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Historia del Arte

Un recorrido por la Historia de la Humanidad a través del arte. Un viaje por el tiempo y el espacio EN CONSTRUCCIÓN :)
by

Catalina Echavarria

on 25 November 2013

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Transcript of Historia del Arte

Historia del Arte, un viaje a través del tiempo y el espacio
Bogotá, Colombia
El viaje comienza en la ciudad de Bogotá, una ciudad con una amplia oferta cultural.
La Historia del Arte representa la Historia de la Humanidad. Es el reflejo del paso del tiempo, del acontecer de los pueblos que han dejado una huella de su existencia por medio de expresiones artísticas; es la ventana que nos permite ver nuestro pasado, acercarnos a épocas y lugares distantes, entender las transformaciones de las sociedades y nuestro presente. La Historia del arte está llena de misterios que se nos develan a medida que nos apropiamos de ella. Para conocerla, haremos un recorrido por algunos de sus períodos, un viaje en el tiempo y el espacio...
A continuación iremos a Egipto, Grecia y Roma, para conocer los inicios del Arte Clásico
Egipto, el Valle del Nilo
Grecia Antigua
Esta primera estación nos acerca al magnífico Río Nilo. Representa el florecimiento de una civilización a orillas del majestuoso caudal de agua en medio del desierto. La fertilidad del valle permeó de forma definitiva a los pobladores de la zona hace alrededor de 7000 años. La unificación bajo la autoridad del faraón se ve reflejada en la arquitectura, la alfarería, la orfebrería, la pintura muralista y la escultura. Las representaciones de dioses y animales nos permiten acceder a su imaginario respecto a la vida y la muerte, los egipcios utilizaron una rígida técnica basada en la geometría, lo cual se refleja en sus obras. .
La segunda estación nos conduce a Grecia, cuna de la democracia. El arte griego se divide en 3 períodos: Arcaico, Clásico y Helenístico, y Bizantino. Estos representan las transformaciones de la sociedad a lo largo de su historia (1000 a.n.e a 1453 n.e) plasmadas a través de expresiones artísticas tales como la escultura, la alfarería y la arquitectura principalmente. La figura humana adquiere gran preponderancia en la icnografía, y la estética es uno de los pilares de la civilización.

Roma Antigua
La tercera estación es la Antigua Roma, reflejo de la expansión y posterior decadencia de la República y el Imperio Romano (500 a.n.e a 1453 n.e). Los romanos fueron herederos directos del arte griego, egipcio y etrusco. Sus representaciones artísticas evocan la maestría alcanzada por los grandes artistas de las mencionadas civilizaciones incorporadas dentro del Imperio en la época de mayor expansión. La marcada influencia artística es patente en sus representaciones pictóricas, escultóricas y mosaicas; adicionalmente la ingeniería romana permeó dramáticamente su arquitectura, a tal punto que en la actualidad aún son utilizadas y admiradas por su funcionalidad y belleza. La idea de la belleza estaba intrínsecamente ligada a las deidades, la utilidad y el placer, el arte romano representa el hedonismo en su máxima expresión.
1. Edad Clásica
Comprende tres grandes civilizaciones:
Egipto, Grecia y Roma.
Representación de la figura humana en el Arte Clásico
Edad Media
La Edad Media es un período de la historia descrito como tenebroso y oscuro, sin embargo durante éste se desarrolló el estilo gótico en Europa, un estilo que invita a la luz y los espacios abiertos.
Canterbury, Reino Unido.

Colonia, Alemania
La Catedral de Colonia (Kölner Dom) es una obra arquitectónica representativa del estilo gótico imperante en la Edad Media. Su estructura cruciforme, vitrales y torres reflejan el deseo por aproximarse a la luz, a Dios. Erigida sobre una antigua iglesia románica, la catedral se empezó a construir en 1248 y fue terminada en 1880. Sus arcos ojivales y bóveda de crucería, así como sus ornamentos interiores, corresponden al majestuoso énfasis vertical característico de la arquitectura gótica. La piedra de la nave se mezcla con con la estructura de hierro del techo, su torre de aguja se yergue sobre la ciudad a 157 mt de altura, adyacente a la actual estación central de trenes, es un puente que conecta al medioevo con la modernidad.
El estilo gótico
El estilo gótico, característico de la Baja Edad Media, se desarrolló en la Europa cristiana alrededor de los siglos XII y XVI. Fue en las obras arquitectónicas en donde éste se difundió plenamente: los templos romanos fueron reemplazados por catedrales en las cuales la luz era protagonista. El arco ojival, la bóveda de crucería, las rosetas y los vitrales permitieron la realización de estructuras más ligeras que las románicas, dando paso a la luz y la edificación vertical; los contrafuertes y arbotantes sostenían las estructuras desde el exterior, permitiendo espacios enormes en las naves, llenándolas de luminosidad y diseño interior. La difusión de la fe cristiana fue determinante en el desarrollo del estilo gótico, es a través de las construcciones góticas como logramos aproximarnos nuevamente al arte en el tiempo. La siguiente estación es Canterbury en Inglaterra, cuya catedral muestra las proezas de los artistas del estilo gótico en su máxima expresión; luego iremos a la ciudad de Colonia en Alemania para establecer las similitudes entre ambas y visualizar los rasgos característicos de estilo gótico: un asomo de luz en medio de la oscuridad medieval.
La catedral de Canterbury es el ejemplo máximo del estilo gótico inglés: la nave cruciforme con arcos ojivales, sus ricos y coloridos vitrales, su espléndida roseta; la ligereza de la estructura interior finamente decorada contrasta con los altos y majestuosos contrafuertes exteriores; fortaleza y suavidad, oscuridad y luz representadas en la verticalidad y magnificencia del conjunto. La fe cristiana ha llegado, tras el asesinato in situ del Arzobispo Thomas Becket en 1170, la catedral se convierte en un lugar de peregrinaje, gracias a lo cual los trabajos de ampliación son llevados a cabo. Para el devoto, Dios se hace presente a través de la luz que permea el espacio; las imágenes de Cristo son omnipresentes y acercan al parroquiano a la santidad. La colosal catedral se alza en medio de la ciudad para cobijar a los fieles, la luz que entra a través de los altos vitrales son un medio de comunicación entre los peregrinos y Dios.
Our Lady of Lourdes church is the name given to the building was completed in 1875 in the Chapinero area of Bogotá. The church and the surrounding plaza, are city icons. Lourdes was the first building in Bogota inspired in European medieval gothic style.
History
The site where Lourdes was erected was in the outskirts of the city during the Nineteenth century. Fray Antonio María Graznó, a Dominican priest, had erected with his own hands a small straw-roofed chapel in the site at the beginning of the century. Later, Bogotá´s archbishop Vicente Arbelaez ordered the new building and supervised the 30 year construction process.
During the Twentieth century, the church and its surroundings have suffered a great deal of change, taking the almost rural gothic church from its humble origins, passing through an epoch of opulence during the 40s, where the neighborhood was for Bogota upper class, becoming with the years in one of the best known landmarks of Chapinero, the area famous for its vibrant commerce and diverse and welcoming community.
During its pontificate, Pope John Paul II declared Lourdes to be a Minor Basilica within the Catholic church. The church is consecrated to the Virgin Mary (Our Lady of Lourdes), and it´s a popular place of local pilgrimage amongst the local catholic population.

Gothic art and architecture
Gothic art and architecture was profoundly influenced by the Church´s thought and rule. By mid 12th Century, Suger, Abbott of Saint Dennis, is credited as the inspirer of this artistic revolution as he designed the new abbey in this new style, that was to predominate as the church´s preferred style for the next two centuries. The main innovation is the use of light, of natural light, to brighten up the atmospheres. This meant get rid of walls and bringing in more columns and open spaces. It also meant the usage of vividly coloured and ornate glass panels to illuminate different parts of the church.
Gothic and Religion
The vast majority of Gothic´s most representative pieces are linked to the Catholic Church. The reason is simple: in the Middle Ages, Gothic, and in general the arts, were sponsored solely by the Church. Art was instrumental in the Church’s politics during the 12th Century. Gothic in particular reflected on the triumph of the church of Rome during the Crusades, and was grandiose expression of architecture based on the idea of God being light. The design itself loosely followed Plato´s theory on reflections.
Moriscan Gothic and Lourdes
Gothic style was adopted in Spain with particular variations due to the superb tradition of Spanish (Andalusian) architects, adding details and decoration to the Gothic. Lourdes´ long columns, elongated painted glass windows, arches and other details clearly show its Gothic inspiration; yet it´s many naturalistic ornaments, particularly in the towers, hint of its subtle Arabic/Moriscan influence.
Visit us!!!
Cl 63 A 10-09. Bogotá, Colombia
2497033
Transmilenio: Av. Caracas, Calle 63.

Gothic Style in Colombia
El Renacimiento es un movimiento cultural que apareció en Europa Occidental entre el siglo XIV y el XVII, caracterizado por el redescubrimiento de las formas del Arte Clásico. Este movimiento humanista permeó la ciencia, la política y especialmente el arte desde sus inicios (llamados El Quattrocento"), el Renacimiento tuvo lugar en Italia, y desde allí se difundió por el continente europeo. Sus mayores representantes fueron Giotto, Donatello, Masaccio, Leonardo Da Vinci, Miguel Ángel y Raphael, entre otros.
La siguiente estación nos conduce a Italia, específicamente al Estado Vaticano, enclavado dentro de la ciudad de Roma.
El Renacimiento
Roma, Italia
Ciudad del Vaticano
La ciudad del Vaticano concentra algunas de las más representativas obras del Renacimiento, como la Basílica de San Pedro, y la Piedad que yace en su interior; así como La Capilla sixtina (con su icónico techo y fresco), todas realizadas por el artista Miguel Ángel Buonarroti.
Roma, Italia
Italia, cuna del Barroco.
Roma es la mayor exponente de este estilo, pues la Contrarreforma era inminente y el arte fue usado como propaganda para la difusión de la fe católica. Sus mayores exponentes fueron Amerighi da Caravaggio y Gian Lorenzo Bernini. Muchos de los grandes artistas barrocos de otros países vivieron en Roma para aprender y desarrollar el estilo, que se caracterizaba por los recargados ornamentos, la emotividad de las figuras y los temas marcadamente religiosos.
España: Madrid, Sevilla y Santiago de Compostela
Las sobrias y austeras fachadas del Renacimiento español, dan paso a la riqueza decorativa del Barroco mediados del siglo XVII. Este estilo coincidió con el denominado "Siglo de Oro" de la pintura española, sus mayores exponentes fueron Diego Velázquez y Francisco de Zurbarán. Los monarcas españoles utilizaron la pintura y la escultura como herramientas de difusión de la fé católica, invirtiendo las riquezas traídas de América en la consolidación de la iglesia y mantenimiento del status quo.
Paris, Francia
Francia se convierte en el centro de poder... y del derroche y la ostentación, el medio ideal para el florecimiento del barroco denominado rococó, un estilo particular del barroco cortesano en el cual predominan los temas amorosos, la mitología, los desnudos y las escenas heróicas, los artistas representantes de este estilo fueron Louis Le Val, Jules Hardouin- Mansart, y Claude Perrault. Las obras arquitectónicas encargadas por los despilfarradores monarcas (lo que más tarde les costaría la cabeza). La obras arquitectónicas de este período, se encuentran entre las más visitadas del pías galo en la actualidad.
Berlin, Dresden, Viena; Sacro Imperio Romano Germánico (Alemania y Austria)
El Barroco alemán se considera tardío, pues las guerras intestinas por la Reforma hicieron que el estilo llegase depurado y simplificado, comparado con el italiano, francés o español. El invento de la imprenta fue fundamental para la difusión de las ideas luteranas y calvinistas, el protestantismo es una religión racional, alejada de la emoción barroca tradicional, a pesar de lo cual algunos arquitectos y artistas italianos encontraron mecenas dispuestos a subvencionar sus obras. Los artistas alemanes y austriacos más destacados de este período fueron: Andreas Schülter, Matthäuse Pöppelmann, Lukas von Hildebrandt, y Johann Bernhard Fischer von Erlach (arquitecto del Palacio Schönbrunn, llamado el "Versalles austriaco").
Bruselas, Amberes, Brujas; Bélgica
La adopción de las teorías luteranas por parte de los comerciantes flamencos fue decisiva en las representaciones artísticas de artistas como Peter Paul Ruebens y Anton van Dyck. Los artistas se especializaron en los retratos nobiliarios y las representaciones de la vida diaria (escenas de festivales austeros al aire libre, el ejercicio de los oficios o naturaleza muerta).
Amsterdam, Delft; Holanda
El barroco holandés es similar al belga, dada la complejidad de las relaciones entre ambos territorios, hoy políticamente separados. El Protestantismo es determinante en las expresiones artísticas de Rembrandt y Jan Varmeer. En sus obras se muestran escenas de la vida cotidiana en paisajes urbanos, el rol de las mujeres en la sociedad costumbrista, y la importancia de la ciencia; temas alegóricos al espíritu luterano de la Reforma.
En Inglaterra, el Barroco permitió el rompimiento con los estilos góticos y renacentistas. En contraste con el barroco francés e italiano, el inglés se caracterizó por su austeridad y formas menos recargadas. El impacto de la Restauración en la sociedad inglesa, repercutió significativamente en la baja difusión del estilo en el territorio británico. Los más grandes exponentes de este estilo fueron Christopher Wren y Sir Jhon Vanbrough
Oxford, York, y Londres; Inglaterra
México, Lima, Quito, Bogotá, Rio de Janeiro: Las Colonias Americanas

Los ecos del barroco alcanzaron los territorios de ultramar de España y Portugal. El afán por conquistar la fe de los nativos americanos, influyó profundamente en la arquitectura colonial. Las ornamentadas iglesias, el uso desmesurado del dorado, y las rimbombantes decoraciones, pretendían deslumbrar a los recién conversos para abrazar la religión católica, traída por los misioneros. A medida que las riquezas materiales abandonaban el continente en los galeones, las principales capitales latinoamericanas se poblaban de iglesias y catedrales ricamente decoradas de acuerdo a la moda española. Las representaciones sagradas incluían también un elemento ecléctico que transformaba figuras y sitios ceremoniales sagrados (ídolos, cementerios indígenas, o montañas) en objetos de culto católico (como el Niño Jesús de Huanca, objeto de adoración incaica precolombina que sostiene en sus manos un sagrado corazón y medio aguacate -imagen derecha-). Los mayores representantes del barroco americano fueron Cristóbal de Villalpando, Gregorio Vásquez de Arce y Ceballos, y Juan Rodríguez Juárez.
El Barroco
El Barroco, un término que fue inicialmente utilizado por los detractores del estilo que precedió el Renacimiento; encierra un significado despectivo asociado a grotesco, absurdo, ridículo y desproporcionado.
A pesar de lo anterior, dicho estilo permeó diferentes campos artísticos como la literatura, la música, la arquitectura, la escultura y la pintura. Cabe resaltar que las diferentes formas que adoptó el barroco corresponden con el contexto social, económico y especialmente religioso en el cual surgieron.
Los siglos XVII y XVIII, en los cuales se ubica el mencionado estilo, se caracterizaron por su turbulencia política, económica y religiosa. La teoría heliocéntrica era ampliamente aceptada y difundida tras la expansión europea en África, y la recientemente conocida América. Fueron precisamente el espíritu científico, la racionalidad, y la Reforma las fuerzas que mayor debate suscitaron en esta época. Las marcadas diferencias económicas e ideológicas entre el Norte, centro y sur de Europa, evidentes en las luchas de poder entre católicos y protestantes, fueron los factores determinantes de los acusados contrastes del Barroco.
La preocupación por el uso de los colores, y la luz es una de las características comunes del Barroco. En las expresiones barrocas italianas, españolas y francesas, la exagerada ornamentación (rimbombante y recargada) alude a temas "divinos": las representaciones religiosas, la realeza, la mitología, y las escenas heroicas; en contraste con el barroco flamenco, austro-germano e inglés, marcadamente más sobrio en formas y colores, cuyos temas centrales fueron escenas cotidianas de la vida de las crecientes ciudades: los oficios, la ética del trabajo protestante, y las austeras festividades entorno a los centros de comercio. También en las colonias americanas de ultramar surgieron manifestaciones artísticas cercanas al Barroco, que reproducían las formas del estilo español y portugués en temas principalmente religiosos con miras a la conversión de los nativos americanos, combinando el imaginario indígena con el misticismo católico.
El Barroco es el estilo que sobresale tras el Renacimiento, y es gracias a este particular estilo que movimientos como el Neoclasicismo y el Romanticismo encuentran el punto de partida en el siglo XIX.
La siguiente estación nos lleva a conocer el estilo Barroco, que floreció en Europa y parte de América entre los siglos XVII y XVIII, cuyo punto de origen se sitúa en Roma.
España: Madrid, Sevilla y Santiago de Compostela
Las sobrias y austeras fachadas del Renacimiento español, dan paso a la riqueza decorativa del Barroco mediados del siglo XVII. Este estilo coincidió con el denominado "Siglo de Oro" de la pintura española, sus mayores exponentes fueron Diego Velázquez y Francisco de Zurbarán. Los monarcas españoles utilizaron la pintura y la escultura como herramientas de difusión de la fé católica, invirtiendo las riquezas traídas de América en la consolidación de la iglesia y mantenimiento del status quo.
Paris, Francia
Francia se convierte en el centro de poder... y del derroche y la ostentación, el medio ideal para el florecimiento del barroco denominado rococó, un estilo particular del barroco cortesano en el cual predominan los temas amorosos, la mitología, los desnudos y las escenas heróicas, los artistas representantes de este estilo fueron Louis Le Val, Jules Hardouin- Mansart, y Claude Perrault. Las obras arquitectónicas encargadas por los despilfarradores monarcas (lo que más tarde les costaría la cabeza). La obras arquitectónicas de este período, se encuentran entre las más visitadas del pías galo en la actualidad.
Berlin, Dresden, Viena; Sacro Imperio Romano Germánico (Alemania y Austria)
El Barroco alemán se considera tardío, pues las guerras intestinas por la Reforma hicieron que el estilo llegase depurado y simplificado, comparado con el italiano, francés o español. El invento de la imprenta fue fundamental para la difusión de las ideas luteranas y calvinistas, el protestantismo es una religión racional, alejada de la emoción barroca tradicional, a pesar de lo cual algunos arquitectos y artistas italianos encontraron mecenas dispuestos a subvencionar sus obras. Los artistas alemanes y austriacos más destacados de este período fueron: Andreas Schülter, Matthäuse Pöppelmann, Lukas von Hildebrandt, y Johann Bernhard Fischer von Erlach (arquitecto del Palacio Schönbrunn, llamado el "Versalles austriaco").
Bruselas, Amberes, Brujas; Bélgica
La adopción de las teorías luteranas por parte de los comerciantes flamencos fue decisiva en las representaciones artísticas de artistas como Peter Paul Ruebens y Anton van Dyck. Los artistas se especializaron en los retratos nobiliarios y las representaciones de la vida diaria (escenas de festivales austeros al aire libre, el ejercicio de los oficios o naturaleza muerta).
Amsterdam, Delft; Holanda
El barroco holandés es similar al belga, dada la complejidad de las relaciones entre ambos territorios, hoy políticamente separados. El Protestantismo es determinante en las expresiones artísticas de Rembrandt y Jan Varmeer. En sus obras se muestran escenas de la vida cotidiana en paisajes urbanos, el rol de las mujeres en la sociedad costumbrista, y la importancia de la ciencia; temas alegóricos al espíritu luterano de la Reforma.
En Inglaterra, el Barroco permitió el rompimiento con los estilos góticos y renacentistas. En contraste con el barroco francés e italiano, el inglés se caracterizó por su austeridad y formas menos recargadas. El impacto de la Restauración en la sociedad inglesa, repercutió significativamente en la baja difusión del estilo en el territorio británico. Los más grandes exponentes de este estilo fueron Christopher Wren y Sir Jhon Vanbrough
Oxford, York, y Londres; Inglaterra
México, Lima, Quito, Bogotá, Rio de Janeiro: Las Colonias Americanas

Los ecos del barroco alcanzaron los territorios de ultramar de España y Portugal. El afán por conquistar la fe de los nativos americanos, influyó profundamente en la arquitectura colonial. Las ornamentadas iglesias, el uso desmesurado del dorado, y las rimbombantes decoraciones, pretendían deslumbrar a los recién conversos para abrazar la religión católica, traída por los misioneros. A medida que las riquezas materiales abandonaban el continente en los galeones, las principales capitales latinoamericanas se poblaban de iglesias y catedrales ricamente decoradas de acuerdo a la moda española. Las representaciones sagradas incluían también un elemento ecléctico que transformaba figuras y sitios ceremoniales sagrados (ídolos, cementerios indígenas, o montañas) en objetos de culto católico (como el Niño Jesús de Huanca, objeto de adoración incaica precolombina que sostiene en sus manos un sagrado corazón y medio aguacate -imagen derecha-). Los mayores representantes del barroco americano fueron Cristóbal de Villalpando, Gregorio Vásquez de Arce y Ceballos, y Juan Rodríguez Juárez.
El Impresionismo
La siguiente estación nos lleva a Francia a finales del siglo XVIII, 100 años tras la Revolución Francesa de 1779. El Movimiento artístico denominado Impresionismo se caracterizó por apartarse de la comunidad artística tradicional, alejándose del Neoclasicismo y el Romanticismo predominante. Los artistas pertenecientes a este movimiento intentaron nuevas aproximaciones a la representación de la figura humana por medio del uso del desvanecimiento de los colores y las formas, obviando los marcados contrastes lumínicos aún predominantes en la comunidad artística de la época. Los temas plasmados también marcaron una acusada diferencia: temas urbanos, con elementos que representaban el advenimiento de la Revolución Industrial (trabajadores, factorías, animales, naturaleza muerta, escenas cotidianas en la ciudad).

Paris, Francia
Auguste Renoir
Camille Pissarro
Paul Cezanne
Edgar Degas
Edouard Manet
Vincent Van Gogh
Toulouse-Lautrec
Paul Gaugin
Claude Monet
Impresionismo en Colombia
Impresionismo en Colombia
En Bogotá (Colombia) se encuentra una nutrida colección de arte, abierta al público y de entrada libre. El artista colombiano Fernando Botero donó un total de 87 obras de su colección privada, así como 123 de su autoría para el Museo del Banco de la República, comúnmente llamado Museo Botero (BanRep, 2013). Gracias a la donación se pueden apreciar obras originales de artistas pertenecientes a diferentes movimientos en el corazón de la capital colombiana; dada la cantidad, calidad y valor de las obras pertenecientes a la comúnmente llamada “Donación Botero”, es significativo que la primera sala sea dedicada a los artistas de mediados del siglo XIX y principios del siglo XX, cuyo estilo se enmarca dentro del Movimiento Impresionista
Paris y el Impresionismo
El epicentro del movimiento impresionista tuvo lugar en la capital francesa a mediados del siglo XIX. En ese entonces, París era un importante centro cultural en donde el mercado del arte surgió paralelamente a la proliferación de compradores de la incipiente clase alta. Lo anterior fue el resultado del auge del comercio que sucedió a las Guerras Napoleónicas y a la consolidación de la burguesía. Los artistas habían pasado de ser obreros (artesanos a sueldo al servicio de la nobleza), y se habían forjado un nuevo status en la sociedad; existía mayor libertad para elegir los temas y el estilo de sus obras, así como para mercadearlas a través de la figura de los merchantes de arte, un novel oficio (Ives, 1988). Los artistas se organizaron en grupos con el fin de perseguir objetivos comunes, muchas veces apartándose de la doctrina impuesta por las recién formadas escuelas de arte. La primera exposición oficial del movimiento impresionista fue realizada en 1874 en el estudio del fotógrafo Gaspard-Félix Tournachon (conocido como Nadar); en dicha oportunidad, el pintor Claude Monet (1840- 1926) presentó la obra titulada “Impresión: sol naciente -1872-, la cual dio origen al nombre del movimiento Impresionista.
Cabe destacar que esta primera muestra artística acaeció en el taller de un fotógrafo, la fotografía era una nueva forma de plasmar la realidad, diametralmente opuesta a las que hasta entonces fueron utilizadas: durante miles de años sólo los más avanzados artistas en la pintura y la escultura habían intentado plasmar la realidad con la mayor precisión posible; pero la fotografía ofrecía un instante capturado en el tiempo, una mirada a un momento pasado, sin fallas ni ornamentos, una ventana a la realidad, no una imagen pura de esta. Es entonces cuando los pintores familiarizados con dicha técnica se alejan del retrato detallado para difuminar las formas, para plasmar la realidad con pinceladas borrosas que recuerdan las escenas sin delinearlas, haciendo uso del color y el manejo del contraste lumínico y claroscuros. Los temas que abarcan dichas obras son principalmente motivos urbanos, y los paisajes campestres. Los temas urbanos aluden al desarrollo industrial de las ciudades tras la Revolución industrial,, la rapidez de la vida citadina: fábricas, trenes, tranvías, barrios obreros, casa de empeño, bares y prostitutas. Por otro lado, los temas bucólicos aluden a la vida en el campo: paisajes, campesinos, oficios tradicionales, el lento trasegar de la vida, la belleza de la simplicidad alejada de la bulliciosa ciudad. El impresionismo es un movimiento artístico que da las primeras pinceladas del hombre en la Modernidad, y que ulteriormente permitirá el desarrollo del arte en el siglo XX.

Las vanguardias
La siguiente estación nos lleva a España, cuna de un gran número de artistas del siglo XX. Las vanguardias surgen como respuesta al desarrollo industrial de las ciudades a partir del siglo XX, son una reacción ante los anhelos por romper con los esquema del pasado, y proponer nuevas formas de abordar el presente y el futuro en un escenario lleno de conflictos. Las vanguardias representan rupturas radicales con el presente y el pasado, una manera revolucionaria para explorar el mundo con una actitud desafiante. El espectador es invitado a repensar las manifestaciones artísticas desde una perspectiva estética nueva, desligado de las convenciones predominantes, es una reacción a las condiciones sociales y políticas imperantes en Europa a principios del siglo XX. Los debates y enfrentamientos generados por las obras expuestas en las Exposiciones de Arte Oficiales, así como los sentimientos suscitados por las guerras europeas crearon un caldo de cultivo para el surgimiento de movimientos artísticos que pretendían sobrepasar los dogmas imperantes por medio de la innovación y la retaliación al status quo: fue así como nacieron las primeras vanguardias: Fauvismo, Expresionismo, Cubismo, Futurismo, Suprematismo, Dadaísmo, Realismo o Constructivismo, y Surrealismo.
Cataluña
Pablo Picasso
Joan Miró
Luis Buñuel
Antonio Gaudí
Salvador Dalí
A continuación iremos a Norteamérica.
La siguiente estación nos lleva a New York, Estados Unidos de América para analizar algunos de los movimientos artísticos del mediados del siglo XX: las segundas vanguardias.
Las SegundasVanguardias:
Fluxus es un movimiento artístico que nació en Alemania y se extendió por Europa, América y Japón. Caracterizado por la simplicidad, la experimentaqción, la unicidad entee el arte y la vida, la liberación de las convenciones sociales, la integración con otras manifestaciones culturales, el uso de las nuevas tecnologías, la temporalidad y el sinsentido.
Fluxus
Pop Art
Pop Art es un movimiento artístico que nace en Inglaterra y se traslada a Estados Unidos afinales de 1950. Se caracterizó por el uso de íconos y objetos de la cultura popular, el protagonosmo de los artistas, la ironía, el uso de materiales ordinarios, la propiación de la cotidianidad y los medios masivos para represenartarlos en contextos difererentes; surge como respuesta al expresionismo abstaracto y es llamado por muchos como Neo-Dada.
New York, Estados Unidos de América
Oda al Café
Matutino
Es caliente y humeante en la mañana.
Su amargura me acompaña al alba; un manantial inmaculado de leche cae dentro para suavizar el día que se avecina. Lo tomo somnolienta, me recuerda mi infancia cafetera, las raíces antioqueñas se abalanzan sobre mi alma, abrazándolas como a un hijo perdido.
Nunca le pongo azúcar, amo sus taninos, su astringencia se cuela en mi adormecido ser y me aleja del mundo onírico a través de las sensibles papilas gustativas. Siento el suave aroma que empaña mi sueño, como una manta heredada por generaciones, el delicado calor que emana de la taza entibia mis manos aún en los brazos de Orfeo.
Su calidez me embriaga y despierta al mismo tiempo. Aún hay cabida para el sueño… cierro los ojos nuevamente mientras sostengo la amarga bocanada y me dejo llevar por su opacidad: pienso en las tareas que se ciernen sobre mi ser, en la crueldad de la sociedad que me obliga a dejar mi mullido lecho para poder llegar a fin del mes; paso las primeras gotas a mi garganta y comienza a fluir una fuerza más grande que yo; súbitamente una oleada torrentosa de vida y esperanza me urge a abrir los ojos. Veo el cielo claro a través de la ventana, sólo luz y amor llenan mi alma; sonrío y lo veo, es una aparición divina, visualizo los mejores momentos de nuestra vida: el amor juvenil, los niños, el trasegar por el mundo, los recuerdos más dulces.
De pronto el acre sabor se ha tornado gratamente acaramelado: me espera un día maravilloso, sostengo el café en mis manos… ya no tengo frío, todo va a estar bien, tomo el segundo sorbo y es aún mejor que el primero… el día comienza, oigo los bostezos lejanos de los niños y sus pasitos saltarines por el pasillo, ya llegan. Es la hora de hacer más café.
La siguiente estación nos lleva a la Contemporaneidad, una época permeada por la idea de la "aldea global" y marcada por profundas desigualdades socioeconómicas. De la mano del artista británico conocido como
Banksy
, recorreremos diferentes partes del mundo para concluir el recorrido en el punto de partida.
Contemporaneidad
NO
LA
NYC
TO
MX
AU
GAZA
MALI
GR
FR
DE
UK


Más allá de las típicas preguntas sobre el significado del arte y la belleza, la pregunta más urgente que ha de resolver el arte contemporáneo, en todas sus manifestaciones, se refiere a su trascendencia y a su posición frente a su época. La pregunta será enfrentada por el historiador del futuro en 100 o 1000, años, y es: ¿cuáles manifestaciones artísticas son manifestaciones de fenómenos culturales y sociales de mediana y larga duración durante los siglos XX y XXI? Actualizada a tiempos de hoy: ¿Cuál – si es que hay – manifestación artística contemporánea trascenderá en el futuro, cuál será tan significativa como para ser asociada – de nuevo por un historiador del futuro distante – con esta época particular, con esta era, con este siglo?
Aventurar cualquier respuesta es peligroso pues puede rayar con la especulación. Sin embargo, gracias a la historia reciente, se puede hacer ciertas afirmaciones que seguirán siendo ciertas en el futuro. Para el caso que nos compete, es seguro afirmar a) Que en el siglo XX hubo una revolución tecnológica que permitió a las sociedades acercarse más eficientemente las unas a las otras en el fenómeno llamado globalización; y b) Por diversas razones las comunidades humanas durante los siglos XX y XXI han ido urbanizándose más y más. Por primera vez en la historia de la especie, más personas viven en las ciudades que en los campos.
Con base en las anteriores premisas y teniendo en cuenta la pregunta inicial, mi idea, con las líneas que siguen, es afirmar que si existe alguna manifestación artística (de la multiplicidad que ya hay y que se inventan día a día), que trascienda y marque la época actual, la era de la urbe y la globalización, ese es el arte urbano y más específicamente el grafiti. Y son básicamente dos las razones por las cuales se conjugan en el grafiti elementos que van más allá de la simple manifestación artística (el arte por el arte) y que lo atan a la historia de la cultura. Para ilustrar mi punto, utilizaré el ejemplo de quien es arguiblemente el artista urbano más conocido en estos momentos: Banksy.
La primera perspectiva a tener en cuenta es el fenómeno de la globalización. Aunque la globalización es parte de un fenómeno de más larga duración en términos históricos conocido como “mundialización”, se puede afirmar que se diferencia de éste en la medida que depende del intercambio inmediato de información y el uso eficiente de tecnologías de comunicaciones, más que de desplazamiento físico de personas o bienes. Implica, ulteriormente, accesibilidad completa e inmediata al mundo sin necesidad de desplazarse. Las consecuencias tienen que ver, entre otras con manejos de tiempos y espacios. Implica cambios culturales rápidos, inmediatez, velocidad. Implica ahora y no mañana. Implica el ser efímero, como el grafiti: hoy está mañana quizás no. Lo que hoy es cierto, mañana no. También implica lo que hoy se conoce como “viralidad” en materia de intercambios transculturales gracias a internet. Viralidad que no es otra cosa que un chispazo atractivo interculturalmente que se retransmite por un breve lapso de tiempo. El grafiti como movimiento es precisamente eso: viralidad (real, en este caso, no virtual): se reproduce exponencialmente a sí mismo, pero quizás inconscientemente, se burla de su propia naturaleza fugaz y he allí su fortaleza y continua revitalización y trascendencia. La ironía, el dolor, la injusticia y la belleza de este mundo veloz y fugaz son la obra de Banksy: es la sutileza y el descarnamiento conjugados en mensajes simples. Como aquella otra manifestación de los tiempos, Twitter, no hay tiempo para pensar más allá de los 140 caracteres, ni del grafiti de “Keep your coins, I want change”. Ambos deben decirlo todo de una manera eficaz y breve. De otra parte, al igual que el propio ritmo de los tiempos y de las dinámicas globalizadoras, el grafiti, y específicamente Banksy, no es local. Ni siquiera nacional. Es un movimiento mundial que además no tiene fronteras. Como se muestra en esta bitácora, Banky está en todas partes y en ninguna. Donde haya ciudad y pared, allí estará el grafiti. Tan eficaz llegando a todas partes en la vida real, como internet en la vida virtual.

El arte de hoy, mañana
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