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Les oreilles de Poisson

Une Discothèque Digitale
by

Franck POISSON

on 30 July 2015

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Transcript of Les oreilles de Poisson

Les Poisson ont aussi des oreilles

Building Massing Characteristics
Design Process of Building + Lighting
People enter the 111′x111′ square library from the ground floor and climb up a grand set of stone stairs to the first floor.

From the first floor, one can immediately perceive the relationship of the reference area, circulation desk, and book stacks. Kahn found this aspect to be important so that visitors can easily understand the plan of the building upon their entrance.

With the circulation desk on the first floor instead of the ground floor it is evident that service took priority over security

The upper floors contain book stacks for 250,000 volumes, a student computer lab, a viewing area for videotapes and DVDs, listening areas for music, offices for use of faculty members, and 210 specially designed study carrels for students

On these floors are approximately 450 different seating types scattered among the building in different rooms, such as some lounges and on a terrace that encircles the building along the exterior of the fourth floor.

He also used stone and slate in the interior, and finished certain aspects of the library in natural wood. The wood contrasted the stone by giving the spaces a sense of warmth and a glow that welcomed readers when the natural light flooded upon this natural material.

Kahn puts the books on display, but at the same time protects them behind concrete from damaging sunlight.
Ma Discothèque Virtuelle

Geometrical Lighting Design
Bienvenue
Si les Poisson n'avaient pas d ' oreille, pourquoi écouteraient-ils de la musique aussi souvent ?
Pourquoi achèteraient-ils des disques, à la recherche de nouveaux artistes à découvrir ?
Pourquoi construiraient-ils cette discothèque virtuelle, où sont classées de multiples compilations ?

Vous trouverez ici une centaine de ces albums. Ils sont répertoriés selon les dix catégories suivantes :
1 - Musique classique
2 - Soul / Disco / Funk
4 - Genres divers (blues, country, folk, rock... )
3 - Jazz
5 - World Music (Bossa Nova brésilienne, folk irlandais, Reggae jamaïcain...)
6 - Musique électronique
7 - Variétés par décennie
8 - Compilations par artiste francophone
9 - Compilations par artiste international
10 - Compilations diverses / Mélanges

Chaque album est conçu pour tenir sur un ou plusieurs CDs de 80 minutes, en fonction des morceaux effectivement disponibles sur l ' ordinateur familial. Chacun comporte une pochette « maison », un texte explicatif retraçant le contexte ou l’historique du thème choisi ainsi que le détail des morceaux le composant (Tracklist).

Le but de cette discothèque digitale est d'aider à la découverte d'artistes, de les situer dans leur contexte et d'établir des passerelles entre eux. Elle n'est pas parfaite et n'est évidemment pas exhaustive. Mais elle s'appuie sur mon expérience et sur un peu de recherche documentaire. A chacun d'y trouver ce qui l'intéresse.
This main floor reaches 70 feet in height and soaks in natural light from a clerestory at the top of this space and from large expanses of glass on the north and west sides.

Light plays a symbolic role here. Light shines from overhead through clerestory windows and past two concrete beams that intersect to form a large “X.” These cross beams tie together the four walls and add another geometric form – the triangle – to the circle and square.

The "x" is essential to the visual stability of the central hall and act as a barrier as well as a diffuser for the natural light penetrating the windows. These different qualities and intensities of light represent the different forms of learning, different stages of knowledge acquisition, that Kahn found integral to the library’s meaning.
The Basic Design
Kahn distinguished between the direct light and indirect light.

The direct light or “white light” streams in through the windows onto the study carrels and tables while the indirect light or “blue light” which filters down from the top of the central hall.

Khan believed that the blue light dramatized the students encounter with knowledge just as the physical display of the books in the bookstacks dramatize the library’s nature as a storehouse of knowledge.

The stacks, by the way, are standard institutional metal shelves, with a capacity for 250,000 volumes, and are lit by fluorescent lights, although daylight from the large exterior windows and the clerestory windows does reach this area.

The windows on the side provide light for the interior reading areas and mezzanine-level study carrels.
Lighting Design
Lighting Design
Light is critical, both symbolically and functionally.
The library layout is a square plan of three zones:
Outer brick zone (brick doughnut)- load bearing masonry structure
the brick walls also serve rhetorically to convey in part the “spirit” of the library
Interior entrance hall atrium.
Adjacent concrete zone (concrete doughnut)- reinforced concrete that shapes atrium
Fenestration and brick work together in order to suggest that the library provides a learning environment for the individual as part of a greater community.
“importance of an individual’s private and public life, the interconnections between each realm, and the relationship of both to a spiritual existence” [Kohane 1990: 99].

the library sits along the side of the quad Instead of being sited at the center of campus, “protruding into the green space without respect for the existing building line ...
– if the library were to be positioned to the center it would have reinforced the importance of structural and the ascension “spirit” to the university.
instead, the library's placement ignores the existing building lines as it protrudes from the green space on the quad.
this disrupts how students move along the quad, which results in them having to walk around the library

One is pulled in from all directions, but there is only one main entrance –
the confusion that stirs from the hidden entrance is overcome by the symbolism of discovery
1
2
3
1
2
3
Aux sources du Reggae

Bien avant Malcolm X, des militants afro-américains revendiquent leur identité afro-américaine. Ce courant de pensée va peu à peu évoluer pour donner naissance au Rastafarisme dont le retour aux origines africaines est un des fondements. Le Reggae, genre qui découle du Ska créé dans les années 60 à Kingston, est le principal vecteur de cette revendication.


Une lutte pour exister

Les Anglais annexent l'Irlande dès le XIIème siècle. Pour conserver leur identité et leur patrimoine culturel, les Irlandais vont perpetuer le folklore musical de génération en génération. Avec les exodes et la fin de la colonisation anglaise, la tradition musicale irlandaise se propage et se maintient en vie,


D'une musique élitiste à la culture de masse

Que de chemin parcouru depuis les 1ers enregistrements électroniques dans les années 60 pour arriver aux DJs actuels. En Europe comme aux Etats-Unis, la musique évolue au même rythme que la technologie.


Chanteur de droite

Michel Sardou est un chanteur souvent qualifié de macho et réactionnaire. C'est aussi un artiste qui s'interroge sur sa foi, sur le temps qui passe et sur la vie quotidienne. Voici une sélection thématique de titres plus ou moins connus du "Chanteur de Droite" (dixit Dider Wampas).


Ultimate Electric

Quel est le point commun entre Dusty Springfield, Liza Minelli, Robbie Williams, les Village Poeple, U2 et l'Orchestre Symphonique de la BBC ? Les Garçons de l'Animalerie !


Candy Box

On part au début des années 90 d'un Boys Band pour ados pour arriver vingt ans plus tard à un Boys Band pour ados attardés. Entre les deux, une carrière solo ponctuée de concerts mythiques.


Estethique du mélodrame

Deux auteurs/compositeurs célèbres et ambitieux rencontrent deux jeunes femmes soumises et pleines de charme. Sur fond de crise et de ruptures, Frida et Agnetha racontent la perte de l'être aimé, l'impossible liberté de l'être. Un parcours chronologique avant, pendant et après Abba.


The Queen of Reinvention

Parcours anti-chronologique de la Madonne, qui joue avec son image et mutiplie les collaborations avec les meilleurs producteurs de la planète.


4 garçons dans le vent

L’histoire d’un groupe de gamins qui joue du rock dans les bars.
L’histoire de quatre jeunes qui sont ensemble pour le plaisir et qui ne se prennent pas au sérieux.
L’histoire de quatre gars qui profitent des dernières innovations technologiques pour innover sans cesse.
L’histoire de quatre hommes qui murissent et finissent par développer leur propre identité, en marge du groupe.
L’histoire d’une guerre des egos qui prend le dessus sur la cohésion de l’ensemble.


Cow-Boy Songs

Une bande originale imaginaire du Grand Ole Opry, plus ancienne émission radiophonique du monde (début en 1925, toujours active aujourd'hui). On y retrouve les premiers enregistrements Honky Tonk jusqu'à aujourd'hui, en passant par la Grande Dépression, le Rockabilly, la traversée du désert et le renouveau Folk.


Slave Songs

Une guitare, trois accords et des descendants d'esclaves décrivant la misère et les peines de coeur. Parfois, on y raconte aussi sa foi, ce qui donne naissance au Gospel. Puis on électrifie le tout et ça devient une musique de virtuoses, noirs ou blancs, américains ou même anglais. Près de 100 ans de Blues en quelques morceaux.


Pop Collection

Un best of parsemé de collaborations, de remix et de morceaux live.


Branchez les guitares

Une sélection totalement subjective de rock industriel, garage, punk, metal, grunge... Un sélection portant sur une vingtaine d'années, du début des années 90 à aujourd'hui.


Early Jazz
Des 1ers enregistrements du début du siècle jusqu’à la sortie de la 2ème guerre mondiale. L’âge d’or du style New Orleans, du Swing et du Be Bop

Later Jazz
Les mouvements et les styles se multiplient, certains pointus d’autres plus ouverts sur le rock, la world music ou même le classique.

Merry Christmas
Une compilation de chants de Noël par les artistes américains depuis les années 40 jusqu’à aujourd’hui (Diana Krall…). Forte tendance Jazzy.

Swing Along
Big Bands et Crooners, depuis Sinatra jusqu’à Michael Buble.

Velvet & Satin

Nat King Cole



Musique
classique

R'n'B - Soul
Disco

Jazz
Genres
musicaux

Musiques
Musique
par période

Artistes
francophones

Artistes
internationaux

Compilations
diverses

Pre-Baroque
Introduction
Tracklist
Entre le Moyen-Age et la fin de la Renaissance, le musicien passe du statut d'artisan à celui d'artiste, de copiste à celui de créateur.
Plus de 500 ans de lente évolution musicale en moins de 2 heures.
Glorious Land
Best of RUS
Melting Pot
Re-Naissance
Belle Epoque
Romantiques
Mozart
Relax
J.S. Bach
Best of PECO
Classic Noël
1079, Réforme Grégorienne : Le Pape Leon IX souhaite reprendre le contrôle de l’Eglise, laissé aux princes et aux rois. Pour ce faire, il instaure des règles de fonctionnement identiques dans toute la Chrétienté (célibat des prêtres, séparation de l’Eglise et de l’Etat…). Cela nécessite la diffusion d’une liturgie unique, supportée par un chant simple, facile à reproduire, le Plain-Chant Grégorien.

A cette époque, la notion d’artiste n’existe pas. Le rôle des artisans consiste à reproduire et à « enluminer » ce qu’ils ont reçu. La transmission du savoir implique donc la mise en place de règles de notation harmonisées. Entre le XIème et le XIVème siècle, les notes, la portée, la notation du rythme sont ainsi codifiés. De ce fait, la musique évolue très lentement pendant cette période.

Le XIVème siècle marque un premier tournant : plusieurs générations de compositeurs se succèdent dans l’Ecole Franco-Flamande. Ils introduisent progressivement la polyphonie ainsi que certaines techniques empruntées à la musique galante entendue dans les cours royales. Cette tendance s’accélère encore au XVème siècle avec l’avènement de la Renaissance. Les Princes et les Doges rivalisent pour démontrer leur suprématie dans tous les domaines, y compris l’Art. En rupture complète avec le Moyen-Âge, les compositeurs deviennent alors des artistes qui doivent innover sans cesse. L’Italie est leur berceau.

Dans le même temps, en Angleterre, le roi Henry VIII crée la religion anglicane (1530). Pour que cette religion s’impose durablement dans tout le Royaume, il instaure à son tour une liturgie unique, en langue anglaise. En quelques années, les compositeurs anglais (Byrd, Tallis, Tavener…) vont développer leur propre style, protégé par l’équivalent des premiers Droits d’Auteur.

Nous arrivons au XVIIème siècle. L'ère Baroque peut commencer. Elle est marquée par une complexification de la musique (contrepoint, harmonies), par l’ajout de nombreux ornements expressifs ainsi que par la création de nouveaux genres musicaux (l’opéra, la sonate, la symphonie…).

Vienne, 1800. Une nouvelle génération de compositeurs poursuit le chemin qu'avait emprunté Mozart. Ils écrivent une musique plus expressive, exaltant la culture germanique.
C'est le début du Romantisme.
Le Royaume-Uni ne possède pas d'hymne national officiel. Pourtant, de nombreuses oeuvres, souvent chorales, sont entrées dans le patrimoine britannique. Elles mettent en exergue le patriotisme et la fierté que les Français n'ont pas. En voici quelques exemples.
Paris, 1890. Au sortir de la Grande Dépression et 20 ans après la défaite cuisante face aux Prussiens, la capitale devient un lieu d'échanges intense entre poêtes, sculpteurs, peintres, écrivains et compositeurs. Elle devient également le centre d'un nouvel empire français avide d'exotisme.
Une vie décomposée en trois grandes périodes : les années de jeunesse où Mozart se forme à tous les styles et commence à affirmer sa propre personnalité. Les années de maturité où Mozart explore les possibilités d'un nouvel instrument, le Piano Forte. Les années de crise, quand Vienne est en guerre et que l'innovation musicale est dédaignée par ses contemporains.
Soul 55-65
Introduction
Tracklist
En 1955, un jeune pianiste aveugle mélange la ferveur gospel, la cadence du boogie-woogie et l'esprit du blues. La Soul est née. En parallèle du rock' n' roll, la Soul se développe dans un contexte de lutte pour les droits civiques des afro-américains.
1079, Réforme Grégorienne : Le Pape Leon IX souhaite reprendre le contrôle de l’Eglise, laissé aux princes et aux rois. Pour ce faire, il instaure des règles de fonctionnement identiques dans toute la Chrétienté (célibat des prêtres, séparation de l’Eglise et de l’Etat…). Cela nécessite la diffusion d’une liturgie unique, supportée par un chant simple, facile à reproduire, le Plain-Chant Grégorien.
A cette époque, la notion d’artiste n’existe pas. Le rôle des artisans consiste à reproduire et à « enluminer » ce qu’ils ont reçu. La transmission du savoir implique donc la mise en place de règles de notation harmonisées. Entre le XIème et le XIVème siècle, les notes, la portée, la notation du rythme sont ainsi codifiés. De ce fait, la musique évolue très lentement pendant cette période.
Le XIVème siècle marque un premier tournant : plusieurs générations de compositeurs se succèdent dans l’Ecole Franco-Flamande. Ils introduisent progressivement la polyphonie ainsi que certaines techniques empruntées à la musique galante entendue dans les cours royales. Cette tendance s’accélère encore au XVème siècle avec l’avènement de la Renaissance. Les Princes et les Doges rivalisent pour démontrer leur suprématie dans tous les domaines, y compris l’Art. En rupture complète avec le Moyen-Âge, les compositeurs deviennent alors des artistes qui doivent innover sans cesse. L’Italie est leur berceau.
Dans le même temps, en Angleterre, le roi Henry VIII crée la religion anglicane (1530). Pour que cette religion s’impose durablement dans tout le Royaume, il instaure à son tour une liturgie unique, en langue anglaise. En quelques années, les compositeurs anglais (Byrd, Tallis, Tavener…) vont développer leur propre style, protégé par l’équivalent des premiers Droits d’Auteur.
Nous arrivons au XVIIème siècle. L'ère Baroque peut commencer. Elle est marquée par une complexification de la musique (contrepoint, harmonies), par l’ajout de nombreux ornements expressifs ainsi que par la création de nouveaux genres musicaux (l’opéra, la sonate, la symphonie…).

Soul 66-71
Introduction
Tracklist
Si les premières années ont démontré la volonté d'intégration dans la société américaine, la décennie qui suit montre une radicalisation et une revendication de l'identité afro-américaine. c'est le Black Power porté par une nouvelle génération d'artistes.
1xx

Soul 72-92
Introduction
Tracklist
La fin de la Soul, avec la disparition des labels historiques et le décès de plusieurs artistes phares. Dans les années 80, deux jeunes black vont moderniser cette musique : Prince et Michael Jackson redéfinissent la R' n' B.
1xx

Disco 74-82
Introduction
Tracklist
1974. Dans les discothèques de New York, les DJs sélectionnent des chansons soul ou funk peu connues qu’ils remixent pour faire ressortir la batterie et la basse et mieux rythmer la danse. Ce mouvement gagne rapidement la scène underground et se propage dans le monde entier en quelques mois.

Pour la première fois, les artistes européens s’approprient instantanément le style et connaissent un succès mondial (Donna Summer, Boney M, Ceronne…). Par ailleurs, le producteur prend rapidement le pas sur l’interprète. C’est lui qui imprime sa « patte » (G. Moroder, Morali / Belolo, F. Farian, le « Philli Sound » aux USA…) et fait et défait la carrière d’artistes de plus en plus interchangeables.

Devenu en quelques années excessivement commercial, ce mouvement disparaît tout aussi brutalement. Avec l’arrivée du sida, le mode de vie hédoniste véhiculé via la musique disco, notamment son caractère sexuel, devient caduque.

Musicalement, il laisse les artistes blacks revenir aux sources de la soul et du funk (Michael Jackson, Kool & The Gang…). Quant aux artistes blancs, ils poursuivent plus loin leurs expérimentations avec la techno (house, new wave…).

En boite de nuit, les DJs remixent des morceaux soul en accentuant la basse et la rythmique. En quelques mois, le Disco se joue partout dans le monde. Des Européens réussissent même à s'imposer aux USA.
Mais la crise, le sida et une exploitation ultra-massive du Disco vont entrainer la fin brutale de ce genre musical.
Soul 2000's
Introduction
Tracklist
Grande vague nostalgique marquée par un retour du "vintage" (instruments d'époque, enregistrement "live"...).
En parallèle, d' autres artistes tentent de fusionner la Soul avec d' autres musiques, que cela soit le Rap ou la Pop. C'est la Neo-Soul.
xx
Milan, 1848. Début de la guerre d'indépendance italienne. Après l'Italie Romaine et celle de la Renaissance, la volonté est de créer une 3eme Italie Républicaine, dont la culture serait le ciment. La musique et en particulier l'opéra y jouent un rôle prépondérant.
L'art du mélange. Sans passé à vénérer, les Américains se construisent un langage musical propre sans ordre de valeur préconçu : musique militaire, musiques folkloriques (blues, jazz), musique "classique"... L'idée est de mélanger et confronter différents univers pour produire quelque chose de nouveau, qui pourra être écouté aussi bien dans une salle de concert qu'au cinéma ou sur un écran d'ordinateur.
25 titres pour préparer le temps de l'Avent. 25 hymnes traditionnelles, chantées en français, en anglais, en allemand, en russe ou dans des langues exotiques (Afrique, Amazonie, Océanie).

Introduction
Tracklists
Un parcours chronologique de 1900 à l'après-guerre, de la naissance du jazz à la Nouvelle Orléans à la fin du Be-Bop. L'âge d'or du Swing, au temps des cabarets et de la Prohibition.
Le Jazz naît au tout début du XXeme siècle à la Nouvelle-Orléans avec les formations orchestrales des brass bands, mélange de marches militaires revisitées par les noirs américains et les créoles, qui privilégie l'expression collective. Sydney Bechet et surtout Louis Armstrong s'imposent comme les grands solistes de ces formations caractérisées par l'improvisation collective sur le schéma instrumental trompette, trombone, clarinette.

Cette musique va peu à peu gagner l’ensemble des Etats-Unis pour connaître son apogée dans les années 30. Considéré comme l'âge d'or du jazz, le swing (ou middle jazz) se démarque par un orchestre de plus grande taille et par la mise en exergue des solistes au détriment de l'improvisation collective. C'est l'ère des big bands de Duke Ellington, Count Basie et Benny Goodman… Cet âge d’or est aussi celui de la mixité : Qu’ils soient noirs ou blancs, les jazzmen jouent ensemble et luttent pour la plupart en faveur des droits des afro-américains.

Dans les années 40, de nombreux musiciens se lassent de la rigidité des big bands et se réunissent en petits groupes après les concerts pour enregistrer des morceaux plus spontanés et marqués par des innovations harmoniques et rythmiques. C’est l’apparition du be-bop.

De leur côté, les big bands sont progressivement réduits au rôle d’accompagnement de leurs chanteurs, comme Frank Sinatra ou Ella Fitzgerald. Quant aux musiciens chanteurs (Armstrong, Nat King Cole) ils commencent à dériver vers une musique d’ambiance, avec force violons et arrangements soyeux.


Le Rock et la Soul ont débarqué. Le Jazz n'est plus le genre musical dominant. Cela libère la créativité de certains musiciens. Les courants et les influences se croisent et se multiplient. Quelques tendances fortes demeurent.
1930. Les Big Bands s'accompagnent de chanteurs qui agrémentent les morceaux en "miaulant" (to croon). Contrairement aux chanteurs d'opéra, ils utilisent un micro et travaillent l'expressivité plus que la puissance vocale. Peu à peu, ces "solistes vocaux" deviennent les véritables têtes d'affiche.
Les Crooners n'étaient pas tous masculins. Dès les années 20, Ella Fitzgerald fait partie d'un Big Band. Voici un parcours historique des plus grandes voix du jazz au féminin.
L'inventeur (involontaire) du trio jazz avec piano. L'un des premiers à être musicien de jazz et chanteur (involontairement). "Cool before it was cool to be cool", comme l'a dit Isaac Hayes.
Les crooners d'hier et d'aujourd'hui ont puisé dans les chants de Noël un répertoire leur permettant de toucher le plus grand nombre. Voici une chronologie subjective de chansons intemporelles.
Nat King Cole
Avant 1950
Après 1950
Crooners
Ladies' Jazz
Noël jazzy
1 - Scott Joplin The Entertainer (1902) : Scott Joplin (1868 - 1917) est le 1er artiste noir à s'imposer aux USA. Il est l'un des pères du Ragtime, où les rythmes
africains cotoient la musique classique et les Brass Bands créoles. Morceau utilisé dans le film "L'Arnaque".
2 - Scott Joplin Hooker's Hooker (1895)
3 - King Oliver's Creole Jazz Band Dipper Mouth Blues (1923)
4 - Jelly Roll Morton & His Red Hot Peppers Original Jelly Roll Blues (1926)
5 - Louis Armstrong Heebie Jeebies (1926)
6 - Louis Armstrong & His Hot Five West End Blues (1928)
7 - Bix Beiderbecke Singin' The Blues (1927)
8 - Fats Waller I'm Gonna Sit Right Down and Write Myself a Letter (1935)
9 - Red Nichols & his Five Pennies Indiana (xxxx) : Un des premiers Blancs à s'imposer dans le Jazz. Son orchestre comprend Tommy Dorsey au saxo, Benny Goodman et
Pee Wee Russell à la clarinette, Glenn Miller et Jack Teagarden au trombones Gene Krupa aux percussions... Bref, le Who's Who du Jazz Blanc
10 - Tommy Dorsey And His Orchestra I'm Gettin' Sentimental Over You (1932)
11 - Benny Goodman & His Orchestra Body and Soul (1935)
12 - Benny Goodman & His Orchestra Whispering (1936)
13 - Roy Eldridge & His Orchestra After you're gone (1937)
14 - Chick Webb & His Orchestra Liza (1938)
15 - Larry Clinton & His Orchestra I Double Dare You (1938)
16 - Artie Shaw & His Orchestra Frenesi (1940)
17 - Lester Young I Want A Little Girl (1938)
18 - Django Reinhardt Minor Swing (1937)
19 - Benny Carter Crazy Rhythm (1937)
20 - Nat King Cole Trio Honeysuckle Rose (1940)





1 - Lionel Hampton & His Orchestra When Lights Are Low (1939)
2 - Artie Shaw & His Orchestra Frenesi (1940)
3 - Duke Ellington & His Orchestra Ko-Ko (1940)
4 - Nat King Cole Honeysuckle Rose (1940)
5 - Duke Ellington & His Orchestra Take the 'A' Train (1941)
6 - Erroll Garner Penthouse Serenade (1949)
7 - Sidney Bechet On The Sunny Side Of The Street (1949)
8 - Branford Marsalis Sidney In Da Haus (1992)
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EARLY JAZZ - DISQUE 1
Introduction
New York, 1950. La fin du Be-Bop. Ce style, porté par des artistes comme Charlie Parker, Dony Byas ou Dizzie Gillespie, est trasnfiguré par le jeune trompettiste de Bird : Avec Birth of the Cool, Miles Davis cherche à produire une musique apaisée. C'est la naissance du Cool Jazz qui connaîtra un succès particulier auprès des musiciens de la West Coast comme Dave Brubeck ou Gil Evans. Ces derniers, majoritairement des musiciens blancs employés par les studios hollywoodiens, maîtrisent les instruments « classiques » (hautbois, cor…) et les incorporent dans les formations jazz pour créer un son plus chaleureux.
A l’inverse de ce mouvement Cool se développe le Hard Bop. Ce courant, essentiellement porté par des musiciens noirs, vise à rendre le Be-Bop plus accessible au grand public, en y incorporant des influences venues de la soul, du gospel et du blues. L'aspect rythmique y est prédominant et les batteurs comme Art Blakey ou Max Roach sont les égaux des autres solistes.
En 1959, Miles Davis innove à nouveau avec Kind of Blue qui pose les fondements du jazz modal. La structure harmonique des morceaux y est encore beaucoup plus libre qu'auparavant. Des musiciens comme Ornette Coleman s’aventurent au-delà des gammes classiques majeures et mineures pour s’inspirer des modes de la musique religieuse médiévale et de la Grèce Antique. Communément considéré comme expérimental et d'avant-garde, le Free Jazz peut également être vu comme un mouvement s’inscrivant résolument dans un contexte social marqué par les revendications des afro-américains (Luther King, Malcolm X…) et où les origines africaines sont constamment réaffirmées.
Devenu élitiste, le milieu du jazz s’ouvre à partir du milieu des années 60 à d’autres univers : le Latin Jazz, qui puise dans la musique brésilienne et cubaine, le Jazz Fusion, qui intègre le rock progressif en vogue dans les années 70 (utilisation de guitares électriques et synthétiseurs), l’Ethio-Jazz joué par des musiciens africains ou le Jazz Européen, lent et aérien, qui s’inspire directement de la musique classique.


Introduction
Au début était le chanteur d’opéra, celui qui faisait porter sa voix, sans micro, dans les salles de concert et les studios. Puis, à partir des années 20, vint le microphone. On n’avait plus besoin de chanter fort. La technique devenait différente, avec plus d’intonations. D’où le terme initialement péjoratif de « crooner », celui qui « chantonne ».
Dès lors, les jazzmen agrémentent parfois leurs compositions de quelques paroles, comme c’est le cas pour Louis Armstrong. Un jour de 1926, celui-ci fait tomber le feuillet où se trouvaient les paroles de sa chanson; il improvise donc par onomatopées et crée le Scat, genre dans lequel excellera le chef d’orchestre Cab Calloway à partir des années 30.
Devant le succès grandissant de ces musiciens chanteurs (Nat King Cole, Fats Waller…), les Big Bands des années 40 engagent des spécialistes comme Ella Fitzgerald (avec Chick Webb), Billie Holiday (avec Duke Ellington) et le jeune Frank Sinatra (avec Tommy Dorsey) qui va en outre y ajouter le charme et la présence scénique des légendes de la comédie musicale (Fred Astaire…).
Rapidement, les chanteurs gagnent en notoriété et s’émancipent des orchestres pour mener leur propre carrière. Le début des années 50 représente alors un âge d’or, où s’illustrent Dean Martin, Perry Como et bien d’autres encore. Mais dès le milieu des années 50, avec l’arrivée du rock’n’roll et du R’n’B, les crooners passent de mode.
Le genre demeure néanmoins vivant et connaît même un retour en grâce depuis 20 ans à travers des artistes qui rajeunissent l’image donnée par un Sinatra vieillissant : Harry Connick Jr, Jamie Cullum ou Michael Bublé rappellent que les crooners sont toujours bien présents.


Introduction
Dans les années 30, les orchestres de jazz s’accompagnent de chanteurs ou de chanteuses pour agrémenter leur répertoire. Peu à peu, à partir des années 40, la notoriété de ces artistes va peu à peu dépasser celle des chefs d’orchestre qui les dirigent. C’est l’âge d’or des crooners comme Frank Sinatra ou Dean Martin. La tendance est la même côté féminin : Billie Holiday, Ella Fitzgerald, Sarah Vaughan ou Anita O’Day (la seule blanche). Tout au long des années 50, ces quatre têtes d’affiche vont inspirer et magnifier des morceaux qui deviendront des classiques.

Dans les années 60, l’influence du R&B et de la soul va fortement impacter l’univers vocal féminin. Une nouvelle génération s’impose, avec des artistes qui ne se contentent plus de chanter mais qui écrivent, composent et jouent parfaitement du piano, comme c’est le cas pour Nina Simone ou Shirley Horn.

En 2002, un nouvel élan est donné au jazz féminin grâce au succès du 1er album de Norah Jones. Derrière elle, un grand nombre de jeunes chanteuses s’engouffre dans ce style calme, digne d’un piano bar. On perd en intensité dramatique ce que l’on gagne en richesse d’orchestration. Diana Krall, Lisa Ekdahl ou, plus récemment la contrebassiste Esperanza Spalding, sont des exemples de cette nouvelle génération, qui honore les compositeurs anciens, sans apporter de réelle nouveauté artistique.

1 - Judy Garland Have Yourself A Merry Little Christmas (1944)
2 - Bing Crosby White Christmas (1947)
3 - Frank Sinatra Let It Snow,Let It Snow,Let It Snow (1950)
4 - Eartha Kitt Santa Baby (1953)
5 - Dickie Valentine Christmas Alphabet (1955)
6 - Harry Belafonte Mary's Boy Child (1957)
7 - Brenda Lee Rockin' Around The Christmas Tree (1958)
8 - Perry Como Magic Moments (1958)
9 - Dean Martin Rudolph The Red Nosed Reindeer (1959)
10 - The Beverley Sisters I Saw Mommy Kissing Santa Claus (1960)
11 - Nat King Cole The Christmas Song (1963)
12 - Jim Reeves Jingle Bells (1964)
13 - Perry Como O Holy Night (1964)
14 - Diana Ross & The Supremes Santa Claus Is Coming To Town (1965)
15 - Doris Day I'll Be Home For Christmas (1966)
16 - Simon & Garfunkel Star Carol (1967)
17 - Perry Como God Rest Ye Merry Gentlemen (1968)
18 - Perry Como Hark The Herald Angels Sing (1968)
19 - The Jackson 5 Frosty The Snowman (1970)
20 - Johnny Mathis When A Child Is Born (1976)
21 - Andy Williams The First Noel (1977)
22 - Bing Crosby & David Bowie Peace On Earth Featuring David Bowie (1977)
23 - Johnny Cash It Came Upon A Midnight Clear (1978)
24 - Willie Nelson O' Little Town Of Bethlehem (1982)
25 - Elaine Paige Coventry Carol (1986)
26 - Amy Grant O Come All Ye Faithful (1992)
27 - Diana Krall Count Your Blessings Instead Of Sheep (2005)

Tracklist
MERRY CHRISTMAS
1 - Sweet Lorraine (1940)
2 - Gone With The Draft (1940)
3 - Honeysuckle Rose (1940)
4 - Straighten Up And Fly Right (1943)
5 - Embraceable You (1943)
6 - It's Only A Paper Moon (1943)
7 - Jumpin' At Capitol (1943)
8 - Besame Mucho (1944)
9 - Sweet Georgia Brown (1945)
10 - Route 66 (1946)
11 - I'm In The Moon For Love (1946)
12 - Dream A Little Dream Of Me (1947)
13 - Nature Boy (1947)
14 - Lulubelle (1948)
15 - Calypso Blues (1949)
16 - Boulevard Of Broken Dreams (1949)
17 - Mona Lisa (1950)
18 - Too Young (1951)
19 - Stardust (1957)
20 - Quizas Quizas Quizas (1958)
21 - The Christmas Song (1963)
Tracklist
NAT KING COLE
1 - Judy Garland Have Yourself A Merry Little Christmas (1944)
2 - Bing Crosby White Christmas (1947)
3 - Frank Sinatra Let It Snow,Let It Snow,Let It Snow (1950)
4 - Eartha Kitt Santa Baby (1953)
5 - Dickie Valentine Christmas Alphabet (1955)
6 - Harry Belafonte Mary's Boy Child (1957)
7 - Brenda Lee Rockin' Around The Christmas Tree (1958)
8 - Perry Como Magic Moments (1958)
9 - Dean Martin Rudolph The Red Nosed Reindeer (1959)
10 - The Beverley Sisters I Saw Mommy Kissing Santa Claus (1960)
11 - Nat King Cole The Christmas Song (1963)
12 - Jim Reeves Jingle Bells (1964)
13 - Perry Como O Holy Night (1964)
14 - Diana Ross & The Supremes Santa Claus Is Coming To Town (1965)
15 - Doris Day I'll Be Home For Christmas (1966)
16 - Simon & Garfunkel Star Carol (1967)
17 - Perry Como God Rest Ye Merry Gentlemen (1968)
18 - Perry Como Hark The Herald Angels Sing (1968)
19 - The Jackson 5 Frosty The Snowman (1970)
20 - Johnny Mathis When A Child Is Born (1976)
21 - Andy Williams The First Noel (1977)
22 - Bing Crosby & David Bowie Peace On Earth Featuring David Bowie (1977)
23 - Johnny Cash It Came Upon A Midnight Clear (1978)
24 - Willie Nelson O' Little Town Of Bethlehem (1982)
25 - Elaine Paige Coventry Carol (1986)
26 - Amy Grant O Come All Ye Faithful (1992)
27 - Diana Krall Count Your Blessings Instead Of Sheep (2005)

Tracklist
MERRY CHRISTMAS
EARLY JAZZ - DISQUE 2
World
Introduction
Tracklist 1
Rattraper 50 années en 5 ans. Telle est la devise du président brésilien Kubitschek en 1960. Musicalement, ce dynamisme se traduit par l'élan mondial qui voit la Bossa Nova conquérir les scènes du monde entier. En voici quelques exemples de 1958 à 2012.
1960, inauguration de Brasilia, construite de toutes pièces à l’initiative du président réformateur Juscelino Kubitschek. C’est une période de croissance et d’émancipation, où le mot d’ordre général est de « rattraper 50 années en 5 ans ». Cette dynamique se matérialise sous de multiples aspects : en football, c’est l’âge d’or de Pelé (champion du monde 1958 et 1962). Musicalement, le pays capte l’attention du monde entier grâce à un nouveau genre musical : la Bossa Nova. Ce mouvement, est initié par un petit groupe d'amis : Antonio Carlos Jobim (musique), Vinicus de Moraes (paroles), Joao Gilberto (chant) et son épouse Astrud vont porter cette musique sur tous les continents, relayés par les plus grands artistes américains comme Stan Getz, Frank Sinatra ou Ella Fitzgerald.

La Bossa Nova s’inspire alors à la fois de la samba traditionnelle et du jazz. Les textes sont plutôt romantiques. Vinicus de Moraes les décrit d'ailleurs ainsi : "Plus un regard qu'un baiser, plus de la tendresse que de la passion". Le propre de la Bossa Nova est aussi de fédérer toutes les couches sociales jusqu’alors très marquées et n’écoutant pas la même musique (les percussions de la samba étaient jusqu'à présent essentiellement cantonnées aux favelas).

Mais cet élan va être stoppé net dès 1964, date d’un nouveau coup d’état militaire (soutenu par la CIA) qui va ramener de la rigueur et replier le pays sur lui-même. La censure est très présente. La musique devient alors une arme de lutte contre le régime en place : c'est le départ du mouvement tropicaliste, qui lance l'idée du musique universelle reposant sur une vision plutôt "hippie" du monde. Les textes deviennent contestataires (parfois au 2eme degré pour éviter la censure). C'est la génération de Jorge Ben et Chico Buarque.

La dictature va durer prendant vingt ans. En 1985 est élu le 1er président de la nouvelle république brésilienne. Là encore, ce renouveau s'accompagne d'un nouvel élan culturel. Le pays s'ouvre alors que la musique électronique est en train de conquérir le monde (New wave, New age, SynthPop...). On recycle alors l'esprit de la Bossa Nova en y incorporant des rythmes digitales. La Lounge devient à la mode et des artistes comme Bebel Gilberto (fille de Joao) et Osvaldo Lenine.

En 2002, Luiz Ignacio de Silva, dit Lula, est élu président de la République. C'est le 1er président travailliste de La musique brésilienne. Lors de son discours d'investiture, il rappelle : "le changement, voilà notre mot d'ordre". La Musique Populaire Brésilienne (MPB) est de nouveau très dynamique... en attendant l'avènement éventuel d'un nouveau Jobim.
Où comment l'un des premiers mouvements identitaires afro-américains est sacralisé et où la musique devient liturgie. Du ska de Kingston au Mbalax de Dakar, une traversée musicale des deux côtés de l'Atlantique.
1959 : c'est la révolution cubaine. C'est aussi le début d'un régime autoritaire qui va mettre le pays sous cloche pendant plus de 30 ans. A la sortie, la musique est toujours là, inter-générationnelle et festive.
600 ans d'occupation et de répression. Les épidémies, la famine, l'exil... La musique comme seul outil de transmission de la tradition, de la langue et de la culture celte. Un héritage qui a traversé les siècles pour arriver jusqu'à nous.
Selon la légende, les Rroms sont originaires d'Inde et se sont peu à peu déplacés vers l'ouest, autour de la méditerranée. Leur histoire est intimement liée à la musique. Voici un voyage vers l'est, pour un retour aux sources indiennes.
Un voyage musical de l'autre côté de la Mediterranée. Une sélection de différents styles musicaux depuis l'Indépendance des années 60 jusqu'à aujourd'hui.
Gipsy
Brésil
Jamaïque
Cuba
Irlande
Maghreb
1 - Rosinha de Valencia Summertime (1970) – La plus grande guitariste brésilienne dans cette adaptation du standard de Gershwin



2 - Maria Creuza Voce Abusou (1963) - La version originale de « Fais Comme l’Oiseau ». Ecrit par le duo Jobim/de Moraes
3 - Antonio Carlos Jobim Orfeu Negro (1959) – Extrait de la BO du film de Camus, Palme d’Or à Cannes. Acte de naissance de la Bossa Nova.
4 - Astrud Gilberto Dindi (1965) – L’épouse de Joao Gilberto. A nouveau du Jobim/de Moraes
5 - Claudine Longet Nothing to lose (1968) – La Bossa Nova est reprise par des occidentaux. Henry Mancini en est un des principaux défenseurs
6 - Dusty Springfield The Look Of Love (1967) – Autre amateur de Bossa Nova, Burt Bacharach, lance la carrière d'une jeune artiste anglaise
7 - Ella Fitzgerald Desafinado (1962) – Version américanisée par « the First lady of Swing »
8 - Frank Sinatra The Girl From Ipanema (1967) – Une des chansons les plus reprises au monde. Avec Jobim à la guitare
9 - João Gilberto Meditacao (1964) -
10 - Henri Salvador Dans mon île (1958) – Salvador trouve de nouveaux accords et ralentit le rythme. Une des sources d’inspiration de Jobim
11 - Astrud Gilberto & Antonio Carlos Jobim Agua De Beber (1965) -



12 - Elis Regina & Antonio Carlos Jobim Aguas De Marco (1974) – La fin de l’Age d’Or de la Bossa Nova.
13 - Chico Buarque Essa Moca Ta Diferente (1970) – Avec Caetano Veloso et Gilberto Gil, le renouveau de la scène brésilienne au début des 70’s
14 - Serge Gainsbourg Couleur Café (1964) – Grand défricheur de genres musicaux, Gainsbourg est le 1er à écrire de la bossa en français.
15 - Simon & Garfunkel So Long, Frank Lloyd Wright (1970) - Près de 20 ans avant son album brésilien, Paul Simon s’approprie déjà la Bossa Nova
16 - Claude Nougaro Brésilien (1975) – Reprise d'un standard extrait du 1er album de Gilberto Gil en 1967. C'est un peu caricatural mais vraiment sincère
17 - Georges Moustaki Bahia (1977) -
18 - Nino Ferrer La Rua Madueira (1969) - Comme Gainsbourg et Moustaki, Ferrer écrit lui-même des morceaux originaux.
19 - Sergio Mendes Mas que Nada (1966) - Reprise d'un titre de Jorge Ben qui fera le tour du monde dans cette version en 1966
20 - Benito Di Paula Charlie Brown (1974) – Où l’on invoque les maîtres de la Bossa Nova



NAISSANCE DE LA BOSSA NOVA
Introduction
Kingston, 1962. C.S. Dodd, grand amateur de jazz et de rhythm'n'blues, décide de monter son propre sound system. Débutant avec des disques de jazz, rhythm and blues ou boogie qu'il importe lui-même des États-Unis, il grave quelques années plus tard ses propres productions, donnant ainsi naissance à l'industrie musicale jamaïcaine et à un nouveau style mélangeant R&B et musiques traditionnelles caribéennes : le ska, qui donnera ensuite naissance au rocksteady puis au reggae.

46 années plus tôt, en 1916, Marcus Garvey quittait la Jamaïque et s’installait à Harlem, où il devenait un des premiers meneurs importants de la cause noire. Souvent surnommé le Moïse Noir, il annonça la fin des souffrances du peuple noir et son retour aux racines, l'Afrique, et plus précisément l’Ethiopie, une des premières nations officiellement chrétiennes de l'histoire (Abyssinie). En 1924, c’est le révérend James Morris Webb qui proclame : « Regardez vers l'Afrique, où un roi noir sera couronné, qui mènera le peuple noir à sa délivrance ».

Quelques années plus tard, en 1930, Tafari Makonnen, alias le « Ras Tafari », est coiffé de la couronne sacrée du negusa nagast (roi des rois) sous le nom de Hailé Sélassié 1er (« Puissance de la Trinité »). Selon le livre sacré retraçant l'histoire de son antique dynastie, Sélassié serait le descendant direct du roi Salomon et de la Reine de Saba. En 1933, Leonard Percival Howell interprète les discours de Garvey et Webb à la lumière du couronnement survenu en Ethiopie. Il fonde alors un mouvement religieux qui considère Hailé Sélassié comme une incarnation divine (Jéhovah > Jah) et qui prône un retour aux sources, loin de la culture occidentale souvent appelée la nouvelle Babylone. Puisant à la fois dans le marxisme, le christianisme, la culture africaine et plus tard l'hindouisme, Howell propose une interprétation afrocentriste de la Bible, le mouvement Ras Tafari.

Hailé Sélassié se rend en Jamaïque en 1966. Chrétien pratiquant, il fait preuve de bienveillance même s’il ne partage pas les convictions de ce mouvement. Ce dernier gagne alors en légitimité et attire de nombreux adeptes, dont Bob Marley.

Introduction
Dans les années 30-40, Cuba est un creuset où viennent converger de nombreuses influences locales mais également africaines et américaines (jazz…). De nombreux groupes se montent pour interpréter la musique locale, la « Son ». Peu à peu, cette musique va conquérir le monde.

D’abord New York, où le Palladium rencontre dès 1949 un succès phénoménal en programmant tous les dimanches de la musique cubaine. C’est de là que part la mode du « mambo ». Son plus fameux interprète, Beny Moré, fait le tour du monde pour faire découvrir cette musique. Peu après, en 1952, c’est l’indépendance de Puerto Rico qui provoque une nouvelle vague d’immigration aux USA. C’est dans le Spanish Harlem que naît le Latin Jazz. Enfin, suite à la révolution cubaine, une véritable diaspora va se former, contribuant encore à l’essor de la musique.

C’est donc une nouvelle génération d’artistes émigrés aux USA qui prend le relais auprès du public. Fortement inspirés par le jazz, ils mélangent les styles en y ajoutant leur « sauce » pour « pimenter » un peu les choses. C’est de là que vient le terme « Salsa » (sauce en espagnol). Mené par des artistes comme Tito Puente, Johnny Pacheco, Celia Cruz ou Ray Barretto, ce mouvement domine la « world music » des années 60-70.

Au final, dans les années 90, on observe un retour aux sources de la musique cubaine. Les latino-américains y voient une façon de revendiquer leurs origines (Gloria Estefan, Shakira). Quant aux « anciens » artistes des années 30-40, ils refont surface grâce à un projet musical dont la portée va largement dépasser les attentes : le Buena Vista Social Club. Ces musiciens (Compay Segnudo, Ibrahim Ferrer, Ruben Gonzales…) ayant du reprendre leur profession d’origine (fabricant de cigares, coupeur de canne à sucre…), ils reprennent la musique là où ils l’avaient laissée 30 ans plus tôt.


Introduction
Dès le XIIème siècle, les Anglais annexent l’Irlande, marquant le début d’une période de spoliations, de confiscations des biens, puis d’interdiction du catholicisme. Au XVIIème comme au XIXème siècle, les révoltes se terminent dans des répressions sanglantes (près de la moitié de la population irlandaise massacrée par les troupes de Cromwell en 1641).

Dans ce contexte hostile, la musique et les chansons gaéliques deviennent une forme de résistance qui unit le peuple irlandais. En effet, depuis le Moyen-Age, les Irlandais sont réputés dans toute l’Europe pour leur musique. Hermétique aux « modes » venues d’Angleterre, la musique évolue peu et les styles baroque puis classique ne s’imposent pas vraiment. C’est ce qui a permis à la musique celtique de traverser le temps et les océans (émigration vers les Etats-Unis lors de la Grande Famine des années 1846-1848) pour arriver jusqu’à nous.

Cet aspect identitaire, voire clanique, comporte une autre dimension : la musique est affaire de groupes plutôt que d’individus. Ceux-ci sont souvent intergénérationnels et parfois familiaux. Leur but n’est pas la célébrité mais la transmission des traditions… Jusqu’à l’arrivée de la scène rock dominée par U2, Simple Minds ou Sinead O’Connor.
Aujourd’hui, la Harpe Celtique, instrument créé au Moyen-Âge par les Irlandais, est le symbole du pays, montrant ainsi l’attachement de ce pays à ses racines et à sa musique.

TROPICALISME & INTERTIONALISATION
Début du Vème siècle, le Roi de Perse, Bahram Djour, interroge ses sujets pour savoir s’ils sont heureux. Certains se plaignent de ne pouvoir participer à de grandes fêtes, où l’on pourrait manger, boire et danser au son d’orchestres professionnels. Le roi demande alors à son beau-père, qui règne sur le nord de l’Inde, de lui envoyer 12.000 « lurs », de petits artisans (bouchers, chiffonniers, tanneurs, éboueurs…) particulièrement doués pour la musique. A leur arrivée, le roi de Perse leur remet à chacun un bœuf, un âne et des semences pour qu’ils puissent s’installer. Mais au bout d’un an, ceux-ci reviennent voir le roi : ils ont passé leur temps à jouer de la musique et ont mangé ce qu’ils avaient. Il ne leur reste plus rien. La réponse est immédiate : « partez et allez vivre de votre musique, puisque vous n’êtes pas capable de prendre soin de ce qu’on vous donne ».

C’est ainsi que les Rroms auraient quitté l’Inde pour la Perse avant de se répandre autour de Constantinople où on les appelle les Atsinganos (Tziganes en français) et au Moyen-Orient où ils vont donner leur nom au pays où ils se sont installés (l’Egypte, le pays des Gitans). Leur dispersion vers l’ouest se poursuit progressivement dès le XIVème siècle, lorsque l’empereur de Saint Empire, Sigismond 1er, leur remet une lettre de protection leur permettant d’aller où ils veulent. Ce document provenant de la région de Bohème, ces personnes sont appelées des « Bohémiens » par les populations locales.

Avec l’Inquisition, les Rroms, jusqu’alors bien acceptés par les populations locales, deviennent persécutés, notamment en raison de leurs pratiques magiques et du manque de contrôle que le Pape exerce sur eux. La musique devient alors un refuge où conserver son identité propre, où les malheurs seront chantés comme pour mieux exorciser les fantômes du passé.

Contraints à voyager, les Rroms privilégient les instruments légers (violon, guitare, accordéon, clarinette, flute, percussions), comme le feront d’autres grands voyageurs : les Celtes ainsi que les Juifs (musique Klezmer).

Introduction
Tracklists
Comment passer du stade de musique expérimentale conçue par des ingénieurs à celui de musique de masse ne nécessitant aucun instrument de musique. Un parcours chronologique et mondial de l'histoire de la musique électronique
1txx
Ibiza, Ministry of Sound... Les compilations Techno se sont multipliées depuis les années 80, quand la House est née à Chicago. Voici une sélection puisée dans cette machine à "raves".
En 1978, Brian Eno publie "Music fo Airports" et signe l'acte de naissance de la musique Ambient. 25 ans plus tard, cet univers planant a pris son envol pour atteindre son altitude de croisière. Voici quelques morceaux choisis.
Hotel Costes, Buddha Bar, la Mezzanine de l'Alcazar... Les compilations Lounge se sont mutipliées depuis les années 90, quand le Trip Hop est né à Bristol. Voici un cocktail aux notes électroniques et latino.
Lounge
1963 > 2012
Musical Ecstasy
Aircraft Music
1 - Rosinha de Valencia Summertime (1970) – La plus grande guitariste brésilienne dans cette adaptation du standard de Gershwin



1ere GENERATION (1958 - 1964) : Jobim, de Moraes, Gilberto
2 - Maria Creuza Voce Abusou (1963) - La version originale de « Fais Comme l’Oiseau ». Ecrit par le duo Jobim/de Moraes
3 - Antonio Carlos Jobim Orfeu Negro (1959) – Extrait de la BO du film de Camus, Palme d’Or à Cannes. Acte de naissance de la Bossa Nova.
4 - Astrud Gilberto Dindi (1965) – L’épouse de Joao Gilberto. A nouveau du Jobim/de Moraes
5 - Claudine Longet Nothing to lose (1968) – La Bossa Nova est reprise par des occidentaux. Henry Mancini en est un des principaux défenseurs
6 - Dusty Springfield The Look Of Love (1967) – Autre amateur de Bossa Nova, Burt Bacharach, lance la carrière d'une jeune artiste anglaise
7 - Ella Fitzgerald Desafinado (1962) – Version américanisée par « the First lady of Swing »
8 - Frank Sinatra The Girl From Ipanema (1967) – Une des chansons les plus reprises au monde. Avec Jobim à la guitare
9 - João Gilberto Meditacao (1964) -
10 - Henri Salvador Dans mon île (1958) – Salvador trouve de nouveaux accords et ralentit le rythme. Une des sources d’inspiration de Jobim
11 - Astrud Gilberto & Antonio Carlos Jobim Agua De Beber (1965) -

2eme GENERATION (1964 -1979) : Buarque, Gil, Ben
12 - Elis Regina & Antonio Carlos Jobim Aguas De Marco (1974) – La fin de l’Age d’Or de la Bossa Nova.
13 - Chico Buarque Essa Moca Ta Diferente (1970) – Avec Caetano Veloso et Gilberto Gil, le renouveau de la scène brésilienne au début des 70’s
14 - Serge Gainsbourg Couleur Café (1964) – Grand défricheur de genres musicaux, Gainsbourg est le 1er à écrire de la bossa en français.
15 - Simon & Garfunkel So Long, Frank Lloyd Wright (1970) - Près de 20 ans avant son album brésilien, Paul Simon s’approprie déjà la Bossa Nova
16 - Claude Nougaro Brésilien (1975) – Reprise d'un standard extrait du 1er album de Gilberto Gil en 1967. C'est un peu caricatural mais vraiment sincère
17 - Georges Moustaki Bahia (1977) -
18 - Nino Ferrer La Rua Madueira (1969) - Comme Gainsbourg et Moustaki, Ferrer écrit lui-même des morceaux originaux.
19 - Pancho Cataneo & Los Cubaztecas Rio Grando Del Sul (1966) -
19 - Sergio Mendes Mas que Nada (1966) - Reprise d'un titre de Jorge Ben qui fera le tour du monde dans cette version en 1966
20 - Benito Di Paula Charlie Brown (1974) – Où l’on invoque les maîtres de la Bossa Nova



GENERATION LOUNGE (1989 - 2004) : Lenine, Gilberto
1 - Art Popular Amor De Matar (1993) - Samba
2 - Paul Simon The Obvious Child (1989) – Simon s’intéresse plus à la Samba et à ses percussions qu'à la Bossa Nova des années 60
3 - Stacey Kent Ces Petits Riens (2007) – Reprise de la chanson de Gainsbourg, dans une orchestration très jazzy
4 - Roberta Sá Tum Tum Tum (2008) - La nouvelle génération brésilienne reprenant le style de ses prédecesseurs. "Tum tum tum" : le bruit du coeur amoureux
5 - Bebel Gilberto Close Your Eyes (2000) – La Bossa Nova s’adapte particulièrement bien à l’esprit Lounge. Le renouveau de la Bossa Nova.
6 - Zuco 103 Q Baiano (2003) – Musique Lounge par un groupe néerlandais !
7 - Michel Teló Ai Se Eu Te Pego (Live) (2011) – Succès populaire, au Brésil
8 - Lucas Santtana Musico (2012) - Fer de lance du renouveau pop brésilien, Santtana invente un espéranto qui doit autant à Sufjan Stevens qu’aux maîtres brésiliens
GENERATION MPB (2005 - aujourd'hui)
BOSSA NOVA et SAMBA - Disque 1
BOSSA NOVA et SAMBA - Disque 2
électroniques
1 - Rosinha de Valencia Summertime (1970) – La plus grande guitariste brésilienne dans cette adaptation du standard de Gershwin






GENERATION LOUNGE (1989 - 2004) : Lenine, Gilberto
1 - Art Popular Amor De Matar (1993) - Samba
2 - Paul Simon The Obvious Child (1989) – Simon s’intéresse plus à la Samba et à ses percussions qu'à la Bossa Nova des années 60
3 - Stacey Kent Ces Petits Riens (2007) – Reprise de la chanson de Gainsbourg, dans une orchestration très jazzy
4 - Roberta Sá Tum Tum Tum (2008) - La nouvelle génération brésilienne reprenant le style de ses prédecesseurs. "Tum tum tum" : le bruit du coeur amoureux
5 - Bebel Gilberto Close Your Eyes (2000) – La Bossa Nova s’adapte particulièrement bien à l’esprit Lounge. Le renouveau de la Bossa Nova.
6 - Zuco 103 Q Baiano (2003) – Musique Lounge par un groupe néerlandais !
7 - Michel Teló Ai Se Eu Te Pego (Live) (2011) – Succès populaire, au Brésil
8 - Lucas Santtana Musico (2012) - Fer de lance du renouveau pop brésilien, Santtana invente un espéranto qui doit autant à Sufjan Stevens qu’aux maîtres brésiliens
GENERATION MPB (2005 - aujourd'hui)
BOSSA NOVA et SAMBA - Disque 1
BOSSA NOVA et SAMBA - Disque 2
Tracklist 2
ANNEE - TITRE1
Texte explicatif de plusieurs lignes
En 1789, la Révolution Française a bouleversé l’ordre européen. Les monarchies sont contestées. Peu à peu, des révolutions éclatent un peu partout en Europe. En 1848, l'Allemagne, l'Autriche-Hongrie, la Pologne, la Roumanie et la France (à nouveau) connaissent toutes une révolution. En Italie commence alors une guerre d’indépendance qui durera plus de 20 ans. Les leaders de cette guerre puisent la légitimité de leur démarche dans les glorieuses années de la suprématie italienne : sous la Rome Antique, quand le pays était unifié, et lors de la Renaissance, quand l’art italien dominait le monde. Le but est de retrouver cette unité, notamment culturelle. C’est le « Risorgimento » (Renaissance).

En peinture, les Macchiaoli comme Signorini (voir pochette de l’album) personnifient ce mouvement, présentant le peuple italien dans son quotidien. En musique, les compositeurs concentrent leurs efforts sur le genre le plus typiquement italien : l’opera. En effet, ce type d’œuvre a été créé par un italien (Monteverdi) et la langue italienne a longtemps été celle utilisée par tous les grands maîtres, de Haendel à Mozart. En outre, au XIXème siècle, l’opéra est devenu une attraction incontournable dans l’Europe romantique, de plus en plus bourgeoise et urbaine. En France, Berlioz lance les opéras romantiques français, tandis que Wagner innove en Allemagne.

C’est dans ce contexte que l’Italie va donner naissance à plusieurs générations de compositeurs dramatiques italiens, de Donizetti à Puccini, qui vont redonner ses lettres de noblesse à la culture italienne.

Mais le paysage culturel change peu à peu à l'orée du XXème siècle : les salles d'opéra de vident, tandis que les ventes de disques explosent, mettant sur le devant de la scène des artistes italiens demeurés célèbres comme Enrico Caruso ou Arturo Toscanini. Puiis c'est le cinéma qui prend à son tour le relais pour diffuser la culture italienne dans le monde entier : Fellini, Visconti.... et leurs compositeurs fétiches comme Nino Rota.

1 - Hector Berlioz 1830 - Symphonie Fantastique - 2. Un Bal
L’un des tournants de la musique classique : l’écriture comme l’orchestration ont servi de modèle absolu pendant près d’un siècle. Bien qu'il ne comprît pas un mot d'anglais, Berlioz assiste en 1827 à une représentation parisienne de Hamlet de Shakespeare où l'actrice irlandaise Harriet Smithson joue le rôle d'Ophélie. Il en tombe éperdument amoureux. Échouant à la séduire par ses lettres, il conçoit le projet de la conquérir par sa musique : La Symphonie Fantastique, basée sur un récit autobiographique et hantée par une mélodie représentant la bien-aimée et décrite comme idée fixe, concept repris et théorisé par Wagner et son Leitmotiv. Harriet n’assistant pas à la première de l’œuvre en 1830, Berlioz se jette dans les bras d’une jeune pianiste. Mais il reste hanté par Harriet et elle finit par assister à une représentation en 1832. Transportée par le spectacle, elle commence à répondre aux avances renouvelées du compositeur. Un an plus tard, malgré l’opposition de leurs parents et malgré des relations houleuses (Berlioz essayant de s’empoisonner devant elle), ils finissent par se marier.

2 - Hector Berlioz 1846 - La Damnation De Faust- Marche de Rákóczy

3 - Charles Gounod 1872 - Marche Funèbre d'une Marionnette

4 - Georges Bizet 1872 - L'Arlésienne Suite n° 1 - 1. Prélude

5 - Georges Bizet 1875 - Carmen - L'Amour Est Un Oiseau Rebelle
6 - Georges Bizet 1875 - Carmen - 3. Les voici, voici les Quadrilles
Avec Carmen, Bizet bafoue les lois du genre. Avec ses deux librettistes Ludovic Halévy et Henri Meilhac (auteurs de La Vie parisienne ou encore La Belle Hélène d'Offenbach), il fait de l'héroïne de Prosper Mérimée une Bohémienne lascive, infidèle, se fichant de Dieu comme de l'ordre établi. Crime ultime : il la fait mourir dans la dernière scène. L’accueil lors des premières représentations est glacial. Bizet ne s’en remettra pas. Trois mois plus tard, en plein opéra, alors que le personnage de Carmen lit l’avenir dans les cartes, la cantatrice défaille. Elle pressent la mort de Bizet. Il avait 36 ans et n’avait jamais mis les pieds en Espagne.

7 - Emmanuel Chabrier 1883 - Espana

8 - Léo Delibes 1883 - Lakmé - Viens, Mallika (Duo des Fleurs)
Pour sortir de la crise économique, les états européens se tournent vers les colonies. L'exotisme devient à la mode. Delibes est l'un des pionniers à lancer cette tendance : Lakme raconte l'histoire d'amour impossible entre un militaire anglais et une jeune indienne.

9 - Camille Saint-Saëns 1886 - Carnaval Des Animaux - Aquarium
10 - Camille Saint-Saëns 1886 - Carnaval des Animaux - Finale

11 - Gabriel Fauré 1887 - Pavane

12 - Gabriel Fauré 1887 - Requiem - Pie Jesu
Bien qu’organiste à la Madeleine, Fauré n’est guère croyant. Il ne se reconnaît pas dans les œuvres de ses prédécesseurs, souvent dramatiques et marqués par la crainte du Jugement Dernier. Alors, il retire certaines parties (le Dies Irae, Jour de la Colère) et en rajoute d’autres (In Paradisum, qui clôture l’œuvre). Quand on l’interroge, Fauré répond : « Mon Requiem, on a dit qu’il n’exprimait pas l’effroi de la mort, quelqu’un l’a appelé une berceuse de la mort. Mais c’est ainsi que je sens la mort : comme une délivrance heureuse, une aspiration au bonheur d’au-delà, plutôt que comme un passage douloureux… ». Le Pie Jesu est l’un des moments forts. Saint-Saëns déclare d’ailleurs « Son Pie Jesu est le SEUL Pie Jesu, comme l’Ave Verum de Mozart est le SEUL Ave Verum. »

13 - Claude Debussy 1890 - Suite Bergamasque - 3. Clair de lune

14 - Erik Satie 1893 - Gnossiennes - 1. Lent

15 - Ernest Chausson 1891 - Concerto pour piano, violon et quatuor à cordes - 2. Sicilienne
Issu de la bourgeoisie, Chausson est l'un des personnages les plus influents de la fin du XIXème siècle. Secrétaire de la Société Nationale de Musique, il est ami avec la plupart de ses confrères, de Massenet (son professeur) à Debussy. Il est également proche de peintres comme Odilon Redon. Ses compositions, à défaut d'être innovantes, représentent l'esprit de l'époque.

16 - Jules Massenet 1894 - Thaïs - Méditation

17 - Francis Poulenc 1959 - Improvisation n°15 - Hommage À Edith Piaf
Le chaînon manquant entre Schubert et le Music Hall : Francis Poulenc (1899-1963) est en effet l'un des premiers en France à rompre les barrières entre musique classique et variété. Son objectif ? Rester en marge de toute "école" pour garder sa liberté d'expression, basée sur l'instinct.

18 - Georges Delerue 1963 - Thème de Camille (Le Mépris)
Delerue s'empare de l'Adagio de Barber et, comme son ainé américain, tisse une oeuvre répétitive et lancinante. L'idée est de faire ressortir la monotonie du couple, qui se désagrège petit à petit pendant le film. D'ailleurs, son réalisateur utilise ce thème à maintes reprises pour bien marquer le côté lassant et répétitif de l'histoire. C'est tragique sans être dramatique.

19 - Georges Delerue 1973 - La

Introduction
1870. La débâcle de Sedan et l’invasion prussienne. 1871, la Commune de Paris réprimée dans le sang. Quand naît la IIIème République, le patriotisme et la volonté de prendre sa revanche sur les drames passés sont au plus haut.

Les années qui suivent sont celles de la 1ere Grande Dépression mondiale (1873 – 1896) : Crise boursière, crise bancaire (faillite d’une des plus grandes banques françaises, l’Union Générale, en 1882), crise industrielle. La France est en plein marasme. Les ouvriers du bâtiment se mettent en grève en 1888. Aux élections, on se refuge dans un conservatisme exacerbé (poussée du Boulangisme). La plupart des pays réagit en fermant les frontières (développement du protectionnisme) et en allant chercher de la croissance à travers une nouvelle vague de colonisation (« La politique coloniale est fille de la politique industrielle » dixit Jules Ferry) : Le Tonkin et l’Annam passent sous protectorat français en 1884, le Laos en 1893, Madagascar est conquis en 1896….

A la sortie de cette crise sans équivalent correspond une effervescence inédite. A Paris, on peut croiser Paul Verlaine, Stéphane Mallarmé, Suzanne Valadon (un temps compagne d’Erik Satie), Edgar Degas, Claude Monet, Auguste Renoir, Auguste Rodin, Alexandre Dumas fils, Emile Zola, Edmond Rostand, Aristide Bruant, Gustave Eiffel (qui va révolutionner le paysage parisien), Nadar, le jeune Georges Meliès... L’esprit est à la fête et les cabarets sont à leur apogée (Folies Bergères fondées en 1872, Le Chat Noir en 1881, le Moulin Rouge en 1889). C’est également le temps des Guinguettes.

C’est dans ce contexte qu’une nouvelle génération de compositeurs repart des bases laissées par Hector Berlioz (1803-1869) pour créer une identité musicale forte, indépendante du romantisme allemand (Wagner, Brahms, Strauss…).

Tracklist
1 - Ray Charles Hallelujah I Love Her So (1955)
2 - Ray Charles What'd I Say, Part 1 (1959)
3 - Barrett Strong Money (That's What I Want) (1959)
4 - Carla & Rufus Thomas 'Cause I Love You (1959)
5 - Etta James I Just Want To Make Love To You (1960)
6 - James Brown Think (1960)
7 - James Brown Night Train (1961)
8 - James Brown It's A Man's Man's World (1966)
9 - Smokey Robinson & The Miracles Shop Around (1960)
10 - Smokey Robinson & The Miracles Ooo Baby Baby (1965)
11 - Smokey Robinson & The Miracles The Tears Of A Clown (1966)
12 - The Marvelettes Please Mr. Postman (1961)
13 - The Mar-Keys Last Night (1961)
14 - Booker T. & The MG's Green Onions (1962)
15 - Stevie Wonder Fingertips Part 2 (1963)
16 - Stevie Wonder Uptight (1966)
17 - Stevie Wonder I Was Made To Love Her (1967)
18 - The Ronettes Be My Baby (1963)
19 - Solomon Burke Everybody Needs Somebody To Love (1964)
20 - The Supremes You Can't Hurry Love (1966)
21 - The Supremes The Happening (1967)
22 - The Four Tops It's The Same Old Song (1965)
23 - The Four Tops Reach Out I'll Be There (1966)
24 - Fontella Bass Rescue Me (1965)
25 - Martha Reeves & The Vandellas Nowhere To Run (1965)
26 - Wilson Pickett In The Midnight Hour (1965)
27 - Roy Head & The Traits Treat Her Right (1965)
28 - Nina Simone Feeling Good (1965)

Introduction
Exodus (1964) – Un des 1ers enregistrements du célèbre Studio One. Reprise du thème du film de 1960
Mammy Oh (1960) – Le 1er hit jamaïcain, produit par le futur 1er Ministre Edward Seaga
(I'm Gonna) Put It On (1965) – Extrait du 1er album du groupe de Pete Tosh et Bob Marley
Ride Your Donkey (1968) - Le rythme est ralentit. Le Ska devient Rocksteady
Whine And Grine (1967) – Un des artistes les plus influents, faisant connaître Ska et Rocksteady dans le monde entier
Many Rivers to Cross (1969) – Une sorte de gospel qu’on peut interpréter comme traitant le thème de l’exil (des africains)
Mother And Child Reunion (1971) – 1er artiste occidental à enregistrer au Studio One, avec les musiciens locaux
Buffalo Soldier (1983) – Un hymne au 1er régiment noir américain. Un symbole d’intégration et d’égalité pour Marley
Aux Armes Et Caetera (1979) – Gainsbourg enregistre à Kingstown, suivant les paroles du manuscrit original
Can't Stand Losing You (1978) – Les Punks anglais remettent le reggae et le ska au goût du jour
Pass The Dutchie (1982) – Au début des 80s, Londres et le quartier de Portobello sont devenus la capitale du Reggae
Mangez-moi Mangez-moi (1994) - Le reggae peut aussi être humoristique, même pour encourager à la consommation de substances illicites...
Marley (2010) – Chanson hommage, où l’artiste sénégalais mélange les styles africains et jamaïcains
Yekermo Sew (2005) – Le père de l ’Ethio Jazz (jazz ethiopien)
Moziki (2009) – Groupe de handicapés congolais qui intègre le reggae dans ses influences
Ma Jolie (2010) - Abd al Malik s'inspire du Soukous de son enfance, genre musical congolais issu de la Rumba cubaine et du Zouk antillais
Mulemba Xangola (1993) – Un duo intergénérationnel des anciennes colonies portugaises dans un standard du Sodade
Jiin Ma Jiin Ma (1978) – Un groupe sénégalais aux multiples influences, qui se rapproche ici de la Saudade capverdienne
Petit Pays (1995) – Un même esprit nostalgique, provenant d’une île elle aussi marquée par l’esclavagisme.
Oh Carolina (1993) – Modernisation d’un classique du Ska de 1960
Get Busy (2002) – Le renouveau de la scène Dancehall jamaïcaine. Son plus grand succès.
As We Enter (2010) – Le fils de Bob Marley en duo avec le rappeur Nas sur un sample de M. Astatke.

1 - The Skatalites
2 - Higgs & Wilson
3 - The Wailers
4 - The Tennors
5 - Prince Buster
6 - Jimmy Cliff
7 - Paul Simon
8 - Bob Marley
9 - Serge Gainsbourg
10 - The Police
11 - Musical Youth
12 - Billy Ze Kick
13 - Youssou N'Dour
14 - Mulatu Astatke
15 - Staff Benda Bilili
16 - Abd al Malik
17 - Bonga & Lura
18 - Orchestra Baobab
19 - Cesaria Evora
20 - Shaggy
21 - Sean Paul
22 - Nas & Damian "Jr. Gong" Marley

Tracklist
La présente sélection ne refète pas nécessairement la liste de mes artistes préférés. En effet, pourquoi refaire une liste des titres de Brassens ou de Brel, dans la mesure où de nombreuses compilations et sites spécialisés existent déjà ? L'idée ici est de présenter des artistes sous un angle original. Cela demeure néanmoins des choix subjectifs.
La présente sélection ne refète pas nécessairement la liste de mes artistes préférés. En effet, pourquoi refaire une liste des titres de Brassens ou de Brel, dans la mesure où de nombreuses compilations et sites spécialisés existent déjà ? L'idée ici est de présenter des artistes sous un angle original. Cela demeure néanmoins des choix subjectifs.
PARADIS PERDUS
Introduction
Dxx
DAHO
Introduction
Dxx


SARDOU
Introduction
Dxx

EDDY et JOHNNY
Introduction
xxx


DOUBLE JEU
Introduction
Dxx

DIONYSOS
Introduction
xx


30 ans après le Swinging London, les Britanniques prouvent à nouveau que les Boys Bands ne sont pas que des teenagers niais et interchangeables. Radiohead, Coldplay, Keane... La Brit Pop des années 90-00 à travers un panel sélectif.
Loin des multiples "best of", un parcours thématique d'un homme qui s'interroge sur le temps qui passe et ses conséquences : l'usure de l'amour, la filiation, la mort... Loin des clichés, Michel Sardou présente un visage très personnel et plein de doutes.
Here is a quick introduction for those of you who don't know anything about French pop music. It is based on famous tracks, many of which have been covered in English or successfully sung on Broadway in their original version.
Les grandes célébrations sportives et culturelles ont souvent été l'occasion de se réunir autour d'hymnes fédératrices, soutenues par des orchestres survitaminés et des interprètations tonitruantes. En voici un florilège perpétuant l'esprit Kitsch.
Le groupe le plus sado-masochiste de l'histoire, où des femmes interpêtent des histoires de séparation douloureuses, écrites par des maris qui divorcent... Une compilation qui commence avant et se termine après l''existence même du groupe.
En France, quand on parle de "Rock", on pense souvent à Johnny Hallyday. Voici quelques titres des années 90-00 qui présentent ce que veut dire "Rock" pour les Américains... Branhez les guitares !
La discographie d'Etienne Daho ne se limite pas à ses albums solo. Voici une sélection de collaborations, reprises et productions marquées par l'influence de Gainsbourg. En prime, quelques titres live, pour rappeler que les versions scéniques sont parfois bien éloignées de l'original.
Robbie Williams a déjà publié un best of assez complet. Mais n'y figurent pas ses succès avec Take That, ni ses extraits de concert, ni ses "featurings"... Voici une petite séance de rattrapage.
Une sélection entièrement subjective, qui ne demande qu'à être enrichie par de nouvelles découvertes : l'objectif est de découvrir des chansons connues totalement transfigurées lors de concerts éblouissants.
Après une dizaine d'années à suivre la mode américaine (avec un métro ou deux de retard), la musique française se retourne sur ses glorieux ainés (Brassens, Piaf...) et s'invente une nouvelle génération de "chanteurs à texte" soutenus par des orchestrations aussi sobres que les pelles à tarte qui servaient de cols de chemise...
Une histoire qui dure 20 ans. Renaud confronte ses idéaux amoureux et politiques au temps qui passe. Mais la réalité le submèrge. Peu à peu, il devient celui qu'il ne voulait pas être. Et il le sait.
xxx, xxx, xxx... Ces cabarets sont une école où les artistes viennent travailler et affiner leur répertoire. Seuls les meilleurs restent, plus influencés par les chansons réalistes d'avant-guerre et par le be-bop que par le rock'n'roll naissant.
Avec le recul, il est toujours difficile d'imaginer ce que les gens ont pu ressentir en écoutant pour la première fois Elvis. Il est aussi difficile de concevoir que cette révolution musicale n'a duré que quelques années, avant que ses icônes ne disparaissent et que "l'industrie musicale" ne prenne le dessus sur cette insouciante spontanéité.
Jospéhine Baker, Carlos Gardel, Xavier Cugat... Des noms mythiques synonymes d'un temps aujourd'hui révolu : quand la musique s'ouvrait au monde et cherchait de nouvelles formes d'expression, quand les paquebots transatlantiques étaient le trait d'union entre New York et Paris...
"Double Jeu", le nom du dernier album écrit et chanté par Michel Berger. C'est aussi une facette d'un jeune producteur marqué par ses rencontres avec Véronique Sanson, Françoise Hardy et France Gall. Cette compilation égrène quelques pièces maitresses de ce puzzle.
Un groupe qui n'a publié aucun véritable best of en 20 ans de carrière ? Dyonisos, où comment un obscur groupe grunge de province se métamorphose à force d'envolées lyriques pour devenir un capteur de rêves maladroits et insolites.
Simon avec Garfunkel, Simon sans Garfunkel, Garfunkel (presque) sans Simon... Une histoire pleine de chansons douces aux paroles acerbes., faite de séparations et de retrouvailles, de découvertes et de retours aux sources.
Glamour et Démesure
Les Beatles ont entamé une démarche d'expérimentation, basée sur les nouvelles techniques d'enregistrement et sur l'utilisation de substances planantes et interdites. C'est la brèche dans laquelle s'engouffrent les groupes de Rock Progressif.
A l'inverse, les défenseurs du Glam Rock cherchent un retour à plus de simplicité musicale. En adoptant un look décalé, ils développent leurs propres codes, tout aussi marqués par la créativité en seryngue ou en poudre.
Deux amis. Deux amoureux de la culture et de la musique blues/rock américaine. Mais deux visions opposées : quand l'un idéalise une Amérique fantasmée, l'autre raconte la perte de ses modèles et la dure réalité du quotidien. Portait musical croisé.
L'esprit des danses de salon des années 30 (mambo, rumba...) est adapté et orchestré pour animer les soirées des années 50-60. La Lounge Music de l'époque s'appelle le Easy Listening.
A la fin du XXème siècle, la musique est devenue une industrie gérée par une poignée de multinationales. Mais l'avènement du web et des ordinateurs permet à de nouvelles générations de travailler de façon indépendante, sans prétention artistique ni parti pris idéologique.
Les 70's et leur côté "too much", avec moultes violons et cuivres. Le Easy Listening n'y échappe pas. Il s'enrichit, quitte à friser l'overdose. Il devient Kitsch. Souvenirs...
Tracklist
1 - Ruggiero Leoncavallo



2 - Gaetano Donizetti



3 - Gioacchino Rossini



4 - Vincenzo Bellini



5 - Giuseppe Verdi
6 -




7 - Amilcare Ponchielli
8 - Pietro Mascagni
9 - Umberto Giordano
10 - Alfredo Catalani
11 - Giacomo Puccini
12 -
13 -
14 -
15 -
16 -
17 -
18 - Nino Rota
19 -
20 - Eduardo di Capua
I Pagliacci - Recitar!... Vesti la giubba (1892)



Elisir d'Amore - Una furtiva lagrima (1832)



Maometto II - E d'un trono (1820)



Norma - Casta Diva (1831)



La Traviata - Libiamo ne'lieti calici (1853)
Aida - Gloria all'Egitto (1871)




La Gioconda - Cielo e mar! (1875)
Cavalleria Rusticana - Finale (1889)
Andrea Chenier - La Mamma morta (1896)
La Wally - Ebben? Ne andro lontana (1891)
Turandot - Nessun dorma (1891)
La Bohème - O soave fanciulla (1895)
Tosca - Vissi d'arte (1899)
Tosca - E lucevan le stelle (1899)
Madama Butterfly -
Suor Angelica - Sorella, o buna sorella (1918)
Gianni Schicchi - O mio babbino caro (1918)
Le Parrain - Scène d'amour (1972)
Le Guépard -
O sole mio (1898)
Leoncavallo reprend en musique la posture adoptée en peinture : ne pas s'inspirer des Grands de ce monde mais plutôt des petites gens, les "vaincus de la vie" selon Verga. Ce mouvement, proche de la réalité quotidienne, est nommé le "vérisme". Cet air sera notamment popularisé par le plus grand ténor du début du XXème siècle, Enrico Caruso, qui 10 ans après la création de l'oeuvre, fut le 1er à dépasser le million de disques vendus.

Précurseur de Verdi, Donizetti reprend les codes de la Comedia dell'Arte et y intègre les ressorts dramatiques chers au romantisme naissant. L'air "Une furtiva lagrima" est depuis devenu un classique des récitals lyriques. La version enregistrée par Mario Lanza, italo-américain qui servit de modèle à Elvis Presley comme à Luciano Pavarotti, en est une référence.

Rossini (1792-1868) fait partie de la génération précédant le Risorgimento. Son style est plus volontiers "classique". Mais il a, sur le tard, adpoté les codes de la musique italienne du XIXème siècle.


Bellini est le contemporain et "concurrent" de Donizetti. Comme dans la plupart des airs d'opéra romantiques, Maria Callas est particulièrement à son avantage dans cette invocation mystique à la lune, marquée par la longueur du souffle et la précision des vocalises jusqu'au contre-ut (à trois reprises).

A l'inverse de Donizeeti et Bellini qui s'installent rapidement à Paris, Verdi incarne le Risorgimento comme personne d'autre dans le monde musical. Proche du 1er Président du Conseil, Cavour, il sera même député et sénateur. Musicalement, si ses premiers opéras sont également des pamphlets, Verdi recentre progressivement son attention sur les personnages principaux, pour aboutir à La Traviata, drame intimiste basé sur la Dame aux Camelias de Dumas. Une vingtaine d'années plus tard, avec Aïda, il conserve cette trame romantique mais la replace dans un contexte exotique (l'Antiquité Egyptienne) comme le fera Georges Bizet avec Carmen 4 ans plus tard.
1 - Irving Aaronson & His Commanders Let's Misbehave Le titre est un programme typique des années folles. Puisque la vie n' pas de sens (voir les Dada), autant en profiter et "mal se conduire".
2 - Eddie Lang & Joe Venuti After You've Gone
3 - Russ Columbo Guilty (1931)
4 - Bert Ambrose When Your Lover Has Gone (1931)
5 - Cab Calloway The Scat Song Avec lui, le scat, "inventé" par Luis Armstrong, devient une fin en soi, un outil pour jouer avec le public.
6 - Guy Lombardo & His Royal Canadians That Old Feeling (1937)
7 - Larry Clinton & His Orchestra I Double Dare You (1938)
8 - Marlene Dietrich Ich bin von Kopf bis Fuss...(1930) Dans les années 20-30, la France n'est pas encore le pays européen du cinéma. C'est l'âge d'or des Studios de Babelsberg avec les productions de Murnau, Lang, von Sternberg... Avant son départ pour les USA, LA star est Marlene Dietrich
9 - Judy Garland Over the Rainbow (1939) Une fable politique (pour lutter contre la dépression, vive l'étalon or/argent !) racontée aux enfants. La fin de l'âge d'or des comédies musicales hollywoodiennes
10 - Fred Astaire Cheek to Cheek (1935) Extrait de Top hat, qui réunit le duo Fred Astaire / Ginger Rogers
11 - Tino Rossi O Corse ile d'Amour (1934) 1er succès d'un parcours à la Elvis Presley : autodidacte, Tino Rossi grave un disque pour sa mère. Le producteur le prend sous son aile. C'est le succès planétaire, l'histérie féminine. Le succès est tel que Tino Rossi demande lui-même aux radios de moins le diffuser
12 - Carlos Gardel Mi Buenos Aires Querido (1934)
13 - Juan d'Arienzo & su Orquestra Tipica Amor y Celos (1936)
14 - Xavier Cugat & His Orchestra One, Two, Three, Kick (1937) Poussé par Rudolf Valentino, Xavier Cugat, Violoniste de formation classique, popularise la musique cubaine aux USA : la Rumba. C'est lui qui lancera la carrière d'une jeune fille de 13 ans nommée Rita Hayworth
15 - Joséphine Baker La conga blicoti (1936) La meneuse de revue noire (la "Revue Nègre" dès 1925), juste vétue d'un pagne de bananes (fruit soigneusement évocateur...), importe le Charleston en France. Engagée dans le contre-espionnage pendant la 2ème Guerre Mondiale, puis aux côtés de Martin Luther King dans sa lutte pour les Droits Civiques...
16 - The Andrew Sisters Rum & Coca-Cola (1945) Dans la tradition des musiques exotiques, voici la Calypso, venue des Antilles. Le ton léger contraste avec les paroles : les soldats américains en mission à l'étranger détruisent les populations locales en conduisant les mères et les filles à se prostituer pour l'argent
17 - Charles Trénet Ménilmontant (1939)
18 - Fréhel Si Tu N'étais Pas Là (1934) En France, depuis le début du siècle, la mode est à la Chanson Réaliste, mélodramatique et romantique, type Fréhel ou Berthe Silva. Ce style va connaître son chant du cygne après la seconde guerre mondiale avec la jeune Edith Piaf
19 - Fernandel Ignace Le cabaret n'est pas qu'une histoire de chanson. Il faut aussi savoir jouer la comédie et faire rire. C'est l'héritage du "comique troupier" comme Gaston Ouvrard (créateur de "je ne suis pas bien portant") censé réconforter les soldats pendant la Grande Guerre. Suivront Bourvil, Fernand Raynaud...
20 - Tommy Dorsey & his Orchestra You and I Les chanteurs commencent à prendre de plus en plus de poids au sein des Big Bands. Bientôt, le nom chef d'orchestre sera remplacé en haut de l'affiche par celui du chanteur : Frank Sinatra
21 - Guy Lombardo and His Orchestra Auld Lang Syne De 1929 à 1959, Guy Lombardo clôt le concert télévisé de la Saint Sylvestre à New York par l'incontournable "Auld Lang Syne", chant traditionnel écossais du XVIIIème siècle

Introduction
1920. L’Europe est marquée par les stigmates de la 1ere guerre mondiale. En Russie, suite à la Révolution Bolchévique, on tente d’ériger des valeurs de partage, de travail, de sacrifice pour la communauté. A l'inverse, aux Etats-Unis notamment, on tente d’exorciser cette tragédie en faisant la fête et en profitant du moment présent. Ce sont les « années folles » au cours desquelles un axe Paris-New York se dessine. Les Etats-Unis veulent en effet prendre leur indépendance vis-à-vis de la couronne royale britannique, restée fidèle à ses traditions héritées du XIXème siècle. Ce n’est d’ailleurs pas un hasard si le 1er vol transatlantique, réalisé par Charles Lindbergh, relie New York à Paris, et non pas à Londres. Quant aux paquebots, ils facilitent les échanges transatlantiques et rivalisent de luxe et de rapidité pour relier les deux continents : c’est l’époque où le Normandie (France), le Queen Mary (UK), l’Europa (Allemagne) et le Rex (Italie) se battent pour détenir le Ruban Bleu, le record de la traversée.

Aux yeux du monde, Paris représente la liberté. Cela se manifeste d’abord par l’absence de loi raciale, contrairement aux Etats-Unis. Les musiciens noirs de jazz affluent et c’est d’ailleurs de Paris que décolle la carrière de la 1ère star mondiale noire : Joséphine Baker et sa « Revue Nègre ». Paris, c’est aussi la liberté sexuelle : la France est le seul pays occidental à ne pas avoir promulgué de loi anti-homosexualité. Quant à l’érotisme, il fait partie du « Paris Canaille » cher à Kiki de Paris (muse de Man Ray). Enfin, Paris, c’est la vie de Bohème, de Montmartre à Montparnasse, où les artistes sans le sou se côtoient dans un microcosme interlope et festif : rien qu’en littérature, Jean Cocteau, Francis Scott Fitzgerald, James Joyce, Joseph Kessel, John Steinbeck, Ernest Hemingway font partie du cercle entourant Gertrud Stein, l’une des plus grandes mécènes du XXème siècle.

Si les artistes américains encore inconnus débarquent en France, les stars françaises s’exportent également très bien : bien sûr, il y a Maurice Chevalier, Jean Sablon et Tino Rossi, pour qui on invente le surnom de « Latin Lover ». Il y a aussi Carlos Gardel qui avait quitté son Argentine natale, où sa musique, le tango, était considérée comme trop sexuelle et populaire. Contrairement à la Belle Epoque, où l'exotisme était intégré dans la musique classique par les compositeurs occidentaux (Debussy et ses "Estampes Japonaises"), ce sont désormais les artistes indigènes qui montent sur scène pour faire connaître leur musique. Ainsi, plus encore que le Tango, les années 30 sont celles de la Rumba, ce rythme cubain popularisé par Xavier Cugat.

Mais cette période débridée est vite rattrapée par la réalité : krach boursier de 1929, New Deal de Roosevelt en 1933, fermeture progressive des cabarets, supplantés par les disques microsillon, la radio et le cinéma parlant (à partir de 1927)… C’est la naissance de la consommation de masse. La fin d’une utopie du bonheur refusant de voir monter un nouveau modèle de société : le nazisme.

NY, Années Folles
Dans les années 50, une jeunesse américaine insouciante crée une musique hybride à base de Country et de Blues. En moins de 10 ans, leur musique transforme le paysage musical mondial, avant de se faire rattraper par l'Industrie qu'est devenue la Musique.
1 - Irving Aaronson & His Commanders Let's Misbehave Le titre est un programme typique des années folles. Puisque la vie n' pas de sens (voir les Dada), autant en profiter et "mal se conduire".
2 - Eddie Lang & Joe Venuti After You've Gone
3 - Russ Columbo Guilty (1931)
4 - Bert Ambrose When Your Lover Has Gone (1931)
5 - Cab Calloway The Scat Song Avec lui, le scat, "inventé" par Luis Armstrong, devient une fin en soi, un outil pour jouer avec le public.
6 - Guy Lombardo & His Royal Canadians That Old Feeling (1937)
7 - Larry Clinton & His Orchestra I Double Dare You (1938)
8 - Marlene Dietrich Ich bin von Kopf bis Fuss...(1930) Dans les années 20-30, la France n'est pas encore le pays européen du cinéma. C'est l'âge d'or des Studios de Babelsberg avec les productions de Murnau, Lang, von Sternberg... Avant son départ pour les USA, LA star est Marlene Dietrich
9 - Judy Garland Over the Rainbow (1939) Une fable politique (pour lutter contre la dépression, vive l'étalon or/argent !) racontée aux enfants. La fin de l'âge d'or des comédies musicales hollywoodiennes
10 - Fred Astaire Cheek to Cheek (1935) Extrait de Top hat, qui réunit le duo Fred Astaire / Ginger Rogers
11 - Tino Rossi O Corse ile d'Amour (1934) 1er succès d'un parcours à la Elvis Presley : autodidacte, Tino Rossi grave un disque pour sa mère. Le producteur le prend sous son aile. C'est le succès planétaire, l'histérie féminine. Le succès est tel que Tino Rossi demande lui-même aux radios de moins le diffuser
12 - Carlos Gardel Mi Buenos Aires Querido (1934)
13 - Juan d'Arienzo & su Orquestra Tipica Amor y Celos (1936)
14 - Xavier Cugat & His Orchestra One, Two, Three, Kick (1937) Poussé par Rudolf Valentino, Xavier Cugat, Violoniste de formation classique, popularise la musique cubaine aux USA : la Rumba. C'est lui qui lancera la carrière d'une jeune fille de 13 ans nommée Rita Hayworth
15 - Joséphine Baker La conga blicoti (1936) La meneuse de revue noire (la "Revue Nègre" dès 1925), juste vétue d'un pagne de bananes (fruit soigneusement évocateur...), importe le Charleston en France. Engagée dans le contre-espionnage pendant la 2ème Guerre Mondiale, puis aux côtés de Martin Luther King dans sa lutte pour les Droits Civiques...
16 - The Andrew Sisters Rum & Coca-Cola (1945) Dans la tradition des musiques exotiques, voici la Calypso, venue des Antilles. Le ton léger contraste avec les paroles : les soldats américains en mission à l'étranger détruisent les populations locales en conduisant les mères et les filles à se prostituer pour l'argent
17 - Charles Trénet Ménilmontant (1939)
18 - Fréhel Si Tu N'étais Pas Là (1934) En France, depuis le début du siècle, la mode est à la Chanson Réaliste, mélodramatique et romantique, type Fréhel ou Berthe Silva. Ce style va connaître son chant du cygne après la seconde guerre mondiale avec la jeune Edith Piaf
19 - Fernandel Ignace Le cabaret n'est pas qu'une histoire de chanson. Il faut aussi savoir jouer la comédie et faire rire. C'est l'héritage du "comique troupier" comme Gaston Ouvrard (créateur de "je ne suis pas bien portant") censé réconforter les soldats pendant la Grande Guerre. Suivront Bourvil, Fernand Raynaud...
20 - Tommy Dorsey & his Orchestra You and I Les chanteurs commencent à prendre de plus en plus de poids au sein des Big Bands. Bientôt, le nom chef d'orchestre sera remplacé en haut de l'affiche par celui du chanteur : Frank Sinatra
21 - Guy Lombardo and His Orchestra Auld Lang Syne De 1929 à 1959, Guy Lombardo clôt le concert télévisé de la Saint Sylvestre à New York par l'incontournable "Auld Lang Syne", chant traditionnel écossais du XVIIIème siècle

Introduction
xx

Let's Rock!
1531 : Henry VIII fonde la religion anglicane pour sceller son divorce d’avec Catherine d'Aragon et son remariage avec sa favorite Anne Boleyn. Qui dit nouvelle religion dit nouvelle liturgie, donc nouvelles compositions, de préférence en anglais par opposition au latin de l’Eglise Catholique. Les compositeurs comme William Tallis sont anoblis et jouissent de l'exclusivité de publier et de vendre de la musique dans le Royaume.

Mais pendant plus d'un siècle, les luttes entre catholiques et protestants entrainent une grande instabilité, ce qui finit par aboutir à la "Glorieuse Révolution" (1688-1689). Dès lors, une nouvelle génération de compositeurs s'épanouit, à commencer par Henry Purcell. Puis Haendel, allemand naturalisé anglais, tout comme le roi Georges II, né à Hanovre. Les compositions sont alors essentiellement consacrées à des évènements religieux ou royaux. Il faut impressionner et divertir.

La vague révolutionnaire qui déferle ensuite sur l'Europe continentale n'atteint pas les côtes britanniques. Tout comme le virage vers le Romantisme. De fait, patriotisme et usage du folklore comme source d'inspiration sont déjà très présents depuis près de deux siècles outre Manche. La seule révolution qui se produit, c'est la révolution industrielle.

A la fin de l'ère Victorienne (1901), rigide et corsetée, la création musicale connaît un nouvel essor : l'artiste peut enfin s'exprimer librement. En literrature, Arthur Conan Doyle écrit Le Chien des Baskerville (1902), J.M. Barrie publie Peter Pan (1904) tandis que Jack London édite Croc Blanc (1906). En musique, Hubert Parry dénonce l'exploitation des enfants, tandis que Ralph Vaughan Williams revisite la musique folklorique.

Au final, sur plus de cinq siecles, les compositeurs britanniques ont créé de nombreux airs, célébrant la monarchie et leur pays. Essentiellement chorales, ces oeuvres sont jouées régulièrement et se transmettent de génération en génération. D'ailleurs, si la Grande Bretagne n'a pas d'hymne officielle, elle dispose de nombreuses hymnes officieuses, comme le God Save the Queen (Haendel), Jerusalem (Parry), Land of Hope and Glory (Elgar)... La musique comme ciment de la culture nationale.
C'est l'histoire d'un enfant prodige protégé et formé par son père. Il apprend très vite. Tout l'inspire. Adolescent, il "fait ses gammes" en composant avec les codes très rigides de l'époque. Des structures qui brident rapidement sa créativité. Un environnement où son employeur, le prince d'une modeste province germanique. ne le considère que comme un simple serviteur.

D'où une émancipation brutale, quoique soutenue par sa famille. Mais, au bout de son séjour en France, la désillusion est cruelle : la bourgeoisie est plus préoccupée par la révolution que se prépare que par la musique. Lui qui avait été adulé partout dans le monde depuis sa plus tendre enfance devient un obsur professeur de musique, à des kilomètres de chez lui. Lui qui avait toujours été protégé par son père doit prendre soin de sà mère et assiste impuissant à sa mort. Lui qui était persuadé d'avoir trouvé l'amour de sa vie apprend que son aimée s'est mariée avec un autre...

C'est l'histoire d'un adulte qui prend un nouveau départ en s'installant à Vienne. Il y découvre un nouvel instrument, le piano forte, et en explore toutes les limites. Professeur pour l'aristocratie locale, il est enfin reconnu à sa juste valeur et est intégré dans les cercles fermés de la franc-maçonnerie. Il est marié et devient à son tour père. Il vit enfin ce dont il avait révé.

Mais la guerre avec l'empire ottoman met fin à cette heure de gloire : fini le bouillonnement créatif, finies les soirées de gala à l'opéra. En ces temps difficiles, tout le monde cherche avant tout à se protéger et à manger. Difficile à vivre quand on a pris goût aux fastes et aux honneurs. Il serait possible se faire profil bas, en attendant que cela passe, Mozart choisit d'innover encore plus. Le public ne suit plus. Seuls ses amis musiciens le comprennent. Mais Mozart a foi en sa bonne étoile et innove encore plus. Il compose jusqu'à l'épuisement.

A sa mort, l'argent récolté grâce à son Requiem permet à son épouse et à ses enfants de vivre dans de bonnes conditions. Constance veille alors sur son oeuvre pendant plus de 50 ans. Elle sera son meilleur impresario et assurera sa postérité, bien au delà de ce qu'il avait lui-même imaginé.
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