actrices importantes en la India: Aishwarya Rai, quien previamente fuera Miss Mundo en 1994, lo cual le ha servido para ser considerada hasta en la actualidad una de las mujeres más bellas. Es además una de las mejores pagadas. Preity Zinta, una actriz que nació el 31 de enero de 1975, y que además de actriz se destaca como modelo. Kajol, quien pertenece a la familia Mukherjee-Samarth, una de las más importantes relacionada a la industria cinematográfica de Bollywood.
64 films entre 1945-1946
Nazi Mustafá comenzó con comedias, luego fue el primero en debutar con el cine de aventura.
Este mismo obtuvo un éxito de 200 millones con el romance de Antar y Wahla Egipto Hay que señalar también laabet el sit (el juguete de la mujer) hecho por Wali y Dine Sameh; el aamel (el obrero), de kamel Mursi; Leila Bent el Fogara (Leila, hija de los pobres), de Anwar Wagdi; El naeb el maghoul (el pasado desconocido), de Ahmed Salem; el Gail el guedid (la nueva generación) y Taxi han tour (el taxi) de Ahmed badrakan. Después de la guerra en 1948 la producción disminuyó mucho, el resultado fueron 33 films, murió Kamal Selim, el mejor realizador egipcio, al mismo tiempo que las vedettes Badr Lama y Ashaman. La extensión de la clientela en numerosos países produjo una especie de “cosmopolitismo árabe” que recurrió a actores y asuntos libaneses marroquíes, sudaneses. Los bancos dueños de los estudios aceleraron el ritmo de una producción de bajo costo y multiplicaron as reproducciones de éxitos Hollywoodenses. Finalmente la censura del Rey Faruk acentuó sus rigores con la aplicación de un código instituido por los ingleses en 1914. El Cairo podría proclamarse entonces el “Hollywood” del medio oriente para la comparación era peyorativa en muchos aspectos, comedias y dramas se desarrollaban en salones amueblados con demasiado lujo, entre damas con vestidos de noche y señores de smoking y danzas de vientre en el intermedio. Terminado el reynado del soberano Faruk, la producción se reanudo en 60 films por año, sus límites llegaban hasta la china, partiendo de Dakar. El mejor film de Yussef Chahin, bad el hadid (estación central, 1958) desarrolló un gran sentido del suspenso, una intriga policiaca y psicológica, en el marco de una gran estación, con sus viajeros, sus empleados, sus pequeños oficios. El curso del nuevo cine y de la política en Egipto se había manifestado por diversas tentativas de renovar los asuntos, y esto ya antes revolución que derribó a Faruk, Ibrahim Ezzeldin en Zouhour el Islam, mostró convincentemente los tiempos de Mahoma; Ahmed Badrakan, en Mustafá Kemal, tomó por héroe a uno de los fundadores del nacionalismo árabe. Hussein Sedki, en Yascott el esteimar mostró las luchas contra los ingleses, estos films valían por sus tendencias más que por su realización Maawed mal haya (cita con la vida) de Ezzel Dina Zulficar; Hadret el mohtaram( un hombre respetable) de Abbas Kamel, Anissa Hanafi la señorita Hanfi de Fatin Abdel Wahab.
Desde 1950 el cine egipcio tendría que salir de los salones y de las boites de nuit donde se había encerrado con excesiva frecuencia. Fue en 1960 cuando sus estudios y sus salas fueron nacionalizados en su mayoría. En 1949 existían 71 cines que 32 de ellos eran al aire libre Irak
En 1945 se había instalado un pequeño estudio en Bagdad , antes de 1950 se dirigieron en el 2 films , el primero po un francés y el segundo por el egipcio Kamel Mursi. Después de 1950 se realizaron 3 o 4 films . Said Effendi, dirigido por Husni, fue una realización en estilo Neorrealista, en que a pesar de la pobreza de medios materiales el joven cineasta supo mostrar la vida cotidiana de Bagdad y los titubeos y los pequeños placeres de un funcionario menor, para 1960 el país poesía 200 cines. Arabia Saudita En 1963 esta país aún era una tierra virgen, esto debido a que el Coran prohibía reproducir el hombre en imágenes. En 1965 después de la introducción de la televisión en el país se abrieron salas al público en general. Fue hasta 1962 cuanto tras la retirada del entonces príncipe , se proyectó por fin un Film Egipcio. Jordania El reino hachemita poseía 4 cines en 1940, 16 en 1951 y 24 en 1960, apenas con una entrada por habitante, sin ningún film puesto en escena. Siria En 1962 contaba con un centenar de cines, con una asistencia inferior a 2 entradas por habitante. En 1948 se había construido en Damasco un pequeño estudio, donde se hicieron films exportado a Jordania y Estados Unidos pero no a Egipto. El acusado Inocente de Rachid Gahal, y bajo el cielo de Damasco en 1948-1949 Rachid Chambendar parece haber realizado dos buenos films con El pasante y la luz en la oscuridad
El agua y la sequía de Salah Dehni
1961 con el Valle Verde de Zuer Chawi Líbano Este país fue el más próspero fílmicamente hablando de todo el Asía Menor. Con 2 pequeños estudios en Beirut y el realizador egipcio Hussein Fazzi dirigió allí Arouss min Libaan. El cine africano surgió a comienzos de los años sesenta en un momento de convulsión social que enmarcó los movimientos hacia la independencia de muchos países africanos los africanos tomaron la cámara como medio para combatir los mitos que habían justificado la conquista Al igual que la literatura, el cine africano expresa unos valores culturales y una conciencia nacional propias y estilísticamente está basado en prácticas narrativas orales que rompen con muchos códigos cinematográficos occidentales. El cine se introdujo en África a comienzos del siglo XX, y sirvió como arma de conquista por su persuasión sobre los beneficios del Imperio y como medio de instrucción y evangelización. Cabe destacar el impacto del Bantu Educational Cinema Experiment, que entre 1935 y 1937 realizó, con la ayuda de africanos, unas treinta cinco producciones con comentarios en lenguas locales en las colonias inglesas. Este dio paso a la Colonial Film Unit en 1939 El despertar 1962 es la fecha que se considera da paso al despertar del cine africano, cuando el escritor Ousmane Sembene produjo Borom Sarret, un cortometraje en lengua francesa sobre un dia en la vida de un carretero en las calles de Dakar. La voz de la memoria y del África Rural En 1982 los miembros de FEPACI se reunieron de nuevo para analizar la precaria situacion de la industria cinematografica en Africa. A la falta de recursos y personal cualificado, que hacia que el director realizara multiples funciones y frecuentemente recurriese a actores no profesionales, se unia la dificultad de financiacion, lo cual retrasaba la produccion cine- matografica. A partir de los noventa el panorama cinematográfico africano se diversifica notablemente; muchos cineastas se desvinculan del rol del amateur y rompen con el estilo «canónico» que habían impuesto películas como Yaaba y Waati para ahondar en un África urbana, híbrida y eminentemente moderna. En búsqueda de la diversidad Si la censura habia ejercido un papel importante en la seleccion de peliculas que los africanos podian ver en la epoca colonial, esta resulto aun mas nociva en Sudafrica, donde el cine podia servir los intereses del Apartheid, distorsionando la historia y la imagen tanto del grupo dominante como del dominado Reconquistando el medio: nuevas formas de representación Una de las primeras peliculas criticas del sistema es A Place of Weeping (Darrell Roodt, 1987), en donde un granjero zulu es asesinado por un terrateniente afrikaner tras intentar robar un pollo para alimentar a su familia. Paradójicamente, la primera película sudafricana que se dio a conocer en el extranjero fue The Gods must be Crazy (Jamie Uys, 1981) en la cual un bosquimano que vive en el desierto de Kalahari encuentra una botella de Coca-Cola. La nueva voz del cine africano dista mucho de ser homogénea, ya que presenta múltiples y riquísimos matices que nos pueden dar una visión de algo tan complejo como es África, hayan sido grabados con cámaras caseras o por profesionales, hablemos de cortometrajes, documentales, o gran- des producciones, aparezcan seres de otros mundos o realidades sociales... Lo que sí se puede decir es que los africanos, por fin, han encontrado mecanismos para hacer oír su voz.
Full transcript