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Historia de la Ilustracion

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on 20 August 2015

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Historia de la Ilustración
Arte e ilustracion en la prehístoria
La pintura rupestre son todos aquellos dibujos y bocetos prehistóricos existentes en algunas rocas y cavernas. El término «rupestre» deriva del latín rupestris, y éste de rupes (roca). De modo que, rupestre haría referencia a cualquier actividad humana sobre los muros de cavernas, cuevas, barrancos.
Las pinturas rupestres lograron resistir el paso de los siglos y muchas de ellas aún pueden apreciarse en la actualidad.
Los colores usados en las pinturas rupestres suelen ser el negro, el rojo, el amarillo y el ocre, tonalidades logradas con carbón vegetal, minerales y diversos fluidos y muestran animales como bisontes, mamuts y ciervos, al igual que marcas de manos.
Algunas pinturas rupestres tienen unos 40.000 años de historia.
Las pinturas rupestres más famosas se encuentran en España y en Francia, halladas en la Cueva de Altamira (en Cantabria) el máximo exponente del arte prehistórico.
Su historia se remonta muchos siglos atrás; surge en libros y manuscritos, donde aparece inicialmente como suplemento para evidenciar y complementar la información de textos y escritos, esto lo podemos ver en el legendario Libro de los Muertos y en los Papyrus Ramessum que datan aproximadamente del s.XIX a de C.
Así mismo hay otros vestigios de la aparición de grá́ficos y dibujos en culturas tan antiguas como la egipcia, donde se han encontrado bajorrelieves y grabados, lo cual constituye una valiosa información sobre su desarrollo y progreso cultural.
En la edad media, mediante la llamada iluminación de manuscritos, iniciaba ya, la ilustración de los libros impresos.
*El manuscrito iluminado de los Celtas, en el s. IX
*El Libro de los Kells, muestra diseños de patrones intercalados, basados en formas tipograficas.
*Les Tres Riches Heures del Duque de Berry, muestran autentica maestria en la pintura de miniatura, generalmente sobre papel avitelado, empleando colores brillantes de temple, y oro.
La función de la ilustración en la Edad Media, fue de vital importancia, puesto que los únicos que sabían leer en ese entonces, pertenecían a las clases privilegiadas, junto con los escribanos. Sin embargo, las imágenes ilustradas ayudaron de una manera importante a convertir a los paganos a la cristiandad.
Durante las cruzadas creció el interés por obtener textos ilustrados, independientemente de su contenido religioso. En el Imperio Oriental Bizantino, (también en la época de las Cruzadas) se desarrollo de manera importante la creación de íconos en miniatura, arte posterior a la caída del imperio de Grecia.
En el siglo XV, cuando la impresión se realizaba en bloques de madera, las primeras manifestaciones de ilustraciones impresas se limitaban a la reproducción de naipes e imágenes religiosas. (xilografia)
En la época del Renacimiento se desarrolló así mismo, la aplicación de la perspectiva dentro de los trabajos artísticos, revolucionándose la apreciación visual de la escala ; de esta manera el trabajo del ilustrador técnico se vio enriquecido.
Artistas e ilustradores de la talla de Leonardo da Vinci, Alberto Durero y Rembrand, impusieron un alto grado de meticulosidad y claridad de detalles en sus dibujos técnicos.
La revolucion industrial del s. XVIII, el desarrollo y la demanda de ilustraciones tecnicas cada vez mas complejas, ha crecido considerablemente.
En Alemania, los Paises Bajos, Fancia e Italia, los impresores buscaron la mecanizacion de la producción de libros por medio del tipo movil como resultado de la creciente disponibilidad de papel y la gran demanda de libros.
En 1658, Jan Amos Comenius (considerado el padre de la pedagogía moderna, fue el primero que intentó renovar los libros de texto en base a las ilustraciones), publicó su libro “Orbis Pictus”, el cual causó un revuelo entre los educadores de su época, puesto quese trataba de un libro cuyas imágenes transmitían tantos conocimientos como los textos
“El niño tendrá su primer encuentro con una fantasía estructurada, reflejada en su propia imaginación y animada por sus propios sentimientos. Es allí donde, a través de la mediación de un lector adulto, descubrirá la relación entre el lenguaje visual y el lenguaje verbal. Luego, cuando esté solo y repase las páginas del libro, una y otra vez, las ilustraciones le harán recordar las palabras del texto”.
En el siglo XV, la tradición de la impresión de naipes estaba en su apogeo, cuando un artista, cuyo nombre no se conoce, desarrollo los primeros grabados en placas de metal.
El empleo del grabado como medio de reproducción de ilustraciones se popularizó aún más en ese siglo con los trabajos ejecutados por Alberto Durero, a quien después se conocería como el maestro del grabado.
1796, Aloys Senefelder, en materia de impresión, una nueva técnica: la litografía, toda impresión se hacia a partir de una superficie en relieve o en hueco, que se entintaba y que después se presionaba sobre el papel.
El desarrollo del primer libro tipografico alternado con ilustraciones fue: “el Agricultor de Bohmen” impreso por el tambien aleman Albrecht Pfister alrededor del ano de 1460 usando tambien el mismo tipo de Gutenberg, y palcas de madera. Esta seria la plataforma que permitio ampliar las posibilidades de la ilustracion de textos y su reproduccion.
Y a principios de 1900, los cuentos populares, que fueron paulatinamente adaptados para los niños, contenían ilustraciones en blanco y negro. Algunos nombres célebres del siglo XIX y principios del siglo XX: el pintor alemán Ludwig Richter, el danés Lorenz Frolich, fue uno de los primeros en ilustrar “Robinson Crusoe” de Daniel Defoe y los cuentos populares de los hermanos Grimm.
En Francia, Gustavo Doré ilustró los cuentos de Charles Perrault, y Arthur Rackhan,

aparte de ilustrar “Alicia en el país de las maravillas” de Lewis Carroll y el famoso “Peter Pan”

de Sir James Barrie, supo crear, asimismo, una atmósfera poética en sus trabajos, que van

desde sus ilustraciones de los cuentos de H-C. Andersen, hasta sus dibujos del mundo

caballeresco del Rey Arturo. Libros infantiles y juveniles que hoy constituyen verdaderas

joyas de arte.
La litografía se basa en el sencillo principio químico de que el agua y el aceite no son solubles entre sí; la imagen se dibuja sobre una superficie plana de una piedra con un crayón, pluma o lápiz de aceite, el agua se esparce sobre toda la superficie para humedecer todas la áreas, excepto la imagen previamente dibujada con base de aceite; posteriormente se extiende tinta sobre la misma base, sobre la superficie de la piedra, la cuál se adhiere sobre la imagen, pero no a las áreas mojadas de la piedra.
En Inglaterra, uno de los principales ilustradores de comienzos del s. XIX, fue William Blake, quién desarrolló sus propias superficies de impresión empleando un método de aguafuerte en relieve, el cuál, después de la muerte del artista cayó en desuso
El grabado en madera conservó su importancia principalmente en la nueva industria de las revistas ilustradas, que fue prosperando alrededor de los años de las décadas de los 30 y 40 del mismo siglo. A finales de ese siglo los prerrafaelistas revivieron el interés por el grabado en madera como se aprecia en el trabajo de Edward Burne-Jones, o en obras posteriores de Aubrey Bearsdley incluso en artistas influidos por el Art Nouveau.
La primera edición de Fausto, ilustrada con litografías de August Delacroix, apareció en 1828. Las décadas de 1860 a 1900 fueron la mejor época de la litografía, llegando a ser incluso el método más predominante para impresión. La invención de la cromolitografía en 1851, introdujo el color en las ilustraciones de los libros, que hasta entonces se había limitado al blanco y negro.
La litografía predominó en el popular arte del Cartel, permitiendo su reproducción a color y con grandes dimensiones.
El francés Jules Cheret (1836-1932), fue probablemente el verdadero promotor del cartel publicitario, perteneció al movimiento que Robert Koch llamaría “Poster Movement”, cuando creó un estilo propio, con figuras de mujeres alegres luciendo grandes escotes.
Uno de los artistas mas carismaticos y fuertemente expresivos de este periodo fue el Conde Henri Marie-Raimond de Toulouse Lauterc Monfa, conocido como Henri de Toulouse Lautrec. (1864-1901), quien creo el arte y la tecnica del cartel moderno.
Lautrec, buscaba invitar al espectador a participar en la experiencia de la forma y el color, razon importante por la que su trabajo, fuera de gran exito. Su curiosa apariencia, que quiza una de las razones por las que se sintio relegado de hacer una vida social normal y por lo cual encauso su vida al hedonismo y al bajo mundo del placer y el vicio.
Artista del modernismo el checoeslovaco Alphons Ma. Mucha; quien en diciembre de 1894 recibiría el encargo de la actriz Sara Bernhard, como anuncio para la comedia Gismonda, de Sardou. La exótica ornamentación bizantina y el sutil uso de color le reportarían éxito inmediato hasta el extremo de que a partir de allí solo se dedicaría a la realización de carteles que anunciaban desde obras de teatro hasta marcas de papel para cigarrillos y chocolates, pro siempre con el toque inconfundible de imaginación y belleza características de la obra de este importante artista checo. En general, la litografía tenía la ventaja de tener una apariencia casi fotográfica, pero tenía un proceso largo y muy costoso.
Siglo XIX, aparecieron las primeras fotografias en algunos libros impresos, incrementando las posibilidades del realismo total de la ilustracion, la modernidad industrial aporto muchos adelantos, como el desarrollo de placas y superficies mas sofisticados, que añadieron mas practicidad asi como avances en la maquinaria y procesos de revelado e impresion de negativos.De la misma manera las tecnicas fotograficas ampliaron tambien las posibilidades de la reproduccion de ilustraciones, la impresion de semitonos es otro proceso sobresaliente que facilito la multiplicacion de obras a todo color, mediante la superposicion de tramas de diferentes tintas, fragmentadas con reticulas para crear tonos.Buenos representantes de la ilustracion reproducida por esta tecnica fueron: Arthur Rackman y Edmond Dulac, quienes trabajaban principalmente con acuarela, la que les permitia la creacion de sus obras con semitonos.
La creación de la línea negra (Black Key-line), dio la facilidad de impresión a cuatro tintas, con lo cuál los ilustradores pudieron emplear otro tipo de pintura y colores para su reproducción, tal como puede verse con las ilustraciones creadas con temple por Howard Pyle para Harpe’s Magazine.Las revistas ampliaron enormemente el panorama del artista; por ejemplo Norman Rockwell, utilizó principalmente óleos en sus obras, que se publicaron en las décadas de los años 20 y 30 del siglo pasado en revistas como en Saturday Evenning Post, mostrando la influencia de la fotografía sobre la ilustración.
En una búsqueda de nuevas formas e imágenes las décadas posteriores a la Segunda Guerra Mundial, también observaron un considerable cambio más remarcado todavía en el desarrollo conceptual del Diseño gráfico.El profesional que interpretaba plásticamente el texto de un escritor, hacia concesiones al artista gráfico y este realizaba su presentación. La historia completa de las Artes Visuales, quedaba a disposición del artista gráfico como una biblioteca de formas e imágenes realizables: en especial las posibilidades que inspiraron los movimientos artísticos de este siglo, por ejemplo las configuraciones espaciales del cubismo, las yuxtaposiciones, las dislocaciones y los cambios de escala del surrealismo, la pureza del color emanada de las referencias naturales de expresionismo y del fauvismo, así como la renovación de imágenes, masivas y publicitarias del Pop Art.
A partir de 1920 se verificó una evolución importante en la evolución del cartel. En el momento en que este se convirtió en el medio más importante para la difusión y venta de un producto, se buscaron nuevas modalidades y técnicas para que cada modificación se distinguiera entre las demás. Se utilizaba diversamente la tipografía, se desarrollaba la utilización de la fotografía y la ilustración comercial adquiría un carácter menos figurativo y más estético.
En todos los países europeos todas estas esencias fueron rápidamente asimiladas y
disminuyo progresivamente la diferencia entre las diferentes escuelas. A principios de los
años 30, después de los notorios cambios políticos , en Alemania e Italia se multiplicaron
formas de expresión de tipo retórico y monumental, no carente, sin embargo, de fuerza
y originalidad.
La creación de imágenes llego a ser significativa en Polonia, en los Estados Unidos, Alemania y Cuba. También afloró el trabajo individual en todo el mundo, cuya búsqueda de imágenes efectivas y relevantes en la época posterior a la Segunda Guerra mundial, los llevó hacia un desarrollo de imágenes más conceptual.En la sociedad comunista de Polonia, establecida después de la guerra, surge la Escuela polaca del Cartel. Los diseñadores gráficos se unen con los productores de películas, escritores y artistas de las Bellas Artes en la Unión Polaca de Artistas. Las obras de los artistas como Tadeusz Trevkovsky y Heri Tomaszewsky expresaban las trágicas aspiraciones y los recuerdos, que estaban íntimamente ligados al alma y sentimientos nacionales de Polonia en la Posguerra. El Cartel ha llegado a ser un orgullo nacional en Polonia y su papel en la vida cultural, ha sido de singular importancia. El 1964 se inicia en Varsovia la primera Bienal del Cartel Internacional y en Wilanow, cerca de Varsovia se establece el Muzeum Plakatu, primer museo a nivel de mundial dedicado únicamente al Cartel Artístico. Los diseñadores de carteles polacos han logrado algo que es raro en la historia de las Artes Visuales. A un grupo de artistas individuales se les ha dado la libertad de expresar sus actitudes personales, investigaciones gráficas, y hasta sus fantasías particulares. Durante la década de los 50 el cartel polaco comenzó a reconocerse en todo el mundo.
En esta misma época, las obras descriptivas, realistas y tradicionales, prevalecían en el diseño Gráfico estadounidense “ La Edad de Oro de la ilustración estaba llegando a su fin”, las mejoras del papel impresión y fotografía fueron la causa para que declinara rápidamente. Su muerte fue pronosticada cuando la fotografía hizo rápidas incursiones en el mercado tradicional; mientras, esta se apoderaba de su función tradicional.
La desviacion de la concepcion de la ilustracion obtuvo un enfoque mas conceptual, la inicio un grupo de artistas de Nueva York: Seymor Schwast (1931), Milton Glaser (1929), Raynolds Ruffin (1930) y Eduard Sorel (1929).
Sorel se inicia como ilustrador independiente, dejando su colaboracion Glaser y Schwast, quienes siguieron compartiendo su estudio, y la revista pasaria ser “The Push pin Graphic”, serviria como foro para desarrollar nuevas ideas. Su filosofia, tecnicas y percepciones personales tuvieron mucho impacto, a menudo el Diseño Grafico se fragmentaba en componentes como hacer imagenes y trazar disenos, al igual que Alphons Ma. Mucha y Bradley, disenadores graficos de finales del s. XIX, Glaser y Schwast combinaron estos elementos en una comunicacion integral que plasmaba la vision individual de su creador.
otros ilustradores que crearon en Push Pin, antes de trabajar de manera independiente estaba James McMullan, acuarelista, (un recurso que habia sido desplazado, a un segundo termino por el oleo como medio selecto de ilustracion y arte), lo restauro como recurso de la expresion grafica. Posteriormente apareceria Paul Davis ( 1938)
Alternamente, y sin nada que ver con el trabajo de la Push Pin, el ilustrador norteamericano Richard Hess (1934), desarrollo un estilo representativo con mayor influencia hacia el surrealismo y haciendo a menudo uso de la manipulacion espacial de Rene Magritte.
Asi mismo surgio en trabajo de John Berg (1932), quien se unio a Discos Columbia, realizando gran parte de su trabajo en portadas de discos como: la overtura de Guillermo Tell, la musica de violin de Schubert en (1968), la portada del disco de Chicago en 1974, etc.En contraste con los carteles polacos de la postguerra, que fueron patrocinados por agencias gubernamentales, el furor de los carteles que broto durante los anos 60 en los Estados Unidos, fue un movimiento popular fomentado por un clima de ajuste y revolucion social, la primera ola de cultura de carteles nacio con la subcultura del movimiento hippie de San Francisco.
Diseñadores como Lanny Sommese (1944), David Lance Goines (1945), y algunos otros, de quienes destacaba notablemente las imagenes dibujas de un amanera libre informal, y que evocaban mas a los grabados e ilustraciones graficas europeas que a fuentes norteamericanas.En Alemania a comienzos de los anos 60 y continuando a la decada de los 80, emergio una aproximacion poetica al Diseno Grafico basada en el manejo de imagenes fotograficas por medio del collage y el montaje.
Los disenadores graficos producen su trabajo para diversas agencias del gobierno con misiones especifica. Los principales precursores de este movimiento cultural promovido por el nuevo gobierno de Castro son: Raul Martinez, pintor y creador de disenos ilustrativos y Felix Beltran (1938), quien se educo en Nueva York entre finales de la decada de los 50’s y principios de los 60.Por otra parte, los cambios constantes en los metodos de reproduccion y la introduccion de nuevos materiales generaron un notable aumento en el grado de iconicidad y las posibilidades del ilustrador, que ya no tiene que desarrollar los procesos de reproduccion, para ejercer su oficio, como en el pasado, pero si tener un conocimiento general de ellos. Aunque las actividades del ilustrador se ha ramificado, como por ejemplo en el area del cine y la television actualmente su papel no ha cambiado sustancialmente, aun sigue trabajando al servicio de un patron cultural, comercial, y de los medios de comunicacion.
Hearst, introdujo su propio equipo de dibujantes y ademas sumo a Richard F. Outcault (1863-1928), quien trabajaba en el periodico e“World”, y hoy en dia considerado el pionero del dibujo literario.El 9 de abril de 1893, El “World” habia introducido la primera pagina de historietas, donde ademas se hicieron los primeros experimentos de impresiones a color. Para ello, Outcault, habia creado el personaje “Yellow Kid” (Nino amarillo), un jovencito de clase baja que vivia en los pobres suburbios de la ciudad.
el dibujante Rudolph Dirks, introdujo en el mismo diario “Katzenjammer kids” (tambien conocida como “El capitan y los pillos”, la cual fue considerada la primer historieta verdadera, ya que poseia los ovalos para encerrar los dialogos, lo que le otorgaba un gran dinamismo a sus dibujos.
Otro gran innovador de la historieta, fue Winsor Mc Cay (1869-1934), autor de “Little Nemo”. Gracias a su audacia para el encuadre, el uso de diferentes planos, la precision del dibujo, y los inteligentes argumentos de sus guiones, se convirtio en un precursor de la historieta, tal como la conocemos hoy en dia. Mc Cay trabajo en el diario “Evening telegram”, donde publicaba sus tiras comicas todos los domingos.
Un buen ejemplo de la permanencia que estas historietas solian tener, es la de “Mutt & Jeff ”, de Bud Fisher (1885-1954), que aparecio en el “Chronicle” de San francisco en 1907, para discontinuarse en 1966. Esta historieta se considera como la primera tira diaria que ha sido publicada en forma regular, y gozo de gran exito y popularidad. Sus personajes fueron tambien comercializados en libros, juguetes, dibujitos animados, etc. Al fallecer Fisher, el dibujante Al Smith continuo la serie.
Por su parte, George Herriman (1880-1944), creo varias historietas diferentes, pero la que lo llevo a la fama fue “Krazy Kat”, la cual comenzo a salir en 1910 en el “Evening Journal” de New Cork. Tenia un formato informal, muy lirico y surrealista, con comedia, poesias y juegos de palabras. La historieta, se publico de forma ininterrumpida hasta la muerte de Herriman.
En 1934, llega uno de los mayores sucesos de las historietas, Flash Gordon: de © Para 1938, arriban, -para quedarse-, todos los “superheroes”, como Superman, La Mujer Maravilla, Flash, El Fantasma, y, posteriormente, Batman y Linterna Verde.En sus historias, los superheroes eran los unicos capaces de salvar al planeta, -y en ocasiones al universo-, de los grandes enemigos que lo acechaban, todos ellos locos, maniacos, o acomplejados. Segun supusieron muchos intelectuales, estos enemigos intentaban representar, -de forma subliminal-, al los lideres comunistas, para educar a los chicos con una vision nacionalista, en pleno auge de la Guerra Fria.
Sin embargo, fue precisamente en estos mismo tiempos, mas puntualmente en 1950, cuando llego la clasica serie del dibujante Schulz, “Snoopy”, un muy inteligente perro que siempre estaba acompanado por sus amigos Charlie Brown, Peanuts, y Lucy.A partir de esos tiempos, fue poco lo que se innovo. Los mismos personajes, ya de culto, continuaron siendo dibujados a traves de los anos por otros dibujantes, pero manteniendo los mismos argumentos.
El comic o tira comica a encontrado sus expresion mas literaria en la novela ilustrada. Un buen ejemplo es Maus, novela del ilustrador Art Spiegelman, Ganadora de un premio Pulitzer en 1992.En la obra, los judios son dibujados como ratones, los nazis como gatos y los polacos como cerdos. Esto, unido a que estamos ante un comic, puede llevar a pensar que nos encontramos ante una obra menor, simplificadora de los hechos que relata; pero no es asi, sino que nos encontramos con algo muy profundo, excepcionalmente contado, que no se limita a regodearse en la crueldad de lo narrado, y que es sin duda una de las obras claves del fin de siglo.
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