Loading presentation...

Present Remotely

Send the link below via email or IM

Copy

Present to your audience

Start remote presentation

  • Invited audience members will follow you as you navigate and present
  • People invited to a presentation do not need a Prezi account
  • This link expires 10 minutes after you close the presentation
  • A maximum of 30 users can follow your presentation
  • Learn more about this feature in our knowledge base article

Do you really want to delete this prezi?

Neither you, nor the coeditors you shared it with will be able to recover it again.

DeleteCancel

renacimiento italiano (S.XV y XVI)

No description
by

on 25 April 2014

Comments (0)

Please log in to add your comment.

Report abuse

Transcript of renacimiento italiano (S.XV y XVI)

renacimiento italiano (S.XV y XVI)
Almudena ladero garcía 2ªa
El Renacimiento italiano se inició en un período de grandes logros y cambios culturales en Italia que se extendió desde finales del Siglo XIV hasta alrededor de 1600, constituyendo la transición entre el Medievo y Europa moderna y también clásica.
Los orígenes del movimiento pueden rastrearse desde inicios del S. XIV, principalmente en la esfera literaria, aunque también ya se detecta de forma incipiente algunas de sus características fundamentales, como el mecenazgo, el intelectualismo y la curiosidad por la Cultura Clásica. No obstante, muchos aspectos de la cultura italiana permanecerán en su estado medieval y el Renacimiento no se desarrollará totalmente hasta finales de siglo.

quattrocento, siglo XV
quincecento, siglo XVI
renacimiento español (siglo xvi)
arquitectura
escultura
pintura
arquitectura
arquitectura
escultura
escultura
pintura
pintura
brunelleschi
alberti
ghiberti
donatello
fra angelico
masacio
boticcelli
miguel ángel
paolo ucello
mantegna
miguel ángel
miguel ángel
leonardo da vinci
rafael
gil de hontañon
gil de siloé
juan de juni
el greco
cúpula de la catedral de florencia
palacio pitti
palacio rucellai
san andrés de mantua
puertas del paraíso del baptisterio de la catedral de florencia
gattamelata
david
san jorge
la anunciación
tributo de la moneda
nacimiento de venus
la primavera
batalla de san romano
san sebastián
cúpula de san pedro del vaticano
la piedad
david
moisés
lA PIEDAD RONDANINI
TIZIANO
GIORGIONE
LA CAPILLA SIXTINA
LA GIOCONDA
LA VIRGEN DE LAS ROCAS
LA ACADEMIA DE ATENAS
MADONNAS
CARLOS v EN LA BATALA DE MüHLBERG
LA TEMPESTAD
FACHADA DE LA UNIVERSIDAD DE SALAMANCA
FACHADA DE LA UNIVERSIDAD de alcalá
palacio de carlos V
santo entierro
el entierro del conde orgaz
el caballero con la mano en el pecho
el expolio
visión de toledo
laoconte y sus hijos
Es uno de los períodos más importantes del panorama artístico europeo. Se sitúa a lo largo de todo el siglo XV y es la primera fase del movimiento conocido como renacimiento.
El Quattrocento (1401-1500) se inició en Florencia impulsado por la familia Médici. En esta época aparece la figura del artista y creador en detrimento del anonimato. Surge el taller del maestro, que es quien recibe los encargos de los clientes. Este hecho podría sindicarse como el nacimiento de la categoría de autor.
Es un período dentro del arte europeo. Se sitúa a lo largo de todo el siglo XVI, y es la segunda fase del movimiento conocido como Renacimiento, quizás la más importante. Se ubica en Italia como el segundo siglo del Renacimiento. Ha sido precedido por el Quattrocento. Cuando llega su fin se difunden sus resultados a toda Europa del Oeste, dando paso al Seicento, palabra que define solamente el arte italiano del siglo XVII. Asi que, concluyó el período correspondiente a un movimiento artístico específicamente ubicado en Italia. En este momento ya se desarrollaba todo el tesoro artístico del Renacimiento con su pensamiento humanístico, y desde entonces cada artista europeo lo tiene en mente para seguir con otros movimientos del mismo ámbito.
Es la expresión empleada para designar a la influencia y al desarrollo que se dio en España del movimiento artístico y científico originado en Italia en el siglo XV, y que se fue expandiendo por el resto de Europa Occidental en el s. XVI, conocido como Renacimiento.
La arquitectura de esta época, debido al humanismo imperante en el Renacimiento, retornó al uso de la escala humana en los edificios y al predominio de la horizontalidad sobre otros valores visuales. De esta manera, se abandonaba la verticalidad y monumentalidad góticas. Los monumentos renacentistas recuperaron el sentido de la proporción y de la belleza característico de la arquitectura clásica, basado nuevamente en un fundamento matemático y geométrico.
Es concretamente en Florencia donde nace el renacimiento, utilizando de nuevo en la arquitectura los arcos de medio punto, las bóvedas, cúpulas y sobretodo las columnas, capiteles y frontones de la antigüedad. El arte progresa tanto en la arquitectura religiosa como en la civil.
Un elemento esencial es la cúpula, que además de funciones arquitectónicas también tienen que ver con la filosofía de la época.
Es considerada como una evolución de la medieval, en Pisa se dan los primeros inicios de esta nueva escultura, de carácter naturalista, realista, y monumental, usando proporciones y elegancia en la línea. Sin embargo la esencia de la escultura clásica se recupera en Florencia y se separa de la arquitectura. Aunque predomina la escultura religiosa, la escultura fúnebre y el retrato adquieren gran importancia.
Para conseguir la belleza, tema buscado siempre en el renacimiento, se usa el marmol junto al bronce
Los pintores se preocupan por la expresión de las emociones y por los mundos clásicos, Grecia y Roma.
Se distinguen dos escuelas, la florentina y la Veneciana, la primera se caracteriza por el realismo, el volumen, destacando en ella Masaccio (pincelada fuerte), y Botticelli (pincelada suave). Y la segunda se caracteriza por los colores vistosos y la plasmación de la feliz vida de la burguesía veneciana de la época. Importancia del retrato y la mitoogía, que se junta con temas tanto religiosos como profanos.
Supone la cumbre del Renacimiento italiano . Se desarrolló, como su nombre indica, en la Italia del siglo XVI , pero no abarca toda la pintura de ese siglo, sino solamente la del primer tercio, ya que el clasicismo y el equilibrio propios de este Alto Renacimiento desaparecen a partir de la década de los veinte . Para el período 1520 -1600 se prefiere usar el término de Pintura manierista .
Consistia en la calidad de su trabajo y su capacidad para obtener "vida" del mármol no puede, incluso a día de hoy, por menos que causar una completa admiración.
Equilibrio, austeridad, robustez y predominio de la arquitectura sobre la decoración son características principales de las edificaciones cinquecentistas clasicistas, como se puede apreciar claramente en las obras de de sus representantes. Se emplean ahora los volúmenes con un sentido plástico, buscándose el contraste y el juego mediante la conjugación de las formas y el manejo de la luz (elementos cuyo uso teatral se buscará deliberadamente, exagerándolo, durante el periodo manierista).
Ésta va a ser una época de grandes construcciones y de grandes autores asimismo; a lo largo de este siglo XVI se inicia el desarrollo y ejecución.
Se entiende como un proceso de procuracion de la escultura de la Antigüedad clásica . Los escultores encontraron en los restos artísticos y en los descubrimientos de yacimientos de esa época pasada la inspiración perfecta para sus obras. También se inspiraron en la Naturaleza. En este contexto hay que tener en cuenta la excepción de los artistas flamencos en el norte de Europa, los cuales además de superar el estilo figurativo del gótico promovieron un Renacimiento ajeno al italiano, sobre todo en el apartado de la pintura.
Es la realizada a lo largo del siglo XVI en las Coronas de Castilla y Aragón . El Renacimiento italiano se difundió por la Península Ibérica a partir del litoral mediterráneo . Así, se aprecian diferencias entre las regiones a la hora de incorporarse al italianismo: es más rápido en la Corona de Aragón , más vinculada con Italia, y tarda más en llegar al corazón de la Península, donde perviven los modelos flamencos preponderantes en la época de los Reyes Católicos .
El palacio Rucellai en Florencia es un típico ejemplo de arquitectura del siglo XV en esta ciudad, situado en el 18 de la vía della Vigna Nuova. El palacio fue construido entre 1446 y 1451 por Bernardo Rossellino, siguiendo un diseño de León Battista Alberti. La fachada se terminó cuando ya estaba terminado todo el interior hacia 1455. Fue encargado por Giovanni Rucellai, miembro destacado de la familia Rucellai, ricos tintoreros de tejidos. Este palacio está hecho de piedra. La fachada con mampostería de arenisca uniforme y plana, está subdividida horizontalmente de modo progresivamente más complejo y está finamente decorada, los motivos decorativos formales de un correcto orden clásico están sustituidos por las armas de los Rucellai.
La cúpula de la Catedral de Florencia o Santa María de las Flores, es su obra más famosa y más controvertida. Esta enorme cúpula no sólo destaca sobre el conjunto de la iglesia sino que es una referencia visual en toda la ciudad de Florencia. A Brunelleschi se le ocurrió hacer una superposición de dos bóvedas esquifadas, octogonales, una dentro de otra, que estaban hechas de ladrillo, divididas en tramos a modo de gajos. Está construida sobre un tambor poligonal, que más adelante se recubriría con mármoles, en el cual se abrieron óculos circulares, que proporcionan iluminación cenital al interior del crucero. Es la primera vez que la estructura bien definida de una cúpula ofrece el mismo aspecto en el interior que en el exterior.
Es el Palacio Pitti es un palacio renacentista en Florencia, Italia. Está situado en la ribera sur del río Arno, a muy corta distancia del Ponte Vecchio. En el siglo XIX, el palacio fue usado como base militar por Napoleón I y luego sirvió durante un corto período como residencia oficial de los Reyes de Italia.
La historia temprana de este palacio es una mezcla de mito y realidad. Se dice que Luca Pitti quería construir un gran palacio, dando precisas instrucciones. Ilustradas personalidades como Vasari mantuvieron que Brunelleschi fue el verdadero arquitecto del palacio y que su aprendiz Luca Fancelli realizó simplemente la tarea de ayudante.
Esta construido con piedra reforzada por la repetición de vanos y arcadas dan al edificio una apariencia severa y dura, que recuerda a un acueducto del Imperio romano
Es la Basílica de San Andrés es una iglesia renacentista en Mantua, Lombardía (Italia).
La fachada, construida colindando con un campanario preexistente (1414), se basa en el esquema del antiguo Arco de Tito. Es en gran medida una estructura de ladrillo con estuco endurecido usado como superficie. Se define por un gran arco central,cubierto por una bóveda de cañón con casetones, flanqueado por pilastras corintias. Hay aberturas menores a la derecha y la izquierda del arco.

Es la Puerta del Paraíso es el nombre con el que se conoce popularmente a la puerta este del Baptisterio de Florencia. Es obra del escultor y orfebre italiano Lorenzo Ghiberti quien la comenzó en 1425 y la finalizó en 1452.
Es la obra cumbre de Ghiberti y una de las producciones más destacadas del Renacimiento. Completamente dorada, le fue puesto el sobrenombre de del Paraíso por Miguel Ángel Buonarroti.
Tiene 5 escenas del Antiguo Testamento por cada batiente. Cada escena se ha trabajado en bronce y se encuentra dorada a la hoja.
Es el monumento ecuestre al condottiero Gattamelata es una estatua en bronce de Donatello, situada en la Plaza del Santo en Padua. Es una de las primeras y más importantes estatuas ecuestres de todo el Renacimiento.
Es una escultura de bulto redondo realizada en bronce, cuya fundición se realizó en el taller de Andrea della Caldiere y tiene unas dimensiones de 340 x 390 cm, y se apoya sobre un zócalo de base de 7,80 x 4,10 metros.
Se hizó en honor del condottiero de la república véneta Erasmo de Narni después de una elaboración que duró desde 1447 hasta 1453.
la presencia de un yelmo que cubriese los rasgos de la cara habría dejado al guerrero en nada más que una máquina de guerra, gobernada de una voluntad superior como la divina que caracterizó la Edad Media.
El rostro expresa, por el contrario la determinación del que se enfrenta a la batalla. Al héroe joven y físicamente perfecto de la Antigüedad Clásica, le sustituye entonces la consciencia del hombre racional: el héroe moderno, representado en su ser simplemente hombre.
Es el David, una escultura de bronce de 158 cm de altura, obra del escultor italiano Donatello. La obra fue realizada en torno a 1440 (o a 1430 según algunos expertos) por encargo de Cosme de Médici, que quería situarla en los jardines de su palacio de Florencia.
Actualmente se encuentra en el Bargello. Es una obra representativa del quattrocento italiano, en este adolescente frágil y audaz se reconoce inmediatamente a un héroe de la Antigüedad clásica.
Es un desnudo clásico. De hecho, fue el primer desnudo integral, de bulto redondo, que apareció en la escultura renacentista. Se trata de un desnudo ponderado, natural, pero muy expresivo debido a la firmeza de las líneas compositivas generales. Se relata la victoria de David sobre Goliat, un gigante filisteo.
Es San Jorge, escultura realizada en mármol por un joven Donatello entre los años 1416 y 1417.
Fue una escultura encargada por el gremio de los fabricantes de armas y concebida para ocupar una de las hornacinas de Orsanmichele en la ciudad de Florencia, pero que en la actualidad se conserva y expone en el museo del Bargello de esa misma ciudad italiana.
Se ven características herederas del estilo gótico como son su equilibrio y la leve torsión de la figura. Sin embargo, también se ven rasgos de lo que va a ser la escultura renacentista.
En la base de la escultura de San Jorge realiza un relieve que muestra la lucha del Santo contra el dragón, en el relieve aplanado (stiacciato) que él desarrolló.
Es La Anunciación, es un retablo realizado por el pintor toscano del Renacimiento Fra Angelico, sobrenombre de Guido di Pietro da Mugello.
Está realizado en oro y temple sobre tabla, y fue pintado hacia 1426. Mide 194 cm de ancho y 194 cm de alto. Se exhibe actualmente en el Museo del Prado de Madrid.
Muestra tal como en el Nuevo Testamento, la escena en un pórtico de mármol abierto, que recuerda al Hospital de los Inocentes, con arcos de medio punto que descansan sobre finas columnas blancas. Tiene bóvedas de arista, de color azul celeste sembrado de pequeñas estrellas de oro. En la fachada del pórtico hay un medallón con la figura de Dios Padre en grisalla. Al fondo del pórtico hay un cubículo con un banco.
Es el Tributo de la Moneda una de las escenas más famosas de los frescos más destacados de pintados por Masaccio en la Capilla Brancacci (iglesia de Santa María del Carmine en Florencia). A
El tema del conjunto de frescos es la salvación de la Humanidad operada por Jesucristo a través de Pedro. Se narran, por lo tanto, principalmente episodios de la vida de san Pedro, patrón de los marineros y comerciantes del mar.
El Tributo está en la fila superior del muro lateral izquierdo, junto a La expulsión de Adán y Eva del Paraíso terrenal.
Las figuras de Jesús y Pedro se muestran en una narrativa en tres partes. Se describe la historia narrada en un pasaje del Evangelio de Mateo.

Es el Nacimiento de Venus, una pintura de Sandro Botticelli del siglo XV. Representa una de las obras cumbres del maestro italiano. Está ejecutada al temple sobre lienzo y mide 278.5 centímetros de ancho por 172.5 cm de alto. Se conserva en la Galería de los Uffizi, Florencia.
Tradicionalmente se ha creído que esta obra, fue encargada por Lorenzo di Pierfrancesco de Médici, para adornar Villa di Castello en la campiña florentina. El nacimiento de Venus fue un encargo de otra persona para un lugar diferente. Por lo tanto, no se conoce la fecha exacta de su composición, ni tampoco el comitente para el cual fue ejecutado.
Es La Primavera, una de las obras maestras del pintor renacentista Italiano Sandro Botticelli. Está realizado al temple de huevo sobre tabla. Mide 203 cm de alto y 314 cm de ancho y fue realizada entre 1480 y 1481.
Es una obra impregnada de cultura humanística y neoplatónica de la corte de Lorenzo el Magnífico. Tiene un tono de narración situada fuera del tiempo real. Se presenta una atmósfera de fábula mitológica en la que se celebra una especie de rito pagano. Rompe con la pintura religiosa cristiana al ilustrar un rito pagano de primavera.
Se debate sobre su significado y por consiguiente el título. Se produce un cierto acuerdo sobre la individualización de alguno de los nueve personajes representados. Algunas teorías sostienen que el dios Mercurio (el personaje situado más a la izquierda) representa a Julio, el hijo de Lorenzo de Médici, y que la gracia que mira al dios, representa a la amante de Julio.
Es la Batalla de San Romano, un tríptico o conjunto de tres pinturas, obra del pintor italiano Paolo Uccello. Está realizado con temple al huevo sobre tabla y actualmente se conserva disperso en tres museos.
Hay tres momentos distintos de la batalla entablada el 1 de junio de 1432 en San Romano, cerca de Lucca, entre los florentinos, que resultaron al final victoriosos, guiados por Nicolás de Tolentino y los sieneses, liderados por Bernardino da Cotignola.
Se presentan mezclados elementos medievales y renacentistas como, el tratamiento escultórico de los volúmenes y los escorzos de las figuras con variadas perspectivas, los colores brillantes y el refinamiento decorativo en particular de las figuras y del paisaje.
Las figuras de los hombres y de los animales son geométricas y precisas, aunque irreales como los colores que usa: los caballos son rojos, blancos y azules. Esa luz y colores irreales puede que estén inspirados en algún relato caballeresco.

Es San Sebastián, el tema de tres pinturas del pintor del primer Renacimiento italiano Andrea Mantegna. El artista paduano vivió en un período en que eran frecuentes las pestes; Sebastián era considerado protector contra la peste al haber sido herido por flechas y se pensaba que la peste se difundía a través del aire.
Fue realizado después de que Mantegna se recuperase de la peste en Padua. Probablemente fue encargo del podestà de la ciudad para celebrar el fin de la peste.

Viena
París
Venecia
Se encuentran en:
Es la cúpula de la Basílica de San Pedro situada en el Vaticano, está construida por Miguel Ángel, se encuentra a una altura de 136,57 m desde el suelo hasta la parte superior de la cruz externa. Es la más alta del mundo. Su diámetro interno es de 41,47 m, ligeramente menor que dos de las tres enormes cúpulas que la precedieron. Se basaron en estas dos cúpulas para buscar la manera de construir la que se concibió como la mayor cúpula de la cristiandad.
Es la escultura de La Piedad del Vaticano, realizada por Miguel Ángel.
El tema es de origen gótico, la Virgen recoge en su regazo el cuerpo de su hijo muerto, tras el descendimiento de la Cruz. Es una imagen de suave melancolía, enlazara con algunas ideas recogidas tradicionalmente por los Evangelios apócrifos en los que la Virgen recuerda la primera vez que tuvo a su hijo recién nacido entre los brazos.
El material utilizado es mármol de Carrara trabajado a través de la talla y un posterior pulimentado de ciertas zonas que deja resbalar la luz.
Es el David, una escultura de mármol blanco de 5,17 metros de altura y 5.572 kilogramos de masa, realizada por Miguel Ángel por encargo de la Opera del Duomo de la Catedral de Santa María del Fiore de Florencia. Representa al Rey David bíblico en el momento a enfrentarse con Goliat. Fue acogida como un símbolo de la República de Florencia.
Es una de las obras maestras del Renacimiento según la mayoría de los historiadores, y una de las esculturas más famosas del mundo.
Actualmente se encuentra expuesta en la Galería de la Academia de Florencia
Es la escultura de Moisés, realizada por Miguel Ángel se encuentra en una iglesia antiquísima muy cerca del Coliseo.
Está hecha en mármol, se valió de un pronunciado pulimento para lograr el efecto de las luces y las sombras. Las ropas caen en pliegues de gran naturalismo, gran interés por la figura humana y su anatomía
Es la figura central de la tumba del Papa Julio II.
podría simbolizar la fusión de la vida activa y la contemplativa, según el ideal neoplatónico.
Es La Piedad Rondanini, una escultura realizada por Miguel Ángel, que se encuentra en el museo del Castillo Sforzesco de Milán.
Miguel Ánguel se la regaló a su criado Antonio del Francese, que trabajo hasta su defunción. Estubo trabajando en ella seis días antes de morir.
Se encuentra sin acabar, y el trabajo se ve claramente que fue realizado en diversas etapas. Tiene partes completamente acabadas y otras aún en elaboración, como el rostro de la Virgen. Ya no hay ninguna materia igual. El cuerpo ha renunciado a la lucha por su propio valor; los fenómenos carecen de cuerpo.
Son las pinturas de la Capilla Sixtina, realizadas por Miguel Ángel, se encuentra en el Palacio Apostólico en la Ciudad del Vaticano, servía como capilla de la fortaleza vaticana.
Miguel Ángel decoró la bóveda, creando una obra de arte sin precedentes que cambiaría el curso del arte occidental. Años después, tras el Saco de Roma , pintó El Juicio Final en la pared del altar, para los papas Clemente VII y Pablo III. Más de 500 años después, los frescos de Miguel Ángel siguen atrayendo a multitudes de visitantes a la capilla.
Es La Gioconda, también conocida como La Mona Lisa, una obra pictórica del italiano Leonardo da Vinci. Adquirida por el rey Francisco I de Francia a principios del siglo XVI, es propiedad del Estado Francés, y se exhibe en el Museo del Louvre de París.
Su nombre significa 'La Alegre'. La identidad de la modelo: la esposa de Francesco Bartolomeo de Giocondo, que realmente se llamaba Lisa Gherardini.
Es un óleo sobre tabla de álamo de 77 x 53 cm, retocado varias veces por el autor. Es el ejemplo más logrado de sfumato, técnica de Leonardo, si bien actualmente su colorido original es menos perceptible. El cuadro está protegido por múltiples sistemas de seguridad y ambientado a temperatura estable para su preservación óptima.
Es La Virgen de las Rocas, un nombre que denomina dos cuadros de Leonardo da Vinci a técnica pictórica de óleo sobre tabla. Se conserva en la National Gallery aún permanece sobre tabla.
En el 2005 fue descubierta una tercera versión atribuida a Leonardo, siendo expuesta en la muestra Leonardo: Genio e visione in terra marchigiana.
La tabla central debía representar a la Virgen con Niño y dos profetas y ángeles, las otras dos, cuatro ángeles cantores y músicos.
Es la Academia dees una de las pinturas más famosas del artista Rafael Sanzio. Fue hecha en boceto para decorar las habitaciones de las estancias de Rafael, ubicadas en el Vaticano. La Stanza della Segnatura fue la primera en ser decorada.
La identidad de algunos de los filósofos dentro de la pintura, como Platón o Aristóteles, está clara, pero algunos estudiosos no coinciden con las de otros.
Son las Madonnas, dos cuadros pintados por el italiano Rafael de estilo renacista.
Se cree que uno de los cuadros fue para decorar la tumba del Papa Julio II y que es encontrado actualmente en Alemania.
El otro de realizo para la Capilla de los Novicios de San Marco en Austria.
Esta composición que observamos puede forzar a una cierta rígidez, pero el italiano fue capaz de el movimiento del interior para que el esquema no se impusiera con gran naturalidad y imprimir a las escenas acción.
esta se encuentra en alemania:
se encuentra en austria:
Es Carlos V en la Batalla de Mühlberg, retrato conmemorativo de la victoria en Mühlberg de las tropas imperiales sobre las protestantes, realizada por Tizino.
Compleja simbología que muestra al Monarca en su doble condición de caballero cristiano y heredero de la tradición imperial romana. La lanza que sostiene el Emperador con su mano derecha y que siendo el símbolo del poder de los césares, también hace referencia al arma de San Jorge y a la lanza que portaba Longinos durante la Pasión de Cristo.
La armadura del Emperador se conserva en la Armería Real del Palacio Real de Madrid.
Fue realizada para María de Hungría y se convirtió en la imagen dinástica por excelencia de la Casa de Austria. Ingresó en las colecciones del Museo del Prado en el siglo XIX.
Es La Tempestad, una famosa pintura renacentista, obra del pintor italiano Giorgione que se encuentra en la Galería de la Academia de Venecia, Italia.
Dicen que esta obra va desde diferentes episodios bíblicos, mitológicos o hasta una representación alegórica de la fortuna, la fortaleza o la caridad.
Analisís:
La mujer, sentada a la derecha, amamanta a su bebé. Está desnuda, excepto por un lienzo blanco que le recubre los hombros, símbolo sugerente pero también de pureza e inocencia.
El hombre, posiblemente un soldado, sosteniendo una asta o pica, permanece en la postura del clásico contrapposto a la izquierda. Sonríe y mira a la derecha, pero parece no ver a la mujer.
Es la fachada de la Universidad de Salamanca realizada por Plateresco en Salamanca, es destacada.
Sobre dos puertas gemelas escarzanas separadas por un mainel se desarrolla, a modo de enorme bastidor, todo el programa iconográfico, como si de un retablo se tratara. La fachada está constituida por tres cuerpos sobrepuestos, separados por sus correspondientes frisos. El compartimiento inferior está dividido en cinco espacios, apreciándose en el central el retrato de los Reyes Católicos en un medallón, con una leyenda en griego en la que se lee: "Los Reyes a la Universidad y ésta a los Reyes". Los cuatro espacios restantes presentan una decoración vegetal, animal y humana..En el centro encontramos un sumo pontífice sentado en su cátedra, rodeado de cardenales y otros personajes.
Es la fachada de la Universidad de Alcalá de Henares, una universidad pública en Alcalá de Henares construida por Gil Hontañón, y con campus en Alcalá y Guadalajara. 36 titulaciones oficiales, 51 programas oficiales de postgrado, 37 doctorados y una importante oferta de másteres y estudios de especialización.
Construida en piedra de Tamajón, consta de tres grandes cuerpos de buena sillería separado por entablamentos clásicos.
Sobre él corre un híbrido de crestería gótica-balaustrada renacentista que aún nos muestra las indecisiones estilísticas del estilo plateresco.
Es el Palacio de Carlos V, construcción renacentista por Gil de Siloé situada en la colina de la Alhambra. Desde 1958 , es sede del Museo de Bellas Artes de Granada.
Fue mandado construir por el rey Carlos I , cuando se casó con Isabel de Portugal, en Sevilla.
La planta la conforma un cuadrado de 63 metros de lado con un patio circular inscrito en su interior.
Las cuatro fachadas, se ordenan en dos pisos, siguiendo las pautas vitruvianas. El piso inferior se estructura con pilastras de orden dórico-toscano, se insertan grandes anillas de bronce decoradas, y el muro decora a la manera ‘rústica’ con un almohadillado resaltado y un largo zócalo.
vandelvira
palacio váquez de molina
diego siloé
catedral de granada
juan herrera
el escorial
Es el Palacio Vázquez de Molina de Úbeda, según diseño del prestigioso arquitecto Andrés de Vandelvira. Exento en sus cuatro lados, su posición frente a la vieja Iglesia de Santa María de los Reales Alcázares y próximo a un costado de la suntuosa Iglesia del Salvador.
Realizado en perfecta piedra de cantería de gran calidad cromática, este palacio, conocido popularmente como De las Cadenas, obra clásica de reminiscencias italianas, una de las más representativas e importante de todas las de la ciudad de Úbeda, y el máximo exponente de lo que supone un auténtico palacio urbano del Renacimiento.
Su elegante fachada principal, concebida como un palacio “a lo italiano”, consta de tres alturas, y se desarrolla con un planteamiento de alzado
Es la Catedral de Granada, es un templo Católico de la ciudad española de Granada, comunidad autónoma de Andalucía, sede de la archidiócesis de la ciudad. El templo es una de las obras cumbres del Renacimiento español. Construida por Diego Siloé.
Es de planta rectangular debido a que sus cinco naves cubren por completo el crucero, que no llega a destacar sobre la planta. Las cinco naves están escalonadas en alturas, siendo mayor la central. En los pies de la catedral, se sitúan las dos torres, siendo la del lado izquierdo, llamada torre de san Miguel, un contrafuerte que sustituyó a la torre prevista en ese lado.
Es El Escorial, es un complejo que incluye un palacio real, una basílica, un panteón, una biblioteca y un monasterio. Se encuentra en San Lorenzo de El Escorial, en la Comunidad de Madrid, España, y fue construido por Juan Herrera.
Fue residencia de la Familia Real Española.
Sus pinturas, esculturas, cantorales, pergaminos, ornamentos litúrgicos y demás objetos suntuarios, sacros y áulicos hacen que El Escorial sea también un museo.
Es el santo Entierro, una escultura realizada por Juan de Juni que se encuentra en el Museo Nacional Colegio de San Gregorio, en cuya colección se hallan otras obras valiosas de Juni. No se conserva la arquitectura del retablo donde estaba instalado el grupo.
Está compuesto por siete figuras de tamaño mayor que el natural, independientes cada una salvo el grupo formado por la Virgen y San Juan. Todos los componentes están situados en una puesta en escena teatral y muy atractiva para el espectador.
Es El Entierro del Conde Orgaz, es un óleo sobre lienzo de 4,80 x 3,60 metros, pintado por El Greco. Fue realizado para la parroquia de Santo Tomé de Toledo, España, y se encuentra conservado en este mismo lugar. Se considera una de las mejores y más admiradas obras del autor.
El cuadro representa las dos dimensiones de la existencia humana: abajo la muerte, arriba el cielo, la vida eterna. El Greco se lució plasmando en el cuadro lo que constituye el horizonte cristiano de la vida ante la muerte, iluminado por Jesucristo.
Es El Caballero con la Mano en el Pecho, pintado por El Greco, se encuentra en el Museo del Prado. Es un óleo sobre lienzo, su primera etapa española.
Igualmente la persona retratada era de identidad desconocida, hoy se considera que es el marqués de Montemayor y notario mayor de Toledo, pero hasta hace poco se ha querido ver que podía ser una configuración de Miguel de Cervantes Saavedra.
Un caballero con la mano en el pecho mira al espectador como si hiciese un pacto con él. La postura de la mano parece un gesto de juramento.
Es El Expolio, un cuadro pintado por El Greco para la Sacristía de la Catedral de Toledo. Es un Óleo sobre lienzo y mide 285 centímetros de alto y 173 cm de ancho, se conserva todavía en la Sacristía de la Catedral de Toledo, España. En 2013 fue restaurado en los talleres del Museo del Prado, quedando expuesto, que tuvo lugar en Febrero de 2014, a tiempo para la celebración del cuarto centenario del fallecimiento del artista.
Este cuadro es el más poético y de expresión más elevada del artista, suponiendo un momento cumbre de su producción. Para Gudiol es una de las mejores obras del pintor y obra capital en la historia de la pintura europea.
Se inspiró en un texto de san Buenaventura y la composición que ideó no satisfizo al cabildo.
Es La Visión de Toledo, un cuadro pintado pr el greco que se encuentra en Toledo.
El tema trata de una tormenta. Esta iluminado por una luz sobrenatural , fantasmagórica ; creando un ambiente tétrico y misterioso , muy característico de las obras de este autor. El juego de luces que concigue en sus obras , llenan sus cuadros de mística y fantasía .
Puede verse el Puente de Alcántara cruzando el rio Tajo .
Destaca la perspectiva del cuadro , creada por la distancia que guardan unas casas con otras .
El cielo se encuentra entre las mejores representaciones del arte occidental , junto al cielo estrellado de Van Gogh y algunas obras paisajísticas de Turner .
Es el Laoconte y Sus Hijos, es una obra de El Greco, realizada en 1609 durante su último período toledano. Se conserva en la Galería Nacional de Arte de Washington.
Es una de las pocas obras mitológicas de El Greco, quien era eminentemente un pintor religioso. Representa la historia y el castigo de Laocoonte a manos del dios Poseidón. Obtiene la impresión de violencia, el pintor aplica fuertes escorzos. Al fondo podemos apreciar un paisaje de Toledo.
La violencia y el dramatismo de la obra se consiguen a través de una luz fantasmal que ilumina el primer plano.
fin
Full transcript