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ARTE

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samantha alvarez pitones

on 31 May 2015

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Transcript of ARTE

Cubismo
El cubismo es un nuevo lenguaje del arte contemporáneo, convirtiéndose en el percusor de la subjetividad artística. Con el Cubismo, el lienzo pasa a ser una superficie plana y bidimensional.
Surge en la primera década del siglo XX, constituyendo la primera de las vanguardias artísticas. Los orígenes del Cubismo giran en torno a 1907, fecha en la que Picasso concluye “Las Señoritas de Avignon”, que será el punto de partida. El Cubismo es un arte mental, se desliga completamente de la interpretación o semejanza con la naturaleza.
El término cubismo fue acuñado por el crítico francés Louis Vauxcelles, el mismo que habrá desglosado a los fauvistas de faures (fieras). Vauxcelles dijo que era una pintura compuesta por “pequeños cubos” originándose así el concepto de “cubismo”.
Surrealismo
Esta la última manifestación artística importante del arte moderno antes del inicio de la II Guerra Mundial.

Se inició en París durante los años 30 por André Breton y quiso plasmar el mundo de los sueños y de los fenómenos del subconsciente. El psicoanálisis, el marxismo y el ocultismo fueron impotantes influencias para Breton, y su modelo de artista enfrentado a todo, Rimbaud. A diferencia de Dadá, el surrealismo es un movimiento -gracias a Breton-muy organizado y profundamente doctrinario.

El optimismo surrealista contrastaba con el nihilismo dadá. El surrealista no aspiraba a otra cosa que a la transformación total de la manera de pensar de la gente. Al romper los límites entre el mundo interior y el exterior, y al cambiar la manera que tenían de percibir la realidad, el surrealismo quería liberar el subconsciente, reconciliarlo con la conciencia y liberar a la humanidad de los grilletes de la lógica y la razón, que son los que han llevado a la muerte y destrucción en el mundo.

Art- Pop
Romanticismo
El romanticismo es un movimiento cultural y político originado en Alemania y en el Reino Unido a finales del siglo XVIII como una reacción revolucionaria contra el racionalismo de la Ilustración y el clasicismo, confiriendo prioridad a los sentimientos. Su característica fundamental es la ruptura con la tradición clasicista basada en un conjunto de reglas estereotipadas.

Pintura
Los pintores románticos tienen una característica esencial que los identifica: el gran valor que le conceden a la sensibilidad, así como a la realidad emotiva del artista en cuanto a las únicas cualidades que van a ser capaces de dotar de mucha validez a sus obras.

En cuanto a su contenido, destacan el sentimiento personal que sale al exterior mediante las cosas. Muchos de sus temas son extraídos de la historia, pero no en torno al mundo griego o romano y sus aspectos mitológicos, sino más bien al cuadro histórico con escenas de la vida

Neoclasicismo
Surgió en el siglo XVIII para denominar de forma despectiva, al movimiento estético que venía a reflejar en las artes los principios intelectuales de la Ilustración, que desde mediados del siglo XVIII se venían produciendo en la filosofía, y que consecuentemente se habían transmitido a todos los ámbitos de la cultura.

Arte
El arte (del latín ars) es el concepto que engloba todas las creaciones realizadas por el ser humano para expresar una visión sensible acerca del mundo, ya sea real o imaginario. Mediante recursos plásticos, lingüísticos o sonoros, el arte permite expresar ideas, emociones, percepciones y sensacione
ARTE
Artista: Eugene Delacroix
Tamaño: 1,89 m x 2,41 m
Período: Romanticismo
Técnica: Pintura al aceite
Fecha de creación: 1822
Tema: Virgilio, Divina comedia, Dante Alighieri, Estigia, Flegias

Artista: Francisco de Goya
Estilo: Romanticismo
Genero: retrato
Técnica: óleo
Material: canvas
Galería: National Gallery of Art, Washington, DC, USA

Escultura
Durante el siglo XIX Paris, se convierte en la capital artística. En Francia tienen gran protagonismo los salones de exposiciones porque en ellos se mide el grado de aceptación de los artistas. Estos se esforzaban en presentar obras de gran calidad que sorprenderán al público.
El material más utilizado es el bronce, pues ofrece más posibilidades de modelado que el mármol, aunque se utiliza también otros materiales como el hierro fundido y el cinc. 
La Marsellesa, François Rude (escultor mas importante)
Música
Es la época más importante de la historia de la música por la enorme cantidad de músicos que surgen.

Tieck, un de los grandes estetas del momento afirma: "La Tierra sin la música es una casa vacía de la que han unido sus moradores, por ello la historia de cada nación se inicia con la música". El Romanticismo musical se extiende más o menos de 1815 hasta 1880,aunque en muchos lugares continúa hasta avanzado el siglo XX ;y en el distinguimos un Romanticismo temprano y otro tardío, que comienza hacia 1850.

Franz Schubert (1797-1828)
Robert Schumann (1810-1856
Pintura
La pintura neoclásica es un movimiento pictórico nacido en Roma en la década de 1760 y que se desarrolló en toda Europa, arraigando especialmente en Francia hasta aproximadamente 1830, en que el Romanticismo pasó a ser la tendencia pictórica dominante
Jacques-Louis David: El juramento de los Horacios (1784–85).
Escultura
La escultura neoclásica se incluye dentro de una corriente filosófica y estética de una influyente difusión que se desarrolló entre mediados del siglo XVIII y del siglo XIX en Europa y las Américas. Como reacción contra la frivolidad del decorativismo del rococó, surgió la escultura neoclásica inspirada en la antigua tradición greco-romana, adoptando principios de orden, claridad, austeridad, equilibrio y propósito, con un fondo de moralización.
Antonio Canova: Perseo con la cabeza de Medusa, c. 1800, Museos Vaticanos.
Música
La música de éste periodo se considera a veces, (depende de quién) ya como una extensión del Barroco o como una forma de proto-Romantisismo. Además comprende el periodo intermedio llamado Rococó o estilo galante, (el cual ya no goza de aceptación en la musicología). Se debe considerar como un periodo de transición caracterizado por rápidos cambios y desarrollos musicales.
Hacia 1750 la melodía pasa a ser un complemento funcional de la armonía. Las líneas melódicas se simplifican, constarán de escalas naturales y arpegios de claras implicaciones armónicas.
Wolfgang Amadeus Mozart(1756 - 1791) 
Ludwig Van Beethoven (1770/12/16 - 1827/03/26)

Realismo
El Realismo fue un movimiento artístico y literario, originado en Francia a mitad del siglo XIX, cuyo propósito consistió en la representación objetiva de la realidad basándose en la observación de los aspectos cotidianos que brindaba la vida de la época

Pintura
La pintura se caracteriza principalmente por el principio de que el artista debe representar la realidad con la misma objetividad que un científico que estudia un fenómeno natural. El artista no se ajusta a mejorar la naturaleza artística, porque la belleza está en la realidad tal como es.

La única función de la pintura es dar a conocer los aspectos más característicos y expresivos de la realidad. Como resultado la pintura realista abandona temas mitológicos, bíblicos, históricos y literarios, porque lo que importa es la creación de una realidad inmediata, no imaginaria.
El taller del pintor, de Courbet, cuadro de 1855 que dio origen a la definición del movimiento
Escultura
Centra su interés en la realidad circundante de forma que  la naturaleza sirve de inspiración al escultor. Predominan los temas de contenido social y los tipos populares.

Entre los escultores más representativos están Jean Baptiste Carpeaux(1827-1875) considerado como iniciador del Realismo.

La Danse (La danza), Ópera Garnier en Paris (1869)

Arquitectura
La arquitectura realista trataba de adaptarse al nuevo contexto social. Con tendencia a volverse realista o científica, la arquitectura e ingeniería buscan responder a las nuevas necesidades urbanas generadas por el proceso de industrialización.

Las ciudades no exigen de ricos palacios y templos. Ellas necesitan de nuevos edificios con funciones específicas, como fábricas, almacenes, estaciones ferroviarias, tiendas, bibliotecas, escuelas, hospitales y hoteles, ya fuera para los propios trabajadores como para la nueva burguesía.
Burgtheater de Viena, de Gottfried Semper y Kart von Hasenauer
Impresionismo
El impresionismo es una corriente arte surgida en el siglo XIX, principalmente vinculada a la pintura: los pintores impresionistas retrataban objetos de acuerdo a la impresión que la luz produce a la vista y no según la supuesta realidad objetiva.El movimiento impresionista se desarrolló en Francia y luego se expandió a otros países europeos.
Pintura
El impresionismo implica una concepción objetiva del paisaje basada en la observación del natural. Valoran especialmente lo subjetivo y lo personal.

Se centran en los efectos que produce la luz natural sobre lo objetos y no en la representación exacta de sus formas ya que la luz tiende a difuminar los contornos. Ven colores que conforman cosas, y esto es lo que plasman, formas compuestas por colores que varían en función de las condiciones atmosféricas y de la intensidad de la luz

Claude Monet, Impresión: soleil levant, 1872-1873 (París, Museo Marmottan Monet).
Escultura
Refleja el interés por captar el movimiento y la luz que consideraba fundamentales para obtener profundidad en la escultura.
El Pensador formaba parte de lo que sería la obra maestra de Rodin: las puertas del Infierno encargadas en 1.880 por el Museo de Artes Decorativas de París

Música
La música impresionista es la tendencia musical que surgió en Francia a finales del siglo XIX. El nombre Impresionismo ya se usaba antes para denominar a la pintura de los años 1860 - 1870, ya que las características de ambas artes eran muy similares.
Claude Debussy
(1862/08/22 - 1918/03/25)
Maurice Ravel
(1875/03/07  -  1937/12/28)


Expresionismo
El expresionismo fue un movimiento cultural surgido en Alemania a principios del siglo XX, que se plasmó en un gran número de campos: artes plásticas, literatura, música, cine, teatro, danza, fotografía, etc. Su primera manifestación fue en el terreno de la pintura, coincidiendo en el tiempo con la aparición del fauvismo francés, hecho que convirtió a ambos movimientos artísticos en los primeros exponentes de las llamadas “vanguardias históricas”. Más que un estilo con características propias comunes fue un movimiento heterogéneo, una actitud y una forma de entender el arte que aglutinó a diversos artistas de tendencias muy diversas y diferente formación y nivel intelectual.
Pintura
La pintura se desarrolló principalmente en torno a dos grupos artísticos: Die Brücke, fundado en Dresde en 1905, y Der Blaue Reiter, fundado en Múnich en 1911. En la posguerra, el movimiento Nueva Objetividad surgió como contrapeso al individualismo expresionista defendiendo una actitud más comprometida socialmente, aunque técnica y formalmente fue un movimiento heredero del expresionismo.
El grito (1893), de Edvard Munch, Galería Nacional de Noruega.
Escultura
La escultura expresionista no tuvo un sello estilístico común, siendo el producto individual de varios artistas que reflejaron en su obra o bien la temática o bien la distorsión formal propias del expresionismo.
El espíritu guerrero (1928), de Ernst Barlach, Gethsemanekirche, Berlín.
Arquitectura
La arquitectura expresionista se desarrolló principalmente en Alemania, Países Bajos, Austria, Checoslovaquia y Dinamarca. Se caracterizó por el uso de nuevos materiales, suscitado en ocasiones por el uso de formas biomórficas o por la ampliación de posibilidades ofrecida por la fabricación en masa de materiales de construcción como el ladrillo, el acero o el vidrio.
La arquitectura expresionista recibió la influencia del modernismo.
Goetheanum (1923), de Rudolf Steiner, Dornach.
Post- Impresionismo
Posimpresionismo o postimpresionismo1 es un término histórico-artístico que se aplica a los estilos pictóricos de finales del siglo XIX y principios del XX posteriores al impresionismo. Lo acuñó el crítico británico Roger Fry con motivo de una exposición de pinturas de Paul Cézanne, Paul Gauguin y Vincent van Gogh que se celebró en Londres en 1910. Este término engloba diversos estilos personales planteándolos como una extensión del impresionismo y a la vez como un rechazo a las limitaciones de este
Pintura
Escultura
1.- Se concibe el arte como una actividad específica, es decir, reproducir la realidad como es no como una reproducción ilusoria
2.- Interés por la construcción de la forma, el dibujo y la expresividad de los objetos y figuras humanas.
3.-Los cuadros ya no son asimétricos sino que los cuerpos con geométricos.
4.- Se elimina la perspectiva en profundidad, se descompone la corporeidad de los objetos a elementos geométricos básicos.
5.- Empleo de colores contrastantes para distender y definir los planos y formas.
6.- Utilización de colores puros con gran carga emotiva y creaciones imaginativas a base de pinceladas cursivas que intentan expresar la angustia y el desconsuelo interior.
7.- Creación de composiciones simplificadas y estáticas, buscando la armonía de las masas cromáticas.
Autor: Vincent van Gogh, 1889
Técnica: Óleo sobre lienzo
Estilo: Postimpresionismo
Tamaño: 73,7 cm × 92,1 cm
Localización: Museo de Arte Moderno de Nueva York, Nueva York, Flag of the United States.svg Estados Unidos
Jean Baptiste Carpeaux se caracteriza por el intenso movimiento de sus obras y el realismo pictórico que lo enlaza con la tradición barroca. Su mayor hallazgo lo constituye el grupo de la Danza que decora la fachada de la Opera de París.
Algunos pintores impresionistas se dedicaron también ala escultura. Uno de ellos fue Renoir quien, en su vejez, creó algunas obras plásticas donde reproduce los temas de sus cuadros; como en “Madre e hijo” de 1885. Degas también incursionó en la escultura; su obra, en general fundida en bronce, son estudios de movimiento conectados con su obra pictórica. Entre ellas se destaca “Danzarina con tutú”, única obra expuesta sobre su vida.
Augusto Rodin - Click para AmpliarEl más celebre escultor de este período fue Augusto Rodin (1840-1971) quien se inspira en Miguel Ángel y el la escultura gótica. La obra de Rodín se caracteriza por la dramática movilidad de los cuerpos, una marcada tendencia al boceto y por la expresión dolorosa de sus grupos y figuras. En los “Burgueses de Calais” inaugura una posibilidad nueva: el inacabado de sus obras. El “Sueño del Escultor” y el “Pensador” revelan el interés de Rodin por la obra de Miguel Ángel.
Arquitectura
En capítulos anteriores han sido esbozadas las características de la arquitectura del siglo XIX: el surgimiento de los estilos del pasado como el gótico, el renacentista, el barroco y, por otra parte, el nacimiento de nuevas corrientes constructoras. No se tardó en comprender que, pese a los nuevos aportes, la ciencia arquitectónica del pasado no se adaptaba a las necesidades presentes
La estatua de la libertad

Construido 28 de octubre de 1886
Arquitecto Frédéric Auguste Bartholdi
Nombramiento 15 de octubre de 1924
15 de octubre de 1965 (Isla Ellis)
Abstraccionismo
Esta corriente artística da un papel muy importante a la forma y el color, generando un aire de "la libertad en la creación y el arte como un fin en sí mismo" la vigencia moderna de esta tendencia surge con el artista ruso Vasily Kandinsky en 1910, cuya característica principal de este artista es que no descompone las imágenes como los cubistas sino que imprime a sus obras un impetuoso sentido del color.
Se distinguen dos tipos de abstracción:
LA ABSTRACCIÓN LÍRICA O CROMÁTICA.

Es la que se utiliza la función expresiva y simbólica de los colores y del ritmo producido por la relación entre ellos para manifestar los procesos emocionales mediante la pintura, cuyo máximo representante es Kandinsky.
A esta forma de abstracción tambien se la denomina cromática teniendo como representantes más destacados a Kandinsky y Delaunay.
LA ABSTRACCIÓN GEOMÉTRICA

esta, por el contrario, utiliza la simplificación y el rigor matemático de las formas y los colores en un ritmo estricto y una ordenación calculada. Sus máximos representantes son Malevich y Mondrian. Un claro ejemplo es la obra de Mondrian.
Pintura
La pintura abstracta siempre ha estado envuelta en una cierta controversia. Hay sectores que la defienden como una expresión libre de la belleza y la comunicación. En cambio, también tiene detractores, quienes consideran que la pintura figurativa está por encima de la abstracta. Quien realmente puede juzgar el sentido de la pintura abstracta es el espectador, aquel que siente algo, piensa o se emociona a partir de lo que ve.
El pintor abstracto pretende comunicar en su obra no lo que se ve de manera evidente, sino aquello que él siente o piensa, independientemente de su imagen convencional. Este enfoque de la pintura es una expresión de libertad, la búsqueda de emociones o sentimientos al margen de la figuración más o menos real de lo que existe.
Composición en rojo, amarillo, azul y negro, 1926. Muestra del estilo neoplasticista de la pintura abstracta de Piet Mondrian.
Escultura
Escultura abstracta es la escultura realizada según las convenciones del arte abstracto, es decir, la no figurativa.
A diferencia de la mayor parte de las producciones de pintura abstracta, la escultura abstracta se basa en la tridimensionalidad, apoyada en los recursos tradicionales de la escultura, como son la textura y las formas geométricas, marcadas o matizadas. El color a veces puede alcanzar un gran protagonismo. El hecho de que una parte de los pintores abstractos experimenten con la inclusión de texturas extremas, les llevó a la denominada pintura matérica, el espacialismo (Lucio Fontana) y la escultopintura (Gerardo Rueda), donde las fronteras entre pintura y escultura se difuminan.
Constelación con 5 formas blancas
Música
Algunos acercamientos al arte abstracta tenían conexiones con la música. La música proporciona un ejemplo de una forma de arte que usa los elementos abstractos del sonido y las divisiones del tiempo. El mismo Vasili Kandinski, que también era músico, fue inspirado por la posibilidad de marcas y color asociativo resonando en el alma. La idea había sido propuesta por Charles Baudelaire, que todos nuestros sentidos responden a diversos estímulos pero los sentidos están conectados en un nivel estético más hondo.
Futurismo
El Futurismo es un movimiento literario y artístico que surge en Italia en el primer decenio del S. XX mientras el Cubismo aparece en Francia. Gira en torno a la figura de Marinetti, quien publica en el periódico parisiense Le Figaro el 20 de Febrero de 1909 el Manifiesto Futurista. Proclama el rechazo frontal al pasado y a la tradición, defendiendo un arte anticlasicista orientado al futuro, que respondiese en sus formas expresivas al espíritu dinámico de la técnica moderna y de la sociedad masificada de las grandes ciudades.
Pintura
La pintura futurista, siguiendo la idea de Marinetti de que un automóvil es más hermoso que la Victoria de Samotracia, pone el énfasis en la representación de la velocidad como elemento más característico del mundo moderno. Evidentemente, para representar la velocidad en un cuadro hay que tratar de aprehender el movimiento de las figuras y ésta fue la mayor aportación del futurismo: la superposicíón de planos, de manera que las formas adquieren dinamismo. Por lo demás, los distintos autores poseen un estilo personal, que no los identifica como corriente, más allá de su afán común por el movimiento, la velocidad y las escenas fugaces. Si acaso comparten el gusto por la pincelada suelta y los colores vivos y ciertas referencias al estilo cubista.
Umberto Boccioni: "Estados de la mente. Las despedidas" (1911). Nueva York
ESCULTURA
En las esculturas futuristas también se intenta representar el movimiento. Para ello los planos se desarrollan en el espacio. Los pintores futuristas son, generalmente, también escultores. Destacan Umberto Boccioni, quien más cultivó la escultura.
El futurismo se caracterizó por el intento de captar la sensación de movimiento. Para ello superpuso acciones consecutivas, una especie de fotografía estroboscópica o una serie de fotografías tomadas a gran velocidad e impresas en un solo plano. Ejemplos destacados son el Jeroglífico dinámico de Bal Tabarin (1912, Museo de Arte Moderno, Nueva York) y el Tren suburbano (1915, Colección Richard S. Zeisler, Nueva York), ambos de Gino Severini.
Formas únicas de continuidad en el espacio (1913
Arquitectura
La arquitectura futurista se caracterizó en sus inicios por el antihistoricismo y largas líneas horizontales que sugerían velocidad, movimiento y urgencia. Entre los temas predilectos de los futuristas se contaban la tecnología e incluso la violencia.
Dadaismo
Fue un movimiento surgido en Zúrich (Suiza) en 1916, en plena I Guerra Mundial.Este nuevo arte se extendió por Europa hasta Estados Unidos e influyó también en el arte y la poesía entre otros, pero sobre todo en la pintura.
Su fundador fue Tristán Tzara que considera esta corriente como un “anti arte” y busca impactar, dejar perplejo al público y protestar contra lo que estaba ocurriendo en la época.
El dadaismo es un fenómeno internacional y multidisciplinario, más cercano a un estado de ánimo oa un modo de vida que a un movimiento artístico. Los dadaistas pensaban que la única esperanza para la sociedad era destruir los sitemas basados en la razón y la lógica, y sustituirlos por otros basados en la anarquía, lo primitivo y lo irracional.
Pintura
- “anti arte”, despreciando lo retórico y academicista.
- Integración de distintas técnicas: collage y décollage
- Feísmo
- Liberación del subconsciente
- Expresión libre de la forma artística
- Eliminación de la composición clásica
- Temática en la que predominan los mecanismos absurdos.
PICABIA: “Parada amorosa”
Escultura
Marcell Duchamp
Utiliza objetos simples, seriados y sin ningún valor artístico y él como artista, los eleva a la categoría sublime de obra de arte. De esta manera, cualquier objeto, por banal que sea, puede ser susceptible de exponerse en cualquier museo: portabotellas, ruedas de bicicleta, etc. 

Duchamp, Marcell.
Música
Pintura
1. Cubismo analítico: en donde la pintura es casi monocroma en gris y ocre. Los colores en este momento no interesaban pues lo importante eran los diferentes puntos de vista y la geometrización, no el cromatismo. Fueron elaborando un «nuevo lenguaje» que analiza la realidad y la descompone en múltiples elementos geométricos. Los puntos de vista se multiplicaron, abandonando definitivamente la unidad del punto de vista de la perspectiva renacentista. Se introducen en la pintura los «pasos», definidos como ligeras interrupciones de la línea del contorno. Los volúmenes grandes se fragmentan en volúmenes más pequeños. Entre las obras de esta fase del cubismo se encuentra el Retrato de Kahnweiler.
2. Cubismo hermético: se caracteriza por la por la cantidad de puntos de vista representados, algunas obras parecen casi abstractas. Al hermetismo se llega porque los planos acaban independizándose en relación al volumen de manera que es difícil descodificar la figuración, reconstruir mentalmente el objeto que esos planos representan. Muchas veces el color no coincidía con el verdadero color de ese mismo objeto en la realidad. La imagen representada era casi imposible de ver.
Guernica
Autor:Pablo Picasso, 1937
Técnica: Óleo sobre lienzo
Estilo: Cubismo
Tamaño: 776.6 cm × 349 cm
Localización: Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía
Escultura

La escultura tiene la misma estética que la pintura, pero trabaja en tres dimensiones. Sus esculturas se caracterizan por la intersección de planos y volúmenes, y la descomposición de las formas. El cubismo descubre el hueco como elemento escultórico, tanto la masa como el hueco sirven para la expresión plástica.
Autor: Pablo Gargallo
Creación: 1933
Ubicación: Museo Pablo Gargallo (Zaragoza)
Material: Bronce
Dimensiones: 236 x 75 x 45cm
Arquitectura
El cubismo tuvo una gran influencia en la arquitectura, pero podría decir que ésta no se dió de forma uniforme en todo el territorio donde la corriente artística estaba presente. Así pues y como veremos en el próximo texto, la arquitectura cubista se centra, sobre todo, en lo acontecido en la República Checa, cuna de la arquitectura cubista.
Está en contra de:
La arquitectura que es demasiado utilitaria
Arquitectura que es demasiado materialista
Arquitectura que carece de belleza espiritual
Arquitectura que no es lo suficientemente teórico
decoración y ornamentos adicionales
el Cubismo reclama:
La arquitectura debe ser más poética
La arquitectura debe ser más expresiva
Arquitectura debe ser más dramática
La arquitectura debe ser más artístico (del pensamiento artístico y la abstracción se hará cargo de la práctica).
Kovařovic Villa (1912-13) de Josef Chochol; la estructura recuerda a una residencia barroca con avant-cuerpo y fachadas
Pintura
- Animación de lo inanimado
- Metamorfosis de los objetos, creados de una forma y vividos de otra.
- Aislamiento de fragmentos anatómicos
- Máquinas fantásticas
- Perspectivas vacías
- Evocación del caos
- El sexo y el erotismo
- Libido del inconsciente
- Relaciones entre desnudos y maquinaria


Lo cierto es que la técnica pictórica de los surralista es variable: De un Miró, cercano a la abstracción a un Dalí, casi hiperrrealista hay todo un mundo de tendencias.
"El enigma del deseo" (1929)
SALVADOR DALÍ
Escultura
Casi todos los pintores surrealistas hicieron alguna escultura como el polifacético Ernst que realizó obras en yeso o bronce como Edipo rey (1934), Espárragos lunares (1935) y Miró que combinaba cuerda, alambres y chapas de metal (Pájaro lunar, 1968).

Los más importantes escultores fueron:

Jean Arp (1887-1966), tras su etapa Dada donde había hecho relieves coloreados, pasó al Surrealismo realizando, en piedra y bronce, composiciones exentas con formas ovaladas o curvas como en Concreción humana. Evolucionó posteriormente hacia la abstracción geométrica.
El suizo Albert Giacometti (1901-1966) tras unos inicios cubistas tuvo una etapa surrealista de 1930 a 1934, en que se separó del movimiento. Preocupado por la figura humana, sus esculturas eran de poca masa, «una especie de esqueletos en el espacio» según su definición, de yeso, madera o metales. Destacan La mujer degollada (1932) y Objeto invisible (1934), una melancólica figura femenina. Sin embargo su obra más conocida pertenece al Expresionismo y es posterior a la Segunda Guerra Mundial, con sus figuras alargadas y consumidas, aisladas o en grupo, que expresan la soledad del hombre contemporáneo, como Hombre que zozobra (1950).
El español Alberto Sánchez (1895-1962) realizó unas originales y estilizadas figuras con huecos sugerentes, cargadas de poesía como El pueblo español tiene un camino que conduce a una estrella (1937). Tras la guerra civil se exilió en la URSS donde murió.
Alberto Giacometti - Mujer acostada que sueña, 1929, inv. 17 Bronce pintado, 0/6, 1959, Susse Fondeur
Arquitectura
Arquitectura Surrealista hay muy poca en el mundo, ya que es muy difícil hacer construcciones hechas abases de sueños.
El surrealismo tiene que ver en diversas maneras con las iglesias ya que estebusca las formas que salen de lo normal, habla del cuerpo humano al desnudo, evocan el caos, lo fantásticos, elementos incongruentes.
En el surrealismo la forma no importa, porque no hay nada a cordea lo cotidiano se sale de sus reglas en cuanto a la forma, la medida es una medida amplia que evoque caos, los colores, son colores muy oscuros muy fuertes.
El arte pop (Pop Art) fue un importante movimiento artístico del siglo XX que se caracteriza por el empleo de imágenes de la cultura popular tomadas de los medios de comunicación, tales como anuncios publicitarios, comic books, objetos culturales mundanos y del mundo del cine. El arte pop, como la música pop, buscaba utilizar imágenes populares en oposición a la elitista cultura existente en las Bellas Artes, separándolas de su contexto y aislándolas o combinándolas con otras,1 además de resaltar el aspecto banal o kitsch de algún elemento cultural, a menudo a través del uso de la ironía.1
El arte pop y el minimalismo son considerados los últimos movimientos del arte moderno y por lo tanto precursores del arte postmoderno, aunque inclusive se les llega a considerar como los ejemplos más tempranos de éste
Pintura
Combinación de la pintura con objetos reales integrados en la composición de la obra: flores de plástico, botellas… en un nuevo planteamiento dadaísta acorde con los nuevos tiempos. Colores puros, brillantes y fluorescentes, inspirados en los empleados en la industria y los artistas como Andy Warhol (que hizo famosas en todo el mundo las latas de sopas Campbell).
MARILYN
Andy Warhol

Escultura
La escultura Pop esta representada en
George Segal escultor estadounidense,
famoso por sus obras figurativas, realizadas
a tamaño natural en yeso blanco. Nació en
Nueva York, y en la década de 1950 trabajó
primero como pintor, iniciándose como
escultor después de 1960. Sus moldes en
yeso, creados directamente a partir de
vaciados de personas, están instalados en
entornos cotidianos, como ascensores,
oficinas de venta de billetes, cafés o
autobuses.
Arquitectura
Cabe decir que los edificios y la arquitectura en general son una forma de expresión del arte, donde normalmente el arquitecto intenta plasmar un sentimiento que regirá la filosofía y estética de la creación. Por eso, consideramos que la arquitectura es una forma de publicidad para el arquitecto y a la vez, para la propia edificación.

En el caso especifico del Pop Art, considerar una creación arquitectónica Pop Art significa formas libres y coloridas, que intentan reflejar la estridencia con sentido y la espontaneidad premeditada
Instituto de sonido y visión (Hilversum, Holanda)
Fauvismo
El nombre de Fauvismo ha sido aplicado a una corriente artística derivada del Impresionismo que tuvo lugar en diferentes partes de Europa especialmente entre los años 1905 a 1907. El fauvismo ha sido considerado como una de las más claros exponentes del Expresionismo, teoría pictórica que se basaba en la noción de que las representaciones de la realidad deben dejar ver los sentimientos, el estado de ánimo y las sensaciones del autor más que guiarse por la lógica y la linealidad.

.
Pintura
1. El fundamento principal de este movimiento es el color. Estos artistas fauves van a jugar con la teoría del color que consiste en diferenciar los colores primarios los secundarios y los complementarios. Fuerzan los colores primarios muy luminosos y brillantes con las uniones entre complementarios y secundarios, dando efectos de fuerte contraste.
2. Se olvidan otros aspectos como el modelo, el claroscuro, la perspectiva, la composición…
3. Se introduce todo aquello que de sensación de espontaneidad.
4. Intención por expresar el sentimiento.
5. El dibujo era un aspecto secundario para estos artistas, pero Matisse no se olvidó de él. También va a destacar un aspecto decorativo y líneas onduladas.
6. Defienden una actitud rebelde, buscan algo diferente, que les haga avanzar en el hábito artístico.
7. Los temas van a ser muy diversos: un mundo moral, el ámbito urbano, algunos pintan desnudos, interiores…
Armonía en rojo. Henry Matisse 1908. Museo Ermitage, San Petersburgo
Postmodernismo
El arte posmoderno, por oposición al denominado arte moderno, es el arte propio de la posmodernidad, teoría socio-cultural que postula la actual vigencia de un periodo histórico que habría superado el proyecto moderno, es decir, la raíz cultural, política y económica propia de la Edad Contemporánea, marcada en lo cultural por la Ilustración, en lo político por la Revolución francesa y en lo económico por la Revolución industrial.
Arquitectura
Modernismo
Modernismo es el término con el que se designa a una corriente de renovación artística desarrollada a finales del siglo XIX y principios del XX.Esta denominación hace referencia a la intención de crear un arte nuevo, llevando a cabo una ruptura con los estilos dominantes en la época, tales como el historicismo o el eclecticismo. Se trata de crear una estética nueva, en la que predominan la inspiración en la naturaleza a la vez que se incorporan novedades derivadas de la revolución industrial. Y así en arquitectura es frecuente el empleo del hierro y el cristal
Pintura
Se responde al deseo de superar el academicismo e Impresionismo.
Abandono de lo cotidiano en pro de temas de contenido simbólico-conceptual.
Insistencia en la línea y en el dibujo muy expresivo.
Es una pintura de carácter lineal y bidimensional.
Formas orgánicas.
Formatos alargados y apaisados.
Se recrea en el tema de la mujer, la perversión y el erotismo.
Excesivo decorativismo, que puede adelantar la abstracción.
La línea independiente que avanza hacia el Expresionismo posterior.
Adquieren gran importancia las ilustraciones gráficas, el cartel y la litografía.
F. Hodler (1853-1918),
estudio para El día.
Arquitectura
Con el desplazamiento del campo a la ciudad, comienza a plantearse una reflexión urbanística. Se evidencian problemas por el rápido crecimiento de las ciudades. Se aplican materiales nuevos: hierro, cristal, hormigón armado.... El hormigón se aplica en edificios funcionales a fin del siglo XIX y principios del XX, luego se aplicó a la vivienda. Es ahora cuando las escuelas de ingenieros se multiplican. Se buscan unos objetivos:
Combatir el eclecticismo. Se rechazan los estilos neos y se apuesta por las nuevas tipologías.
Se propugna una ciudad activa. Se rechaza la ciudad envilecida por lo industrial y se potencia la posición del individuo.
Se evitan los grandes bloques, apostando por la escala humana.
Se desean superficies onduladas, balcones numerosos y predominio del cristal.
Los nuevos materiales se dejan a la vista. Al ser tan diversos, dan gran cantidad de texturas.
Predomina la cerámica vidriada formando motivos vegetales y ornamentales, de ello da buena cuenta Gaudí.
La funcionalidad ligada a lo decorativo, se convierte en el eje de actuación más importante.
Predomina la asimetría. Se ha llegado a decir que la casa modernista se estructura desde dentro hacia fuera.
A. Gaudí,
Sagrada Familia.
Escultura
Utilizado con un criterio cronológico, podría referirse a la escultura de la Edad Moderna (siglos XV al XVIII); pero no es eso lo habitual.
Utilizado con un criterio estético, se refiere a la escultura que rompe con los convencionalismos estéticos del academicismo y desarrolla las nuevas posibilidades expresivas que llegan a su punto culminante con las denominadas vanguardias artísticas. De esta manera, su ubicación cronológica sería el siglo XX; aunque también incluye las obras y autores del siglo XIX que se caractericen por su modernidad estética (por ejemplo, Auguste Rodin). Por el contrario, excluye a las obras y autores del siglo XX que se caractericen por su academicismo o conservadurismo estético; y que de hecho, son la mayor parte de las obras y autores de la primera mitad del siglo.
Es una tendencia arquitectónica que reacciona, desde mediados de 1970, contra los principios del movimiento moderno. Presenta una gran diversidad tanto desde el punto de vista formal como teórico, agrupándose bajo esta denominación fenómenos muy dispares. Todos ellos, tienen en común, la denuncia de los principios defendidos por el Racionalismo arquitectónico y estilo Internacional, como son el principio funcionalista, que afirma que la forma es consecuencia de la función, la planta libre y la desnudez ornamental.La postmodernidad propugna un arte que se identifique con la vida del mundo actual.
Los arquitectos postmodernos defienden valores como la ambigüedad, la ironía, la complejidad y la diversidad de estilos, y manifiestan su carácter ecléctico en la recuperación de referencias históricas.Los postmodernos emplearán los órdenes clásicos, ya que así contradicen a la modernidad que los había rechazado, haciendo una llamada burlesca a una cultura pasada
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