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ÍNDICE

1. INTRODUCCIÓN

2. TÉCNICAS DE LA MÚSICA DE LA SEGUNDA MITAD DEL SIGLO XX

3. CORRIENTES MUSICALES EN LA SEGUNDA MITAD DEL SIGLO XX

3.1. MÚSICA CONCRETA

3.2. MÚSICA ELECTRÓNICA Y ELECTROACÚSTICA

3.2.1. LA MÚSICA ELECTROACÚSTICA EN VIVO

3.2.2. LA GRAFÍA MUSICAL EN LA MÚSICA ELECTRÓNICA Y ELECTROESTÁTICA

3.3. EL SERIALISMO INTEGRAL

3.4. MÚSICA ALEATORIA

3.4.1. INDETERMINACIÓN EN EL PROCESO INTERPRETATIVO, PERO NO EN LOS MATERIALES SONOROS

3.4.2. INDETERMINACIÓN EN EL PROCESO COMPOSITIVO

3.4.3. INDETERMINACIÓN TOTAL

3.5. MÚSICA ESTOCÁSTICA

3.6. MÚSICA TEXTURAL

3.7. MINIMALISMO

1. INTRODUCCIÓN: LA MÚSICA TRAS LA

II GUERRA MUNDIAL

A partir de 1945, la música y las demás artes conocerán una serie de tendencias, fruto del

afán experimentador de los

compositores.

2. TÉCNICAS DE LA MÚSICA DE LA SEGUNDA

MITAD DEL SIGLO XX

Uno de los objetivos de los músicos de esta época es el producir sonidos y "efectos" nuevos en los instrumentos, explorando toda su potencialidad sonora. La búsqueda tímbrica es una constante en la música de la 2ª mitad del siglo pasado. esoto lo consiguen mediante:

• Preparación de instrumentos (agregar previamente otros objetos en ciertas partes para producir distintos timbres y efectos).
• Uso de Clústers (clúster = superposición de gran cantidad de notas).
• Creación de nuevos instrumentos, modificación de los instrumentos tradicionales o utilización de objetos de la vida cotidiana para producir sonidos.
• Experimentar con formas de tocar no-convencionales (glissando, Frullato, col legno...).
• Experimentación con nuevas tecnologías.

Preparación de instrumentos

Uso de "Clústers"

Es realmente un acorde musical compuesto de semitonos cromáticos consecutivos distintos .

Variantes del clúster tonal incluyen acordes en distintas tonalidades, diatónicos, pentatónicos o microtonales, tocados a la vez (en el piano, por ejemplo, un acorde creado al presionar a la vez un grupo de teclas negras). En la práctica de la música clásica occidental, todos los clústeres se consideran como acordes secundarios, el intervalo entre dos notas consecutivas en un clúster nunca es mayor de tres semitonos. En los verdaderos clústeres, las notas suenan y se mantienen completa y simultáneamente, distinguiéndose de adornos como las acciaccaturas y otras semejantes. En el contexto de la música clásica europea, los clústeres tienden a ser oídos como muy disonantes.

Creación de nuevos instrumentos

Un ejemplo actual de ello es Diego Stocco y sus instrumentos modificados. El músico y artista sonoro de ascendencia italiana Diego Stocco, afincado en la californiana ciudad de Burbank, ha creado un fascinante video musical titulado Custom Built Orchestra. El trabajo de Stocco se caracteriza por la combinación de sonidos creados a partir de objetos comunes e instrumentos modificados.

Experimentar con formas de tocar no-convencionales

• Glissando: es un adorno, un efecto sonoro consistente en pasar rápidamente de un sonido hasta otro más agudo o más grave haciendo que se escuchen todos los sonidos intermedios posibles dependiendo de las características del instrumento. La técnica interpretativa variará en función del instrumento musical que deba ejecutar el glissando.
• Frullato: es una técnica de interpretación musical característica de los instrumentos de viento, que consiste en utilizar la lengua para producir un característico sonido FrrrrFrrrr mientras se soplan las notas de manera convencional, consiguiendo así un efecto de trémolo o de vibrato. Es común en músicas modernas como el jazz y particularmente usado en flauta, trompeta, trombón, saxofón aunque se puede practicar en otros instrumentos de viento.
• Col legno: es una técnica de interpretación musical que deben aplicar los instrumentos de cuerda frotada cuando aparece la indicación correspondiente en una partitura. Generalmente consiste en golpear o rozar la cuerda con el dorso del arco, aunque existen más variantes.

3. CORRIENTES MUSICALES EN LA SEGUNDA MITAD DEL SIGLO XX

Las más significativas

ELECTRÓNICA Y ELECTROESTÁTICA

CONCRETA

ALEATORIA

TEXTURAL

MINIMALISMO

SERIALISMO INTEGRAL

ESTOCÁSTICA

MÚSICA CONCRETA

Es un tipo de organización del sonido que se origina en las experiencias del compositor Pierre Schaeffer, al que se unirá el compositor francés Pierre Henry.

Consiste en grabar sonidos y ruidos "concretos", tales como golpes, gritos, ruido de motores, canto de pájaros, etc. = "OBJETOS SONOROS". Estas grabaciones son luego seleccionadas, distorsionadas electrónicamente y finalmente se combinan formando una especie de collage sonoro-musical. El compositor trabaja solo con sonido grabado y la obra final solo existe como una grabación, por lo que no necesita intérprete.

Pierre Schaeffer

Pierre Henri Marie Schaeffer (14 de agosto de 1910 – 19 de agosto de 1995) fue un compositor francés. Es considerado el creador de la música concreta. Es autor del libro titulado Tratado de los objetos musicales, en donde expone toda su teoría sobre este tipo de música. Compuso distintas obras todas ellas basadas en la técnica de la música concreta.

Su primera composición oficial: Etude aux Chemins de Fer (Estudio sobre las vías del tren, 1948)

En colaboración con Pierre Henry, Pierre Schaeffer compone la Symphonie Pour Un Homme Seul (Sinfonía para un hombre solo, 1949). La obra está dividida en once movimientos, y patrones hablados repetitivos sirven de patrón rítmico mezclados con otros sonidos. También surge la ópera concreta Orphée (Orfeo), de 1951.

MÚSICA ELECTRÓNICA Y ELECTROACÚSTICA

Es aquella en la que los sonidos nacen ya en el seno del laboratorio, siendo allí manipulados hasta dar como resultado una cinta grabada.

Su principal cultivador: K. Stockhausen, quien pronto se decantó por la llamada música electroacústica, que es una especie de síntesis entre la concreta y la electrónica, teniendo las tres en común el trabajo de laboratorio.

Destaca su obra: El Canto de los adolescentes (1956), que mezcla y manipula en cinta magnética la voz de un niño con sonidos sintéticos.

También destaca Edgar Vaèse con su Poema electrónico para cinta magnética. para su estreno, en el Pabellón Philips de la Exposición Universal de 1958, reprodujo la cinta a través de cuatrocientos veinticinco altavoces.

• La música electroacústica en vivo

La música electroacústica, total o parcialmente, será uno de los procedimientos más empleados por músicos del siglo XX, mezclándola a veces con música acústica. Es decir, el intérprete interacciona en directo con una serie de sonidos grabados y trabajados previamente en un laboratorio, contenidos en la cinta magnética. Podemos destacar a Luigi Nono.

La primera obra que une el sonido acústico en directo con la cinta magnética es Dèserts para viento, percusión y cinta magnética de Edgar Varèse.

Kontakte (1960) de Stochausen que puede ser ejecutada como cinta sola o con piano y percusión agregados.

Como una ola de fuerza y luz de Luigi Nono.

Música su due dimensioni de Bruno Maderna.

• La grafía en la música electrónica y electroacústica

Las partículas de música electroacústica son una representación gráfica subjetiva de un complejo sonoro ya existente. Es decir, son partículas a posteriori en las que no se da una explicación de cómo ejecutar la obra sino de cómo escucharla, ya que tan solo sirven como guía de audición.

Artikulation (1958) de György Ligeti

EL SERIALISMO INTEGRAL

Es una aplicación de concepto de serie a todos los elementos integrantes del sonido (intensidad, duración, timbre, altura, ataque) y no solamente a las alturas de las notas.

Es un procedimientos compositivo que pretende un control exhaustivo sobre todos los parámetros del sonido. Este procedimiento se ha utilizado tanto en la música para instrumentos tradicionales como en la electroacústica, y su momentos de apogeo es la década de los 50.

El punto de partida fue la figura de Anton Webern.

La historia del serialismo integral se inicia en los cursos de verano de Darmstadt, en la Alemania de la Posguerra, entre 1946 y 1955. Allí impartieron clases René Leibowitz y el francés Olivier Messiaen, pionero, con sus Cuatro estudios de ritmo (1943), en especial el 3º: "Mode de valeurs et d´ intensites" (Modo de valores e intensidades), en el que se utilizan tres series de 12 elementos.

Cuatro estudios de ritmo (1943)

René Leibowitz

Olivier Messiaen

A los compositores que acudieron a los cursos de Darmstadt y siguieron la estela marcada por Webern se les conoce como la Escuela de Darmstadt o la Vanguardia Post-Weberniana, y podemos citar entre ellos a:

Olivier Messiaen

René Leibowitz

Pierre Boulez

Bruno Maderna

Luigi Nono

Karlheinz Stockhausen

MÚSICA ALEATORIA

Es aquella en la que la obra queda pendiente del azar,

con una cierta libertad de elección del intérprete en cada

interpretación. El compositor no escribe una obra acabada

y cerrada, sino que confía en la creación e independencia del intérprete para hacer de cada a audición una obra única e irrepetible. La improvisación es un factor importante.

Compositores de principios de siglo como Charles Ives utilizaron ocasional y limitadamente, elementos indeterminados en sus obras, entonces, la música aleatoria como tal surgió al final de la década de 1950.

El grado de indeterminación del resultado musical aleatoria es variables en cada obra.

I) Indeterminación en el proceso interpretativo, pero no en los materiales sonoros

• Frecuente en compositores europeos.
• El ejecutante puede determinar solo el orden de los sucesos musicales.
• El compositor delega en los intérpretes parte de la responsabilidad en la creación = la obra no es aleatoria en sus partes, componentes o formantes, sino en la ordenación de estos, pudiendo el intérprete elegir distintos itinerarios en cada interpretación.
• Destaca Stockhausen con :

Cyclus

Klavierstücke XI

II) Indeterminación en el proceso compositivo

• Frecuente en EE.UU.
• La indeterminación afecta al propio proceso compositivo = las alturas, duraciones, etc. deben decidirse en virtud del azar.
• Destaca John Cage con su obra Music of Changes.

III) Indeterminación total

• Es absoluta.
• Se abandona todo el control de la obra Por parte del compositor, ejecutante y oyente.
• El compositor deja de ser compositor para ser un oyente que experimenta lo que ocurre.
• La partitura = vago planteamiento de acciones del intérprete deviene en mero pretexto para asistir a un acontecimiento que deja de ser artístico para convertirse en un mero suceso.
• Pionero = John Cage. Destaca, su obra más controvertida, 4´ 3´´ ´ . La pieza está basada en el silencio.

MÚSICA ESTOCÁSTICA

Es música que utiliza como base para su composición cálculos matemáticos extraídos de la estadística y la probabilidad. La música estocástica es promovida por el griego Iannis Xenakis.

Destaca Metástasis, para orquesta, de Xenakis.

Por extensión, las matemáticas pueden permitir la composición automática con ordenador. A la música compuesta con arreglo a un programa de ordenador se la denomina MÚSICA ALGORÍTMICA.

MÚSICA TEXTURAL

Tendencia importante a finales de los 50. Es una música que atiende a los parámetros sonoros más amplios, como la textura, la densidad, los ámbitos el color orquestal..., en lugar de a los detalles individuales.

Destacan los compositores:

György Ligeti

Krzysztof Penderecky

Krzysztof Penderecky

Sintetiza en su obra el canto gregoriano, el serialismo, clústers, microintervalos, glissandi.... En su polifonía resulta imposible escuchar las voces de forma individual.

Destaca su obra Treno por las víctimas de Hiroshima, para 52 instrumentos de cuerda.

György Ligeti

Comennzó a trabajar con los clústers a finales de la década 1950. La pieza orquestal Atmósferas, de 1961, fue su composición más importantes de entre un conjunto de obras en las que exploró estas posibilidades. En Requiem (1965) y Lux aeterna (1966), utilizadas en la banda sonora de la película del 2001: Una odisea del espacio, de Stanley Kubrick.

MINIMALISMO

Frente a estas tendencias, surgen otras más conservadoras como el minimalismo, estilo surgido en Estados Unidos en los años 60. Las músicas de Áfricay Asia, en particular de la India e Indonesia, escuchadas en EE.UU. desde los 60 han estimulaados a los compositores a cultivar un estilo que devuelva a la música sus principios más elementales, partiendo de cero.

Características:

• Actitud meditativa.
• Continuum sonoro.
• Sencillez, fácil captación por el oyente.
• Se basa en el ostinato rítmico-melódico y la variación.

Los compositores más importantes:

• Banda sonora de El Piano

• Banda sonora de la película de Jean-Pierre Jeunet: Amelie

Monte Young

Michael Nyman

Steve Reich

Phil Glass

Yann Tiersen