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PRIMERAS EXPRESIONES DE ARTE

Por

Carlos Albertho Montañez Resendiz

#historiarteAprendomás

Egipto

EGIPTO

El arte egipcio es mejor conocido que el de otros pueblos de la Antigüedad. Ello es debido esencialmente a dos hechos: las creencias religiosas de ultratumba (se han conservado numerosos enterramientos) y al empleo de piedra como material en la construcción de sus edificios religiosos y funerarios (templos y tumbas), lo que les ha conferido una gran solidez y durabilidad.

El arte egipcio tiende al gigantismo, es decir, muchos de sus edificios y esculturas son de dimensiones colosales.

La pintura y la escultura en relieve empleada en templos y tumbas, unido al empleo de abundantes jeroglíficos ha permitido conocer con gran detalle la historia del Antiguo Egipto.

PINTURA EGIPCIA

PINTURA

La pintura se utilizaba para decorar las paredes

de templos y tumbas, así como para ilustrar papiros.

Una técnica muy empleada fue la del fresco. Para conseguir

los colores los pigmentos se diluían en agua antes de ser aplicados

La temática era muy variada y oscilaba entre las representaciones religiosas de carácter simbólico (dioses, ritos) y las escenas de la vida cotidiana ejecutadas con gran realismo. Hay numerosas repesentaciones de plantas y animales.

Los personajes de mayor importancia (faraón, sacerdotes, etc.) se pintaban en mayor tamaño que los de menor categoría.

Rasgo típico de la pintura egipcia es que las figuras se dibujaban de perfil, quedando únicamente de frente el tronco

y los ojos.

Otra de sus características es la ausencia de perspectiva y el empleo de colores planos, es decir, sin degradar o difuminar.

Por otra parte, los hombres se representaban con piel

más oscura que los de las mujeres.

El Libro de los muertos es el nombre moderno de un texto funerario del Antiguo Egipto que se utilizó desde el comienzo del Imperio nuevo (hacia el 1550 a. C.) hasta el 50 a. C. El texto consistía en una serie de sortilegios mágicos destinados a ayudar a los difuntos a superar el juicio de Osiris, asistirlos en su viaje a través de la Duat, el inframundo, y viajar al Aaru, en la otra vida. fue comúnmente escrito con jeroglíficos o escritura hierática sobre rollos de papiro, y a menudo ilustrado con viñetas que representan al difunto y su viaje al más allá.

EL LIBRO

DE LOS

MUERTOS

EL LIBRO DE LOS MUERTOS

El Juicio de Osiris representado en el Papiro de Hunefer (ca. 1275 a. C.) Viñetas como esta eran muy comunes en los libros de los muertos egipcios.

Gato de Bronce

Busto de Nefertiti

ESCULTURA EGIPCIA

ESCULTURA

La escultura egipcia surge como representación de la imagen como un elemento de supervivencia. Es el medio para fijar la personalidad del dios o del difunto. Además está escultura sirve para la celebración de prácticas religiosas que requiere el difunto para su peregrinación al otro mundo y la escultura divina para ofrecerle las ofrendas.

Mantienen un carácter de rigidez, hieratismo, son muy estáticas. En la escultura de bulto redondo se evitan todo tipo de salientes para evitar el riesgo de roturas.

Todas obedecen el principio o la ley de la frontalidad (formulada por el danés Lange en el siglo XIX), son esculturas muy frontales, muy simétricas. Esto se mantendrá en la Antigüedad hasta Grecia.

Hay una gran geometrización, la estatua se articula con planos horizontales y verticales, de forma octogonal.

Los materiales más normales son el granito, el basalto y la caliza.

Estatua de Ramses I

Triada Miserinos

ARQUITECTURA

EGIPCIA

ARQUITECTURA

Los edificios egipcios destacan por su

tamaño colosal, siendo construidos en su mayoría

en piedra. Utilizaban profusamente la columna. Es una arquitectura adintelada, con predominio de la línea recta sobre la curva.

Destacan dos tipos de edificio: los templos y las tumbas.

La vivienda civil era contruída con adobe mientras la piedra caliza, arenisca y granito se reservaban a los templos y recintos funerarios.

TEMPLOS

Eran grandes recintos destinados al culto de un dios determinado. Los sacerdotes custodiaban allí su estatua. Sus paredes estaban decoradas con relieves y pinturas. Los templos eran vistos como el hogar de los dioses o faraones deificados a quienes eran dedicados, y en ellos los faraones y el clero egipcio llevaban a cabo diversos rituales, las funciones centrales de la religión egipcia: realizar ofrendas a sus dioses, recrear pasajes mitológicos mediante festivales y protegerse de las fuerzas del caos. Estos rituales eran vistos como necesarios para que los dioses mantuvieran la maat, el orden divino del universo.

Templo de Abu Simbel

TUMBAS

La pirámide era el centro del gran complejo funerario de cada soberano, erigida al fondo de una calzada ritual que la comunicaba con un templo funerario donde se realizaban las ofrendas y ceremonias cotidianas por el difunto, y rodeada por las mastabas donde se enterraban los miembros de su familia y corte, así como varias pequeñas pirámides menores anexas para las esposas reales.

La función de la pirámide según los egipcios, era contener la «esencia» del rey por toda la eternidad.

Pirámides de Keóps, Kefrén y Micerinos en Giza

GRECIA

El arte griego se distribuye históricamente en

varios periodos que abarcan de siglo XI a.C. al II a.C.

Los periodos en que se divide el arte griego son: Geométrico, Oriental, Arcaico, Clásico y Helenístico.

Cada período surge de las innovaciones y descubrimientos que los artistas agregaban a las obras, cambios lentos pero que fueron siendo asimilados hasta llevarlos a la perfección.

Atenas fue la cuna de la revolución artística griega, basada en la perfección, contemplación y observación, coincidiendo con el surgimiento de la ciencia, la filosofía y el teatro.

Tuvo su esplendor en el tiempo de Pericles, quién

promocionó las artes y la literatura.

PINTURA GRIEGA

PINTURA

La pintura griega más antigua se encuentra en las vasijas y mosaicos, en las que se representan paisajes, acciones guerreras y ceremonias, con figuras humanas poco estilizadas y con escasos detalles.

El legado pictórico de este periodo queda restringido al genero decorativo, al carecer de perspectiva y claroscuro.

Para el siglo V a.C. se añaden más colores, las escenas ganan naturalismo y expresividad, y se logran efectos de perspectiva y realidad espacial.

Se utiliza por primera vez el ESCORZO, recurso que se utiliza para dar volúmen y profundidad a la pintura.

Zeuxis, Parrasio y Apeles son algunos de los representantes principales pero cuya obra no se conserva en nuestros dias.

PINTURA GRIEGA

ESCULTURA GRIEGA

ESCULTURA

Es la manifestación artística en la que más se

destacaron los griegos.

Los periodos en que se divide históricamente son: Arcaico(650-500 a.C.) Clásico (500-323 a.C.) y Helenístico (323-27 a.C.)

El tema más repetido fue el cuerpo humano en un enfoque mayoritariamente religioso, para representar héroes, divinidades y mortales.

Se valora principalmente la belleza física, la proporción, el equilibrio y la exteriorización de los sentimientos.

Los materiales más empleados fueron el mármol y el bronce, que aprendieron a tallar y fundir de los egipcios y sirios.

La mayoría de las esculturas fueron pintadas en policromía.

Existieron miles de escultores griegos talentosos que destacaban por sus obras, esculturas que no solo se exhiben en grandes museos públicos y privados de Grecia sino también en otros países. de escultores griegos

famosos como Fidias, Mirón, Policleto, Escopas,

Praxíteles y Lisipo, artístas a quienes a partir de

esta época se dejó de ver como

simples artesanos

Laocoonte y sus hijos

Laocoonte

y sus hijos

La escultura Laocoonte y sus hijos es una de las obras más relevantes de la tradición Antigüedad Clásica y pertenece estilísticamente al período helenístico. Atribuida a Agesandro (o Hagesandro), Arenorodo y Polidoro de Rodas, probablemente se esculpió entre 170 y 150 a.C.

Tallada en mármol blanco y alcanza una altura de 2,42 metros. Se trata de un grupo escultórico con tres figuras humanas (un hombre adulto barbado y musculoso, de mayor tamaño, junto a dos niños o jóvenes pequeños) y dos serpientes enormes. Las figuras del grupo se organizan en una visual piramidal.

Venus de Milo

Venus

de Milo

La escultura Venus de Milo es una obra fechada en el período helenístico, aunque su estilo se corresponde con la estética predominante del período clásico griego. Fue descubierta en el año 1820 en la isla de Melos o Milo (según el griego moderno), de donde proviene su nombre.

No se sabe a ciencia cierta quién fue el autor. Algunos expertos atribuyen la obra al artista Alejandro de Antioquía, pero no existe un consenso.

Es una escultura hecha de mármol blanco. Mide 211 centímetros de alto y pesa 900 kilos, lo que subraya su monumentalidad. Fue concebida para apreciarse por todos sus lados.

La obra se encuentra actualmente en el mismo lugar donde fue dada a conocer por primera vez al público: el Museo del Louvre, en París.

ARQUITECTURA GRIEGA

ARQUITECTURA

*Engloba toda obra arquitectónica creada desde el 900 a. C. hasta el primer siglo de la era actual.

*Vendrá determinada por el equilibrio, el orden, la proporción y la medida.

*El material preferido será el mármol.

*El monumento más importante para los griegos es el templo y allí se crearon los órdenes clásicos, la sucesión de las diferentes partes del soporte y de la techumbre según tres estilos diferentes denominados dórico, jónico y corintio.

LAS COLUMNAS GRIEGAS

LAS

COLUMNAS

GRIEGAS

Una de las características más importantes del arte griego fueron sus columnas y pilares de escultura y arquitectura. los tres tipos principales eran las dóricas, jónicas y corintias

DÓRICO

ORDEN

DÓRICO

El orden dórico fue el que se creó cuando los griegos hicieron la transición entre materiales no permanentes, como el lodo y la madera, hacia otros materiales que sí se mantenían en buen pie con el pasar del tiempo, como la piedra.

El estilo dórico se caracteriza por la utilización de columnas con un diseño bastante plano, las cuales descansan directamente en el templo sin tener una base que las conecte.

En la arquitectura de las otras órdenes las columnas solían tener una base superior y una base inferior, pero la dórica no tenía esta característica particular.

Las columnas que se utilizaban en la orden dórica fue definitivamente lo que definió a los edificios de este período. Las columnas, aunque eran planas, eran bastante gruesas y eran el elemento que más destacaba en los edificios de este período.

JÓNICO

ORDEN

JÓNICO

El orden jónico se formó en una zona de lo que actualmente es Turquía, donde se habían establecido varios poblados griegos hace más de dos milenios. A diferencia del orden dórico, la arquitectura jónica sí presentaba soportes en las columnas de los templos y edificaciones.

Además, se acostumbraba a adornar las bases con tallados artísticos que imitaban la forma de un pergamino. Esta arquitectura se originó a mediados del siglo VI antes de Cristo, pero llegó a las grandes ciudades helénicas a mitad del siglo siguiente.

CORINTIO

ORDEN

CORINTIO

El orden corintio no solo fue el último de los órdenes arquitectónicos griegos en originarse, sino que además es el estilo de arquitectura más complejo que se utilizó en el mundo helénico. De hecho, este orden fue utilizado tanto en la arquitectura griega como en la arquitectura romana, luego de la conquista de Grecia por parte del Imperio romano.

La característica principal de este orden es la utilización de formas que aparentan ser naturales. Las formas se asemejan bastante a las hojas de un árbol.

Las hojas que se tallaban en las estructuras tenían un corte bastante estilizado, y estas daban la sensación de estar creciendo alrededor de las columnas.

La primera estructura en presentar elementos de este orden fue el Templo de Apolo, el cual data del año 430 a. C.

ROMA

La principal influencia del arte romano

es sin duda el arte griego. Cuando la República

conquistó Grecia, se adquirieron numerosos

conocimientos de la civilización helenística tanto en el terreno sociopolítico como en el artístico y cultural.

A diferencia de los griegos, los romanos usaron el arte para exaltara los hombres, bustos, esculturas de gobernadores y políticos, retratos de emperadores y arcos triunfales o columnas conmemorativas con relieves que narran las batallas. Este cambio radical en la temática de las obras es el rasgo que distingue el arte griego del romano.

La arquitectura romana asimila de los etruscos el empleo del arco, la bóveda y la cúpula, así como la disposición interna de los templos; y en escultura, la proliferación de retratos (fuertemente realistas al principio y después influidos por la idealización helenística) y el desarrollo de una decoración con escenas de vida alegre y con

ánimo de ahuyentar la tristeza de la muerte.

Por lo general, las obras pictóricas romanas

son imitaciones o variaciones de las griegas.

La temática predominante

es siempre realista, paisajes,

personas o escenas

bélicas.

Incrustación

Ornamental

PINTURA ROMANA

PINTURA

Tal cual como pasó con otras actividades artísticas, la pintura romana no escapó de tener una finalidad práctica, en este sentido, era usada para ornamentar y embellecer las paredes de las viviendas y palacios, empleando técnicas como el encausto, la tempera y el fresco, con una capa de cera, la cual protegía y avivaba los colores.

En este sentido, la tendencia de las composiciones en los murales eran el paisaje, la caricatura, el retrato, y las escenas cotidianas, bélicas o eróticas.

De acuerdo a los hallazgos de algunas obras en Pompeya, que mostraron un buen estado de conservación, la pintura romana se puede clasificar en los siguientes cuatro estilos: Incrustación, Arquitectónico,

Ornamental y Escenográfico.

Escenográfico

Arquitectónico

ESCULTURA ROMANA

ESCULTURA

Con una combinación entre el realismo etrusco y el idealismo griego, éste arte romano se centró básicamente en las representaciones de retratos de personajes importantes, los cuales perseguían el objetivo de enaltecer el poder y la soberanía de sus gobernantes.

Aunque la mayoría de trabajos esculpidos son estatuas y monumentos, también hay que mencionar los relieves que los romanos trabajaban en columnas y edificaciones más grandes en los que se narraban historias de campañas militares.

ARQUITECTURA

ROMANA

ARQUITECTURA

La arquitectura es la rama artística en la que más destacaron los romanos, los territorios que se unían al cada vez más grande Imperio Romano, asimilaban su cultura y se llenaban de grandes construcciones romanas

Las construcciones realizadas por los romanos cumplian una doble funcionalidad. En primer lugar, la mejora del nivel de vida de los ciudadanos de roma, se mejoraban las condiciones de seguridad, salud y ocio, por ello construían acueductos, puentes, coliseos, circos, teatros… La segunda de ellas busca representar la majestuosidad y el poder del vasto Imperio Romano, se empleaban grandes bloques de mármol para representar, por medio de grabados, las grandes grandes hazañas en tiempos de guerra.

Se trata de obras de arte

que se busca que sean claramente

visibles y que perduren

en el tiempo.

TEMPLOS

Encontrándose entre los edificios más importantes de la arquitectura romana como parte de la religión, se erigieron en base a las tradiciones etruscas y griegas, aunque, adaptaron su propio estilo disminuyendo el número de columnas exteriores, de esta manera, se distinguen los templos de Portunus, Maison Carrée, Vesta, Venus y Roma, el Panteón y Ara Pacis de Augusto.

El Panteón de Agripa es un antiguo templo romano, en la actualidad una iglesia, situado en la ciudad de Roma, en el lugar de un anterior templo encargado por Marco Agripa durante el gobierno de Augusto. Fue terminado por orden del emperador Adriano alrededor del año 126.

ARCOS DEL TRIUNFO

ARCOS

DEL TRIUNFO

Edificios conmemorativos de victorias o triunfos en el terreno militar, en la actualidad se conservan un total de 150 arcos del triunfo siendo los más famosos los de Tito, Septimio Severo y Constantino.

Arco de Tito. Es un arco de triunfo, situado en la Vía Sacra, justo al sudeste del Foro en Roma. Fue construido poco después de la muerte del emperador Tito (nacido en el año 41 d.C. y emperador entre los años 79 y 81 d.C.).

ANFITEATROS

Un anfiteatro es un tipo de lugar público de la civilización romana, utilizado para acoger espectáculos y juegos (munera, lucha de gladiadores y venationes, lucha de animales). Los más antiguos se construyeron en Etruria y Campania y datan de finales del siglo II a. C. Este tipo de edificio es una creación romana, y no tiene antecedentes ni en Grecia ni en Asia Menor.

El Coliseo de Roma es uno de los mayores legados que nos dejó el Imperio Romano, siendo un gran anfiteatro, se terminó de construir en el año 80 d.C, durante el mandato del emperador Tito, aunque fuera su hijo el que terminaría de construir el nivel superior de la obra y la inaugurara en el mismo año.

TERMAS

Todas las ciudades de Roma poseían al menos una instalación popular para el baño público con calefacción, la cual a la vez servía de lugar de sociabilización, contando con varias salas termales y una delicada decoración plagada de frescos, mosaicos o estatuas.

De esta manera, resaltan las termas de Nerón, Agripa, Trajano, Caracalla y Pompeya, entre otras.

Las Termas de Trajano, construidas a partir de 104, fueron una gigantesca estructura de baños termales de la ciudad de Roma. Al igual que las termas de Tito, estas instalaciones estaban ubicadas en la Colina del Oppio, sobre parte de lo que fue el palacio dorado de Nerón , conocido como la Domus Aurea.

ÉPOCA BIZANTINA

ÉPOCA

BIZANTINA

Cuando el Imperio Romano fue dividido

en dos (lo que ocasionó la creación del Imperio

Bizantino al este), una gran cantidad de representaciones cristianas fueron creadas como consecuencia de esto. Estas representaciones fueron las bases fundamentales del arte bizantino, el cual tuvo altas influencias del cristianismo.}

Aunque el arte bizantino tuvo alguna variación a lo largo de su existencia, casi todas las obras artísticas estaban relacionadas con temas religiosos y la expresión de la religión en todas sus formas.

Esta uniformidad conceptual hizo que la pintura y la arquitectura bizantina se desarrollasen de manera muy similar durante la existencia del imperio.

Además, el hecho de producir piezas del mismo estilo hizo que se desarrollara un estilo mucho más sofisticado, en comparación a otros estilos particulares de la época.

La escultura no se vio expuesta a un crecimiento significativo durante este período. De hecho, son muy

pocas las obras esculturales que se crearon en el arte

bizantino, lo que dificulta encontrar

la importancia de la escultura

para este movimiento

artístico.

PINTURA BIZANTINA

PINTURA

Muchas de las obras creadas en la pintura bizantina eran figuras de la Virgen María con el Niño Jesús en sus manos. Este fue el motivo religioso más repetido a lo largo de la existencia de este arte, haciendo énfasis en la influencia religiosa sobre los artistas de la época.

Las figuras pintadas estaban altamente estilizadas, pero se sentían poco naturales e incluso abstractas. Según indican los historiadores, esto puede haberse debido a un decaimiento en los estándares realistas del período. Sin embargo, también puede significar simplemente un cambio en el estilo del arte que se mantuvo por varios siglos.

La Virgen de Vladímir del siglo XII, el más antiguo de origen bizantino, está pintado en tablas con la técnica del temple, usando pintura mineral y vegetal muy consistente, disuelta en yema de huevo.

ESCULTURA BIZANTINA

ESCULTURA

Muy pocas piezas esculturales fueron creadas durante el período artístico bizantino. Sin embargo, la escultura fue utilizada a menor escala en algunas de las creaciones pequeñas significativas de la época.

Por ejemplo, se solía esculpir pequeños relieves artísticos en materiales tales como el marfil. Esto se usaba principalmente para adornar portadas de libros, cajas que contenían reliquias y otras obras de menor escala similares.

Si bien no hubo esculturas a gran escala significativas (se prefería el uso de mosaicos para la decoración de la arquitectura), las personas más adineradas del Imperio Bizantino sí solicitaban la creación de elementos esculpidos.

El Díptico Barberini era un antiguo díptico imperial de marfil bizantino del que se conserva una hoja. Data de la Antigüedad tardía y actualmente está conservado en el Louvre.

ARQUITECTURA BIZANTINA

Santa Madre Sofía o Hagia Sophia es una antigua basílica patriarcal ortodoxa, en la ciudad de Estambul, Turquía. Representa al arte bizantino en casi todas sus formas, y su gran domo demuestra la imponencia de la capacidad arquitectónica de la época.

ARQUITECTURA

El estilo de arquitectura bizantina se desarrolló primeramente en su capital, Constantinopla. Los arquitectos de este estilo se basaron en las características de la arquitectura romana, la cual tenía grandes influencias griegas. El edificio romano que inspiró a los arquitectos bizantinos fue, principalmente, el templo.

Los edificios más destacados de la arquitectura bizantina fueron las iglesias y catedrales. Al igual que la pintura, la escultura y los mosaicos, la religión jugó un papel fundamental en la arquitectura de Constantinopla.

Las catedrales de gran tamaño (usualmente con cuatro corredores largos) tenían un domo imponente, el cual caracterizó a las basílicas de la época. Estos domos estaban apoyados en varias piezas arquitectónicas que permitían su estabilidad.

MOSAICO BIZANTINO

MOSAICO

Es una de las manifestaciones más conocidas del arte bizantino, y es una continuación del mosaico paleocristiano. Al igual que en este estilo artístico, se usaba para la decoración de paredes, y no de suelos como era habitual en el mundo romano.

Fue el vehículo idóneo para transmitir el mensaje religioso de esta cultura y, a la vez un instrumento de propaganda del poder imperial, con lo que refleja fielmente el espíritu cesaropapista que caracteriza el arte bizantino.

Utiliza teselas de mármol de colores y también de barro cocido policromadas con pasta de vidrio, logrando efectos de gran vistosidad, colorido, riqueza y variedad cromática.

Mosaico con el retrato de Justiniano en la catedrál de Rávena. Esta catedral, ubicada en Italia, conserva hasta el día de hoy los mosaicos más importantes creados durante el período bizantino.

ESTILO ROMÁNICO

ESTILO

ROMÁNICO

Encarnando el ícono de una civilización, la arquitectura romana sobrepasó los límites de lo imposible para su época, de esta manera, construyeron obras perfectamente colosales, las cuales demostraban el poderío y la riqueza de todo un imperio.

Primordialmente, los principios de la clásica arquitectura romana fueron descritos por el ingeniero-arquitecto Vitruvio Polión en su obra De Architectura, de esta forma, basándose en el equilibrio de tres variables, expuso los siguientes fundamentos:

*Firmitas o solidez, refiriéndose a que una estructura perdurable y estable en el tiempo, requería de una buena inversión en materiales de calidad y la selección del terreno adecuado, evaluando su protección frente a los factores externos de desgaste.

*Utilitas o utilidad, reseñando la adecuación de la obra con el contexto, no sólo por su utilidad física, sino por el bienestar social que aportara.

*Venustas o belleza, especificando la armonía y simetría

de los elementos como parte integral

de una edificación.

ARCO Y BÓVEDA

ARCO Y

BÓVEDA

Las bóvedas utilizadas por los romanos permitieron cubrir grandes espacios y romper con el cerramiento estático de las formas helenísticas como forma de innovación, pues aunque el modelo lo heredaron de estos y de los etruscos, los romanos lo llevaron a una notable perfección.

Por otro lado el arco fue un elemento muy usado en el panorama romano, tanto en dinteles de puertas y ventanas como en los grandes arcos monumentales.

ARCO

ELEMENTOS DEL ARCO

El arco de medio punto es el elemento principal en el que se sustenta la nave, se encuentran sostenidos por columnas o pilares decorados con escenas o personajes bíblicos.

A partir del siglo XII también se emplea el arco apuntado u ojival, por dos segmentos curvos que forman ángulo en la clave. Esta invención fue esencial para el desarrollo de la arquitectura medieval posterior (gótico) pues los empujes que trasladaban estos arcos (y por extensión las bóvedas apuntadas) a los pilares y restos de estructuras eran mucho más verticales y fáciles de resistir.

BÓVEDA DE CAÑON

BÓVEDA

DE

CAÑON

La bóveda es una obra de fábrica curvada que sirve para cubrir el espacio comprendido entre dos muros o entre varios pilares.

En el periodo del románico pleno la bóveda más empleada para cubrir la nave principal del templo es la de medio cañón (bóveda de directriz continua semicircular) con arcos transversales de refuerzo o fajones, cabalgando sobre las arquerías inferiores. Esas enormes bóvedas ejercían una fuerza no sólo vertical sino transversal que tenía que ser contrarrestada con otras naves laterales o la presencia en el exterior de los muros de poderosos y macizos contrafuertes.

COLUMNAS Y DINTELES

COLUMNA

Y DINTEL

Gracias a los desarrollos técnicos de los romanos para la construcción de arcos y bóvedas, se pudo superar la concepción griega básica, en la que las columnas (pilares) y dinteles (arquitrabes) eran necesarios para soportar vigas pesadas y techos, pasando a ser, en la mayoría de los casos, meros elementos decorativos.

Piedra de sillería

MATERIALES

Mampuesto

MATERIALES

Los materiales básicos empleados en la la arquitectura románica son:

*Piedra de sillería o sillar

Bloque de piedra labrado como un paralelepípedo). Frecuentemente estos sillares eran marcados por los canteros con marcas para su posterior cobro. Las paredes así elaboradas tenían dos finas capas de sillería y en medio una masa de ripio (pequeñas piedras normalmente procedentes del tallado de los sillares.

*Mampuesto

Piedra no labrada o de labrado tosco. frecuentemente se usaba el "calicanto" a base de mampostería aglutinada con argamasa (mortero de cal, arena y agua). Posteriormente se enfoscaba para dar aspecto liso a la superficie previamente irregular.

*Sillarejo

Piedra más pequeña, de peor labrado y ajuste, realizada con martillo devastando directamente la piedra bruta, pero sin pulir las caras.

Sillarejo

Piedra de sillería

PLANTA DE CRUZ LATINA

PLANTAS

Planta de iglesia formada por la intersección de un brazo mayor (nave) que va desde los pies a a la cabecera, con otro menor (transepto). Es común en la cristiandad latina a partir de las iglesias cluniacenses y característico del románico y el gótico. Solían orientarse de oeste a este.

Una nave tranversal, también llamada crucero, atraviesa las naves longitudinales mientras que si las naves laterales rodean la capilla mayor nos encontramos con la girola o deambulatorio, elemento típico de la iglesia de peregrinación cuyo objetivo es que los peregrinos contemplen las reliquias allí guardadas.

Los muros exteriores son gruesos y están reforzados por contrafuertes exteriores, con ventanas de tamaño reducido que sostienen el peso de las bóvedas. Estos muros pueden ir decorados con relieves geométricos, arquerías ciegas, bandas verticales, etc.

En la entrada una o dos torres, de planta cuadrada y y con huecos de arco de medio punto, rematan el edificio.

Si existe decoración en el exterior se concentra en el pórtico.

ESTILO GÓTICO

ESTILO

GÓTICO

El estilo gótico se desarrolla en Europa,

sucediendo al románico desde la cuarta década del

siglo XII hasta bien entrado el XVI. Aunque el gótico sucede arquitectónicamente al románico del siglo XII, lo cierto es que ambas arquitecturas responden a principios inspiradores opuestos.

En el campo del arte y la arquitectura, el obstinado equilibrio simétrico y la regularidad y geometrismo del románico, son desplazados. El arquitecto ya no tiene que apegarse a formas regulares para construir (círculos y cuadrados fundamentalmente) sino que se ve libre para trabajar, no como une geómetra sino como un ingeniero. Por tanto, si en el campo de las ideas se sustituye el idealismo por el naturalismo, en el campo del arte se sustituye la inteligencia abstracta por el empirismo.

Esta nueva arquitectura, utiliza este empirismo ingenieril

es inventar ingeniosas soluciones tectónicas para

el fin de crear espacios de gran altura y colorido.

La manera del siglo XIII de simbolizar

la Jerusalén Celestial es mediante

la creación de un grandioso

espacio de luz y

color.

Vitrales

Pintura en tabla

PINTURA GÓTICA

La pintura gótica no hizo su presencia hasta el

año 1200 ya que hasta entonces la pintura que se

realizaba no se podía considerar “gótica”. Además el paso

del arte románico al arte gótico no es del todo preciso ya

que no se puede ver con claridad un corte entre un estilo y

otro sin embargo, se puede observar un cambio de estilo más oscuro y frío.

Dentro de la pintura gótica existían ciertas técnicas destacadas que solían usarse en la gran parte de los países donde este tipo de arte se asentó. Dichas técnicas de representación de las imágenes eran: Vidrieras, Miniaturas y manuscritos, Pintura sobre tabla, Frescos y Pintura al óleo.

PINTURA

Miniaturas

Óleo

Frescos

Púlpito de la Catedral de Pisa

Virgen dorada de la Catedral de Amiens

ESCULTURA GÓTICA

ESCULTURA

Dentro de la escultura gótica era común

tallar con uno de los materiales más usados en este estilo de arte, la piedra, este material se utilizaba para la decoración de muchos elementos de la arquitectura. Se podría decir que la disciplina que más se desarrolló y evolucionó fue la escultura que fue de un estilo rígido y alargado hacia un estilo naturalista y espacial a principios del siglo XIII.

Mediante el concepto naturalista de la escultura gótica se pretende representar el mundo visible tal y como es. Se representa la naturaleza, y por tanto desaparece el anhelo simbólico, que sólo por la arquitectura permanece en el arte gótico.

Los personajes de la escultura gótica, abandonan las posturas verticales, simétricas y hieráticas para adoptar posturas cada vez más amaneradas y con gran sentido del movimiento realista. También se intenta mostrar las emociones de alegría o tristeza de los personajes.

Catedral de Notre Dame de París

Gárgola de la catedral de Ulm, Alemania

ARQUITECTURA GÓTICA

ARQUITECTURA

Es la forma artística sobre la que se formó la

definición del arte gótico, el estilo artístico comprendido

entre el románico y el Renacimiento, que se desarrolló en Europa Occidental —cristiandad latina— en la Baja Edad Media, desde finales del siglo XII hasta el siglo XV, aunque más allá de Italia las pervivencias góticas continuaron hasta los comienzos del siglo XVI.

Iniciada en la experimentación arquitectónica del siglo XII en la zona de Île de France, se extendió por toda Europa como un estilo que see caracteriza por la verticalidad y la luz, que es el reflejo de la divinidad. Su expresión más típica es la catedral, edificio urbano, en la que encontramos todos los elementos del arte gótico.

En estas construcciones predominan las plantas de cruz latina en las que se distingue: la cabecera, el crucero y las naves, de tres a cinco. La cabecera tiene girola y capillas radiales y la nave central y el crucero son más anchos y altos que las laterales.

Las capillas, los ábsides y las girolas dejan de ser semicirculares para hacerse poligonales.

Pintura y escultura se libran de su dependencia

de los muros

CATEDRAL GÓTICA

LA CATEDRALGÓTICA

La catedral, templo de la sede episcopal,

que se convierte en el símbolo del poderío económico de la

ciudad y del prestigio de sus habitantes.

Los cambios constructivos más importantes se manifiestan en la

bóveda de crucería y el arbotante. La bóveda de crucería, derivada

de la de arista, consigue localizar sus empujes sobre cuatro puntos de arranque lo que permite cubrir todo tipo de espacios. El arbotante por su parte es una especie de puente que transmite las presiones desde el arranque de las bóvedas altas hasta los ligeros contrafuertes del exterior, permitiendo así abrir mayores vanos en la fábrica del edificio.

Utiliza también un nuevo tipo de arco ojival, apuntado. Gracias a su verticalidad, permite elevar la altura del edificio. Con estos tres elementos

los arquitectos góticos revolucionan la construcción. Lograron muros

diáfanos que se recubrne con vidrieras. Los rosetones son el marco privilegiado de las vidrieras de colores. Las vidrieras se organizan en

tracerías. Cada vidriera posee un armazón de hierro y un emplomado.

Al existir mayor espacio libre de piedra, las ventanas adquieren gran importancia y en el interior de los vanos se aprecian tracerías caladas

que se rellenan con vidrieras policromadas.

La portada se revaloriza. En ella se colocan las torres y

las puertas. En el alzado de la catedral se distinguen

tres partes: la arquería, el triforio

y el claristorio o ventanales.

ARCO APUNTADO

O OJIVAL

ARCO APUNTADO

Es uno de los elementos técnicos más característicos de la arquitectura gótica, y vino a suceder al de medio punto, propio de la arquitectura románica. El arco ojival es el resultado de la intersección de dos secciones de círculo, es más esbelto y ligero por transmitir menores tensiones laterales, lo que permite elevar la altura de las construcciones, pues gracias a su verticalidad las presiones laterales son menores que en el arco de medio punto, permitiendo salvar mayores espacios.9​ A lo largo del gótico el arco apuntado mostró variantes como el trilobulado, el arco conopial utilizado durante el denominado gótico flamígero o el arco Tudor, durante el denominado gótico perpendicular inglés.

BÓVEDA DE CRUCERÍA

La bóveda de crucería, conformada por arcos apuntados, a modo de esqueleto, es más ligera que cualquier otro tipo de bóveda construida hasta esa fecha. La utilización de ese tipo de arco formando un esqueleto tridimensional unitario refleja el alto conocimiento técnico que alcanzaron los constructores de catedrales. Ahora los empujes y el peso de las cubiertas es soportado por los pilares en los que descargan y no por los muros como sucedía en el Románico, con lo que los muros pueden llegar en casos extremos a casi desaparecer, por la gran cantidad de vanos que se pueden abrir que se cubren con vidrieras.

En el transcurso del gótico, la bóveda de crucería fue adquiriendo una mayor complejidad estructural y decorativa, desde la simple o cuatripartita hasta llegar a las bóvedas de abanico.

ARBOTANTES,

CONTRAFUERTES Y PINÁCULOS

ARBOTANTES CONTRAFUERTES Y PINACULOS

Para soportar el empuje del peso de las bóvedas,

en vez de construir gruesos muros como se realizaba

en el románico, en el que los contrafuertes adoptaban la

forma de pilares adosados exteriormente al muro, con un

ancho creciente en su base; los arquitectos góticos idearon un sistema más eficiente: los contrafuertes con arbotantes. Los contrafuertes se separan de la pared, recayendo el empuje sobre ellos por medio de un arco de transmisión denominado arco arbotante. Todavía se puede alcanzar una mayor resistencia colocando a continuación un segundo contrafuerte.

Los arbotantes también cumplen la misión de albergar los canales por donde descienden las aguas de los tejados y evitar así que resbalen por las fachadas. Los contrafuertes se decoran, montando pináculos sobre ellos para que tengan más peso y resistencia, logrando así con estos remates el doble fin constructivo y estético.

El sistema de arbotantes y contrafuertes de las iglesias

góticas constituye un elemento característico que

embellecen el exterior de los edificios, pero a la vez,

ponen de manifiesto la propia fragilidad

estructural, ya que sujetan el edificio

a modo de apuntalamiento

externo.

VIDRIERAS Y ROSETONES

VIDRIERAS Y

ROSETONES

La reducción de la estructura sustentante al mínimo imprescindible permitió abrir grandes huecos en los muros de las fachadas. Estas ventanas y rosetones suelen cerrarse con magníficas vidrieras polícromas e historiadas donde a su modo se ejercita el arte pictórico monumental ya que apenas le dejan espacio para su desarrollo los escasos lienzos de pared que median entre los referidos vanos en las iglesias suntuosas.

Las ventanas del periodo de transición suelen ser como las románicas de arco apuntado. Pero luego se ostenta el verdadero ventanal gótico amplio y decorado en su parte superior con hermosos calados de piedra, los cuales se forman de rosetones combinados, siempre sostenidos por columnas o parteluces. En el siglo XIV se complica la tracería multiplicándose los rosetones y adelantando ya el XV se combinan las líneas formando curvas serpenteantes constituyendo el calado flamígero.

FACHADA

En las fachadas y en las puertas el arte gótico despliega toda su magnificencia y su concepción teológica. La portada gótica admite la misma composición fundamental de forma abocinada, que la románica pero se multiplican las arquivoltas y se añade una mayor elevación de líneas con más riqueza y finura escultórica guardando siempre en arcos y adornos la forma propia del nuevo estilo. Sobre la puerta se coloca en ocasiones un gablete.

Las portadas más suntuosas llevan imágenes de apóstoles y de otros santos bajo doseletes entre las columnillas (y a menudo, también otras menores entre las arquivoltas) flanqueando el ingreso el cual puede estar dividido por un parteluz que sirve de apoyo a una estatua de la Virgen María o del titular de la iglesia.

EJEMPLOS

Notre Dame en París

Sainte-Chapelle en París

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