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Historia del teatro oriental

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José Luis Muñoz Sáenz

on 19 May 2014

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Transcript of Historia del teatro oriental

El teatro oriental en general —de la India, China, Japón y el Sureste asiático— tienen ciertas características en común que lo distinguen claramente del teatro post-renacentista occidental.
Desde el punto de vista del público, el teatro es participativo, aunque el público no toma parte en la representación, pero el mero hecho de ir al teatro es una experiencia compartida. Las actitudes y las expectativas pueden diferir de las del espectador occidental.
El teatro oriental, como otros aspectos de la cultura oriental, fue conocido en occidente a finales del XIX.
Ejerció cierta influencia sobre las ideas de interpretación, composición de guiones y puesta en escena de algunos simbolistas, de Strindberg, de Artaud, del director ruso Vsiévolod Meyerhold y del director alemán Max Reinhardt así como sobre otros muchos. HISTORIA DEL
TEATRO ORIENTAL TEATRO INDIO Y DEL SURESTE ASIÁTICO El teatro indio en sánscrito floreció en los siglos IV y V. Las piezas, complejas y épicas, estaban estructuradas sobre la base de nueve rasas, o humores, más que en los personajes, ya que el eje de las obras eran las cuestiones espirituales.
Uno de los principios estéticos fundamentales en la India es el Sadrisyam o “Ciencia de las comparaciones”, en base al cual se enseña al artista: “ a relacionar un bucle de una bailarina con una serpiente o los pies de las diosas con los lotos”
el cuerpo humano se convierte en un microcosmos que supera y trasciende la simple estructura fisiológica, de tal suerte que cuando un artista compara el rostro de la
luna con el de su amante: “lo hace por la sensación deliciosa que le sugieren
ambos resplandores y no su semejanza formal”. es un estilo de danza teatro clásico de la zona de Kerala, al sur de la India. En ella los cantantes narran leyendas hindúes (provenientes delMahabharata, del Ramayana y del Bagavata Purana) que los bailarines/actores personifican en escena mediante un complejo lenguaje de nrta (pasos de danza), mudras (gestos de las manos) y navarasya (expresiones del rostro). Por la tradición, el kathakali se ejecuta en festivales que duran toda una noche en los templos hinduistas. KATHAKALI WAYANG KULIT es un teatro de sombras protagonizado por marionetas, tradicional de Indonesia y Malasia. La UNESCO lo declaró Patrimonio Oral e Intangible de la Humanidad el 7 de noviembre de 2003. El término wayang se emplea a menudo en este contexto para referirse a las marionetas utilizadas.

Las marionetas tienen brazos móviles, y suelen construirse en cuero. El intérprete,
que recibe
el nombre de dalang1 se encarga de manejarlas, ponerles voz y dirigir al grupo musical. PERSONAJES es una forma de teatro sánscrito tradicional del estado deKerala, en India. Es interpretada en lenguaje sánscrito en templos hindú desde hace más de 2000 años. Es reconocida oficialmente por laUNESCO como una de las Obras Maestras del Patrimonio Oral e Intangible de la Humanidad.
Māi Mādhava Chākyār (1899 - 1990) es considerado como el máximo exponente de esta danza en los tiempos modernos. Kutiyattam
Las marionetas caracterizan en su construcción, y luego en el rol que les hace jugar el dalang, diferentes personajes, que suelen clasificarse en siete tipos:
Halus (refinados).
Gagah (vigorosos).
Gusen (toscos).
Putri (mujeres).
Danawa (ogros).
Wanara (simios).
Dhagelan (payasos).
Además existen marionetas que personifican al árbol de la vida (kayon), animales diversos y objetos como espadas, flechas, dagas, cartas, entre otros.
Entre los distintos tipos difiere no sólo la forma, sino también el tamaño: así los danawa suelen ser las marionetas de mayor tamaño y las putri las más pequeñas es una forma tradicional de danza-teatro del norte de Malasia, en particular del estado de Kelantan. La misma fue prohibida en 1991 por el Partido Islámico Pan-malasio debido a sus raíces animistas e hindú-budistas. En el año 2005 la UNESCO declaró al Mak Yong como una Obra Maestra del Patrimonio Oral e Intangible de la Humanidad. El fallecido Cik Ning fue uno de los principales artistas de Mak Yong durante la década de 1980.
El espectáculo comienza dando respeto a los espíritus (Semah kumpung) con una ofrenda. Esto es seguido por el baile, actuación y diálogos improvisados. Las historias se presentan en una serie de actuaciones de tres horas de duración a lo largo de varias noches. La bailarina protagonista se denomina yong pak y se viste como un rey. El elenco incluye generalmente una reina como co-protagonista, niñas palacio y bufones.
Como ocurre con muchos otras antiguas formas de teatro, se utilizaba para propósitos curativos, el Mak Yong para curación se llama mak puteri e implica el baile, trance y posesión de los espíritus. Está estrechamente vinculado a otro método de curación tradicional llamado pateri. MAK YONG El teatro chino empezó a desarrollarse en el siglo XIV; era muy literario y tenía convenciones muy estrictas. Desde el siglo XIX, sin embargo, ha sido dominado por la ópera de Pekín. En ella se da una importancia primordial a la interpretación, el canto, la danza y las acrobacias más que al texto literario. Los trajes casi invariablemente, son caros y lujosos. Las máscaras y el maquillaje son de una imaginación ilimitada. Desde el punto de vista occidental, resaltar la extravagancia de la escenificación. Un hombre vestido de negro o azul y por tanto supuestamente invisible, coloca sillas para representar montañas, arreglar los pliegues de la túnica del protagonista, esparce trozos de papel para sugerir una violenta tempestad de nieve, o deja caer una pelota roja para indicar que han decapitado a alguien. La música se emplea casi constantemente y la satisfacción visual se obtiene mas de la infinita habilidad y belleza con la que se representarla pantomima altamente convencional, que de los conflictos emocionales, de las ideas o de la solución inesperada. TEATRO CHINO también conocido como Kunju, ópera Kun u ópera Kunqu, es una de las más antiguas formas existentes de la ópera china. Evolucionó desde la música Kunshan, y dominó el teatro de China desde el siglo XVI hasta el XVII. El kunques originario del área cultural de Wu, y existen grupos profesionales establecidos en Nankín, Shanghái y Suzhou.
La ópera Kun Qu se desarrolló bajo la dinastía Ming (del siglo XIV al XVII) en la ciudad de Kunshan, situada en la región de Suzhou, al Sureste de China. Hay que buscar sus raíces en el teatro popular. El repertorio de cantos se fue imponiendo poco a poco como un arte dramático principal. El Kun Ku es una de las formas más antiguas de ópera china presentes hoy día. KUNQU El teatro japonés es quizá el más complejo de Oriente. Sus dos géneros más conocidos son el teatro nô y el kabuki. Nô, el teatro clásico japonés es estilizado; la síntesis de danza-música-teatro extremadamente controlada intenta evocar un ánimo particular a través del relato de un hecho o historia. Está muy relacionado con el budismo Zen. El apogeo del nô tuvo lugar en el siglo XV. TEATRO JAPONÉS BUNRAKU es el nombre genérico por el que es conocido el teatro de marionetas japonés Ningyō jōruri (marionetas e historias contadas) Es como la unión de tres disciplinas escénicas distintas, las marionetas (ningyō), la recitación (jōruri) a cargo del recitador (tayū) y la música del shamisen, este instrumento de cuerda japonés que se ve en la ilustración que sirve para crear el espacio sonoro y genera el clima o ambiente durante la representación como un elemento más y no sólo como un mero acompañamiento.
El origen no se conoce con exactitud. Parece ser, que una vez mas, está vinculado su nacimiento a los rituales religiosos y se usaban como vehículo de plegarias a los dioses. De ahí la figura tan repetida del manipulador como médium poseído por un dios, es estado de trance. Las marionetas son de lo más interesante, gracias a su extraña delicadeza poco humana, como un extra de sensibilidad.

Su tamaño suele oscilar entre el metro treinta y el metro cuarenta. Realmente hasta el siglo XVIII no se alcanzó su complejidad técnica y tamaño. Las originarias chinas ayudaron a este perfeccionamiento. En su origen (siglo VI) eran pequeñas y estaban manipuladas por una sola persona.
Al decir que estaban manipuladas por una sola persona quiero resaltar que normalmente una marioneta es accionad por tres manipuladores que son entrenados durante años duramente. Las obras, que serían comparables a nuestro drama burgués se dividen en tres tipos principales:

Jidaimono: historias sucedidas en la antigüedad, relativas a fantasmas, batallas, amor, generales Genji... una de las más representadas se llama Yoshitsune y los mil cerezos

Sewamono: sobre la vida popular de temas contemporáneos. Los amantes suicidas de Senezaki es otra de las favoritas

Keigoto: obras de baile
Las representaciones suelen tener, puesto que forman parte la cultura teatral actual, una duración de entre 4 y 5 horas. El kabuki data del siglo XVI y es más popular en estilo y contenido. Otros géneros dramáticos japoneses son el bugaku, un refinado teatro danzado, así como un teatro de marionetas o muñecos llamado bunraku, en el que los intérpretes sobre el escenario manipulan unas marionetas casi de tamaño natural. Todas las formas dramáticas se apoyan en el ritual, la danza y la tradición KABUKI
El escenario y el teatro

Primero que todo hablemos del escenario Kabuki y del teatro. Como se mencionará más adelante estos dos comenzaron como una imitación al teatro Noh, y fueron desarrollados y modificados a través de varias etapas de acuerdo con la evolución de la forma y el contenido de las obras, y hacia finales del siglo XVIII finalmente dejaron atrás las influencias del Noh alcanzando así su forma y construcción final.

Las características más importantes del escenario son el hanamichi (lit. camino de las flores o pasarela de las flores) y el escenario giratorio.

El Escenario Giratorio y otros Detalles.
Además de ser un recurso que permite girar partes de la escenografía, el escenario circular (o giratorio) tiene una gran importancia ya que facilita el cambio de escena sin cerrar la cortina y es usado en ocasiones para enfatizar el contraste entre una y otra escena. EL ESTILO Y BELLEZA DEL KABUKI La importancia de los actores es particularmente grande en Kabuki. La etimología de la palabra japonesa para actor, yakusha, se refiere a aquellos que interpretan personajes en los festivales dedicados a deidades Shintoístas o Budistas. Gradualmente las personas que interpretaban danzas y obras en festivales llegaron a ser llamadas yakusha y con el tiempo la palabra se convirtió en sinónimo de actor.

los actores Kabuki eran llamados kawaramono o kawarakojiki (mendigos o personas de las riveras de los ríos) y durante el período Edo estaban en el nivel más bajo de la sociedad la cual estaba compuesta por guerreros, agricultores, artesanos y comerciantes. En la realidad sin embargo eran apreciados por las masas de Edo ya que ellos crearon muchas de las modas que eran muy populares entre la gente. El Bajo Nivel Social y su Popularidad La descripción hecha por Artaud del teatro Balines en su libro "El teatro y su doble" posee una subjetividad en la cual se entiende al autor anonadado y maravillado por lo visto y lo expone como argumento frente a su teoría de una cultura occidental que tiraniza e impone formas de pensar.
No da descripciones precisas del teatro balines, sino mas bien viserales, que se entienden como parte de la búsqueda del autor en cuanto a posesionar al teatro como una terapia que ayudaría al hombre a salir de su represión. TEATRO BALINÉS DE
ARTAUD Comendiantes Rey Anciano Protagonistas MÁSCARAS
Se trata de un drama lírico japonés que tuvo su apogeo en el siglo XVII, época en que datan los primeros textos impresos, atribuidos a Kwanami y a su hijo Zeami (ambos de comienzos del siglo XIV). El Nō procede de las danzas rituales de los templos, de las danzas populares, de los escritos budistas y de la poesía, mitología y leyendas populares japonesas y chinas.
TEATRO NÔ Sarugaku y Dengaku

Hasta el siglo XIV, el nō era conocido como Sarugaku no nō, o simplemente sarugaku. Este último término proviene de sangaku que designa toda la gama de artes del espectáculo, incluida la acrobacia, el malabarismo, la prestidigitación y la pantomima, importada de China. Progresivamente la pantomima cómica se convirtió en la principal atracción produciendo el cambio de nombre (sarugaku puede ser entendido como espectáculo de mímica).

Durante la misma época, las tradiciones y los ritos campesinos habían dado nacimiento al dengaku, conjunto de bailes y rituales destinados a asegurar buenas cosechas y apaciguar a los malos espíritus que eran efectuadas principalmente en los períodos de las cosechas de arroz. HISTORIA
El nō, junto a sus protectores, casi desapareció durante la era Meiji y aunque había perdido el apoyo gubernamental, recibió junto al kyōgen el reconocimiento oficial como dos de las tres formas nacionales de drama. El nō volvería en gracia y majestad a partir de 1912, siendo en esta época, cuando se comienza a utilizar el término nōgaku, para designar el conjunto formado por el nō y el kyōgen, construyéndose además las primeras salas exclusivamente dedicadas a este arte.

De nuevo amenazado, inmediatamente después de la Segunda Guerra Mundial, el nō consigue sobrevivir y constituye en el siglo XXI una de las artes tradicionales más establecidas y mejor reconocidas. El nō fue la primera forma de arte dramático en inscribirse, en 2001, en la lista representativa del Patrimonio Cultural Inmaterial de la Humanidad de la Unesco como parte del nōgaku, conjuntamente al kyōgen.
Dramaturgia
HACIA EL N
CONTEMPORÁNEO ô
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