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MACBA

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nina rupp

on 5 June 2014

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Transcript of MACBA

(cc) photo by Metro Centric on Flickr
(cc) photo by Franco Folini on Flickr
(cc) photo by jimmyharris on Flickr
(cc) photo by Metro Centric on Flickr
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Como ente público, el Museo de Arte Contemporáneo de Barcelona (MACBA) asume la responsabilidad de transmitir el arte contemporáneo, ofrecer una multiplicidad de visiones y generar debates críticos sobre el arte y la cultura, una misión que aspira a integrar públicos cada vez más amplios. Hay que entender el MACBA, pues, como una institución abierta para que los ciudadanos encuentren un espacio de representación pública. Si a esto se añade la vocación educativa, la voluntad de innovación, el compromiso de preservar el patrimonio y de trabajar en red con otras instituciones, la suma de los objetivos sitúa el MACBA al frente del sistema del arte contemporáneo en Cataluña, al tiempo que consolida Barcelona como capital y referente internacional. El MACBA es gestionado mediante un Consorcio que se creó en 1988 e integrado actualmente por la Generalitat de Cataluña, el Ayuntamiento de Barcelona, el Ministerio de Cultura y la Fundación MACBA. En 1995, el MACBA abrió su sede en el corazón del Raval, en un nuevo edificio concebido por el arquitecto estadounidense Richard Meier. Desde entonces el Museo se ha convertido en una institución líder en la difusión del arte y las prácticas culturales contemporáneas, el impacto de la que ha contribuido a identificar Barcelona con un escenario de innovación.
El Museo de Arte Contemporáneo de Barcelona (MACBA) abrió sus puertas el 28 de noviembre de 1995. Desde entonces se ha consolidado internacionalmente como un modelo en arte contemporáneo: por un lado, su colección ha experimentado un crecimiento considerable, que en estos momentos permite trazar un recorrido por los principales referentes artísticos de la actualidad , y por otro, ha desarrollado unas líneas de trabajo que lo han posicionado como centro clave en el ámbito de la investigación y la reflexión del hecho artístico. Los antecedentes del actual Museo de Arte Contemporáneo de Barcelona se remontan en 1959, año en que el crítico de arte Alexandre Cirici Pellicer defendió la necesidad de crear un museo de arte contemporáneo en la ciudad. Alexandre Cirici y Cesáreo Rodríguez-Aguilera, junto con otras personalidades, comenzaron a reunir una colección con el objetivo de que sirviera de base para el futuro museo. Mientras buscaban un emplazamiento definitivo, organizaron una serie de exposiciones con artistas del momento: Antonio Bonet, Jordi Curós, Jean Fautrier, Ángel Ferrant, August Puig, Albert Ràfols-Casamada, Josep Maria de Sucre, Romà Vallès y Moisés Villèlia, etc. En febrero de 1963 la exposición El arte y la paz-políticamente comprometida-evidenció los límites de permisividad existentes y puso fin a la aventura de Cirici y Rodríguez-Aguilera. Una parte de los fondos fueron a parar al Museo Víctor Balaguer de Vilanova i la Geltrú. En 1985 el consejero de Cultura de la Generalidad de Cataluña, Joan Rigol, retomó la idea del museo de arte contemporáneo, compartida por los responsables municipales de la Área de Cultura, encabezados por Pep. En 1986 el Ayuntamiento de Barcelona, ​​con Pasqual Maragall al frente, encargó al arquitecto norteamericano Richard Meier la construcción de la sede del nuevo museo. Por su parte, los críticos Francesc Miralles y Rosa Queralt en redactaban la memoria en la que se definían las bases conceptuales. Finalmente, en 1987, se constituyó la Fundación Museo de Arte Contemporáneo de Barcelona, ​​presidida por el empresario Leopoldo Rodés, que suponía la incorporación de la iniciativa privada en el proyecto. El nuevo museo nació en abril de 1988 con la creación del Consorcio del Museo de Arte Contemporáneo de Barcelona, ​​integrado por la Generalitat de Cataluña, el Ayuntamiento de Barcelona y la Fundación Museo de Arte Contemporáneo de Barcelona. El MACBA se inauguró públicamente el 28 de noviembre de 1995. En 2007 el Ministerio de Cultura se incorpora al Consorcio y el 14 de abril de 2008 el Consejo General aprueba unos nuevos estatutos que definen la estructura.
El edificio del Museo de Arte Contemporáneo de Barcelona es obra del arquitecto norteamericano Richard Meier. Se proyectó en 1990 y se construyó entre 1991 y 1995. Se concibió como una articulación de diversos prismas (de 120 x 35 metros de base y 23 metros de altura), y ocupa 14.300 m2 útiles. En el centro se inscribe un volumen cilíndrico que atraviesa verticalmente todas las plantas-desde el sótano hasta la cubierta-y articula, a lo largo de un eje longitudinal, las zonas de exposición, constituidas por tres niveles a partir de la planta baja. La arquitectura de Richard Meier reinterpreta formalmente el racionalismo, con referencias a los maestros del movimiento moderno y en particular a Le Corbusier. El edificio es el resultado de combinar elementos de líneas rectas con otras curvas, y esta geometría se suaviza con la luz exterior, que penetra en el edificio a través de galerías abiertas y grandes claraboyas. La entrada pública se sitúa aproximadamente en medio de la fachada principal, en el mismo punto donde se inicia un pasaje de conexión con el jardín posterior que divide la planta baja en dos zonas: por un lado, las zonas privadas y la tienda-librería, y del otra, el vestíbulo de acceso a las salas de exposición (de 4.980 m2 útiles). La zona privada del edificio, a la que se accede por la fachada lateral oeste, incluye la recepción de oficinas, el muelle de descarga y 1.475 m2 de oficinas, que se reparten en siete plantas. La zona de reservas e instalaciones es el sótano y ocupa 2.250 m2. Los accesos a la planta -1, en ​​cambio, son privados, excepto el Auditorio. El edificio recibe iluminación natural tanto para las aberturas y rendijas de las esquinas como los muros cortina y las claraboyas de la cubierta. Así, algunos forjados se separan de la línea de la fachada y los cerramientos, y permiten la continuidad de la luz cenital. Este misma idea se aplicó en el atrio, el espacio de relación por excelencia del edificio.
Das MACBA bietet die Möglichkeit für Unternehmen und Fachleute auf verschiedene Bereiche im Museum und im Freien zu zuzugreifen. Es sind Räume mit Persönlichkeit, geeignet für besondere Feiern, Cocktails, Abendessen, Events, Modeschauen, Filmaufnahmen. Flexible Räume für Tagungen, Konferenzen, Pressekonferenzen und Präsentationen stehen zur Verfügung. Die zentrale Lage des Museums und die Zugänglichkeit ist ein enormer Vorteil für die Organisation von Aktivitäten aller Art. Das Gebäude verfügt über große Fenster, Helligkeit und Großzügigkeit des Raumes.
Richard Meier 'What is good design?'
Virtuelle Rundgang durch das Museums für zeitgenössische Kunst in Barcelona von Richard Meier.
Del 25 de septiembre al 24 de junio
Lunes, miércoles, jueves y viernes, de 11 ha 19.30 h
Martes no festivos, cerrado
Sábados, de 10 ha 20 h
Domingos y festivos, de 10 ha 15 h
25 de diciembre y 1 de enero, cerrado Horario de verano - Del 25 de junio al 24 de septiembre Lunes, miércoles, jueves y viernes, de 11 ha 20 h Martes no festivos, cerrado Sábados, de 10 ha 20 h Domingos y festivos, de 10 ha 15 h
Hauptfassade des MACBA
MACBA Innenkorridor mit Blick nach außen
BAUWERKE
Atheneum in New Harmony, Indiana (1975-79)
Richard Meier
Museum für Kunsthandwerk in Frankfurt am Main
COLECCIONES
GARDEN - A WORLD MODELO
1973
Tridimensional
Estructura variable. Acrílico y tinta china sobre vinilo, macetas, varillas de madera, tierra y moqueta verde
220 x 280 cm (medidas variables)
Colección MACBA. Consorcio Museo de Arte Contemporáneo de Barcelona. Depósito Colección Sharon Avery-Fahlström
4049
Reivindicado por el uso de imágenes de la cultura de masas y de códigos propios del cómic underground como uno de los artistas referentes del arte pop, la obra de Fahlström tiene, de hecho, un fuerte componente conceptual que distancia de este movimiento. La obra de este artista, nacido en Brasil y de padres nórdicos, rezuma una dura crítica al capitalismo y un profundo sentido de la ética social. Garden - A World Model (y su estudio preparatorio Study for World Model (Garden) , que forma parte de las llamadas "pinturas variables", es una síntesis de este universo. Concebida como un jardín exuberante y presentada como un tableau environmental , la obra corresponde a su último período. Dentro de un cuarto verde del artista sitúa una superficie también de color verde. Si en otras obras utilizaba imanes que sujetaban elementos pictóricos independientes, en esta ocasión crea una estructura aérea con macetas de flores y varillas de madera. En la superficie de las flores, Fahlström se despliega un relato visual que sigue la estética del cómic y que aporta numerosos datos económicas y políticas. Como en las pinturas hablantes de la tradición retórica, la naturaleza habla y lo hace en el lenguaje volátil y flotante de la información: con un mapamundi de dibujos, textos y datos apretado y organizado en compartimentos. La locuacidad comunicativa de las plantas evoca un mundo corrupto, contaminado e irracional. La obra se ha comparado con El jardín de las delicias de El Bosco, donde el delirio artificial ha triunfado en un lugar supuestamente dedicado a la naturaleza. Tomando como referentes formas de escritura de autores como Antonin Artaud y William Burroughs, Fahlström propone una lógica del laberinto con unas reglas que cada receptor debe fijar. En línea con la idea del mapa medieval, el artista plantea una doble lectura: si bien el lenguaje visual del pop permite una aproximación inmediata, las diversas referencias geopolíticas y las elaboradas conexiones van dirigidas a un público más reducido.
NOT I
1987 (1972 texto original)
Media
Vídeo monocanal, b / n, 13 min.
Interpretación de Billie Whitelaw y dirección de Bill Morton
Colección MACBA. Consorcio Museo de Arte Contemporáneo de Barcelona
4397
Not Y es un monólogo dramático de trece minutos escrito en 1972 y representado por primera vez en el Forum Theater del Lincoln Center de Nueva York ese mismo año. En 1975 Samuel Beckett hacer una versión televisiva grabada por la BBC con interpretación de Billie Whitelaw y dirección de Bill Morton. En Not I , una boca humana, en primer plano, cuelga en la oscuridad iluminada por un único rayo de luz. Recita un monólogo fragmentado de frases sincopadas sobre un sujeto con un pasado doloroso. Aunque la voz es femenina (la intérprete es una actriz), el texto no deja claro si se trata de un hombre o una mujer. El título proviene de la repetición insistente de la voz: "todo lo que estoy contando no me pasó a mí." La adaptación de la obra teatral al formato televisivo tuvo un efecto decisivo en la obra. Si en la versión teatral, un segundo personaje (una figura de sexo indeterminado) actuaba como receptor, en la adaptación televisiva Beckett suprimirlo por motivos técnicos. Si en el escenario, la visión del espectador era una mujer en un monólogo, en la pantalla sólo es una boca, un elemento que pasa a ser autónomo y del que se acentúa la condición de órgano físico. Los labios de la actriz conservan su estado primigenio, pero al mismo tiempo se convierten también en esfínter y vagina. El ritmo del monólogo es muy rápido, con interrupciones desesperadas de risas y gritos: una boca incandescente que habla de sí misma en tercera persona mientras niega reiteradamente su identidad. Aunque el cine es uno de los ámbitos menos conocidos de Beckett, las pesquisas fílmicas no son un hecho marginal en su producción y han influido en artistas visuales contemporáneos, como Bruce Nauman y Sol LeWitt. Desde mediados de los sesenta, Beckett se interesó por el uso de la radio y la televisión. Durante más de dos décadas, escribió y realizó una película ( Film , 1964), siete producciones televisivas y adaptó al cine su pieza teatral Not I . La suya fue una búsqueda formal para conseguir lo que también había buscado su dramaturgia: "la extrañeza y la belleza de la imagen pura."
SO DIFFERENT... AND YET, 1980
Vídeo monocanal, color, sonido, 54 min
Interpretación de Olwen Fouéré y Roger Doyle
Colección MACBA. Fundación Museo de Arte Contemporáneo de Barcelona
2752
James Coleman (Ballaghaderreen, Irlanda, 1941) ha abordado cuestiones vinculadas a la realidad, la percepción y el peso de los estereotipos sociales en la construcción de la identidad. Su preocupación central es el diálogo entre lo que se ve, el acto de mirar y la construcción de la propia imagen. Desde los inicios de los setenta, abandonó la pintura y se decantó por los nuevos medios de reproducción (vídeo, película, imágenes proyectadas, fotografía y sonido grabado) y la performance. Coleman ha especializado en la proyección múltiple de diapositivas sincronizada con la narración en audio. Sus instalaciones se presentan como escenificaciones teatrales que atrapan al espectador en una red de impactos y tensiones. En este sentido, hay que relacionarlo con otros autores que investigan las nociones de teatralidad en las artes visuales: Gerard Byrne, Tacita Dean, Stan Douglas, Douglas Gordon, Robert Morris y Yvonne Rainer. Coleman combina géneros y códigos narrativos diversos. Sus obras mezclan alusiones a situaciones reales de la vida cotidiana, iconos extraídos de la cultura de masas y géneros literarios como el teatro y el folclore irlandés, la literatura detectivesca y la literatura rosa. Suele combinarlo con imágenes que remiten a la pintura tradicional, a la fotografía de moda y la cultura musical contemporánea. Sonido Different ... and Yet, 1980 fue la primera obra de Coleman en que utilizó imágenes de vídeo. La obra tuvo una gestación larga, contó con varios actores y, finalmente, se registró en 1980. Aunque formalmente se trata de un vídeo, el espectador no sabe si se encuentra ante una instalación o de una escena teatral. En un marco arquitectónico que el autor modifica cada vez, hay un único monitor de televisión retroiluminado por una luz coloreada. Situado en el fondo de la escena, un pianista (Roger Doyle, intérprete y compositor de la música) habla en tercera persona y actúa como narrador. En un primer término, una odalisca contemporánea (podría ser una modelo) con un vestido verde brillante y una cinta roja que le envuelve la pierna se convierte en el foco visual de la obra. Interpretada por la actriz Olwen Fouéré, y con toda la carga de los símbolos eróticos femeninos de la cultura de consumo, parodia el modo en que los códigos de masas intervienen en la construcción del yo. Una sola toma de cincuenta minutos bastante al espectador a enfrentarse al diálogo continuo entre los dos protagonistas. La narración juega con dos géneros literarios: el romance y la historia detectivesca. Uno contamina el otro en una atmósfera de cabaret burlesco y de guiñol. La ironía y la comicidad son registros habituales en Coleman. Se trata de un juego sutil de proyecciones y fantasías con un elemento añadido: el hablar afrancesado de los protagonistas y las constantes referencias a Irlanda y su historia ironizan también sobre las identidades nacionales.
HEY JOE
Obra actualmente en exposición
1996
Media
Focus, altavoces, sistema informático y grabación sonora, 2 min 15 s
Dimensiones variables
Colección MACBA. Consorcio Museo de Arte Contemporáneo de Barcelona
4281
Si bien la voz humana ha estado ausente durante siglos en las artes visuales, en las últimas décadas ha sido objeto de una atención creciente. Los antecedentes de este interés del arte visual para la voz humana comienzan en la poesía fonética dadaísta y la poésie Sonore los años posteriores a la Segunda Guerra Mundial. En los últimos tiempos no sólo la reflexión de teóricos de la voz como Roland Barthes ha contribuido a este interés, sino también las nuevas posibilidades tecnológicas de reproducción y experimentación de la voz. Las instalaciones visuales y sonoras de Kristin Oppenheim se sitúan en esta práctica del arte. Mientras experimentaba con un magnetófono a principios de los noventa, el artista se dio cuenta de que su voz, nostálgica y seductora, tenía grandes cualidades para el canto. Desde entonces se registra a sí misma en un estudio de grabación para producir las cintas que utiliza en las instalaciones. Normalmente recita un solo verso o una frase procedente de la música popular o escrita por ella misma, que se va repitiendo sin acompañamiento musical. Con un lenguaje visual minimalista, Oppenheim prescinde casi en su totalidad de las imágenes y hace hincapié en el potencial de la voz humana. En Hey Joe utiliza el primer verso de un tema musical popularizado por Jimi Hendrix durante los años de la guerra de Vietnam. El espectador siente una voz hipnótica y melancólica (la del artista) que va repitiendo: "Hey Joe, where're you going with that gun in your hand?" (Eh, Joe, dónde vas con esa pistola en la mano ?). Mientras tanto, varios focos del techo proyectan rayos de luz en el suelo de la sala vacía. Los haces de luz se mueven por el espacio en un danza imprevisible, mientras la voz repite el mismo texto una y otra vez en una experiencia de crescendo visual y auditivo. Si bien el ambiente que se crea inicialmente remite a la magia de un cuento de hadas, la instalación tiene un final amenazador y carcelario.
Architekt Richard Meier
Cornwall University Architektur
Architekturbüro Skidmore, Owings & Merrill (S. O. M.)
Marcel Breuer
1963 eigenes Architekturbüro
Architektur- und Designdozent an der Cooper Union
sowie Yale und Harvard University
Professor an der American Academy und am
Institute of Arts and Letters


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