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El Barroco Musical.

Material de apoyo para la explicacion del Barroco musical.
by

Ernesto Jorge Abad Fernández

on 21 November 2016

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Transcript of El Barroco Musical.

El Barroco es una etapa de la Historia que se desarrolla entre los años 1600-1750. A diferencia del Renacimiento, el hombre no va a buscar el ideal de belleza en el equilibrio y la armonía, sino que buscará exaltar las pasiones, sorprender al espectador, "moverle" los sentimientos...
INTRODUCCIÓN HISTÓRICA.
MÚSICA VOCAL PROFANA:
MÚSICA INSTRUMENTAL:
CARACTERÍSTICAS DEL BARROCO MUSICAL.
LA APARICIÓN DE LA ÓPERA.
MÚSICA VOCAL RELIGIOSA:
A pesar del éxito de la Ópera, la música religiosa sigue teniendo una gran importancia. Tanto católicos como protestantes vieron en la música una herramienta educativa y propagandística. Adoptan rápidamente la monodía acompañada, que permitía un mejor entendimiento de los textos, al contrario que en la música contrapuntística. Esta última no se abandona, sino que se complica con la introducción del policoralismo.

Además de seguir con la composición de formas del periodo anterior (motetes, misas, corales,...), aparecen nuevos géneros musicales:

CANTATA ORATORIO PASIÓN
En el Barroco se produce el despegue definitivo de la música instrumental gracias a la labor de luthiers como los Amati, Guarnieri y Stradivarius, quienes perfeccionaron la manera de construir instrumentos musicales, en especial los de la familia del violín. Como consecuencia de ese perfeccionamiento, ya pueden tocar varios instrumentos de forma conjunta sin presentar problemas de afinación. Por ello la primera orquesta estable que aparece es la de cuerdas, formadas por violines, violas, violonchelos y algún instrumento de teclado. Conforme se perfeccionan otros instrumentos (flautas, oboes, trompas,...) se van incorporando, dando lugar a la orquesta de cámara.

PRINCIPALES GÉNEROS MUSICALES:

FUGA SUITE SONATA CONCERTO
La música se ve afectada por la "Teoría de los afectos".
Surge la Monodía acompañada.
Nace el concepto de modalidad y tonalidad.
Surge el sistema de compases moderno.
Surgen el bajo continuo y el bajo cifrado.
Surge el estilo concertante.
Se extiende el uso del policoralismo.
Aparecen los castrati y la figura de los virtuosos.
LA MÚSICA EN EL BARROCO.
ESCULTURA:
PINTURA:
ARQUITECTURA:
Renacimiento: las figuras
presentan posiciones más
estáticas. Se cuida mucho el
equilibrio de la composición.
Barroco: las figuras muestran
más expresividad en la cara y
los gestos. Tienen más movimiento.
Renacimiento: se emplea la perspectiva y las figuras se suelen encajar en figuras geométricas para buscar el equilibrio. Gran colorido.
Barroco: se usan simbolismos.
El claroscuro da mayor expresividad
y contraste. La muerte suele ser un tema muy presente.
DIFERENCIAS ENTRE RENACIMIENTO Y BARROCO.
Renacimiento: los edificios tienen a usar lineas rectas y figuras geométricas. Uso de la simetría.
Barroco: fachadas sobrecargadas, irregulares,
de formas asimétricas y llenas de elementos simbólicos.
"David" de Miguel Ángel
(1501-1504).
"David" de Bernini (1623-1624).
"In ictu oculi" Juan Valdés Leal (1672).
"La escuela de Atenas" de Rafael (1512-1514).
Fachada del Palacio de Carlos V (S. XVI).
Fachada del Obradoiro de la Catedral de Santiago
(S. XVII).
La Ópera nace dentro de un círculo cultural promovido por el Conde Bardi en Florencia. En este círculo se reunían todo tipo de intelectuales (filósofos, poetas, músicos,...). Intentan resucitar el teatro clásico griego, pero añadiéndole música para reforzar la expresividad del espectáculo, siguiendo el ejemplo de los Madrigales. La primera ópera conocida es "Dafne", de Jacopo Peri (1597), aunque la primera que se conserva es su "Eurídice" (1600). La considerada primera gran ópera barroca por su calidad es "Orfeo" de Claudio Monteverdi.
CARACTERÍSTICAS:
La Ópera es una obra escénica en la que el texto es cantado total o parcialmente, con acompañamiento instrumental. Puede tener las siguientes partes:

Obertura: sección instrumental que a veces se empleaba para dar comienzo a la obra.
Partes cantadas: podían ser cantadas por coro o por solistas. En este último caso podían ser recitativos (texto casi declamado con poco acompañamiento instrumental) o arias (melodías expresivas para el lucimiento del cantante).
Interludios: fragmentos instrumentales que se intercalan para articular las distintas partes de la obra.
Tocatta y Fuga en Re m BWV 565
de J.S. Bach.
Pequeña Fuga en Sol m BWV 578
de J.S. Bach.
El nombre de "concerto" proviene del "estilo concertante", que buscaba el contraste, los cambios, la sorpresa en el oyente. La forma más habitual de concerto es en tres movimientos contrastantes (rápido-lento-rápido). Según los instrumentos empleados podía ser de dos tipos:

1.- Concerto Grosso: un grupo de instrumentos solistas (concertino) se "enfrenta" al resto de la orquesta (tutti). Destacan los "Seis Concerti Grossi" de Haendl y lo "Conciertos de Brandenburgo" de Bach:
Primer movimiento del "Concierto de
Brandenburgo 3 en Sol M" BWV 1.048
de J. S. Bach.
2.- Concerto a Solo: un único instrumento solista establece un diálogo con el tutti. El principal compositor será Antonio Vivaldi, al que se le atribuyen más de 300 conciertos para solista, la mayoría para violín. Destaca su ciclo de 4 conciertos "Las Cuatro Estaciones".
Primer movimiento del "Concierto Nº 4 en Fa m
Op. 8, RV. 297 "El Invierno", de A. Vivaldi.
La suite es una forma en varios movimientos que tiene su origen en la costumbre medieval y renacentista de agrupar danzas de distintos carácter. El número y la disposición de las danzas puede variar en la Suite. Las que más comúnmente se solían emplear eran la allemanda, de origen alemán, la bourré francesa, la sarabanda española, la courante (podía ser francesa o italiana),... Además, en muchas ocasiones antes de las danzas se componía un preludio que servía de introducción. El principal autor es J. S. Bach.
Preludio y Bourré de la "Suite para laúd" BWV 996 de J.S. Bach.
La fuga es el tipo de composición más difícil de elaborar. Toda la fuga gira en torno a una melodía principal (en ocasiones puede haber más melodías principales) que va apareciendo en las distintas voces y se modifica mediante técnicas contrapuntísticas. La fuga consta de tres partes: exposición (se presenta la melodía principal en todas las voces), desarrollo (se alterna la aparición de la melodía principal con secciones basadas en variaciones y elaboraciones de la misma, llamadas divertimentos) y reexposición. El principal compositor de fugas será J. S. Bach.
La Sonata era música para ser "sonada", es decir, tocada por instrumentos, normalmente de cuerda. Es una forma en varios movimientos, cuya estructura definitiva fijó Arcangelo Corelli en cuatro movimientos contrastantes (lento-rápido-lento-rápido). Podía ser para un instrumento (sonata a solo), para dos (a dúo) o para tres (a trío).
Sonata para violín y bajo continuo Nº7 en Re m op. 5 de A. Corelli. En el vídeo aparece la partitura de violín con el bajo cifrado,
Es una ópera religiosa sin representación escénica. Compuesta para orquesta, coro y solistas (interpretan recitativos y arias), refuerza el papel del coro e introduce la figura del narrador. Los temas están sacados del Antiguo y del Nuevo Testamento. Como compositores destacan J. S. Bach con su "Oratorio de Navidad" y Haendl y su famoso oratorio "El Mesías".
"Aleluya", coro de "El Mesías" de Haendl.
"For unto us", coro de "El Mesías"de Haendl.
La Pasión es un oratorio protestante muy difundido en Alemania. Trata la pasión y muerte de Cristo según los textos evangélicos. Tiene su origen en la costumbre medieval alemana de representar la pasión de Cristo con música, y que evolucionó en el Barroco incorporando arias, recitativos, narrador,... Destacan "La Pasión según San Mateo" y "La Pasión según San Juan", ambas de J. S. Bach.
La cantata era en principio una canción profana de temática lírico-amorosa, que será adaptada a la música religiosa cambiando los textos por otros sacados de los Evangelios, los Salmos o religiosos populares. Aunque será usada tanto por católicos como por protestantes, será en Alemania donde tendrá más arraigo, introduciéndose como seña de identidad el empleo del Coral (forma típica luterana). Como compositores podemos destacar a J.S. Bach y G.F. Telemann.
"Jesu bleibet meine Freude", coral de la Cantata bwv. 147 de J.S. Bach.
Coro inicial de "La Pasión según S. Mateo", BWV 244, de J.S. Bach.
TIPOS DE ÓPERA:
Ópera seria: con argumentos basados en temas mitológicos y heroicos, era el género preferido por la aristocracia. A este tipo pertenecen las primeras óperas. Empleaban castrati, y solían tener pasajes de gran virtuosismo vocal para el lucimiento de estos. Como autores, podemos destacar a Haendl, con obras como "Julio César en Egipto" y Henry Purcell con "Dido y Eneas", ambos en Inglaterra, y a Lully, en Francia, con su tragedia lírica,
Ópera cómica: con argumentos que reflejan escenas de la vida cotidiana del pueblo, a menudo eran una crítica a las clases altas de la Sociedad. Dado su carácter popular, la música era más sencilla y no se empleaban castrati. A excepción de Italia, en el resto de países se sustituían los recitativos por partes habladas. Recibió distintos nombres: Ópera Bufa en Italia, Singspiel en Alemania, Opera Comique en Francia y Zarzuela en España. Una de las obras más representativas es "La serva padrona", de G.B. Pergolesi.
Intermezzo de "La serva padrona", de Pergolesi.
Aria "When I am laid in Earth", de la ópera "Dido y Eneas de H. Purcell.
Esta presentación ha sido realizada por Ernesto J. Abad Fernández, profesor de música en el I.E.S. Casabermeja (España). El autor de la presentación no posee ningún tipo de derecho sobre los vídeos que aparecen, que han sido seleccionados por su valor pedagógico y únicamente son empleados con fines educativos. Si el propietario de los derechos de autor de alguno de dichos vídeos se opusiera a su uso, por favor, póngase en contacto conmigo en la dirección de correo más abajo citada y lo eliminaré (de antemano pido disculpas si he ocasionado algún perjuicio o daño).

Para cualquier sugerencia, crítica o comentario, pueden ponerse en contacto conmigo en la siguiente dirección de correo electrónico:

ernestoj.abad.edu@juntadeandalucia.es

Esta obra puede ser usada en los siguientes términos:
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Por último, si esta presentación le ha sido útil, sería agradable y motivador ser consciente de ello, por favor, hágamelo saber. Muchas gracias.
CRÉDITOS:
En este vídeo podrás ver una reconstrucción de como se usaba la policoralidad en la Basílica de S. Marcos de Venecia. La obra que se escucha es parte de los "Vespro della Beata Vergine", de Claudio Monteverdi.
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