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historia del arte

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Andrea Carrero

on 25 May 2010

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IMPRESIONISMO El impresionismo en pintura partió del desacuerdo con los temas clásicos y con las fórmulas artísticas preconizadas por la Academia Francesa de Bellas Artes. Los impresionistas escogieron la pintura al aire libre y los temas de la vida cotidiana. Su primer objetivo fue conseguir una representación del mundo espontánea y directa, y para ello se centraron en los efectos que produce la luz natural sobre los objetos. Se preocuparon más por captar la incidencia de la luz sobre el objeto que por la exacta representación de sus formas, debido a que la luz tiende a difuminar los contornos y refleja los colores de los objetos circundantes en las zonas de penumbra. no negro- se oscurece por complementarios pinceladas pequeñas La adversión al punto del arte tradicional
Orientación realista
Desinterés total por el sujeto
Rechazo a la atelier
Rechazo total al claro-oscuro
Estudio de sombras coloreadas
Evitar, lo poetico y la emocion en el momento


ARTISTAS COURBET
Desarrollando un estilo naturalista aunque adaptado al siglo XIX.
Representando escenas de la vida cotidiana, retratos, desnudos o paisajes.
Siempre rechazó la idealización del arte, proclamando que sólo el Realismo era genuinamente democrático, debiéndose tomar como modelos a los campesinos y trabajadores
Propone lo real-captar el objeto tal y como es.
no interesa el objeto de donde provien. LO que importa es el origen (mujer)


Degas Prefirió trabajar en su taller y no le interesó el estudio de la luz natural que tanto fascinó a aquéllos.
Le gustaban los temas del teatro, por lo que la mayor parte de su obra representa teatros, cafés, teatros de variedades o gabinetes y carreras de caballos.
Trabaja el cuerpo como volumen
Intentaba atrapar las posturas más naturales y espontáneas de sus modelos como las que podían registrarse en las fotografías.


MONET (1840-1926) Llevó a su máxima expresión el estudio de los estados transitorios de la luz natural.
Trabajaba al aire libre, paisajes y escenas de la sociedad burguesa contemporánea.
Buscaba la reproducción de la luz del día por medio de una aplicación libre de colores brillantes.
Aplicaba el color con cortas y vigorosas pinceladas.
Se le da el nombre al movimiento, por su cuadro llamado "IMPRESIÓN".



CÉZANNE (1839-1906) Concibe su pintura como investigación y búsqueda de la verdad.
Trabaja pincelada geometríca.
Color local.
Se interesa por el bodegón y el paisaje.
Exalta los volúmenes.



EL CARTEL MODERNO Llenó las calles de las ciudades españolas de principios del siglo XX con anuncios de bebidas, cacao, cigarrillos, leche para niños, sanatorios para sifilíticos o viajes en trasatlántico, reflejando los gustos, la moda y también los sueños y necesidades de las gentes de aquella época. Pero no es menos cierto que los trabajos cartelísticos desbordaron muy pronto la función publicitaria para la que fueron inicialmente concebidos y pasaron a convertirse en auténticas obras de arte.
La mayoría de los carteles eran producidos en bloques de madera (xilografía) o grabados del metal con poco color o diseño.

El desarrollo del proceso litográfico de tres colores de Cheret abrió una brecha que permitió que los artistas alcanzaran cada color del arco iris con tan sólo tres piedras -generalmente rojas, amarillas y azul - impresas en un registro cuidadoso.
Aunque el proceso era difícil, el resultado era una intensidad notable del color y textura, con sublimación de las transparencias y los matices imposibles en otros medios (incluso hoy día). Esta capacidad de combinar palabra e imagen en un formato tan atractivo y económico, finalmente hizo al cartel litográfico, una innovación de gran alcance. Comenzando en 1870 en París, se convirtió en el medio dominantes de la comunicación de masa en las ciudades de Europa y América. el cartel fue protagonista también de todos los eventos culturales de importancia de la sociedad europea Los carteles holandeses fueron marcados por el orden lineal; los carteles italianos por su drama y escala magnífica; Los alemanes para su franqueza y medievalismo Tipografía, no hay unidad, reflejo dde la ciudad del momento, familias tipografías ALFONS MUCHA Creador y divulgador del estilo Art Nouveau, pionero en la aplicación del arte a la publicidad y uno de los padres del diseño gráfico moderno.
Frecuentemente introducían mujeres jóvenes, hermosas y saludables, flotando en atuendos vagamente neoclásicos, frecuentemente rodeadas de exuberantes flores las que a veces formaban halos detrás de sus cabezas.
Declaró que pensaba que el arte existía para transmitir un mensaje espiritual y nada más.
Diseñó sellos postales, billetes de banco y otros documentos gubernamentales para la nueva nación.( Checoslovaquia) CHERET: Una de las grandes causas del gran éxito de CHERET es la presencia constante de la mujer en sus carteles publicitarios, siempre atractiva e insinuante, que invitaba a la posesión del producto anunciado como si ello conllevara el derecho de poseerla a ella también.
Son composiciones asimétricas de gran dinamismo con cierto aire de erotismo para aquella época.
Son composiciones asimétricas de gran dinamismo con cierto aire de erotismo para aquella época.



FOTOGRAFÍA La necesidad del hombre moderno de plasmar la realidad a través de una nueva forma de ver el tiempo, expresado con la ayuda de las cámaras y no de la expresión artística manual, como había sido hasta la fecha.

Como antecedentes de la fotografía se encuentra la cámara oscura, y las diversas investigaciones sobre la reacción de las sales de plata a la luz, así como a las técnicas artísticas de la figura.
Consistía en una sala cerrada cuya única fuente de luz era un pequeño orificio practicado en uno de los muros, por donde entraban los rayos luminosos reflejando los objetos del exterior en una de sus paredes. El orificio funciona como una lente convergente y proyecta, en la pared opuesta, la imagen del exterior invertida tanto vertical como horizontalmente. La historia de la fotografía se inicia a principios del siglo XIX, cuando en el año 1816 el científico francés Nicéphore Niepce obtuvo las primeras imágenes fotográficas, aunque la fotografía más antigua que se conserva es una imagen conocida como Vista desde la ventana en Le Gras, obtenida en 1826 con la utilización de una cámara oscura y un soporte sensibilizado mediante una emulsión química de sales de plata.

Cuando Niepce comenzó sus investigaciones necesitaba ocho horas de exposición a plena luz del día para obtener sus imágenes. En 1839 Louis Daguerre hizo público su proceso para la obtención de fotografías basado en la plata denominado daguerrotipo, que resolvía algunos problemas técnicos del procedimiento inicial de Niepce y reducía los tiempos necesarios de exposición
NEOIMPRESIONISMO (PUNTILLISMO) Preocupación por el volumen.
Formas concebidas dentro de una geometría de masas puras, bien definidas (pero sin perfiles).
Preocupación por el orden y la claridad.
Retorno a la ordenación meditada del cuadro, aplicando los principios clásicos de la composición.
Aplicación firme del principio de la mezcla optica: los tonos son divididos o descompuestos en los colores básicos puros para que el ojo los restituya en la visión lejana normal.
Utilización de la técnica del puntillismo: los cuadros son pintados mediante pequeñas pinceladas o punteados de colores puros para así lograr la mezcla optica.
Predilección por asuntos como puertos, orillas de rios y escenas circenses (Signac). SEURAT (1859-1891) Le interesó mucho el color, de ahí que estudiara tratados de luz y color.
Estudió delicadamente el tema de la complementaridad de los colores.
Toda la práctica debía estar regida por la observación.
Al observar una obra puntillista, la retina procede a fundir los puntos de color.

SIGNAC (1863-1935) Le obsesionó la idea de llegar a un arte objetivo.
Abandonó las cortas pinceladas del impresionismo para experimentar con los puntos de color puro, científicamente yuxtapuestos, que pretendían combinar entre sí, no mezclarse sobre el lienzo, sino en el ojo del espectador.
Además de pintura al óleo y acuarelas, hizo aguafuertes, litografías, y muchos esbozos a pluma y tinta compuestos de pequeños y trabajados puntos.


El postimpresionismo supone entre otras cosas una recuperación de la importancia del dibujo y de la preocupación por captar no sólo la luz sino también la expresividad de las cosas y de las personas iluminadas. POSTIMPRESIONISMO Interés por la construcción de la forma, el dibujo y la expresividad de los objetos y figuras humanas.
Conciliación entre efecto volumétrico y el gusto puramente estético .
Concepción del cuadro a base de cuerpos rigurosamente geométricos .
Empleo de colores contrastantes para distendir y definir los planos y formas.
Efectos pictóricos basados en búsquedas estructurales, espaciales y cromáticas.
Utilización de colores puros con gran carga emotiva y modulados .
Creaciones imaginativas a base de pinceladas cursivas que intentan expresar la angustia y el desconsuelo interior .
Interés por lo exótico y los bajos fondos .
Creación de composiciones simplificadas y estáticas, buscando la armonía de las masas cromáticas encerradas en perfiles bien ceñidos .
Destacado por el uso tan expresivo que hace del color con tonos fuertes, vivos y muchas veces arbitrarios que dispone en grandes planos delimitados por ritmos lineales curvos. Tiene dos temas preferentes: el mundo exótico de Tahití y el "primitivismo" de Bretaña. Su obra es preferente del simbolismo y su sentido del color influirá en los fauvistas y expresionistas. Renuncia a la perspectiva, suprime el modelado y las sombras e identifica la sensación de plano igual que en las pinturas japonesas.
PAUL GAUGUÍN VAN GOGH Se establece en Arlés entusiasmado por la luz de la Provenza pinta figuras y paisajes de formas serpenteantes y flamígeras que traducen su fuego interior. Es un apasionado del color como vehículo para expresar las frecuentes depresiones y angustias que padeció. Su pincelada es muy característica, sinuosa, cursiva y espesa; los colores son a veces agresivos con contrastes no frecuentes- amarillo sobre naranja TOLOUSE- LAUTRE Nos refleja el ambiente de los salones nocturnos: bailarinas, cantantes y prostitutas son sus modelos. En su técnica el dibujo, la captación del movimiento y la carga irónica y caricaturesca es esencial. Fue el impulsor del cartel. ARQUITECTURA MODERNA Ese concepto de arquitectura moderna o arquitectura contemporánea entendida como algo estilístico y no cronológico, se caracterizó por la simplificación de las formas, la ausencia de ornamento y la renuncia consciente a la composición académica clásica, que fue sustituida por una estética con referencias a la distintas tendencias del denominado arte moderno (cubismo, expresionismo, neoplasticismo, futurismo, etc.).

Pero fue, sobre todo, el uso de los nuevos materiales como el acero y el hormigón armado, así como la aplicación de las tecnologías asociadas, el hecho determinante que cambió para siempre la manera de proyectar y construir los edificios o los espacios para la vida y la actividad humana.
Permite hacer mejores arcos, además permite que el cable de acero otorgue mejores construcciones y se realicen columnas más altas PALACIO DE CRISTAL Una estructura (diseño del constructor de invernaderos Joseph Paxton) de 92,000 metros cuadrados, 33 metros de altura máxima y 564 metros de longitud, construida por cinco mil operarios especializados para albergar la Exposición Universal de Londres de 1851. Es el primer edificio de tales dimensiones que utiliza los nuevos materiales que la Revolución industrial proporciona de una manera eficaz: el acero (previamente utilizado en puentes y otras obras de ingeniería) y el vidrio (que cubría una superficie de vanos de 84,000 m²). Permite la relación de luz interna y externa La primera exigencia de cada edificio es alcanzar la mejor utilidad posible.
Los materiales y el sistema constructivo empleados deben estar completamente subordinados a esta exigencia primaria.
La belleza consiste en la relación directa entre edificio y finalidad, en el uso racional de los materiales y en la elegancia del sistema constructivo.
La estética de la nueva arquitectura no reconoce ninguna diferencia entre fachada y planta, entre calle o patio, entre delante o detrás. Ningún detalle vale por sí mismo, sino como parte necesaria del conjunto. No creemos que algo tenga un aspecto feo y, a pesar de todo, funcione bien. Lo que funciona bien, es bello.
De la misma forma que las partes, en sus relaciones recíprocas expresan la unidad del edificio, también la casa se relaciona con los edificios que la rodean. La casa es el producto de una disposición colectiva y social. La repetición no debe considerarse como un inconveniente que hay que evitar, sino que, al contrario, constituye el medio más importante de expresión artística. A exigencias uniformes, edificios uniformes. La singularidad queda reservada para las exigencias singulares; es decir, sobre todo para los edificios de importancia general y social. CARACTERISTÍCAS PINTURA DEL MODERNISMO Se responde al deseo de superar el academicismo e Impresionismo.
Abandono de lo cotidiano en pro de temas de contenido simbólico-conceptual.
Insistencia en la línea y en el dibujo muy expresivo.
Es una pintura de carácter lineal y bidimensional.
Formas orgánicas.
Formatos alargados y apaisados.
Se recrea en el tema de la mujer, la perversión y el erotismo.
Excesivo decorativismo, que puede adelantar la abstracción.
La línea independiente que avanza hacia el Expresionismo posterior.
Adquieren gran importancia las ilustraciones gráficas, el cartel y la litografía.
GUSTAV KLIMT Estaba a la cabeza de la pintura, hizo murales de cierta envergadura.
Fue muy revelador su viaje a Rávena en 1903, conoció mosaicos bizantinos y una decoración de gran brillantez de color pero antinaturalista.
en sus obras se aprecia un gusto por los fondos dorados y por los diferentes materiales decorativos.
Sus obras tienen valor de icono.
La mujer que aparece en sus temas es la decimonónica mujer fatal, demacrada, enfermiza y mórbida.


ART NOUVEAU Se desligó del Simbolismo en busca de una autenticidad de época.
Es el primer movimiento que se desprende casi por completo de la imitación de estilos anteriores (Renacimiento, Barroco, Neoclasicismo, Romanticismo, etc.) en busca de la identidad de lo urbano y lo moderno, puesto que nacía un nuevo siglo.
Utiliza técnicas que le son propias: la reproducción mecánica, como la xilografía, el cartelismo, la impresión.
Estéticamente resultan imágenes planas, lineales, ornamentales, que se reducen a una economía de medios que las dota de singular belleza, se alejan de la figuración para centrarse en el mero adorno, muy cerca del diseño industrial.
Recurría a líneas sinuosas y composiciones asimétricas.
Los motivos más frecuentes eran flores, hojas y la figura femenina.
Se aplicó al diseño de interiores, joyas, forja, vidrio, cerámica, telas y, sobre todo, a la ilustración, que alcanzó gran popularidad gracias al invento de la litografía.
Se adapta a las circunstancias de la vida moderna, por lo que se halla intimamente ligado a la producción industrial, desarrollándose en dos vertientes: la arquitectura y el diseño gráfico.










EXPRESIONISMO Distorsiona las formas y recurre al uso de colores fuertes y puros, con combinaciones al azar, todo esto con la intención de alimentar sus obras de una desmedida fuerza psicológica y expresiva.
Está presente el uso de las líneas buscando transmitir el ritmo de los sentimientos.
Protagonizan las obras elementos como máscaras y paisajes. Se deja de lado la representación objetiva de la figura humana dando paso a rostros desfigurados y tristes.
Predominan los colores los colores azul, amarillo y verde, contrastando con el blanco y negro.
La angustia existencial es el principal motor de su estética.
Pretende conmover al espectador, para lo que utiliza la figura y el trazo violento.

EDVARD MUNCH Cultiva la curva y la contracurva, dotándola de sentido trágico.
Es pintor del drama humano marcado por sus experiencias vitales.
El tema de la muerte le obsesiona; La muerte la identifica con la mujer.
Le preocupa el tema de las relaciones humanas, tiene una visión negativa de la experiencia vital, de la indefensión humana, de la pequeñez y de la soledad humana.
Su universo es la angustia vital.


En su primera etapa, denominada período oscuro (1878-1885), realiza escenas de interior y marinas, tomando como modelo a los pintores impresionistas. También realiza copias de obras de Rembrandt, Turner o Daumier. Será a finales de los 80 cuando comienza a introducir en sus obras elementos y personajes fantásticos y grotescos, que recuerdan a El Bosco y Brueghel el Viejo. Es también destacable su producción de dibujos y grabados, donde se combina sueño y realidad, algo que parece anunciar la llegada del movimiento surrealista. ENSOR: BAUHAUS
La Bauhaus fue la consecuencia de la inquietud alemana por mejorar el diseño, y actualmente es estudiada como el mayor aporte al diseño, las artes aplicadas y la arquitectura. Fundada en Weimar (Alemania). En 1918, en Weimar, Walter Gropius, al ser confirmado como el nuevo director de la Escuela de Artes y Oficios de Weimar, decide fusionarla con la Escuela de Bellas Artes y formar la Academia de Weimar.


En 1919 toma el nombre de Das Staatliches Bauhaus. El término Bauhaus proviene de las palabras “haus” que significa casa y “bau” que significa construcción. En sus orígenes estuvo basada en los principios de William Morris y en el movimiento Arts & Crafts. En la escuela se buscaba la colaboración tanto de los profesores como de los alumnos para la proyección de trabajos de diseño. La Bauhaus se basó en la experimentación.

Era un centro de enseñanza que unificaba teoría, práctica y actividades artísticas, donde cada individuo, fuese artista o artesano, se integraba mediante su esfuerzo y su trabajo en la obra colectiva. Tenía como finalidad crear artículos de uso cotidiano para ser desarrollados en sus talleres, que serviría para financiar la escuela. De las experimentaciones de la Bauhaus surgieron las primeras investigaciones sobre la estética industrial, lo que la convirtió en un ícono del diseño y la modernidad. Adquirió reputación de haber creado un estilo particular. De los trabajos elaborados en sus talleres se pueden observar diseños que siguen vigentes hasta el día de hoy.

Con el Vorkus, es decir, los cursos preliminares, se originaron nuevos conceptos en la enseñanza, que se implementan aún en la actualidad. Era considerado como la enseñanza base e indispensable para estar en la Bauhaus.

Grandes personajes del diseño, la arquitectura y la pintura componían el cuerpo de profesores de la Bauhaus, entre los que se pueden destacar al suizo Paul Klee, el ruso Wassily Kandinsky y el húngaro László Moholy-Nagy.

En 1925 la Bauhaus se traslada de Weimar a Dessau. En 1928 Walter Gropius abandona la escuela y asume como director Hannes Meyer. Junto con él se implementa una nueva organización de la escuela, compuesta por 4 departamentos principales: el de arquitectura, el de publicidad, el de Acabado (producción de madera y metal) y el de tejidos.

En 1930 la dirección fue asumida por el arquitecto Ludwig Mies van der Rohe , debido a los problemas políticos y sociales por los que atravesaba Dessau en 1932, el nuevo director decide un nuevo traslado, esta vez a Berlín. En 1933 es cerrada por los nazis, produciendo un éxodo de los diseñadores que trabajaban en ella, surgiendo así nuevas escuelas en distintos lugares del mundo (La New Bauhaus).

La Bauhaus reflejaba una estética funcional donde las líneas rectas y la geometría más estricta hallaban su lugar.
En la arquitectura se caracterizó por la ausencia de ornamentación en los diseños, incluso en las fachadas, así como por la armonía entre la función y los medios artísticos y técnicos de elaboración. En 1925 el estilo se tornó aún más funcional e hizo mayor hincapié en la expresión de la belleza y conveniencia de los materiales básicos sin ningún tipo de adorno.

La producción de libros fue más bien monótona, ya que no se hicieron diseños al respecto. En cambio, en el diseño de carteles, periódicos, y otros impresos ocasionales, se genera un gran avance a partir de la experimentación.

La tipografía de la Bauhaus se impuso una nueva apariencia a partir de las de la exposiciones de la escuela. Esta se basaba en los grabados de De Stijl y el Constructivismo ruso, estos anunciaban la reivindicación de la modernidad. Negro, blanco y rojo eran los colores principales. Lo que era significativo para el contenido se destacaba o se subrayaba. La página impresa ya no era simétrica, sino compuesta en equilibrio asimétrico; bloques, bandas y líneas eran ineludibles. Moholy-Nagy, un gran conocedor de la vanguardia constructivista, fue quien la introdujo en la Bauhaus, dando el impulso decisivo a la nueva tipografía.
FAUVISMO El fundamento de este movimiento es el color liberado respecto al dibujo, exaltado de contrastes cromáticos. Los artistas fauves van a jugar con la teoría del color: ésta se va a basar, principalmente, en entender qué colores son primarios, cuáles son secundarios y cuáles son complementarios. Al entender esto, se va a conseguir una complementariedad entre colores, lo que producirá un mayor contraste visual, una mayor fuerza cromática:
Colores Primarios: rojo, amarillo, azul
Colores Secundarios: se obtienen mezclando colores primarios: rojo + azul (violeta); rojo + amarillo (naranja); amarillo + azul (verde).
Complementarios: se entiende por color complementario, el color opuesto a otro: para el verde es el rojo, para el azul es el naranja y para el amarillo es el violeta.
En esta búsqueda tan marcada por el color, van a olvidarse otros aspectos como el modelado, el claroscuro, la perspectiva la va a traducir en el uso de toques rápidos, vigorosos, los trazos toscos y discontinuos, la distorsión, es decir, todo lo contrario, aquello que da la sensación de espontaneidad. Parece como si no supieran pintar, como si hicieran sus obras de cualquier manera.
Otra característica de esta pintura es su intención de expresar sentimiento (algo que ya vimos en su momento con los Nabis). Esto es importante porque tendrá una percepción de la naturaleza y de lo que les rodea en función de sus sentimientos.
El dibujo será un aspecto secundario para estos artistas, sin embargo, Matisse no se va a olvidar de él. También va a destacar un aspecto decorativo y líneas onduladas.
Defienden una actitud rebelde, de transgredir las normas con respecto a la pintura. Buscan, en definitiva, algo diferente, que les haga avanzar en el ámbito artístico.
Con respecto a los temas, van a ser muy diversos: algunos pintarán el mundo rural, otros el ámbito urbano. Los habrá que pintan desnudos, interiores. El aire libre (plein air clara influencia del impresionismo) y la alegría de vivir también van a ser recurrentes para otros. ERIKA BUITRAGO CRUZ
ANDREA CARRERO TOVAR HISTORIA DEL ARTE IV
PEDRO DUQUE CUBISMO: Búsqueda de un nuevo concepto de espacio plástico basado en la bidimensionalidad de la superfície pictórica y lo representado en ella. hicieron una gran crítica al producto de la revolución industrial y desde el punto de vista cubista la producción masiva ha degenerado el arte. están en la búsqueda de un mundo mejor, por lo que otorgan al arte una función social: alivianar la arga industrial. el cubismo es el movimiento más funcionalista de todos.

CARACTERÍSTICAS:

- Rechazo de la figuración imitativa de la naturaleza.

- Concepción formal basada en la recreación intelectual e intuitiva de las cosas.

- Fragmentación de las formas y del espacio en planos interrelacionados por el color y las líneas.

- Eliminación de la perspectiva cónica tradicional (ausencia de profundidad espacial).

- Líneas y planos refractados y representados en negativo-positivo.

- Creación de transparencias.

- Austeridad cromática.

- Sombreado arbitrario. PABLO PICASSO: Picasso se siente fuertemente impresionado por las esculturas africanas expuestas, y la presentación de George Braque hecha por Apollinaire.
El cubismo de Picasso consta de varias fases; la primera es la de "Las señoritas de Aviñón", que bebe del primitivismo y el arte negro africano, pasando a continuación a una pintura con cierta influencia por parte de Cezanne, como por ejemplo "Cabeza de mujer con montañas de fondo" o "Tres mujeres". Hacia 1910 Braque y Picasso comienzan el "cubismo analitico", el más complejo y abstracto de entre todos los periodos del cubismo; la pintura de Braque y Picasso es entonces indistinguible, y lo sería tambien en las diferentes tendencias cubistas, como con el "cubismo sintético", que son los primeros collages en pintura.
caracterizado por el análisis estructural de las formas. caracterizada por la construcción de una composición a partir de abstracciones figurativas divididas.
surge a partir de una técnica nueva de "papiers collés" GEORGE BRAQUE: Existen dos fases en el cubismo de Georges Braque. En una primera época pinta cuadros de superficies superpuestas y planos angulares, componiendo a base de cubos; usaba pocos tonos cromáticos. Después pasó por una fase de "cubismo analítico" (1909-1912), en el que los objetos quedaban descompuestos en facetas hasta el punto de ser irreconocibles. En un tercer momento cultiva el "cubismo sintético", es decir, con unidad compositiva. Impulsa más que Picasso esta tendencia del cubismo sintético.

A la vuelta de la Primera Guerra Mundial Georges Braque desarrolló un estilo propio, con forma unida al color. Representa figuras de gran tamaño. Pinta algún paisaje. Y realiza, sobre todo, multitud de bodegones de estructura similar.

Después de la Segunda Guerra Mundial George Braque pinta cuadros de pájaros y de estudios.



JUAN GRIS: Su cubismo es fundamentalmente sintético y coloreado. Sus composiciones tienen una firme estructura y un ritmo armonioso. Esta mezcla de suavidad y energía la observamos en la ordenación de sus bodegones, realizados a base de planos muy violentos. Los elementos que aparecen son vasos, botellas, diarios, fruteros, pipas, arlequines, elementos musicales. FUNCIONALISMO: FERNAND LÉGER El cubismo de Leger tiende hacia formas de aspecto mecánico y tubular. Le importa la vida cotidiana y el maquinismo de la gran ciudad. En su Partida de cartas, los protagonistas han sido convertidos en una especie de robots metálicos. Seguirán otros cuadros como Los acróbatas, Los cilindros, Las hélices, etc. Sus personajes son vistos con cierto carácter de autómatas. cuando se comenzó a superar el periodo del Art Noveau, surgió dentro de la arquitectura moderna el concepto FUNCIONALISMO, que se fue asimilando hasta al punto de ser inseparable dentro de la arquitectura moderna. Este concepto se basa en la utilización y adecuación de los medios materiales en fines utilitarios o funcionales, que sin embargo puede ser considerado como medida de perfección técnica, pero no necesariamente de belleza.

Las teorías funcionalistas toman como principio básico la estricta adaptación de la forma a la finalidad o “la forma sigue a la función” que es la belleza básica; pero que no es incompatible con el ornamento, que debe cumplir la principal condición de justificar su existencia mediante alguna función tangible o práctica, ya que no es suficiente deleitar a la vista, sino que también debe articular la estructura, simbolizar o describir la función del edificio, o tener un propósito útil. LE CORBUSIER: Le Corbusier constituye probablemente el paradigma más acabado del “maestro de la arquitectura moderna”. Esto se debe no sólo a la fuerza y originalidad de su producción sino - y quizá más aún - a su permanente acción como propagandista y difusor polémico de sus principios. Al mismo tiempo, el énfasis casi mecánico que ponía en todas sus propuestas así como el carácter claramente normativo de aquellas lo han convertido en uno de los padres del movimiento moderno en el que ejerció sin duda la influencia más poderosa sobre sus contemporáneos y sobre las generaciones posteriores.
Principios Conceptuales

- La arquitectura planteada como una creación racional -propia del hombre- a diferencia del mundo de lo natural.
- La separación cartesiana de las funciones: habitar, trabajar, recrearse.
- La tendencia a la concepción de la vivienda como un producto estándard,

Principios Instrumentales

- Los 5 puntos:
- la casa sobre pilotes
- la planta libre
- la fachada libre
- la terraza jardín
- la ventana alargada
- El Modulor como sistema de medidas basado en el hombre
- Los trazados reguladores como herramienta compositiva de las fachadas
- La composición volumétrica a partir de los sólidos elementales;

Wright estudió para ingeniero en la University of Wisconsin en Madison (1885-1887). Al mismo tiempo, ya trabajaba con D. Conover y Joseph L. Silsbee antes de entrar, en 1888, en el despacho de Dankmar Adler y Louis Sullivan, donde se ocupó sobre todo de edificios para viviendas y especuló con independizarse pronto. Ya en 1889 montó un estudio en Oak Park, un barrio de Chicago.

En una fase de pocos encargos resumió su concepto del urbanismo bajo el título “Broadacre City” (1932), un modelo de ciudad llana habitada por hombres motorizados. Uno de sus trabajos geniales es la Casa “Fallingwater” (Casa de la Cascada) en Pennsylvania (1935-1939), construida en una roca sobre una catarata. Con la llamada Usonian House, y teniendo en cuenta la crisis económica mundial, Wright desarrollo un nuevo tipo de casa baja y barata, que realizó en variaciones diversas. Usonia fue para Estados Unidos sinónimo personal de Wright.

Diseñó más de 800 edificios y, en numerosos artículos y publicaciones, como los de la revista Architectural Record que tituló “In the Cause of Architecture”, así como en los libros When Democracy Builds (1945), The Future of Architecture (1953) y The Living City (1958), formuló sus ideas de una arquitectura orgánica en unos Estados Unidos democráticos.


FRANK LLOYD WRIGHT: WALTER GROPIUS: Al finalizar la guerra, y a propuesta de Henry van de Velde, Gropius fue nombrado director de la Groherzogliche Kunstgewerbeschule de Weimar, y de la Groherzogliche Hochschule für bildende Kunst. De estos centros de formación creó Gropius la Staatliches Bauhaus, en 1919. Cuando la institución tuvo que cambiar de lugar, Gropius proyectó otro complejo de edificios para el Bauhaus en Dessau (1925-1926). La idea básica era diseñar edificios que correspondiesen a las funciones primordiales de la escuela, y comunicarlos unos con otros. Se construyeron además viviendas para los docentes y el director (1925-1926).

Principios conceptuales

Generar la convergencia de las fuerzas de vanguardia en un movimiento unitario que sea capaz de atacar toda la producción edilicia y modificar totalmente el ambiente en el cual el hombre vive y trabaja.
Promover -para el logro de dicho objetivo- la síntesis de todas las artes y la abolición de la antinomia entre artesanía e industria, postulando a ambas como polos complementarios en la producción de dicho ambiente.
Plantear la conexión sustancial entre la forma y la función, es decir, no contraponer las exigencias funcionales a las formales dentro del viejo sistema de valores, sino ver las unas y las otras integradas bajo un nuevo punto de vista.
Generar una arquitectura que “simbolice el espíritu de los tiempos modernos”.

Principios instrumentales

La composición a partir de volúmenes macizos, pero articulados libremente sobre el terreno.
La absoluta libertad en el planteo de los aventanamientos, desvinculando a las ventanas de toda relación proporcional con las fachadas y atendiendo sólo a la expresión de las funciones interiores.




FUTURISMO: Gira en torno a la figura de Marinetti, quien publica en el periódico parisiense Le Figaro el 20 de Febrero de 1909 el Manifiesto Futurista. Proclama el rechazo frontal al pasado y a la tradición, defendiendo un arte anticlasicista orientado al futuro, que respondiese en sus formas expresivas al espíritu dinámico de la técnica moderna y de la sociedad masificada de las grandes ciudades.
El futurismo fue llamado así por su intención de romper absolutamente con el arte del pasado, especialmente en Italia, donde la tradición artística lo impregnaba todo. Quieren crear un arte nuevo, acorde con la mentalidad moderna, los nuevos tiempos y las nuevas necesidades. Para ello toma como modelo las máquinas y sus principales atributos: la fuerza, la rapidez, la velocidad, la energía, el movimiento y la deshumanización. Dignifica la guerra como espacio donde la maquinación, la energía y la deshumanización han alcanzado las máximas metas.



CARLO CARRÁ: Se Interesó por el divisionismo de Seurat y su evolución posterior lo llevó hacia la pintura metafísica.
Funeral del anarquista Galli.

El movimiento futurista falleció con la Primera Guerra Mundial, sus miembros se fueron dispersaron en varias direcciones. El futurismo fue un paso más en la marcha del arte contemporáneo en su proceso de desintegración de la forma y el eslabón inmediato al dadaísmo y al surrealismo.

MARCEL DUCHAMP: Artista francés, pintor cubista y futurista que se inclinó posteriormente hacia el Dadaísmo. Su influencia fue crucial para el desarrollo del surrealismo, el dadá y el Pop Art.
asta 1911 explora todas las propuestas pictóricas modernas de su época (posimpresionismo, fauvismo y cubismo) empezando a hacerse notorio.En el campo de la escultura fue pionero en dos de las principales innovaciones del siglo XX, el arte cinético y el arte ready-made. Este último consistía simplemente en la combinación o disposición arbitraria de objetos de uso cotidiano, tales como un urinario o un portabotellas, que podían convertirse en arte por deseo del artista. Su Rueda de bicicleta (el original de 1913 se ha perdido, tercera versión de 1951, Museo de Arte Moderno, Nueva York), uno de los primeros ejemplos de arte cinético, estaba montada sobre una banqueta de cocina. Su periodo creativo fue corto y después dejó que fueran otros los que desarrollaran los temas que él había ideado, aunque no fue muy prolífico, su influencia fue crucial para el desarrollo del surrealismo, el dadá y el Pop Art. En 1955 Duchamp se nacionalizó estadounidense





JINETE AZUL: “El jinete azul” es, además de una obra extraordinaria por el manejo de la luz y el color, y la simpleza con la que se consigue el contraste entre el movimiento del jinete y el estático paisaje de fondo, el nombre de una editorial que agrupaba a alguno de los principales pintores expresionistas como Franz Marc o el propio Kandinsky. “El jinete azul” no era ni un movimiento ni una escuela. Más bien se trataba del punto de encuentro de varios artistas descontentos con el devenir del movimiento “Die Bruke” (El Puente). “El Jinete Azul… La suerte está echada”, escribiría Franz Marc. Una suerte que concluiría cuando la Primera Guerra Mundial dispersaría a sus protagonistas.
promueven la relación espiritual con el arte, por lo que el garabato y el impulso eran factores importantes dentro de su obra, y resultado del trabajo con niños, decían que se debe limpiar el espíritu como el de un niño, y que el arte no debe ser representativo, debe ser como ellos lo denominaron "improvisación" para crear una reacción en el espectador
PAUL KLEE: Kandinsky es uno de los nombres propios de la pintura del siglo XX, ya que tradicionalmente se le considera el creador de la abstracción. No obstante, sus primeras obras, como la aquí comentada, son tremendamente interesantes por constituir un puente entre el postimpresionismo y el expresionismo. De hecho, Kandinsky siempre se sintió impresionado por la obra de Claude Monet. Contemplando uno de sus "almiares" en una exposición en Moscú, comentaría: "Y de pronto, por primera vez, vi un cuadro. Leí en el catálogo que se trataba de un montón de heno, pero yo no podía reconocerlo (…) Me di cuenta de que faltaba el objeto del cuadro (…) Lo que tenía perfectamente presente era la insospechada y hasta entonces oculta fuerza de la paleta”

WASSILY KANDINSKY En 1911 entró en contacto con el grupo del Blaue Reiter (El caballero azul), lo que le permitió conocer a sus creadores, V. Kandinsky y F. Marc, así como a Kubin y a Macke, con quienes expuso al año siguiente en Berlín. En París se relacionó con Delaunay y el clima cubista y centró definitivamente su interés en el movimiento y el tiempo, la luz y el color (en los que influyó notablemente su viaje a Tunicia, en 1914, con Louis Moilliet y Macke), con primacía sobre los valores psicológicos de las formas. Su vida de recogimiento espiritual dio como resultado una prolífica obra.

En 1920 ingresó en la Bauhaus de Weimar, donde fortaleció su método de análisis, y en 1924, junto con Kandinsky, Feininger y Jawlensky, formó el grupo de los Blaue Vier (Los cuatro azules). Las obras realizadas durante este período están repletas de imágenes misteriosas y de zonas cromáticas acompañadas de tenues signos gráficos

SUPREMATISMO: Después de trabajar a la manera del futurismo y del cubismo, Malevich creó una abstracción geométrica elemental que era nueva, no objetiva y pura. Rechazaba tanto la función utilitaria como la representación gráfica, ya que Malevich buscaba "la expresión suprema del sentimiento, sin buscar valores prácticos, ni ideas, ni la tierra prometida". Pensador lógico con un conocimiento lúcido, Malevich se dio cuenta de que la esencia de la experiencia artística es el efecto perceptivo del color. Para demostrarlo, en el año 1913 Malevich expuso un cuadrado negro pintado sobre un fondo blanco. Afirmaba que el sentimiento evocado por este contraste era la esencia del arte.

El movimiento fue acelerado por la Revolución, pues se concedió al arte un rol social que raramente se asignaba. Los artistas revolucionarios se habían opuesto al viejo arte. CONSTRUCTIVISMO: El referente inicial del movimiento está en las primeras investigaciones sobre soporte escultórico que realiza Tatlin influido por el cubismo de Picasso, que contempla en París en 1913 y 1914.

La consecuencia inmediata, a su vuelta a Rusia, es la construcción de una serie de maquetas en madera, metal, cartón y vidrio, sin referencia posible al entorno objetivo. Desaparece lo anecdótico en busca de la pureza del arte y adquieren protagonismo las formas geométricas y el espacio frente a la masa. El resultado es un conjunto de fuerzas dinámicas en tensión e interdependientes que se definen como constructivistas. Rodtchenko se une a las exploraciones escultóricas abstractas de Tatlin en 1916, Gabo y Pevsner lo hacen en 1917, mientras Exter y Popova se incorporan con la pintura. El constructivismo toma carta de naturaleza en el contexto de la Rusia postrevolucionaria; pero el sistema político impone el sentido práctico. La palabra "constructivismo" parece que se empieza a utilizar por vez primera cuando Gabo y Pevsner publican el Manifiesto realista (1920), que inicia la separación del movimiento en dos tendencias. Una de carácter utilitario, liderada por Tatlin, que entiende la labor del artista al servicio de la revolución en el campo de la ingeniería y el diseño, y otra de naturaleza estética que defiende la libertad de creación y llega a Europa en 1921 y 1922, cuando los dos autores del manifiesto se instalan en Berlín y París, respectivamente. GRUPO DE STIJL: “De Stijl” era el título de una revista dedicada a las artes plásticas. Fundada por un pequeño grupo, esta revista reuniría a un número de artistas que compartían ciertas ideas y actitudes, y vendría a constituir un foro donde se discutiría el camino que el arte moderno iba a seguir. Este nuevo arte no pretendía ser reproductivo, ilustrativo, anecdótico, tal como lo había sido hasta entonces el arte tradicional. Quería ser comprensible a partir de sí mismo, sin referencia del mundo de los objetos ni a la reproducción figurativa. El racionalismo formal de Stijl está basado en un amplio programa artístico. A partir de los elementos fundamentales de las artes plásticas se pretendía configurar un nuevo mundo ideal.

Es importante destacar a los diferentes artistas la cual estuvieron asociados a De Stijl, como es el caso de los pintores Piet Mondrian, Bart Anthony van der Leck y Friedrich Vondemberge-Gildewart cabe mencionar al pintor y arquitecto Theo van Doesburg (fue quien propuso la fundación de la revista “De Stijl”), el diseñador de muebles y arquitecto Gerrit Rietveld, a los räder. DADAÍSMO:

Dadaísmo definición : Movimiento de rebelión que entre 1915 y 1922 se manifiesta como un revulsivo frente a la demencia general de la humanidad enfrascada en la Primera Guerra Mundial. Dada significa caballito de juguete. Estos pintores reclaman la intuición irracional y la libertad creativa del artista. (casualidad). El arte se confunde con la vida y la vida se ha de convertir en constante manifestación artística. Las características comunes de estos pintores viene a ser la rebeldía, su capacidad de negación y la irracionalidad. Son inconformistas y subversivos. El más destacados de estos pintores es Marcel Duchamp.
Expresión irónico-satírica de los valores artísticos establecidos por la tradición y también por la vanguardia fauvista y expresionista (actitud anti-arte).

Integración de técnicas distintas con empleo de fragmentos de materiales ( collage y décollage) y objetos de desecho cotidiano.
Niega el Arte, despreciando lo retórico y academicista y cualquier canon impuesto.
Protesta contra todo convencionalismo volviendo a lo instintivo e irracional (lo absurdo, el sinsentido y el azar establecen la identidad entre el arte y la vida). Feísmo.
Liberación del subconsciente (se produce una transición al surrealismo y al arte semi-abstracto).
Motivaciones de disociación.
Auge del disparate.
Expresión libre de la forma artística: todas las cosas de la realidad pueden ser objeto artístico (Marcel Duchamp crea sus ready-mades ).
Eliminación de la composición clásica.
Temática en la que predominan los mecanismos absurdos ("antimecanismos" que desarrollan una visión irónica de la máquina, de las cualidades a ella asimiladas y de la creciente importancia de lo mecánico en la sociedad moderna de la época).
Utilización de nuevas técnicas: el fotomontaje, variante nueva del collage introducida por R. Hausmann, realizado a base de imágenes multiplicadas y superpuestas, tomadas de periódicos, revistas y anuncios; y el "merz" o collage dadaísta (desarrollado por K. Schwitters) a base de materiales de desecho de todo tipo y estado.



ready-made: El ready-made es un concepto difícil de definir incluso para el propio Duchamp, que declaró no haber encontrado una definición satisfactoria. Es una reacción contra el arte retiniano, esto es, el arte visual, por contraposición a un arte que se aprende desde la mente. Al crear obras de arte a partir de objetos simplemente eligiéndolos, Duchamp ataca de raíz el problema de determinar cuál es la naturaleza del arte y trata de demostrar que tal tarea es una quimera. En su elección, Duchamp trató de dejar al margen su gusto personal; los objetos escogidos le debían de resultar indiferentes visualmente, o retinianamente. Por esta razón limitó el número de ready-mades a crear. Sin embargo sabía que la elección es una manifestación del gusto propio. A este respecto declaró que fue un «jueguecillo entre mi y yo
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