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Carpeta: Color y composición

Carpeta digital de la materia color y composición
by

alain orfaly

on 5 December 2012

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Transcript of Carpeta: Color y composición

Composicíon en alto contraste Carpeta: color y composición Alain Orfaly Rangel El diseño gráfico es una profesión cuya actividad es la acción de concebir, programar, proyectar y realizar comunicaciones visuales, producidas en general por medios industriales y destinadas a transmitir mensajes específicos a grupos sociales determinados. Esta es la actividad que posibilita comunicar gráficamente ideas, hechos y valores procesados y sintetizados en términos de forma y comunicación, factores sociales, culturales, económicos, estéticos y tecnológicos. También se conoce con el nombre de diseño en comunicación visual, debido a que algunos asocian la palabra gráfico únicamente a la industria gráfica, y entienden que los mensajes visuales se canalizan a través de muchos medios de comunicación, y no sólo los impresos. DISEÑO GRÁFICO Algunas clasificaciones difundidas del diseño gráfico son: el diseño gráfico publicitario, el diseño editorial, el diseño de identidad corporativa, el diseño web, el diseño de envase, el diseño tipográfico, la cartelería, la señalética y el llamado diseño multimedia, entre otros. La definición de la profesión del diseñador gráfico es más bien reciente, en lo que refiere su preparación, su actividad y sus objetivos. Aunque no existe consenso acerca de la fecha exacta en la que nació el diseño gráfico, algunos lo datan durante el período de entreguerras. Otros entienden que comienza a identificarse como tal para finales del siglo XIX.Puede argumentarse que comunicaciones gráficas con propósitos específicos tienen su origen en las pinturas rupestres del Paleolítico y en el nacimiento del lenguaje escrito en el tercer milenio a. de C. Pero las diferencias de métodos de trabajo, ciencias auxiliares y formación requerida son tales que no es posible identificar con claridad al diseñador gráfico actual con el hombre de la prehistoria, con el xilógrafo del siglo XV o con el litógrafo de 1890.La diversidad de opiniones responde a que algunos consideran como producto del diseño gráfico a toda manifestación gráfica y otros solamente a aquellas que surgen como resultado de la aplicación de un modelo de producción industrial; es decir, aquellas manifestaciones visuales que han sido "proyectadas" contemplando necesidades de diversos tipos: productivas, simbólicas, ergonómicas, contextuales, etc. Hoy en día, gran parte del trabajo de los diseñadores gráficos es asistido por herramientas digitales. El diseño gráfico se ha transformado enormemente por causa de los ordenadores. A partir de 1984, con la aparición de los primeros sistemas de autoedición, los ordenadores personales sustituyeron de forma paulatina todos los procedimientos técnicos de naturaleza analógica por sistemas digitales. Por lo tanto los ordenadores se han transformado en herramientas imprescindibles y, con la aparición del hipertexto y la web, sus funciones se han extendido como medio de comunicación. Además, la tecnología también se ha hecho notar con el auge del teletrabajo y en especial del crowdsourcing o tercerización masiva, ha comenzado a intervenir en las modalidades de trabajo. Este cambio ha incrementado la necesidad de reflexionar sobre tiempo, movimiento e interactividad. Aún así, la práctica profesional de diseño no ha tenido cambios esenciales. Mientras que las formas de producción han cambiado y los canales de comunicación se han extendido, los conceptos fundamentales que nos permiten entender la comunicación humana continúan siendo los mismos. Los principios formales de la composición visual se utilizaron de forma elemental desde la antigüedad. Pueden observarse todavía los murales egipcios, aztecas, mesopotámicos, etc.Este estudio e información que tenemos hoy en día, la descubrieron los griegos de la edad clásica, entre los siglos V y III antes de C, quienes las pusieron en práctica desde la pintura, escultura y finalizando en la arquitectura.Estas leyes no son para seguirlas al pie de la letra, son normas que nos pueden ser de gran utilidad para empezar a componer partiendo de ellas, y que podemos utilizarlas o no según nuestro criterio dependiendo de la temática del trabajo a realizar. Es aconsejable realizar varias tomas fotográficas de una misma imagen, respetando estas leyes en unos casos y en otros no, para después comparar el resultado final. LA COMPOSICIÓN Y SUS LEYES Se indica, que en el recuadro fotográfico deben trazarse, imaginariamente, tres líneas horizontales de la misma anchura, tanto si se esta trabajando en posición horizontal o vertical, y en la gran mayoría de los casos, darle alrededor de dos bandas a la zona donde se encuentra el motivo principal, y más o menos una banda a la zona secundaria. La Ley del Horizonte La Ley de la Mirada Es aquella ley en que toda persona, animal o cosa, dentro del recuadro fotográfico debe de tener más espacio libre hacia su parte frontal que lo que ocupa su parte trasera, independientemente de la amplitud de lo abarcado en el encuadre de la toma. Incluso podemos recortar el borde del recuadro fotográfico, la parte del elemento gráfico en cuestión por su parte posterior, si este se encuentra en un plano cercano a la cámara o es de dimensiones muy grandes. Ley de los Tercios En el recuadro fotográfico deberán trazarse, de forma imaginaria, dos líneas equidistantes verticales y dos horizontales, siendo alguno de los cuatro puntos donde se cruzan las cuatro líneas divisorias donde debe colocarse o encontrarse el motivo que deseamos resaltar dentro de la composición fotográfica.Aplicando la regla de los tres tercios realizamos un ajuste asimétrico de la imagen, dejando a un lado la aburrida y estática composición central. Sección Aurea La regla o sección áurea es una proporción entre medidas. Se trata de la división armónica de una recta en media y extrema razón. Esto hace referencia a que el segmento menor es al segmento mayor, como este es a la totalidad de la recta. O cortar una línea en dos partes desiguales de manera que el segmento mayor sea a toda la línea, como el menor es al mayor.De esta forma se establece una relación de tamaños con la misma proporcionalidad entre el todo dividido en mayor y menor, esto es un resultado similar a la media y extrema razón. Esta proporción o forma de seleccionar proporcionalmente una línea se llama proporción áurea, se adopta como símbolo de la sección áurea (Æ), y la representación en números de esta relación de tamaños se llama número de oro = 1,618. A lo largo de la historia de las artes visuales han surgido diferentes teorías sobre la composición. Platón decía: es imposible combinar bien dos cosas sin una tercera, hace falta una relación entre ellas que los ensamble, la mejor ligazón para esta relación es el todo. La suma de las partes como todo es la más perfecta relación de proporción. Vitruvio, importante arquitecto romano, acepta el mismo principio pero dice que la simetría consiste en el acuerdo de medidas entre los diversos elementos de la obra y estos con el conjunto. Inventó una fórmula matemática, para la división del espacio dentro de un dibujo, conocida como la sección áurea, y se basaba en una proporción dada entre los lados mas largos y los más cortos de un rectángulo. Dicha simetría está regida por un modulo común, que es el número. Definido de otra forma, bisecando un cuadro y usando la diagonal de una de sus mitades como radio para ampliar las dimensiones del cuadrado hasta convertirlo en "rectángulo áureo". Se llega a la proporción a:b = c:a.Dicho esto, y según Vitruvio, se analiza que al crear una composición, si colocamos los elementos principales del diseño en una de las líneas que dividen la sección áurea, se consigue el equilibrio entre estos elementos y el resto del diseño. Ante un nuevo proyecto se pueden adoptar distintas formas de aproximación. A esto se le llama metodologías del diseño.Estas metodologías se pueden emplear de forma unitaria o combinándolas entre si, para obtener un nuevo enfoque. Se debe tener en cuenta que también influye el ámbito de aplicación, y las disciplinas implicadas en el proceso del proyecto. Metodología del Diseño Desorden Trabajos: Ley de los Tercios Concentración Simetría Axial Ligero Ley del Horizonte Composición aplicada en folder Trabajos: Creatividad Proceso que compromete la totalidad del comportamiento psicológico de un sujeto y su correlación con el mundo, para concluir en un cierto producto, que puede ser considerado nuevo, valioso y adecuado a un contexto de realidad, ficción o idealidad ¿Método y Metodología? Método es el significado general de modelo lógico que se sigue en la investigación científica. En cuanto al de metodología, lo más adecuado es considerarla como el estudio y análisis de los métodos, reservando los términos técnicas y procedimientos para hacer alusión a los aspectos más específicos y concretos del método que se usan en cada investigación. Algunos tipos de Metodologías para el diseño son: Diseño Axiomático, cuando se emplean axiomas para tomar decisiones. Este enfoque se basa principalmente en las necesidades funcionales del cliente.

Diseño Orientado al Uso, cuando el diseño se centra en las tareas asociadas al uso y sus objetivos. Este enfoque penaliza la usabilidad, ya que incrementa la curva de aprendizaje, pero logra solventar problemas complejos o de alta criticidad.

Diseño Centrado en el Usuario (UCD User Center Design) que es la metodología de diseño más habitual en el mundo del HCI. Este enfoque coloca todas las necesidades, deseos y limitaciones del usuario como núcleo del proceso de diseño. Por lo cual esta metodología conlleva por definición investigación y análisis del usuario. Así mismo implica que el proyecto debe ser faseados para garantizar los resultados. Dentro del UCD hay metodologías especificas , como son KES (Kansei Engineering System) o QFD (Quality Function Deployment).

Enfoque Ascendente, que consiste en partir de un elemento o de las características individuales de los elementos para desarrollar la totalidad del producto. Este es el método empleado por Google en sus adds de productos.

Enfoque Descendente, consistente en generar el producto desconociendo los elementos que lo configuran, esta técnica se emplea para desarrollar por ejemplo templates web.

Pensamiento de diseño (Thinking design) es una metodología de resolución de problemas, y de detección y descubrimiento de nuevas oportunidades, se basa en un profundo conocimiento antropológico, en el intercambios de ideas entre equipos multidisciplinares y en los test. La gente de IDEO trabaja con este método. Algunos principios que pueden resultar de ayuda a la hora de tomar decisiones son: Navaja de Ockham, consiste en eliminar los elementos innecesarios del diseño con el fin de obtener productos lo más sencillos posibles, de modo que se reduce la posibilidad de que existan incoherencias.

Principio KISS (Keep It Short and Simple o Keep it simple, stupid) se emplea cuando la sencillez es un objetivo del diseño. El principio Kiss no es en si mismo una metodología sino una estrategia de diseño y sigue el reduccionismo metodológico de Ockham.

Timtowtdi, (There is more than one way to do it) hace referencia a que existen múltiples soluciones a un problema, es un principio muy popular en programación. Elementos que integran la composición ELEMENTOS CONCEPTUALES: no son visuales, no existen de hecho, sino que parecen estar presentes ELEMENTOS VISUALES: es cuando los elementos conceptuales se hacen visibles, tienen forma, color, medida y textura ELEMENTOS DE RELACION: gobierna la ubicación y la interrelación de las formas en un diseño ELEMENTOS PRÁCTICOS: subyacen al contenido del diseño y su alcance LA FORMA
Los elementos conceptuales no son visibles. Cuando el punto, la línea o el plano son visibles, se convierten en forma- así sea un punto, en el papel debe tener una forma, un tamaño, un color y una textura para ser vistos. Son formas en un verdadero sentido. ESTRUCTURAS
Todos los diseños tienen una estructura- esto debe gobernar la posición de la forma en un diseño.La estructura es la disciplina que subyace a las disposiciones. Impone orden y predetermina las relaciones internas de la forma en un diseño. ESPACIO
Es la distancia o el área entre o alrededor de las cosas. Cuando se está diseñando, debemos pensar donde vamos a colocar todos los elementos y a que distancia unos de los otros. El tipo de imágenes que colocaremos, la dimensión de éstas, el texto y lo que habrá alrededor de ellas, etc.

Las diferentes tonalidades que emplearan los elementos y las formas, sirven para crear relaciones espaciales y focales, de gran interés para el receptor. Se pueden llegar a conseguir efectos muy variados y especiales dependiendo de como se combinen, estos. Por ejemplo si usamos bastante espacio en blanco, se produce un descanso para el ojo. Si dejamos mucho espacio en blanco alrededor de algun objeto, palabra o imagen, estamos haciendo que destaque del resto de la composición. PUNTO: indica posición. No tiene largo ni ancho. No ocupa una zona en el espacio. Es el principio y fin de una línea y es donde dos líneas se encuentran o cruzan
LÍNEA: cuando un punto se mueve, su recorrido se transforma en una línea. Tiene largo pero no ancho. Tiene posición y dirección, esta limitada por dos puntos. Forma los bordes de un plano
PLANOS: es el recorrido de una línea en un movimiento (en una dirección distinta a la suya intrínseca). Tiene largo y ancho, pero no grosor. Tiene posición y dirección. Esta limitado por líneas. Define los limites extremos de un volumen
VOLUMEN: es el recorrido de un plano (en dirección distinta a la suya intrínsecamente). Tiene posición en el espacio y esta limitado por planos. En un diseño bidimensional, el volumen es una ilusión. FORMA: lo que puede ser visto. Aporta la identificación principal de nuestra percepción
MEDIDA: toda forma tiene un tamaño. magnitud / pequeñez. Es físicamente mesurable
COLOR: distinción de una forma con sus cercanías
TEXTURA: la cercanía en la superficie de una forma. Plana, decorado, suave, rugosa. Atrae al tacto y a la vista. PERCIBIDOS: Dirección y Posición SENTIDOS: Espacio y Gravedad La relación de la forma con el espectador, con el marco, las cercanías. Relación de la forma respecto al cuadro o a la estructura del diseño Se refiere al estar ocupado o vacío. Puede ser liso, ilusorio o sugerir profundidad Es una sensación psicológica, no visual. Atribuimos pesantez, liviandad, estabilidad o inestabilidad a formas o grupos de formas. REPRESENTACIÓN: cuando la forma deriva de la naturaleza o del mundo humano. Es realista, estilizada o semi abstracta.
FUNCIÓN: cuando el diseño sirve a un determinado propósito.
SIGNIFICADO: cuando el diseño transmite un mensaje. FORMAS POSITIVAS Y NEGATIVAS la forma puede ser vista como ocupante de un espacio o como un espacio en blanco rodeado por espacio ocupado POSITIVA: forma como ocupante de un espacio NEGATIVA: como espacio en blanco rodeado por un espacio ocupado Comúnmente la forma (positiva o negativa) es mencionada como “figura” que esta rodeada por un “fondo”. Esta relación puede ser reversible. MÓDULOS: cuando un diseño ha sido compuesto por una cantidad de formas idénticas o similares entre sí. Son “formas unitarias” o “módulos”Un diseño puede mantener más de un conjunto de módulos.Deben ser simples.
REPETICIÓN DE MÓDULOS: cuando utilizamos la forma más de una vez. Dan armonía, por su ritmo. SUBMÓDULOS: un módulo compuesto por elementos pequeños en repetición
SUPERMÓDULOS: agrupación de módulos en el diseño que es utilizado en repetición para convertirse en una forma mayor Trabajo: Composición usando módulos. Módulo Submódulo Supermódulo ESTRUCTURA FORMAL: se compone de líneas estructurales que aparecen construidas de manera rígida, matemática. Guían la formación completa del diseño. Tipos- repetición, gradación, radiación.
ESTRUCTURA SEMIFORMAL: bastante regular, pero con una ligera irregularidad
ESTRUCTURA INFORMAL: normalmente no tiene líneas estructurales. La organización es libre o indefinida.
ESTRUCTURA INACTIVA: todos los tipos de estructura pueden ser activos o inactivos. La estructura inactiva, las líneas estructurales son conceptuales
ESTRUCTURA ACTIVA: igualmente que las líneas estructurales conceptuales, pero que dividen el espacio en subdivisiones individuales que interactúan con los módulos
ESTRUCTURA INVISIBLE: líneas conceptuales invisibles. Son activas y de grosor mensurable
ESTRUCTURA VISIBLE: las líneas existen como reales y visibles, de un grosor deseado. Al ser visibles, pueden ser tratadas como módulos. Pueden ser positivas o negativas.
ESTRUCTURAS DE REPETICIÓN: la colocación de los módulos tienen el mismo espacio alrededor de cada uno.
RETÍCULA BÁSICA: mas frecuente, la estructura de repetición- líneas horizontales y verticales parejamente espaciadas que se cruzan entre sí. Subdivisiones de igual medida Trabajo: Composición contexturas ESPACIO NEGATIVO / POSITIVO: es el espacio positivo / negativo que rodea una forma negativa / positiva
En regularidad, el efecto es reversible- figura / fondo
ESPACIO LISO / ILUSORIO:
Liso: cuando las formas parecen reposar sobre el plano de la imagen y ser paralelas a él. La forma debe también ser lisa
No hay una mas cerca- equidistante al ojo
No hay superposición
Ilusorio: cuando las formas no parecen reposar sobre el plano de la imagen o ser paralelo a él
FORMAS LISAS EN ESPACIO ILUSORIO: forma lisa sin espacio aparente
1.Superposición
2.Cambio de tamaño
3.Cambio de textura
4.Cambio en el punto de vista
5.Curvatura / quebrantamiento
6.Agregado de sombra
VOLUMEN Y PROFUNDIDAD EN EL ESPACIO ILUSORIO
Figuras lisas se pueden convertir tridimensionalmente con la sugestión de grosor- perspectiva
REPRESENTACIÓN DEL PLANO EN EL ESPACIO ILUSORIO
El volumen esta contenido por planos. Varias maneras
1. Plano dibujado: valor grosor de la línea
2. Plano sólido: planos sólidos sin ambigüedad- igual color
3. Plano textura uniforme: distingue el plano de su vecino- textura particular
4. Plano de color o de textura
ESPACIO FLUCTUANTE Y CONFLICTIVO
Fluctuante: cuando parece avanzar en cierto momento y retroceder en otro
Conflictivo: similar, pero no existe una forma definida con la cual podamos interpretar la situación espacial. Es una situación espacial absurda, imposible de interpretar. Es absurda, por que no existe en la realidad Trabajo: Diseño de bolsa usando redes
-Johannes Ittem. El arte del color.
-Wicius Wong. fundamentos del diseño bi y tridimensional.
-Kandinsky. Punto y línea sobre el plano.
-Wucius Wong. Principios del diseño en color.


-composiciónartistica.blogspot.com
-slideshares.net/andreabibiana/elementos-de-composicion
-uacj.mx/…/diseño/…/Metodología-del-diseño-para-diseñador Trabajo: Diseño de Lámpara En este trabajo se tenían que aplicar todos los conceptos aprendidos, especialmente lo de módulos y repetición. Otro especto, era el investigar todo lo referente al tipo de cliente y necesidades, para hasí lograr un verdadero diseño y no se quedara en una "obra de arte". COMPOSICIÓN COLOR El color es una percepción visual que se genera en el cerebro de los humanos y otros animales al interpretar las señales nerviosas que le envían los fotorreceptores en la retina del ojo, que a su vez interpretan y distinguen las distintas longitudes de onda que captan de la parte visible del espectro electromagnético (la luz). "El color es una sensación visual que funciona solo si el ojo es alcanzado por la luz" COLOR La visión es un sentido que consiste en la habilidad de detectar la luz y de interpretarla. La visión es propia de los animales teniendo éstos un sistema dedicado a ella llamado sistema visual. La primera parte del sistema visual se encarga de formar la imagen óptica del estímulo visual en la retina (sistema óptico), donde sus células son las responsables de procesar la información.
Las primeras en intervenir son los fotorreceptores, los cuales capturan la luz que incide sobre ellos. Los hay de dos tipos: los conos y los bastones. Otras células de la retina se encargan de transformar dicha luz en impulsos electroquímicos y en transportarlos hasta el nervio óptico. Desde allí, se proyectan al cerebro. En el cerebro se realiza el proceso de formar los colores y reconstruir las distancias, movimientos y formas de los objetos observados. Los conos captan la luz en la retina del ojo. Hay tres tipos de conos (denominados en inglés S, M, y L), cada uno de ellos capta solamente ciertas longitudes de onda que transformadas en el cerebro se corresponden aproximadamente con el azul, verde y rojo. Los bastones son células fotorreceptoras de la retina responsables de la visión en condiciones de baja luminosidad. Presentan una elevada sensibilidad a la luz aunque se saturan en condiciones de mucha luz y no detectan los colores. ¿Cómo vemos? COLORES PIGMENTO Los colores producidos por luces (en el monitor de nuestro ordenador, en el cine, televisión, etc.) tienen como colores primarios, al rojo, el verde y el azul (RGB) cuya fusión de estos, crean y componen la luz blanca, por eso a esta mezcla se le denomina, síntesis aditiva y las mezclas parciales de estas luces dan origen a la mayoría de los colores del espectro visible. COLORES LUZ Los colores sustractivos, son colores basados en la luz reflejada de los pigmentos aplicados a las superficies. Forman esta síntesis sustractiva, el color magenta, el cyan y el amarillo. Son los colores básicos de las tintas que se usan en la mayoría de los sistemas de impresión, motivo por el cual estos colores han desplazado en la consideración de colores primarios a los tradicionales.

La mezcla de los tres colores primarios pigmento en teoría debería producir el negro, el color más oscuro y de menor cantidad de luz, por lo cual esta mezcla es conocida como síntesis sustractiva. En la práctica el color así obtenido no es lo bastante intenso, motivo por el cual se le agrega negro pigmento conformandose el espacio de color CMYK. El espectro electromagnético está constituido por todos los posibles niveles de energía de la luz. Hablar de energía es equivalente a hablar de longitud de onda; por ello, el espectro electromagnético abarca todas las longitudes de onda que la luz puede tener. De todo el espectro, la porción que el ser humano es capaz de percibir es muy pequeña en comparación con todas las existentes. Esta región, denominada espectro visible, comprende longitudes de onda desde los 380 nm hasta los 780 nm ( 1nm = 1 nanómetro = 0,000001 mm). La luz de cada una de estas longitudes de onda es percibida en el cerebro humano como un color diferente. Por eso, en la descomposición de la luz blanca en todas sus longitudes de onda, mediante un prisma o por la lluvia en el arco iris, el cerebro percibe todos los colores. Newton uso por primera vez la palabra espectro (del latín, "apariencia" o "aparición") en 1671 al describir sus experimentos en óptica. Newton observó que cuando un estrecho haz de luz solar incide sobre un prisma de vidrio triangular con un ángulo, una parte se refleja y otra pasa a través del vidrio y se desintegra en diferentes bandas de colores. También Newton hizo converger esos mismos rayos de color en una segunda lente para formar nuevamente luz blanca. Demostró que la luz solar tiene todos los colores del arco iris. EL Circulo Cromático Aunque los dos extremos del espectro visible, el rojo y el violeta, son diferentes en longitud de onda, visualmente tienen algunas similitudes, Newton propuso que la banda recta de colores espectrales se distribuyese en una forma circular uniendo los extremos del espectro visible. Este fue el primer círculo cromático, un intento de fijar las similitudes y diferencias entre los distintos matices de color. Muchos estudiosos admitieron el círculo de Newton para explicar las relaciones entre los diferentes colores. Los colores que están juntos corresponden a longitud de onda similar. Círculo cromático del Modelo de color RYB de síntesis sustractiva, basado en los primarios amarillo, rojo y azul. Hoy se sabe que es incorrecto, pero se sigue empleando en Bellas Artes. Círculo cromático del Modelo de color RGB, basado en los primarios rojo, verde y azul. Es un modelo de síntesis aditiva. Se denominan colores complementarios a aquellos que, en la composición cromática, se complementan. Si observamos el círculo cromático, son los que estarían situados diametralmente opuestos, por lo que el complementario de un primario (P) será un secundario (S), y viceversa, el de un secundario (S) será un primario (P) y el de un intermedio (I) será otro intermedio (I) Define la cualidad cromática de un color, es decir el color en sí mismo, supone su cualidad cromática, es -simplemente- un sinónimo de color . Es el factor que nos permite determinar si un color es rojo, amarillo o verde. Se encuentra en estrecha relación con la longitud de onda de un color puesto que al variar esta variamos también el matiz.
Aquí podemos hacer una división entre: tonos cálidos (rojo, amarillo y anaranjados). Aquellos que asociamos con la luz solar, el fuego... y tonos fríos (azul y verde). Los colores fríos son aquellos que asociamos con el agua, la luz de la luna... Los términos "cálido" y "frío" se utilizan para calificar a aquellos tonos que connotan dichas cualidades; éstos términos se designan por lo que denominamos "temperatura de color". Las diferencias entre los colores cálidos y los fríos pueden ser muy sutiles. Por ejemplo, el papel blanco puede parecer más cálido o más frío por una leve presencia de rojo o azul. Lo mismo ocurre con el gris y el negro.
Es la siguiente dimensión cromática del color. Está relacionada con la pureza cromática o falta de dilución con el blanco. Alterando esta característica podemos hacer que un mismo matiz varíe su aspecto sensiblemente. Al reducir el valor de este parámetro aumentamos el componente gris de un color y este se vuelve apagado y suave. Constituye la pureza del color respecto al gris, y depende de la cantidad de blanco presente. Cuanto más saturado está un color, más puro es y menos mezcla de gris posee. Es la tercera dimensión del color. En realidad se asocia con la intensidad de la radiación electromagnética y su amplitud de onda. Se trata de la propiedad cromática de reflejar la luz blanca. Un color con un valor tonal o de brillo muy bajo proviene de una radiación leve que, por tanto, presenta una escasa capacidad de proyectar luz. La brillantez tiene que ver con la intensidad o el nivel de energía. Es la luminosidad de un color (la capacidad de reflejar el blanco), es decir, el brillo. Alude a la claridad u oscuridad de un tono. Es una condición variable, que puede alterar fundamentalmente la apariencia de un color. La luminosidad puede variar añadiendo negro o blanco a un tono. Los colores análogos son aquellos que se encuentran a ambos lados de cualquier color en el círculo cromático, son los colores vecinos del círculo cromático los cuales, tiene un color como común denominador, si se tomase como color dominante el rojo pudiendo formar un esquema de colores análogos con los otros tres correlativos en el círculo cromático representados en la acuarela por el laca de garanza, el púrpura y el violeta. ANÁLOGO ANÁLOGO ANÁLOGO ANÁLOGO COLORES ANÁLOGOS COLORES COMPLEMENTARIOS Son aquellos que se encuentran aislados, sin presencia de otros colores. Usados producen sensación de unidad, homogeneidad y robustez. Se puede evitar la monotonía utilizándolos con diferente luminosidad, más claros y más oscuros. COLORES MONOCROMÁTICOS El matiz o tono La Saturación El Brillo LAS TRES DIMENCIONES DEL COLOR ORIGINAL IGUALACIÓN SATURACIÓN COMPLEMENTARIO BRILLO OTROS TRABAJOS: Diseño de Calavera en backlight para el día de muertos. El objetivo era lograr un diseño original y que usara los elementos de color y composición aprendidos a lo largo del semestre Poliedro de papel, previamente diseñado con hilos de colores. El objetivo era usar diferentes elementos del color en cada una de sus caras para que al rotarlo se apreciaran todas estas atractivas variaciones. Joyería de resina con colorante Vestido hecho de papel. El objetivo era llevar a 3D todo lo aprendido en la materia, usando el color y principalmente modulos. Composición hecha
únicamente con
pigmentos naturales.
-café
-betabel
-flores Trabajo: Vitral hecho con celofán y
cartulina. Infografía del color blanco. Ejemplo: Contraste de Temperatura Contraste del color en sí mismo:

El contraste del color en sí mismo es el más sencillo de los siete contrastes de colores. No requiere un gran esfuerzo a la visión, pues para representarlo, se puede emplear cualquier color puro y luminoso. Contraste simultáneo:

Entendemos por contraste simultáneo el fenómeno según el cual nuestro ojo, para un color dado, exige simultáneamente el color complementario y, si no le es dado, lo produce él mismo. La experiencia prueba que la ley fundamental de la armonía coloreada encierra en sí la realización de la ley de los complementarios. El color complementario engendrado en el ojo del espectador es una impresión coloreada pero no existe en la realidad. No se puede fotografiar. El contraste simultáneo y el contraste sucesivo tienen seguramente el mismo origen. Contraste cualitativo:

La noción cualitativa del color se fundamenta en el grado de pureza o de saturación. Por contraste cualitativo designamos la oposición entre un color saturado y luminoso y otro color apagado y sin resplandor. Los colores del prisma, que brotan de la refracción de la luz blanca, son colores muy saturados y de una luminosidad extrema. Contraste claro-obscuro:

La luz y las tinieblas, lo claro y lo obscuro son contrastes polares y tienen una importancia fundamental para la vida humana y para la naturaleza entera. Para los pintores, el blanco y el negro constituyen los más fuertes medios de expresión para el claro y el obscuro. El blanco y el negro son, desde el punto de vista de sus efectos, totalmente opuestos ; entre estos dos extremos se extiende todo el dominio de los tonos grises y de los tonos coloreados. Contraste caliente-frío:

Parece extraño hablar de una sensación de temperatura cuando se trata de la visión óptica de los colores. Sin embargo, la experiencia ha demostrado que la sensación de frío o de calor cambiaba de tres a cuatro grados según que la habitación estuviera pintada en azul-verde o en rojo-anaranjado. Contraste de los complementarios:

Designamos con el nombre de complementarios dos colores de pigmento cuya mezcla da un gris-negro de tono neutro. Desde un punto de vista físico, dos luces coloreadas cuya mezcla da una luz blanca son igualmente complementarias. Dos colores complementarios originan una curiosa mezcla. Se oponen entre sí y exigen su presencia recíproca. Su acercamiento aviva su luminosidad pero al mezclarse se destruyen y producen un gris, como el agua y el fuego. Únicamente hay un color complementario de otro. Contraste cuantitativo:

El contraste cuantitativo concierne las relaciones de tamaño de dos o de tres colores. Se trata, pues, del contraste «mucho-poco» o del contraste « grande-pequeño». bibliografía: -D.A. Dondis. La sintaxis de la imagen .
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