Neoclasicismo (1730 - 1820)

Historia Integradas de las Artes II

Franco Aguilera

Constanza Arques

• reproduce con mayor o menor fidelidad los monumentos clásicos.
• predominio de las lineas rectas
• estatismo
• fría apariencia.
• ordenado.
• equilibrado.
• monumental.
• clásico.

Napoleón cruzando los Alpes

(Napoléon franchissant les Alpes)

Jacques-Louis David, 1801

Óleo sobre lienzo • Neoclasicismo

260 cm × 221 cm

Palacio de Charlottenburg, Berlín.

Alemania

• Napoleón, como primer ministro encarga el cuadro a David, conmemorativo al audaz cruce de los Alpes.
• A un que Napoleón había cruzado los Alpes sobre una mula, pidió que se le retratara "sereno sobre un fiero caballo" David cumplió con el Retrato ecuestre de Bonaparte en el monte san Bernardo.
• Después de la proclamación del Imperio en 1804, David se convirtió en el pintor de corte oficial del régimen.

Viajero frente a un mar de nubes

(Der Wanderer

über dem Nebelmeer)

Caspar David Friedrich, 1818

Óleo sobre tela • Romanticismo

74,8 cm × 94,8 cm

Kunsthalle de Hamburgo, Hamburgo, Flag of Germany. Alemania

• La figura vuelta de espaldas cumple una importante función como figura de identificación De esta forma el autor impide que la fisonomía del personaje anónimo distraiga la atención del paisaje.
• Las figuras no representan individuos concretos. Y la naturaleza serviría de proyección a los sentimientos del espectador.
• El hecho de que el viajero se encuentre en el centro de la pintura, además, indica que está en posición de dominación. Sin embargo, el llevar un bastón, quizá para facilitarle la ascensión, apunta a cierta debilidad.
• El viajero se encuentra solo. Todo indica que no hay otra presencia humana. Se percibe en el individuo aislamiento y soledad.

El caminante simbolizaría, en fin, al ser humano que concibe su vida terrena (la montaña a la que corresponde la masa rocosa en primer plano) como un preludio a la vida eterna (el mar de nubes).

Las espigadoras

(Des glaneuses)

Jean-François Millet, 1857

Pintura al óleo sobre lienzo • Realismo

83.5 cm × 110 cm

Museo de Orsay, París, Flag of France.svg Francia

es una representación realista de mujeres espigando. La pintura es famosa por mostrar de una manera muy humanista la realidad de la sociedad rural del siglo XIX, lo que fue mal recibido por la clase alta francesa. Cuando fue expuesto en el Salón de París de 1857, fue considerado como "peligroso".2 Posteriormente, se convirtió en símbolo del patriotismo francés, utilizándose para estimular el alistamiento durante la Primera Guerra Mundial.

Impresión, sol naciente

(Impression, soleil levant)

Claude Monet, 1872

Óleo sobre lienzo • Impresionismo

47 cm × 64 cm

Museo Marmottan-Monet, París, Flag of France.svg Francia

El impresionismo pictórico nace, pues, como una auténtica revolución en que los artistas van a expresar el mundo, según ellos lo ven y no guiados por todas las convenciones y costumbres del momento, supone en este sentido la liberación del artista y el comienzo del arte contemporáneo

La pintura trata el valor de contraste simultáneo de los colores, situando tonos cálidos sobre otros opuestos que permiten resaltar, en la retina del espectador, unos tonos sobre otros. La vaporización será el elemento fundamental que invade la superficie, destacando esa humedad que invade la obra y que atenúa las tonalidades, es decir, el color se condiciona a esta atmósfera húmeda. El principal objetivo al que intentaba llegar Monet con esta obra es provocar una impresión en el espectador, por lo que nos encontramos con la importancia que se atribuye al espectador en el impresionismo.

El beso

(Der Kuss)

Gustav Klimt, 1907-8

Óleo sobre tela • Simbolismo

180 cm × 180 cm

Österreichische Galerie Belvedere, Viena, Flag of Austria.svg Austria

• Esta obra, que sigue los cánones del Simbolismo, es una tela con decoraciones y mosaicos y fondo dorado.
• Una representación simbólica del momento en que Apolo besa a la ninfa Dafne que se está convirtiendo en laurel, de acuerdo con el relato de la metamorfosis de Dafne que se encuentra en la obra de Ovidio
• en el que la metamorfosis de la pareja se consuma y nace un nuevo laurel. Esta perspectiva, apoyada en la literatura, da un sentido a esta obra de Klimt en un contexto iconográfico, no sólo metafórico, de la historia del arte.

Tarde de domingo en la isla de la Grande Jatte

(Un dimanche après-midi à l'Ile de la Grande Jatte)

Georges Pierre Seurat, 1884

Óleo sobre lienzo • Neoimpresionismo

207,6cm × 308 cm

Instituto de Arte de Chicago, Chicago, Estados Unidos

• Es el manifiesto pictórico del puntillismo. 1884 – 1886: ejecución amplia en 2 periodos de larga duración, es un largo proceso de ejecución en el taller. Lienzo de grandes dimensiones (2 x 3 m). ¿El tema? Ya lo sabemos, impresionista: escena de ocio, de entretenimiento, en una zona muy concreta. La Grande Jatte era un lugar de ocio un tanto elitista. Se incluye una pintura elaborada a base de puntos: todo esta muy bien calculado (una fantasía egipcia en pleno siglo XIX). Figuras muy rígidas “soldaditos de plomo”, no hay atisbo de naturalidad, las personas de una clase social media alta. La luz es elaborada en el taller artificial. Limites bien definidos

Post-impresionismo (finales del s.XIX y principios del s.XX)

• Lo acuñó el crítico británico Roger Fry con motivo de una exposición de pinturas de Paul Cézanne, Paul Gauguin y Vincent van Gogh que se celebró en Londres en 1910. Este término engloba diversos estilos personales planteándolos como una extensión del impresionismo y a la vez como un rechazo a las limitaciones de este. Los post-impresionistas continuaron utilizando colores vivos, una aplicación compacta de la pintura, pinceladas distinguibles y temas de la vida real, pero intentaron llevar más emoción y expresión a su pintura. Sus exponentes reaccionaron contra el deseo de reflejar fielmente la naturaleza y presentaron una visión más subjetiva del mundo.
• Todos los artistas agrupados bajo el término post-impresionismo conocieron y practicaron en algún momento los postulados impresionistas
• Al ser rechazados en los circuitos oficiales, el grupo de los pintores impresionistas organizó sus propias exposiciones y mantuvo una cohesión que duró hasta que, décadas después, algunos de ellos alcanzaron cierto reconocimiento.
• El impresionismo supuso una ruptura de los conceptos dominantes en la pintura y la escultura. Si hasta entonces primaban el estudio racional de la obra, la composición sobre dibujos previos y la claridad de las líneas, los neo-impresionistas abandonaron ese suelo para tratar de captar en sus obras la impresión espontánea, tal como llegaba a sus sentidos. No les importaba tanto el objeto que se quería pintar como la sensación recibida. La sensación fugaz, efímera, difícilmente perceptible y reproducible

Moulin Rouge: la Goulue (litografía en colores, 1891).

• Comenzó a frecuentar los cabarets, los cafés cantantes y los burdeles de París, tomando apuntes de amigos, artistas, bailarinas, prostitutas y cortesanos. Ese mundo turbador fe captado por Toulouse-Lautrec a través de su aguda percepción del movimiento, por las expresiones y los efectos de la luz, por su grafismo nervioso y por los contornos de líneas vibrantes aprendidos de las estampas japonesas

Art Nouveau / Modernismo (finales del s.XIX y principios del XX)

• El art nouveau (arte nuevo) es un movimiento artístico que surge a fines del siglo XIX y se proyecta hasta las primeras décadas del siglo XX. Generalmente se expresa en la arquitectura y en el diseño
• Se podría afirmar que es un estilo decorativo desarrollado durante la Belle époque en Europa y Estados Unidos. Toma su nombre a raiz de una exposición que realiza Munch.
• Los artistas de esa época pretendieron romper con los estilos más rígidos y trataron de crear una estética nueva, basándose en la naturaleza, a la vez que incorporaron novedades derivadas de la revolución industrial.
• Las principales características de este arte es el uso profuso de elementos de origen natural especialmente de vegetales y las formas redondeadas que envuelven el motivo central. También es frecuente el uso de imágenes femeninas, las cuales se representan en actitudes delicadas y gráciles, con ondas en los cabellos y pliegues en las vestimentas.
• Se desligó del Simbolismo en busca de una autenticidad de época.
• Es el primer movimiento que se desprende casi por completo de la imitación de estilos anteriores (Renacimiento, Barroco, Neoclasicismo, Romanticismo, etc.) en busca de la identidad de lo urbano y lo moderno, puesto que nacía un nuevo siglo.
• Utiliza técnicas que le son propias: la reproducción mecánica, como la xilografía, el cartelismo, la impresión...

Savonnerie de bagnolet, 1897.

Hasta 1901, Mucha no solo fue responsable de los carteles publicitarios, sino también de las escenografías y los vestuarios del Théâtre de la Renaissance. Fue esta obra, con su estilo exuberante y estilizado, lo que le dio tanto fama como numerosas comisiones.

Art Decó (1920 - 1950)

• fue un movimiento de diseño popular a partir de 1920 hasta 1939 (cuya influencia se extiende hasta la década de 1950 en algunos países) que influyó las artes decorativas tales como arquitectura, diseño interior, y diseño gráfico e industrial, también a las artes visuales tales como la moda, pintura, grabado, escultura y cinematografía.
• Este movimiento es, en un sentido, una amalgama de muchos estilos y movimientos diversos de principios del siglo XX y, a diferencia del art nouveau, se inspira en las Primeras Vanguardias. Las influencias provienen del constructivismo, cubismo, futurismo, del propio art nouveau, del que evoluciona, y también del estilo racionalista de la escuela Bauhaus.
• Como estilo de la edad de la máquina, utilizó las innovaciones de los tiempos para sus formas: las líneas aerodinámicas, producto de la aviación moderna, iluminación eléctrica, la radio, el revestimiento marino y los rascacielos. Estas influencias del diseño se expresaron en formas fraccionadas, cristalinas, con presencia de bloques cubistas o rectángulos y el uso de la simetría. El color se nutrió de las experiencias del fauvismo;

Coronamiento art déco del Edificio Chrysler en Nueva York, construido en 1928-1930

musica de 1920

Arte Naíf (desde finales del s.XIX)

• La denominación naif (del francés naïf, 'ingenuo') se aplica a la corriente artística caracterizada por la ingenuidad y espontaneidad, el autodidactismo de los artistas, los colores brillantes y contrastados y la perspectiva acientífica captada por intuición. En muchos aspectos, recuerda (o se inspira) en el arte infantil, muchas veces ajeno al aprendizaje académico.

• El concepto naíf, del francés naïf, alude no sólo a cierto estilo, aplicado en el arte, sino que se formaliza en una graciosa falta de conocimientos técnicos y teóricos: en algunos casos suele faltar un sistema de perspectiva o una línea de fuga así como un ajustado criterio de las proporciones o un elaborado trabajo cromático por lo que podríamos decir que los autores pintaban lo que ellos deseaban o les parecía más adecuado sin atenerse a ninguna norma

Moi même-Yo mismo, autorretrato de H. Rousseau, 1890, Narodny Galerie, Praga. En este cuadro se puede ver a un Rousseau muy bien vestido, con la barba muy cuidada y rodeado de símbolos de modernidad, un puente de metal, un barco con las banderas del mundo y la Torre Eiffel.

Fauvismo (1905 - 1908)

• fue un movimiento pictórico francés caracterizado por un empleo provocativo del color. Su nombre procede del calificativo fauve, fiera en español, dado por el crítico de arte Louis Vauxcelles.

• El término fovismo surge durante la celebración del Salón de Otoño de 1905 donde se presentaron numerosas obras a concurso y aparecieron problemas a la hora de clasificar y encajar algunas de ellas. Fue algo parecido a lo que pasó en su momento con los impresionistas cuando una serie de pinturas fueron calificadas de «incoherentes» y sus autores excluidos del salón por expresarse de un modo intenso y diferente.
• término acuñado en 1905 por Louis Vauxcelles, haciendo referencia al rechazo que presentaban los artistas de este estilo con respecto al arte académico, considerándolos como unos auténticos salvajes

Puente en Londres (1906)

André Derain

La mayor parte de su producción de época fauvista son personajes campestres y urbanos, como Puente en Londres (1906) y muestran colores puros, a menudo aplicados sobre el lienzo directamente con el tubo, pinceladas irregulares y despreocupación por la perspectiva o por la representación realista.

W.c. Handy - St. Louis Blues (1914)

Futurismo (1909 - 1930)

• El futurismo surgió en Milán, Italia, impulsado por Filippo Tommaso Marinetti. Este movimiento buscaba romper con la tradición, el pasado y los signos convencionales de la historia del arte. Consideraba como elementos principales a la poesía, el valor, la audacia y la revolución, ya que se pregonaba el movimiento agresivo, el insomnio febril, el paso gimnástico, el salto peligroso y la bofetada irreverente. Tenía como postulados: la exaltación de lo sensual, lo nacional y guerrero, la adoración de la máquina, el retrato de la realidad en movimiento, lo objetivo de lo literario y la disposición especial de lo escrito, con el fin de darle una expresión plástica.

• Rechazaba la estética tradicional e intentó ensalzar la vida contemporánea, basándose en sus dos temas dominantes: la máquina y el movimiento

La ciudad se levanta, 1910, lienzo, 200 × 301 cm, Museo de Arte Moderno, Nueva York.

Aunque influenciado por el cubismo, al que reprochaba su estatismo excesivo, Boccioni evitó siempre en sus cuadros la línea recta y utilizó los colores complementarios para crear un efecto de vibración.

Expresionismo (1910 - 1945)

• El expresionismo fue un movimiento cultural surgido en Alemania a principios del siglo XX, que se plasmó en un gran número de campos: artes plásticas, literatura, música, cine, teatro, danza, fotografía, etc.
• Surgido como reacción al impresionismo, frente al naturalismo y el carácter positivista de este movimiento de finales del siglo XIX los expresionistas defendían un arte más personal e intuitivo, donde predominase la visión interior del artista –la “expresión”– frente a la plasmación de la realidad –la “impresión”.
• Con sus colores violentos y su temática de soledad y de miseria, el expresionismo reflejó la amargura que invadió a los círculos artísticos e intelectuales de la Alemania prebélica, así como de la Primera Guerra Mundial (1914-1918) y del período de entreguerras (1918-1939). Esa amargura provocó un deseo vehemente de cambiar la vida, de buscar nuevas dimensiones a la imaginación y de renovar los lenguajes artísticos. El expresionismo defendía la libertad individual, la primacía de la expresión subjetiva, el irracionalismo, el apasionamiento y los temas prohibidos –lo morboso, demoníaco, sexual, fantástico o pervertido–.

Tirol (1914), de Franz Marc, Staatsgalerie Moderner Kunst, Múnich.

El tema es la fuerza vital de la naturaleza, el bien, la belleza y la verdad del animal que el autor no ve en el hombre, al cual no representa. Marc intenta representar el mundo tal como lo ve el animal, mediante la simplificación formal y cromática de las cosas. Usa cada color para denotar un significado: azul para la austeridad masculina y lo espiritual,amarillo para la alegría femenina, y el rojo para la violencia.

Constructivismo (1914 - 1930)

El constructivismo fue un movimiento artístico y arquitectónico que surgió en Rusia en 1914 y se hizo especialmente presente después de la Revolución de Octubre.

El término construction art ("arte para construcción") fue utilizado por primera vez de manera despectiva por Kasimir Malévich para describir el trabajo de Aleksandr Ródchenko en 1917.

nombre: Torre de Tatlin

artista :Vladimir Tatlin

1920

Vladimir Tatlin alcanzó la fama como el arquitecto que diseñó el enorme Monumento a la Tercera Internacional, también conocida como Torre de Tatlin. Propuesto en 1920, el monumento, que debía ser una torre alta en hierro, el vidrio y el acero y que han empequeñecido la Torre Eiffel en París

Filippo Tommaso Marinetti - Cinque sintesi radiofoniche

Suprematism (Supremus No. 58), Krasnodar Museum of Art (Malevich, 1916)Suprematism (Supremus No. 58), Krasnodar Museum of Art (Malevich, 1916)

Los suprematistas no seguían los estilos tradicionales de la pintura, y no trasmitían mensajes sociales. Las obras suprematistas fueron aumentando su colorido y composición con el paso del tiempo

Marcel Duchamp, La Fuente, 1917. Fotografía de Alfred Stieglitz.

El ready-made es un concepto difícil de definir incluso para el propio Duchamp, que declaró no haber encontrado una definición satisfactoria. Es una reacción contra el arte retiniano, esto es, el arte visual, por contraposición a un arte que se aprende desde la mente. Al crear obras de arte a partir de objetos simplemente eligiéndolos, Duchamp ataca de raíz el problema de determinar cuál es la naturaleza del arte y trata de demostrar que tal tarea es una quimera

Piet mondrian

Ilustración realizada en el estilo neoplasticista de Piet Mondrian.

al dedicarse a la abstracción geométrica, Mondrian, busca encontrar la estructura básica del universo, la supuesta “retícula cósmica” que él intenta representar con el no-color blanco (presencia de todos los colores) atravesado por una trama de líneas de no-color negro (ausencia de todos los colores) y, en tal trama, planos geométricos (frecuentemente rectangulares) de los ya mencionados colores primarios, considerados por Mondrian como los colores elementales del universo

La Madonna de Port Lligat es un cuadro realizado en 1950, de Salvador Dalì. 144 x 96 cm

La obra está inspirada en los cuadros de altar recacentistas, sobre todo en la Pala de Brera de Piero della Francesca (en el gesto de la Madonna, en el huevo colgando y en la concha del revés). El cuadro presenta muchas de las características ya presentes en Leda atómica y en la Separación del átomo (Desmaterialización junto a la nariz de Nerón).

Antes de pintar la obra definitiva, realizó un estudio con la misma composición pero con colores distintos. Esta versión de medidas mucho más pequeñas da una idea de lo que sería la versión definitiva.

Le Corbusier, Villas Weissenhof-Siedlung, Stuttgart, (Alemania), 1927.

• Organización estructuralista del edificio en lugar de simetría axial.
• Predilección por las formas geométricas simples, con criterios ortogonales.
• Empleo del color y del detalle constructivo en lugar de la decoración sobrepuesta.
• Concepción dinámica del espacio arquitectónico.
• Uso limitado de materiales como el acero, el hormigón o el vidrio (nuevos materiales).

Excavación (1950. Óleo sobre lienzo. 206.2 x 257.3 cm. Instituto de Arte de Chicago. Illinois. Estados Unidos) © The Willem de Kooning Estate - Willem de Kooning

El Expresionismo Abstracto mantuvo su hegemonía hasta los años sesenta, momento en el que diferentes corrientes reivindican la vuelta a la figuración e, incluso, la eliminación del componente subjetivo en el Arte.

Relat-If

victor vasarely

Esté cuadro se hizo en 1977.

Está compuesto por un conjunto de líneas colocados en unas figuras geometricas como son el cuadrado, el triángulo y el circulo, situados sobre un superficie plana que da la sensacion de altura en el dibujo.

Usa una combinación de tonos morados, azules, negros, grises y blancos.

Villiglé. Foto: Lothar Wolleh

Los artistas recuperan los objetos de la sociedad para hacer reliquias, símbolos potentes del consumo. Un ejemplo son las compresiones de César, que ponen en escena automóviles, siendo el objetivo transformar un objeto de culto de nuestra sociedad y hacer algo distinto, a través de sus formas geométricas.

Se constata también la desaparición del material noble, los nuevos realistas ya no utilizan bronce o piedra, sino chapa o cemento, materiales industriales.

Pero qué es lo que hace a los hogares de hoy día tan diferentes, tan atractivos?

Material: Collage.

Medidas: 26 x 24.8 cm.

Museo: Kunsthalle Tübingen

Su obra se nutriría desde entonces de los motivos y elementos de la cultura popular y de masas

"Sin título", 1938- Ad Reinhardt

Óleo sobre lienzo, 140x160cm, 2014, Magda Torres Gurza

Robert Rauschenberg

Retroactive I, 1964,

Óleo y serigrafía sobre lienzo,

84 x 60 pulgadas (213.4 x 152.4 cm),

Wadsworth Athenuem,

Hartford, Connecticut © Robert Rauschenberg / Licecia de VAGA, Nueva York, NY

Rauschenberg estaba profundamente interesado en la iconografía de la cultura popular estadounidense. Evitó el estilo emocional de los Expresionistas Abstractos, sin perder la expresividad que manifestaban, al desarrollar un estilo que enfatizaba el collage y utilizaba materiales poco comunes como pintura de interiores, así como técnicas tales como pintar con una llanta sumergida en pintura. E

Utiliza el marco y los materiales de la naturaleza (madera, tierra, piedras, arena, rocas, etc.).

Escultura Iglú de piedra. Países Bajos

Mario Merz.

Merz utiliza la famosa sucesión para simbolizar el arte y el progreso social.

Romanticismo

• El Romanticismo es un movimiento cultural y político originado en Alemania y en el Reino Unido (Gran Bretaña e Irlanda del Norte) a finales del siglo XVIII.
• En reacción revolucionaria contra el racionalismo de la Ilustración y el Clasicismo, confiriendo prioridad a los sentimientos.
• Su carácter revolucionario es incuestionable. Supone una ruptura con una tradición, con un orden anterior y con una jerarquía de valores culturales y sociales, en nombre de una libertad auténtica.
• La unanimidad del movimiento romántico reside en una manera de sentir y de concebir al hombre, la naturaleza y la vida.

Camille Saint- Saens - rondo caprichoso para violin

Ígor Stravinski: Pulcinella

Debussy: Arabesque I (1888)

Impresionismo (mediados s.XIX)

Simbolismo (finales del s.XIX)

• El impresionismo es un movimiento pictórico surgido en París, Francia, a mediados del siglo XIX. Pero no fue hasta 1874 que el impresionismo floreció.
• Europa vive en el apogeo de su expansión colonial, mediante las conquistas e incorporaciones territoriales y también por la redistribución colonial tanto por razones económicas y financieras como políticas, y se mantiene en la plenitud de su poder mundial, siendo las potencias europeas industrializadas el centro económico y político del mundo.
• El impresionismo, tanto en música como en pintura, muchos lo consideran por ello como iniciador del arte contemporáneo. Comienza siendo un movimiento pictórico creado por un grupo de amigos: Monet, Manet, Pissarro, Sisley, Degas, Renoir y Cézanne, que comienzan a pintar en la década de 1860 dando importancia suma a la luz y al color e inspirándose directamente de la realidad, es decir, renunciando al taller, pintan sobre todo paisajes.

• El término simbolista procede del ámbito literario. El primero en utilizarlo fue el poeta Jean Moréas en 1885 en su "Manifiesto Simbolista"
• Para los simbolistas, el mundo es un misterio por descifrar, y el poeta debe para ello trazar las correspondencias ocultas que unen los objetos sensibles
• Para 1880, el movimiento había atraído toda una generación de jóvenes escritores cansados de los movimientos realistas.
• Estilo de corte fantástico y onírico, surgió como reacción al naturalismo de la corriente realista e impresionista, poniendo especial énfasis en el mundo de los sueños, así como en aspectos satánicos y terroríficos, el sexo y la perversión. Una característica principal del simbolismo fue el esteticismo, reacción al utilitarismo imperante en la época y a la fealdad y materialismo de la era industrial.

Neoimpresionismo (finales del s.XIX)

Neoclasicismo (1730 - 1820)

Erik Satie - Gymnopédie No.1

• Surge en torno a 1886 como una variante del impresionismo, aparece en el ambiente impresionista en su momento de descomposición. Recordemos, de paso, que neoimpresionismo no es lo mismo que postimpresionismo. También se conoce este movimiento como divisionismo o puntillismo, por una cuestión técnica: la yuxtaposición de la pincelada es sustituida por puntos.
• el neoimpresionismo comparte, por un lado, la temática: de ocio al aire libre, la vida moderna, el circo, el ballet, la opera, los espectáculos… Y también en la técnica, pues buscan los efectos de la luz y del color en sus telas.
• Inician la obra al aire libre pero la finalizan en el taller. Se distingue entre bocetos y obra final, son cosas distintas, algo que en el impresionismo no ocurría. Es más, se buscaba lo contrario, salir y terminar la obra en el campo.
• Aumenta la preocupación por el volumen, la estructura, la composición de las obras. Son obras muy rígidas, pues buscan más la estabilidad y la composición. Pinturas más construidas que las impresionistas, con un laborioso trabajo de composición, huyen de la espontaneidad.
• La pintura neoimpresionista es totalmente científica. Cada uno de los puntos que componen el cuadro esta perfectamente estudiado.

Realismo (s.XIX)

• Término que designa un movimiento que apareció en Francia en 1848, a raíz de la revolución de ese año (por lo que se vincula a las ideas sociales en favor de los más pobres), y que se extendió hasta 1880.
• El realismo es un estilo que refleja la realidad histórica y que no copia objetos mitológicos, religiosos o alegóricos. Su fidelidad al detalle lo diferencia de la glorificación idealizadora romántica, y su concentración en los rasgos esenciales y típicos de los carácteres, situaciones y acciones lo distingue del reflejo de la realidad en sentido naturalista o fotográfico.
• La meta del realismo no es la belleza, sino la verdad, y por tanto, el conocimiento de la realidad. Dentro de ese marco, las escenas de trabajadores alcanzan bastante relieve.

• comienza a surgir junto al movimiento barroco, en el ultimo tercio del S. XVIII y llega hasta mediados del siglo XIX en España.
• se convierte en el estilo de lo nuevo (la revolución francesa) frente a lo viejo ( el antiguo régimen/barroco.
• aparece un deseo consciente de imitar la antigüedad romana.
• surge por agotamiento de formas decorativas del ROCOCO.
• valorización de la historia del arte como una disciplina.
• admiración hacia el arte clásico como el GRIEGO y ROMANO.

Arte conceptual (a partir de 1961)

El arte conceptual, también conocido como idea art, information art o software art, es un movimiento artístico en el que las ideas son un elemento más importante que el objeto o su representación física. La idea de la obra prevalece sobre sus aspectos formales, quedando la resolución final de la obra como mero soporte. Varios autores hablan del arte contemporáneo como un arte post-conceptual.1

El arte conceptual como movimiento emergió a la mitad de los años sesenta, en parte como una reacción en contra del formalismo que había sido articulado por el influyente crítico Clement Greenberg.

Hiperrealismo (a partir de 1960)

desert breath land art installation

Los mejores escultores hiperrealistas

Philip Glass: Metamorphosis

El hiperrealismo es una tendencia radical de la pintura realista surgida en Estados Unidos a finales de los años 60 del siglo XX que propone reproducir la realidad con más fidelidad y objetividad que la fotografía. A veces se confunde con el fotorrealismo que es menos radical.

El término hiperrealismo es también aplicable a la escultura y la historieta.

Como todos los fotorrealistas, no hay huellas de pinceladas y el artista parece estar ausente; los cuadros se cubren con una fina capa de pintura, aplicada con pistola y pincel, siendo raspada si es necesario, con una cuchilla para que no quede ningún relieve, ninguna materia.

Land art (a partir de 1960)

Minimalismo (a partir de 1960)

Spencer Tunick en México. Desnudo colectivo mayo 2007

El término minimalista, en su ámbito más general, se refiere a cualquier cosa que haya sido reducida a lo esencial, despojada de elementos sobrantes. Es una traducción transliteral del inglés minimalist, que significa minimista, o sea, que utiliza lo mínimo (minimal en inglés). Es la tendencia a reducir a lo esencial.

La intención del minimalismo, por lo tanto, es generar sentido a partir de lo mínimo. Esto requiere simplificar los elementos utilizados, apelando a un lenguaje sencillo, colores puros y líneas simples.

El Land Art es una corriente del arte contemporáneo, que utiliza el marco y los materiales de la naturaleza (madera, tierra, piedras, arena, viento, rocas, fuego, agua etc.).

El arte generado a partir de un lugar, que algunas veces parece un cruce entre escultura y arquitectura, en otras un híbrido entre escultura y arquitectura de paisaje en donde juega un papel cada vez más determinante en el espacio público contemporáneo. En realidad, puede considerarse como un nuevo comportamiento artístico, alejado de los modos tradicionales, como otros que surgieron en los años sesenta y setenta en respuesta a la comercialización del objeto artístico tradicional (cuadros, esculturas). Otras nuevas modalidades artísticas del mismo tipo serían en body-art, el happening o el arte povera.

El happening, como manifestación artística múltiple que pretende la participación espontánea del público, suele ser efímero. Por este motivo los happenings suelen presentarse en lugares públicos, irrumpiendo en la cotidianeidad.

Arte povera (a partir de 1967)

Happening (a partir de 1957)

Happening (de la palabra inglesa que significa acontecimiento, ocurrencia, suceso) es toda experiencia teatral que parte de la ecuación provocación-participación-improvisación. Tiene su origen en la década de 1950 y se considera una manifestación artística multidisciplinaria. Aunque se han relacionado con el pop-art y el movimiento hippie, los happenings se integran dentro del conjunto del llamado performance art.

El término arte povera (del italiano "arte pobre") es una tendencia dada a conocer a finales de la [década de 1960], (aunque el español Josep Maria Jujol ya realizó obras que encajan dentro de su descripción a principios de siglo) cuyos creadores utilizan materiales considerados 'pobres', de muy fácil obtención, como madera, hojas o rocas, vajilla, placas de plomo o cristal, vegetales, telas, carbón o arcilla, o también materiales de desecho y, por lo tanto, carentes de valor.

n un esfuerzo por huir de la comercialización del objeto artístico, ocupan el espacio y exigen la intervención del público. Tratan de provocar una reflexión entre el objeto y su forma, a través de la manipulación del material y la observación de sus cualidades específicas

David Bowie - Life On Mars?

Pop art (a partir de 1950)

Nuevo realismo (1960 - 1970)

El arte pop (Pop Art) fue un importante movimiento artístico del siglo XX que se caracteriza por el empleo de imágenes de la cultura popular tomadas de los medios de comunicación, tales como anuncios publicitarios, comic books, objetos culturales «mundanos» y del mundo del cine. El arte pop, como la música pop, buscaba utilizar imágenes populares en oposición a la elitista cultura existente en las Bellas Artes, separándolas de su contexto y aislándolas o combinándolas con otras,1 además de resaltar el aspecto banal o kitsch de algún elemento cultural, a menudo a través del uso de la ironía.1

Es un movimiento artístico de pintura fundado en 1960 por el crítico de arte Pierre Restany y el pintor Yves Klein, durante la primera exposición colectiva en la galería Apollinaire de Milán. El Nuevo Realismo fue, junto con Fluxus y otros grupos, una de las numerosas tendencias de la vanguardia de los años sesenta del siglo XX.

Abordan temas de la vida cotidiana, suelen practicar un arte realista que recuerda a la Nueva objetividad.

Hidden music of Op Art

Op art (a partir de 1964)

El Op art, también conocido como optical art, es un estilo1 de arte visual que hace uso de ilusiones ópticas.

En las obras de op art el observador participa activamente moviéndose o desplazándose para poder captar el efecto óptico completamente, por tanto se puede decir que no existe ningún aspecto emocional en las obras. El op-art es un movimiento pictórico mientras que el arte cinético es más bien escultórico. Los elementos dominantes del arte óptico son: líneas paralelas rectas o sinuosas, los contrastes cromáticos marcados, ya sean, poli o bi-cromáticos, los cambios de forma o tamaño, la combinación o repetición de formas o figuras; también utiliza figuras geométricas simples como rectángulos, cuadrados, triángulos o círculos. Tras la Segunda Guerra Mundial aparece una nueva generación de artistas abstractos. No sólo se preocupan por comunicar con sus obras un sentimiento, sino que exigen del espectador una actitud activa. En sus obras el ojo debe estar mirando una obra que se mueve, buscando el principio y el fin

Expresionismo abstracto (h. 1944 - 1964)

El Expresionismo abstracto es un movimiento pictórico contemporáneo dentro de la abstracción, en concreto, las tendencias informalistas y matéricas posteriores a la Segunda Guerra Mundial. Surgió en los años 40 durante el siglo XX en Estados Unidos y se difundió, décadas después, por todo el mundo. Se considera el primer movimiento genuinamente estadounidense dentro del arte abstracto, y ejemplo del liderazgo que, en materia de artes plásticas, asumió Estados Unidos después de la Segunda Guerra Mundial. Por ello fue directamente financiado por la CIA en el contexto de la Guerra fría.1

Pueden señalarse como características formales de este estilo, en primer lugar, su preferencia por los grandes formatos. Trabajaban normalmente con óleo sobre lienzo.

Generalmente son abstractos en el sentido de que eliminan la figuración. No obstante, hay excepciones y algunos emplean trazos figurativos, apareciendo figuras reconocibles, como ocurre con las Mujeres de Willem de Kooning. Las telas presentan un aspecto geométrico que las hace diferentes de movimientos precedentes, como el surrealismo.

Racionalismo (1925 - 1940)

Arnold Schoenberg: Piano Concerto op. 42

El racionalismo arquitectónico surge en Europa tras la I Guerra Mundial. El Art Nouveau, que rompió con la contradicción y señaló el primer paso hacia la plasticidad de las líneas constructivas

Cubismo (1907 - 1914)

Surrealismo (1924 - 1966)

Salvador Dali & Walt Disney - Destino

• El surrealismo es movimiento artístico y literario fundado por el poeta y crítico francés André Breton.
• el surrealismo es una de las principales tendencias del siglo XX. Reivindica, como sus antecesores en las artes plásticas, a pintores como el italiano Paolo Uccello, el poeta y artista británico William Blake y al francés Odilon Redon.

Rapsodia en azul (Gershwin)

• El cubismo fue un movimiento artístico desarrollado entre 1907 y 1914, nacido en Francia y encabezado por Pablo Picasso, Georges Braque y Juan Gris.1 Es una tendencia esencial, pues da pie al resto de las vanguardias europeas del siglo XX. No se trata de un ismo más, sino de la ruptura definitiva con la pintura tradicional.
• El cubismo es considerado la primera vanguardia, ya que rompe con el último estatuto renacentista vigente a principios del siglo XX, la perspectiva. En los cuadros cubistas, desaparece la perspectiva tradicional. Trata las formas de la naturaleza por medio de figuras geométricas, fragmentando líneas y superficies. Se adopta así la llamada «perspectiva múltiple»: se representan todas las partes de un objeto en un mismo plano. La representación del mundo pasaba a no tener ningún compromiso con la apariencia de las cosas desde un punto de vista determinado, sino con lo que se sabe de ellas. Por eso aparecían al mismo tiempo y en el mismo plano vistas diversas del objeto: por ejemplo, se representa de frente y de perfil; en un rostro humano, la nariz está de perfil y el ojo de frente; una botella aparece en su corte vertical y su corte horizontal. Ya no existe un punto de vista único. No hay sensación de profundidad. Los detalles se suprimen, y a veces acaba representando el objeto por un solo aspecto, como ocurre con los violines, insinuados sólo por la presencia de la cola del mismo.

Neoplasticismo (1917 - 1944)

Neoplasticismo es un movimiento artístico iniciado en Holanda en 1917 por Piet Mondrian. También ha sido denominado constructivismo holandés, por su paralelismo con el constructivismo soviético. Está vinculado al nacimiento del arte abstracto y las demás vanguardias (especialmente al cubismo y al futurismo).

Proponía despojar al arte de todo elemento accesorio en un intento de llegar a la esencia a través de un lenguaje plástico objetivo y, como consecuencia, universal

Pablo Picasso, el iniciador del cubismo, retratado por Juan Gris, 1912, óleo sobre lienzo, 93,4 x 74,3 cm, Instituto de Arte de Chicago..

Dadaísmo (1916 - 1924)

• El dadaísmo es un movimiento cultural y artístico que surgió en 1916 en el Cabaret Voltaire en Zúrich (Suiza).

• El Dadaísmo se caracterizó por rebelarse en contra de las convenciones literarias, y especialmente artísticas, por burlarse del artista burgués y de su arte.1 Su actividad se extiende a gran variedad de manifestaciones artísticas, desde la poesía a la escultura pasando por la pintura o la música.
• El Dadaísmo se manifiesta contra la belleza eterna, contra la eternidad de los principios, contra las leyes de la lógica, contra la inmovilidad del pensamiento, contra la pureza de los conceptos abstractos y contra lo universal en general. Propugna, en cambio, la desenfrenada libertad del individuo, la espontaneidad, lo inmediato, actual y aleatorio, la crónica contra la intemporalidad, la contradicción, el "no" donde los demás dicen "sí" y el "sí" donde los demás dicen "no"; defiende el caos contra el orden y la imperfección contra la perfección.

Suprematismo (1915 - 1925)

• El suprematismo fue un movimiento artístico enfocado en formas geométricas fundamentales (en particular, el cuadrado y el círculo), que se formó en Rusia en 1915-1916. Fue fundado por Kazimir Malévich.1 Surgió en Rusia paralela al Constructivismo.

• (alrededor de 1915). Se inició con las ideas del pintor Kasimir Malévich, quien promovía la abstracción geométrica y el arte abstracto, en búsqueda de la supremacía de la nada y la representación del universo sin objetos. El Suprematismo rechazaba el arte convencional buscando la pura sensibilidad a través de la abstracción geométrica