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Taller de FOTOGRAFIA - CML

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Elina Di Francesca

on 17 July 2015

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FOTOGRAFIA

reglas y consejos
Regla de los Tercios
Espiral de Fibonacci
Esta es una de las reglas más simples y eficaces que existen. Su composición depende del trazo de 4 líneas imaginarias, dos horizontales y dos verticales, paralelas entre sí. Los puntos importantes de la foto debe estar en cualquiera de las 4 convergencias de estas líneas, llamados Puntos Aurios. Estos puntos y líneas se consideran los puntos fuertes de la imagen, en particular, el superior derecho.
La regla de los tercios funciona, y es una gran ayuda, pero conocer y dominar el espiral Fibonacci en la fotografía es otra de las opciones a la hora de componer una imagen.

¿Qué es el espiral o sucesión de Fibonacci ?
esquema de la regla
aplicación prática
Esta regla es aplicable a cualquier fotografía, ya sea profesional o no. Hace a una mejor lectura de la imagen y es combinable con todas las demás reglas de la fotografía.
No es necesario que los objetos en la imagen siempre coinciden con los puntos o líneas, no es obligación. La proximidad funciona de la misma manera. Las áreas (cuadrados) también se pueden utilizar para alguna función particular.
Muchos estudios fotográficos han encontrado que aquellos que observan una imagen ven más rápido uno de los puntos de intersección (PUNTOS AUREOS) que al centro de la imagen, evitando simplemente centrar el elemento fotografiado. El resultado es una imagen más natural, equilibrada y atractiva a la vista.

Como ejercicio, se deben examinar las imágenes que fueron tomadas en este principio, y luego debemos practicar. Tan fundamental como la visualización y la aplicación de esta regla es saber, en primer lugar, cuáles son los puntos de interés de la escena que se desea fotografiar.

Por último, no es necesario utilizar todas las líneas y puntos. Se puede tener en cuenta únicamente las líneas verticales u horizontales en cada imagen. El uso de esta norma dependerá de "qué" quiere el fotógrafo mostrar.
Conocido también como la “Divina Proporción ”, Fi, el número áureo, esta ley fue dada a conocer por Leonardo Fibonacci en 1200 A.C. Notó que había una proporción absoluta que aparecía en la naturaleza, una especie de diseño que era universalmente eficiente en cosas vivas, y satisfactorio para el ojo humano. De ahí el sobrenombre de “proporción divina”.
Desde el Renacimiento, artistas y arquitectos han diseñado sus trabajos para aproximarse a esta proporción de 1:1.618. La encontramos en múltiples obras de arte como la Mona Lisa, la Ultima Cena. En la naturaleza? La encontramos, por ejemplo, en la relación entre la cantidad de abejas macho y abejas hembra en un panal. La disposición de los pétalos de las flores también se guía por esta proporción, como también la distancia entre las espirales de una piña, la distribución de las hojas en un tallo.


Esta secuencia aparece en la naturaleza, el ADN, el comportamiento de la refracción de la luz en los átomos, las vibraciones de sonido en el crecimiento de las plantas, las galaxias, espirales en marfil de los elefantes, las olas en el océano, huracanes , etc. Hoy en día también es utilizado por muchas empresas con un diseño en todo el mundo .

Aunque la regla de los tercios es mucho más fácil de usar, el espiral de Fibonacci puede ser una gran ventaja, si es bien entendida. Aplique la divina proporción se puede hacer a una foto es algo que una persona considera agradable a la vista, sin saber por qué; en realidad, el subconsciente humano detecta esta espiral de modo inconsciente.
Para aplicar Fibonnaci a una foto, basta con aplicar lo que es similar a la regla de los tercios: una imagen que se divide en 3 partes. La diferencia es que ahora, en lugar de estar dividido en 3 partes iguales tenemos las divisiones en la imagen en formas diferentes.

La espiral de Fibonacci es una excelente herramienta en la composición de las fotografías, la creación de fotos originales y diferentes que cuando se utiliza la regla de los tercios. Nunca debe ser visto como una pequeña variante de la regla de los tercios, porque en realidad la diferencia es demasiado grande.
En estos casos, el punto dominante esta en el ojo, ya que es una de las intersecciones del espiral de Fibonacci
El espiral de Fibonacci puede ser usado para fotografiar diversos temas, en particular es muy utilizado en fotografía macro o de detalles...
... Así como las fotografías de planos y áreas más abiertas. Tanto la naturaleza como la arquitectura, a veces permiten jugar con esta regla, con la composición de los edificios, lineas y formas...
... A veces es bien evidente. Otras veces corresponde a los fotógrafos a jugar con estos elementos, eludir o romper las reglas un poco para conseguir composiciones creativas
Líneas
Cuando pensamos en la composición fotográfica los elementos más poderosos son las líneas. Este elemento se puede añadir a las fotos fácilmente, con un poco de práctica y trabajo de la manera correcta puede darle más impacto a tu trabajo y llevar al espectador la foto. Invita a recorrerla.

Podemos trabajar con varios tipos de líneas: horizontales, verticales, diagonales y curvas. Cada uno tiene un impacto diferente en las fotografías y se debe usar de acuerdo a lo que quiere transmitir con esa imagen. Aprender a usar las líneas en la fotografía no es algo que simplemente sucede. Se necesita tiempo y práctica para obtener un buen manejo de la imagen.

Tanto la horizontal y las líneas verticales se pueden aplicar usando la regla de los tercios, las horizontales transmiten la idea de estabilidad. En cambio, las líneas verticales general la idea de profundidad y tamaño.
Lineas Horizontales
Lineas Verticales
Las líneas inclinadas con respecto al plano se llaman "líneas de fuga". Dibujan en perspectiva, son líneas que reproducen el efecto de convergencia de profundidad en un punto distante dentro de la imagen, se llama el "punto de fuga". Las líneas de drenaje dan la sensación de profundidad y son elementos muy fuertes en la imagen. Ellos pueden ser reales, como las líneas de calles, caminos y edificios o estructuras, o imaginario (proyección), como las líneas de la base y las copas de los árboles.
Pero incluso en la ausencia de líneas como los punto de fuga, la perspectiva puede todavía estar formada por otros elementos que dan la ilusión de profundidad. En esta fotografía se pueden ver:











- Efecto atmosférico de color, tendiendo a azul;
- La pérdida de contraste, donde los colores se desvanecen, se lavan.
- Luz lateral que hace hincapié en relieves, con largas sombras, creando una sensación de profundidad.

Esquematización Punto de Fuga
Punto de Fuga centrado.
En estas fotos podemos ver algunos efectos de perspectivas con y sin líneas de fuga. En la imagen de la izquierda, vemos explícitas las líneas de la calle y de los árboles. En la de la derecha vemos una diagonal que comienza en la parte superior izquierda (con la mujer) y continua hacia la parte inferior derecha. También nos damos cuenta que los cuerpos humanos crean líneas horizontales en la imagen. Finalmente, hay una composición de equilibrio de la zona superior de la sombrilla con el fondo del mar (trazando una línea) y la arena.
Usamos varias reglas juntas. Hay líneas en diagonal, junto con la regla de los tercios, donde la gente y las líneas de la arquitectura están en áreas, líneas y puntos fuertes. Mediante la observación, podríamos construir una espiral de Fibonacci. También podemos notar el ojo del fotógrafo para esperar el momento adecuado donde las personas están en la escena, elegir el ángulo y los objetos que aparecerán o no en nuestra fotografía deseada. Notemos todos los elementos que el fotógrafo decidió incluir en su foto: Las lineas, las personas, los edificios, el paisaje, la perspectiva, la profundidad, etc.
Movimiento
Una buena imagen en movimiento depende del factor de anticipación. Busque el mejor lugar para colocar la cámara antes de tomar la imagen y, a continuación, tratar de interpretar cómo se desarrollará la acción.

Un factor importante es la forma en que desea presentar su imagen. Es posible que desee congelarlo para que cada detalle que aparezca nítido y el movimiento es sugerido por otros elementos. Pero es posible que desee un fondo borroso, para transmitir la idea de la velocidad. También es posible querer que el objeto aparezca movido y el fondo totalmente en foco. Piense en el tipo de efecto que desea saber cómo utilizar y los métodos necesarios de acuerdo a lo que se desea para la foto
Imagen Congelada

Si quiere congelar el movimiento de un objeto a gran velocidad, utilizar velocidades de obturación altas . Para ello, es necesario prestar atención a la iluminación ya que, utilizando un obturador muy rápido, la imagen tendrá más luz para seguir correctamente expuesta.

Si se está utilizando una cámara de aficionado en el modo automático, utilizar mucha luz es esencial para lograr congelar la imagen. La cámara va a entender que, para estas condiciones, puede utilizar una velocidad de obturación más rápida para lograr una imagen correctamente expuesta.

Un buen consejo es tomar fotografías con esta técnica siempre bajo la luz del día.
Barrido o Panning

Panning viene de la palabra panorámica. La técnica consiste en dejar la velocidad de obturación lenta y disparar a un objeto (como un coche, por ejemplo) siguiendo su movimiento. El resultado es un punto claro en contraste con un fondo borroso .


Para fotografiar los coches con esta técnica, lo ideal es establecer el obturador entre 1/60 y 1/125 segundos. Para la gente al caminar, 1/8 es suficiente. En tales casos, se recomienda utilizar un trípode cabeza móvil o un monopie para no correr el riesgo de sacudir la imagen.
En las cámaras compactas puede ser difícil hacer esto debido a sus limitaciones. Se puede probar eligiendo una función como disparar en la noche o poca luz, lo que permite un tiempo de larga exposición.
Exposición Prolongada - Imagen Borrosa

El movimiento en sí es el tema en las fotografías de esta técnica. El objeto se fotografía se convierte en un borrón impresionista que es a veces incluso irreconocible. Las fotos borrosas se logran con bajas velocidades en función de la cantidad del sujeto que está en movimiento .

Si es necesario utilizar velocidades muy bajas, es posible que necesite usar un trípode o algún otro tipo de apoyo fijo para la cámara. En algunos casos , el uso del temporizador, puede ser muy útil. En las cámaras de aficionados, trate de utilizar las funciones que permiten a un largo tiempo de exposición como "fotografía nocturna o modo noche" o " luz de las velas" , por ejemplo.
Camaras Amateurs

Muchas cámaras compactas no permiten el control manual de funciones tales como obturación o diafragma. Pero algunos de ellos tienen opciones automáticas para este tipo de imagen. El modo modo " sport" o "acción " (por lo general ilustrada por un pequeño individuo en ejecución) es el adecuado para congelar la imagen en movimiento. Cuando la cámara funciona en este modo, aumenta la ISO, reduce la abertura para ganar más profundidad de campo y aumenta la velocidad de obturación para congelar la imagen.

Con una cámara sin ajustes manuales , lo ideal es trabajar con el deporte para el modo de escena. Por lo tanto, el sistema de cámara propia regula la velocidad, apertura y enfoque para las imágenes deseadas.


Camaras Amateurs

Otra limitación de cámaras compactas (o celulares) es la LENTE. Aunque algunas cámaras más avanzadas ofrecen un enfoque considerable a través del zoom óptico, el más compacto depende del zoom digital. En esta configuración de la lente, inevitablemente vamos a tener una gran pérdida de calidad, ya que el zoom digital no es más que un proceso de imagen realizado por el procesador de la cámara.

Una segunda dificultad importante es el tiempo que transcurre entre la pulsación del disparador y la captura de la imagen por el sensor. En algunos modelos, la diferencia de tiempo puede alcanzar incluso un segundo completo. Para resolver esta diferencia, se puede pre - encuadrar una escena y, justo antes de que el sujeto este en el marco, hacer el tiro. Si bien no es ideal, es la oportunidad de conseguir fotos más interesantes, a pesar de las limitaciones del equipo. Este consejo tendrá un valor mucho cuando queremos capturar el momento preciso.
A pesar de todas estas reglas, se debe tener en cuenta que hay un elemento importante detrás de todo esto: el FOTÓGRAFO!

Decide todos los elementos necesarios para una buena foto. Todas estas reglas son sólo indicios de qué y cómo disparar a los objetos del mundo.

¡Algunos consejos más!
Sujete la cámara firmemente - Una mano firmemente sin pulsar el botón obturador de la cámara producirá una imagen borrosa. Sujete la cámara con ambas manos. Mantener los brazos cerca de su cuerpo para dar mayor firmeza. Presione suavemente el botón de disparo, respirando profundo y así se obtendrán fotos bien nítidas.
Siempre el pie de apoyo adelante.
Acérquese al sujeto/objeto - (atención a la distancia mínima recomendada para el foco de la cámara).
Acercarse a la cuestión es probablemente el paso más importante para obtener buenas imágenes.

Llenar un tercio o más de la zona de la imagen con el tema que ha elegido para disparar.
Elegir un fondo neutro y sencillo - Mira a través de la lente de su cámara y examina el contexto antes de pulsar el botón del obturador. Moverse para eliminar cualquier cosa que pueda distraer al sujeto de su foto.
Al fotografiar personas, mantenerlos en sus ambientes naturales.
Un niño que juega con su bicicleta, o un adulto esculpir un objeto, etc.

Puede servir hablar con ellos sin interrumpir la facilidad al hacer lo que hacen.
Pregunte lo que están haciendo. Al hacerlo, usted hacer que se relajan en las actitudes espontáneas y sin pose.
Componer un escenario - Estudiar la escena de la foto. Ajuste el principal objeto fuera del centro de la imagen. Para tomar fotos de paisajes, añadir algunas líneas afiladas, como una calle y horizonte, que dirigen la atención sobre el tema principal de la fotografía.
Observe la luz - Una vez más la luz! Es un factor clave para la fotografía, ya que sin luz no hay ninguna fotografía. La iluminación tiene una influencia decisiva en la fotografía. Estudia la luz antes de tomar la foto, al igual que los tonos dorados de un amanecer o al atardecer, el sol. Compruebe cómo la dirección de la luz afecta el asunto: luz delantera (el sol detrás de quienes están fotografiando) de brillantes, fotos claras; retroiluminada (el sol detrás del sujeto), para crear la silueta; iluminación lateral (el sol iluminando un lado de la cuestión) para ver la textura del tema.
Elegir un ángulo diferente - Muévase hasta encontrar el ángulo para tomar la fotografía. El hecho de que podemos ser plásticos puede mejorar en gran medida sus fotos. Comience con una selección de diferentes ángulos. Arrodillarse o acostarse en el suelo para mostrar flores en primer plano. O, disparar desde arriba (desde el segundo piso de una ventana del edificio, por ejemplo) para mostrar los dibujos de una calle o vereda.
Captura sentimientos - pequeños instantes...

Experimenta - Reglas, reglas, reglas siempre. Al disparar, siempre tener en cuenta que usted está bajo el control de un número de ellos. Desobedecer las reglas, sin embargo, puede conducir a una foto bastante original. Uno que te hace decir alto y claro : "Esta es mi foto favorita."
Fotos nocturnas

Escenas de calles, parques de diversión, hogueras, edificios iluminados y fuentes de luz son algunos excelentes temas para buenas fotos en la noche. El mejor momento para fotos nocturnas al aire libre es justo antes de la oscuridad total, cuando todavía hay cielo en tonos de azul y naranja.

Exuste una amplia variedad de exhibiciones. Exposiciones cortas que tienden a dejar las sombras oscuras y registrar los colores en áreas brillantes, como señales de neón. Exposiciones más largas tienden a desaparecer las áreas más brillantes, pero proporcionan más detalles en las sombras. Parques de atracciones brillantes son temas fascinantes para fotos nocturnas a la luz ambiental.

Puede crear ajustes de luz notables, el registro de los riesgos diseñados para el tráfico de la noche o fuegos artificiales. Recuerde que aquí, es recomendable utilizar un soporte o un trípode.

planos
El Plano es la perspectiva física visual de los personajes, objetos y elementos tal como los capta el observador desde un lugar determinado.

La foto dió lugar a la creación de la película, que no era más que una imagen en movimiento, pasando de cuadro en cuadro. Son los mismos planos los que se utilizan en fotografía que en películas.

Veamos los tipos de plano...
luz y sombra
Hablar de fotografía sin pensar en la luz es imposible. El mismo nombre lo dice: fotografía significa "escribir con luz ". Ella es la mas importante para poder capturar una escena.

Pero no es sólo la cantidad de luz que importa, sino cómo usamos esa misma luz.

Hay unos pocos tipos básicos de luz que se pueden utilizar y varias formas de fotometrarla
Instante Decisivo
“Tu ojo debe ver una composición o una expresión que la misma vida te ofrece, y tú debes saber con intuición cuándo apretar el botón de la cámara”.
Gran plano general y Plano general
Consiste en disparar al objeto o persona con toda la escena en la que él se encuentra. Si queremos una foto panorámica o de paisaje, la propia escena es nuestro objeto. También puede ser llamado PLANO ABIERTO. Lo que deferencia el gran plano general del plano general es esa amplitud.
Plano Medio Largo

Es mucho más cerrada que el plano general. Tiene más detalles de la escena y un mayor enfoque en el objeto que se desea fotografiar. El plano comienza aproximadamente en la cadera de la persona fotografiada. Por lo general, aparece algo que la persona está haciendo y el escenario más cercano él.
Primer Plano
Es un plano muy común en las películas y novelas y también en la fotografía de moda. Consiste en disparar a la altura de los hombros de la persona, centrado en ella, sus acciones y expresiones faciales.
Plano Americano
Es un poco más cerrado que el Plano General. Fue "inventado" por el cine estadounidense a raíz de que el espectador podía ver el arma en la funda de vaquero. También es ampliamente utilizado en la fotografía de moda o retratos.
Plano Detalle (Close Up)
Se encuadra una parte de de la cara o del cuerpo (un ojo, una mano, un pie, etc.). También se utiliza para los objetos o los detalles de un objeto, tales como los faros de un coche, una pluma en la mesa, una taza, una caja de cerillas , etc. En las cámaras compactas, la "macro" (icono de una flor ) sirve para fotografiar este tipo de ambiente donde el foco está cerca del objeto fotografiado.
Encuadrar
Las fotos primero se sacan con los ojos para luego, mediante la cámara, inmortalizarlas en papel (o en un archivo digital). La diferencia radica en que la visión no tiene límites establecidos (o se ignoran) mientras las cámaras fotográficas sí y dichos límites, conocidos como bordes, serán el marco de todas tus fotografías.

¿Qué es el encuadre?

El encuadre, en fotografía, hace alusión a la porción de la escena que como fotógrafo, utilizaras para tus fotografías. Es decir, que proporción de la escena vas a capturar en una fotografía. Imagínate al encuadre como el escenario en donde transcurren tus fotos.

El encuadre es un elemento fundamental a la hora de construir las fotografías ya que, los bordes de la foto, que casi siempre son rectangulares, ejercen una gran influencia en el contenido de la misma y en los mensajes y sensaciones que transmiten.
Luz dura y difusa luz

Lo primero que debemos saber es la diferencia entre la luz y la luz dura difura. Y es fácil de encontrar: simplemente observar y comparar nuestra sombra en un día soleado y un día nublado. En el día de sol, tenemos la proyección (y el esquema) de nuestra sombra bien definida, mientras que un día nublado el diseño de la sombra se mezcla con el medio ambiente y, a veces, es imperceptible.







En la primera foto, vemos una luz cruda (luz solar) en la persona, así vemos la definición de las zonas de luz y sombra. En la foto de la derecha no estan bien definidas esas áreas.
Hay una diferencia entre la luz dura y difusa, pero no significa que la luz dura es directa y la luz difusa es indirecta. Como hemos visto, la luz del sol es directa y el filtrado de las nubes hace que sea borrosa. Una lámpara incandescente trabaja como luz dura, pero una superficie translúcida entre él y el objeto que queremos fotografiar, como un papel de calco o vidrio grabado, por ejemplo, hace que sea borrosa. Varios artefactos con lámparas fluorescentes generan luz difusa también. Un estudio fotográfico puede tener un mayor control de estos elementos, pero en la calle o en otro entorno que no tenemos ningún control, se debe ser capaz de trabajar con las condiciones que se presentan.

El disparo con luz dura genera una connotación dramática mucho mayor porque las zonas de luz y sombra son bien definidas. Se utiliza para ajustar el volumen de los objetos y también para mostrar las imperfecciones de las cosas. La luz difusa nos da un aura de suavidad, dulzura y calma. Es muy común para genrar la idea de la belleza y la felicidad. Sin embargo vale la pena recordar que nada impide utilizar una luz diferente en otro mensaje. Corresponde al fotógrafo la decisión y el uso de la luz.

Fotómetro

Cada cámara tiene un fotómetro, un medidor de la luz que entra en el objetivo. Este fotómetro hace un promedio de la luz , impidiendo nuestra foto se hace demasiado brillante (sobreexpuesta o quemada) o demasiado oscuro (subexpuesta). Cada cámara, aficionada o profesional tiene uno y se puede medir de manera diferente la misma escena de luz dependiendo hacia donde apuntamos.

En pocas palabras, el medidor de exposición de la cámara mide la luz reflejada por los objetos.
En este ejmplo, las fotos A y B miden la misma luz en el mismo objeto y crean diferentes imágenes. En B, vemos que la medición se llevó a cabo en cada objeto / escena, haciendo un promedio de la luz, por lo que parece todos los elementos de la escena, de la porción iluminada a la sombra debajo de un carro
En la foto A podemos ver que la medición se llevó a cabo sólo en la parte más iluminada. Esto resultó en el escurescimento el resto de la imagen, dejando las otras áreas casi de lleno oscuras. Sin embargo, ninguna de las imágenes está mal. Depende de la intención de los que toma la foto para saber qué fotografiar y cómo. La A la imaginé creado una foto más dramática y casi abstracta mientras que en B percibimos una foto normal. Ambos con el mismo tipo de luz.
Observe la figura. Es un ejemplo de fotómetro podemos encontrar una cámara. En ellos observamos diferentes tipos de medición
En las cámaras profesionales, podemos elegir la forma de medir la luz. Algunas cámaras de aficionados, móviles o compactas, a veces también tenemos esta posibilidad. La red que vemos en la figura es una medida para promediar la luz de toda la escena sin distinción, tanto del exterior como el interior. Se utiliza para medir la luz que llega sólo aquellos puntos y es así como obtenemos un promedio.
El círculo central sirve para medir únicamente el área, haciendo caso omiso de todo lo que esta fuera.

La medición de las cámaras compactas se hace generalmente con el tipo de función elegida como la función del deporte, puestas de sol, noche, retrato, etc.
Algunos Ejemplos
La medición se produjo en la ventana, dejando todo el entorno en la oscuridad, al pulsar la escena dramática con la ventana y la sombra. Se crea la impresión de un lugar desolado y sombrío, lo que contrasta con el exterior, luminoso y colorido
Aquí no había demasiada luz en la escena, porque no tenemos detalles del cielo ni el agua. Sólo los edificios y el puente. La luz, difusa, trae una plasticidad fotografía de un lugar tranquilo y apacible, casi no hay negro en la imagen, en la que todo es en tonos de gris y blanco
Algunos Ejemplos mas...
Los disparos en entornos con una luz dura siempre hace que el ambiente más cargado, ya sea la arquitectura o la naturaleza. Para captar plenamente los matices de cada fotografía, se necesita mucha práctica y la observación. Una buena cámara también es importante pero no es lo más importante. Es que el fotógrafo que hace la cámara y no al revés .

He aquí dos ejemplos de luz dura en diferentes ambientes. En la imagen de la izquierda vemos una luz que transmite, junto con la arquitectura, la sobriedad, mientras que en el segundo, la luz del mediodía, con las hojas y el marco natural, crea un ambiente mágico o místico .
Estos ejemplos utilizan la luz de fondo. A continuación vemos que la medición se hizo en el cielo, así como en la imagen de la derecha. Muestra sólo las siluetas de los objetos, sólo sus contornos negros sin detalles de configuración.

En la imagen de la esquina inferior derecha, hay un mejor equilibrio, aunque retroiluminada (contraluz). Todas las fotos usando la luz del sol dura, pero todos eran fotometradas diferente el uno del otro, lo que causa diferentes impactos de esas notas
El fotómetro nos permite realizar nuestro propio juego con la luz y la sombra, dependiento de dónde lo situemos...

Podemos ver los efectos dramáticos que construye, sabiendo utilizar nuestra cámara y principalmente nuestro ojo .

En lugar de fotometrear el objeto en cuestión puede dejar la impresión de él en los detalles o eliminar información de él que no sea demasiado importante.

Esto muestra cómo la fotografía aún hoy se ha democratizado.. todos contamos con una cámara fotográfica.. pero hay que aprender a usarla. Jugar con ella en conexión con los objetos y luces que nos rodean.

Todo esto, haciendo valer el......
Esta presentación es un curso corto y breve de fotografía. Presentaremos algunas reglas, consejos y trucos para utilizar la fotografía como una herramienta de trabajo, para la escuela e incluso para aquellos momentos libres.

Una buena fotografía depende de la mirada del fotógrafo, su sensibilidad para captar y capturar lo que está delante de él a través de la cámara. No depende del tipo de cámara, ya sea profesional, semi-profesional, compacta o móvil. Esto es porque ella no toma una foto por sí sola, no elige la escena o la luz. Eso siempre es decisión del fotógrafo.

Básicamente, hay dos cosas para ser un buen fotógrafo: la práctica, es decir, tomar muchas fotos, y la observación, ver muchas fotos .
Muchos fotógrafos conocidos practican mucho hasta sensibilizar su gusto, cada uno a su manera, con su identidad.
El disparo y la mirada son parte de esta práctica.

Estos fotógrafos no tenían el aparato tecnológico que tenemos hoy. Henry Cartier- Bresson fue uno de los más grandes fotógrafos del mundo, y él utilizaba la misma cámara de cine "Leica" y una lente de 50mm a lo largo de la vida.
Por lo tanto, antes de disparar y saber cómo usar una cámara, se debe leer el manual y/o experimentar todas sus funciones.
Cuando se aprende fotografía, se pueden " eludir " sus funciones, para crear tu propio estilo.
Antes de empezar a tomar fotografías con estos consejos, se debe buscar obras fotográficas y aprender a observar. También, buscar algo que te gusta fotografiar y, así, encontrarás tu estilo propio.

Entonces...las "reglas" y "consejos" que aquí se nombrarán para mejorar nuestra fotografía, también se pueden romper, modificar y eludir.

Cada fotógrafo debe conocer sus virtudes y sus límites. La fotografía es una gran forma de capturar y almacenar momentos. Así que cuando practiquemos estos conceptos vamos a tratar de divertirnos...

Buenas fotos!
En este punto, podemos decir que lo que diferencia a un buen fotógrafo es un gran momento. Podemos dominar todas las reglas, técnicas y tener el mejor equipo, pero el momento es algo insustancial. Cada uno lo encuentra.
Compartamos una reflexión de Henri Cartier-Bresson sobre este tema:

En la fotografía hay un nuevo tipo de plasticidad producto de las líneas que, instantáneamente, van siendo trazadas por los movimientos del sujeto. Trabajamos en unicidad con el movimiento como algo premonitorio de cómo la vida misma se desarrolla y mueve. Pero dentro del movimiento hay un momento en el cual los elementos que se mueven logran un equilibrio. La fotografía debe capturar este momento y conservar estático su equilibrio.


El ojo del fotógrafo esta en perpetua evaluación. Un fotógrafo puede lograr una coincidencia de líneas con tan solo mover su cabeza una fracción de milímetro. Puede modificar perspectivas mediante una ligera flexión de sus rodillas. Desplazando la cámara a mayor o menor distancia del sujeto logra un detalle, y este puede subordinado al resto o puede subyugar al fotógrafo, pero compone una fotografía en casi el mismo tiempo que le toma disparar el obturador, o sea, a la velocidad de un acto reflejo.
Sucede, ciertas veces, que uno se atasca, se demora, espera a que suceda algo. Uno tiene la sensación de que se tiene la estructura completa de una fotografía, excepto tan solo por una cosa que parece estar faltándole. ¿Pero cual? Quizá alguien de repente llega a caminar dentro de nuestro campo visual. Uno sigue su trayectoria a través del visor. Y espera y espera hasta que finalmente aprieta el disparador y se va con la sensación (sin saber por que) de que se consiguió algo realmente bueno. Mas adelante, para concretar esto podemos hacer una copia de las fotografía, trazar sobre ella las figuras geométricas observadas, y veremos que si el obturador fue disparado en el momento preciso, habremos fijado un diseño geométrico sin el cual la fotografía no hubiese tenido vida ni forma.

El disparo es definido por cada fotógrafo, no hay una norma clara al respecto.

Podemos utilizar todas las reglas escritas y descriptas aquí pero, con el tiempo, cada uno irá desarrollando sus propias características y necesidades, de acuerdo con sus capacidades propias. Hasta entonces, hay que divertirse, fotografiar y experimentar.
Plano Medio Corto

Es mucho más cerrada que el plano americano. Tiene más detalles de la escena y un mayor enfoque en el objeto que se desea fotografiar. Este plano comienza a una altura aproximada a la cintura de una persona o a la mitad de un objeto.
Primerísimo Primer Plano
El primerísimo primer plano toma el rostro de la persona desde la barbilla hasta el final de la cabeza. En este tipo de encuadres conseguimos, aún más, potenciar y resaltar una expresión, ya que, al acercar tanto la cámara damos sensación de proximidad y cercanía.
Posición de Cámara
Es la posición y angulación de la misma cámara fotográfica o de cine. Una escena puede ser filmada desde varios ángulos. Esto dará una experiencia diferente y, a veces emoción. Los ángulos de cámara diferentes tendrán diferentes efectos en el espectador y la forma en que percibe la escena.
En la imagen vemos las diferentes angulaciones de cámara. Cenital, Picada, Normal, Contrapicado, Nadir y, por último, el Plano Ras, que lo veremos más adelante.
Cenital
Picado
Normal
Contrapicado
Nadir
Ras
1,1,2,3,5,8,13,21,34,55,89,144,233,377,610...
La sucesión comienza con los números 1 y 1,1 y a partir de estos, «cada término es la suma de los dos anteriores»
Lineas Diagonales
Se combinan líneas horizontales y verticales, general una gran profundidad y equilibrio al mismo tiempos.
Cada fotografía tiene (o debería tener) un centro de interés.

¿De qué es la foto? ¿Es una fotografía de una persona? ¿Es una fotografía de las pirámides de Egipto? Debería ser obvio para cualquiera que mire una fotografía entender lo que queremos enseñar con la foto. Es lo que se denomina el centro de interés que no tiene que ser necesariamente el objeto que esté colocado en en el centro de la foto ni ser el objeto que ocupa la mayor parte de la imagen.
Centro de Interés
Útil a la hora de fotografiar paisajes. Cuando estés componiendo una foto, antes de disparar imagina 2 líneas horizontales paralelas dividiendo la foto en 3 partes iguales. Esto es aplicable en ambos modos horizontal o vertical.
Si lo que quieres que tenga especial interés es el cielo, ubica el horizonte en la línea inferior. Si por el contrario quieres otorgarle mayor importancia al paisaje terrestre, coloca el horizonte en la segunda línea, la superior.
Ley del Horizonte
Cuando una fotografía es observada por una persona, ya sea que esta tenga experiencia o no en el área fotográfica, siempre producirá un efecto en ella de acuerdo a los elementos que puede apreciar en el fotograma. Desde el punto de vista del observador, cada elemento presente en la imagen adquiere un volumen y un peso, algo que ocurre instintivamente, esto es lo que llamamos peso visual, y está directamente asociado a la sensación de equilibrio (o carencia del mismo) que puede transmitir una imagen. Desde el punto de vista del fotógrafo, entender el concepto de encuadre fotográfico es vital para lograr transmitir de manera clara y directa el mensaje deseado.
El equilibrio se asocia a la relación entre los diversos elementos presentes en una imagen, a la intensidad y al contraste de los colores. Una imagen mal equilibrada es rechazada inconscientemente por cualquier observador y su mensaje no podrá ser captado.
Peso Visual
Es aquella ley en que toda persona, animal o cosa, dentro del recuadro fotográfico debe de tener más espacio libre hacia su parte frontal que lo que ocupa su parte trasera, independientemente de la amplitud de lo abarcado en el encuadre de la toma.
Mirada/Direccionalidad
Direccionalidad
Mirada
La frecuencia con la que se repite el elemento "PATRÓN" se denomina RITMO.
El RITMO puede verse interrumpido por una ausencia, un color, un brillo, un elemento diferente, distinta orientación de uno de los elementos, etc
Repetición
Natural
Corte de Ritmo
No Natural
Textura
Las cámaras ven en dos dimensiones, al contrario que nuestros ojos. Para darle volumen a una escena e intentar dar la sensación de tridimensional debemos añadir texturas.

Por textura se entiende la capa superficial de un material. Las texturas pueden ser lisas o rugosas, siendo estas últimas las que tienen más interés.

Resaltando las texturas de los objetos, estimulamos el sentido del tacto y adquiere tridimensionalidad.

El factor que más hace resaltar la textura es sin duda la iluminación, una luz frontal y suave, la oculta, sin embargo si es dura y rasante, la potencia, al resaltar más las sombras.
Marco Natural
Seguramente lo primero que se nos venga a la cabeza cuando oímos la palabra “marco” sea el añadido posteriormente a la creación de la obra, ya sea digital o físicamente. A pesar de que trabajaremos el marco incluido en la propia toma de la fotografía, la función principal de estas dos formas o procedimientos para enmarcar sigue siendo la misma: centrar la atención sobre nuestra obra.
Entonces, ¿qué nos aporta el enmarcado natural?
Profundidad: Una imagen de gran paisaje tomada con angular, si algo no tiene, es profundidad. La mayor parte de los objetos quedan lejos y no se dispone de una referencia clara para establecer diferentes planos. La situación cambia si decidimos enmarcar ese mismo paisaje a través de las ramas de un árbol, la puerta de una muralla o alguna formación rocosa. Diferentes planos, mayor profundidad.
Contexto: Enmarcar nuestra imágenes de forma natural aporta, a menudo, cierto contexto a la escena
Efecto Zoom o Zooming


El zooming es una técnica que, como te podrás imaginar, permite dar la sensación de movimiento mediante la utilización del zoom del objetivo.

Dicha sensación puede ser tanto de acercamiento, si hacemos zoom o de alejamiento del sujeto u objeto a fotografiar.

A través de líneas convergentes, se logra centrar la atención del observador hacia el centro de la fotografía, generando una sensación de movimiento hacia dentro o fuera según como se utilice, otorgándole dinamismo y movimiento muy peculiares.
¿Cómo lo consigo?

Encuadra la fotografía poniendo en el centro al sujeto u objeto de interés.
En la medida de las posibilidades lumínicas, cierra el diafragma.
Seleccionar una velocidad de obturación menor a la que utilizarías normalmente para realizar la misma toma.
Mientras el obturador esté abierto, y por ende permitiendo que la luz alcance el sensor, acerca o aleja el zoom según el efecto que desees lograr. Básicamente eso lo haces variando la distancia focal mientras se está grabando la foto.
El instante preciso es capturar ese momento mágico, esa fracción de segundo en el que los diferentes elementos que componen la imagen comunican el hecho que se está desarrollando de una forma creativa y organizada.
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