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Fotografía Pictorialista

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by

María Fernanda Assillo

on 1 July 2013

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Transcript of Fotografía Pictorialista

El movimiento pictorialista se basa en la premisa de que una fotografía puede ser juzgada con los mismos patrones que cualquier otro tipo de imagen (dibujos, pinturas, etc.)
Se llama pictorialista a una imagen en la que el contenido importa menos que su atractivo estético.
Para el pictorialista, la fotografía
es el medio, y el arte es el fin.
George Davison
"Village Under the South Downs", 1901
El nombre del movimiento deriva del término inglés picture (imagen, cuadro, fotografía) y no de paint (pintura), razón por la cual resulta erróneo hablar de fotografía pictórica o pictoricista, términos que vendrían a referirse a la fotografía academicista, corriente que sí que se encuentra muy relacionada con la pintura.
Léonard Misonne, "Rain" 1936
La armonía y el equilibrio unifican los elementos y el detalle es frecuentemente reemplazado por la difusión y la manipulación del tono.
Esta corriente se relaciona fuertemente con la corriente pictórica llamada Impresionismo. Ambas desenfocan el tema principal para dar un toque etéreo a todas sus composiciones (conocido como efecto flu).
Se encuadra en los pensamientos románticos, donde la sensibilidad y la introspección son las fuentes principales de inspiración, dejando a un lado la perfección técnica a la que alude la fotografía academicista.
Robert Demanchy, "Struggle", 1904
Los temas feos o mundanos se evitan, a la vez que el tema representado sirve de vehículo al fotógrafo para expresar sus emociones, su interpretación creativa y su dominio de la técnica.
A mediados del siglo XIX, un grupo de fotógrafos, insatisfechos porque la fotografía aún no recibía el mismo respeto que la pintura, establecieron como estilo la Fotografía Artística.
Antecedentes
La fotografía aún estaba en su infancia y llamaba poderosamente la atención de la gente, pero “sólo” era capaz de registrar las cosas tal y como eran, por lo que se discutía si era en realidad un arte o una ciencia, y no era presentada en las exposiciones de arte.
Por esta razón, los fotógrafos se esforzaron en hacer de sus producciones fotográficas lo más parecidas a una pintura, tanto en contenido como en carácter, para lo que se centraron en los temas propios de los géneros de la pintura y desarrollaron numerosos procesos de manipulación.
Oscar Rejlander, "Los dos caminos de la vida", 1857
Fotógrafos como Oscar Rejlander y William Lake Price se dedicaron a hacer grandes montajes escénicos para producir fotografías de grandes dimensiones.
William Lake Price, "Our Old Friend, Robinson Crusoe", 1857
Julia Margaret Cameron,"A tableau of Tennyson's poem, The Passing of Arthur", 1875
Henry Peach Robinson, "Fading Away", 1858
Para hacerlas, se solía tomar la fotografía por partes, se hacían negativos y copias de cada una, se recortaba lo necesario y se montaba creando la escena deseada, para finalmente tomar una fotografía del resultado.
Julia Margaret Cameron tuvo una etapa de fotografía artística en la que produjo escenas muy sentimentales y alegóricas, al estilo de la época victoriana. La fotografía, según la sociedad victoriana, debía portar un mensaje moral e instructivo, como lo hacía la pintura de entonces.
Con la llegada de la cámara portátil, en los años 80 del siglo XIX la fotografía estaba al alcance de cualquiera. Los aficionados comenzaron a hacer notar su presencia y, en especial, los fotógrafos comenzaron a luchar por demostrar que la fotografía podía ser un arte por sí misma.
De esta manera se fue abriendo paso el movimiento pictorialista como reacción a la fotografía academicista y la fotografía aficionada artificiosa, convirtiéndose en el resultado del creciente sentimiento de que el artista debía expresar su talento y personalidad sin plegarse a las tradiciones.
El Movimiento Pictorialista
Léonard Misonne,  "Winter cityscape" 1926
Con este objetivo, un grupo de fotógrafos, con la idea inculcada por el naturalismo de que la belleza había de estar en la imagen más no en el motivo, comenzaron a crear imágenes menos “fotográficas” y más interpretativas.
Edward Steichen, "The pond moonlight" 1904
El modo en el que un fotógrafo podía dar a conocer su trabajo era mediante las exposiciones, pero en el caso de los pictorialistas, se encontraron con el rechazo por parte de los fotógrafos academicistas y tradicionales que las manejaban.
Inicios del Movimiento
Peter Henry Emerson, "Gathering Water-Lilies", 1885
Ante la abundancia de la artificialidad de la fotografía artística en las exposiciones fotográficas, Peter Henry Emerson propuso volver al naturalismo como un ataque a la tradicionalidad.
Inspirado por los Impresionistas se dedicó a fotografiar en la naturaleza y procurando registrar las cosas como “lo haría el ojo humano: sin la frialdad de la cámara”. Su trabajo buscaba la espontaneidad y naturalidad con una parte de nitidez y otra con la suavidad del desenfoque.
Peter Henry Emerson, "Idylle", 1900
Una serie de aficionados lo siguieron a partir de la publicación de su manifiesto Naturalistic Photography. George Davison, entre ellos, comenzó un trabajo pictorialista dando a sus fotografías un toque impresionista muy personal.
Cuando expone “The Onion Field” aviva el deseo de aumentar la suavidad de foco y los tonos. Cuando se enfrenta al rechazo de la tradicional Sociedad Fotográfica, decide crear un nuevo grupo que se llamaría la hermandad Linked Ring.
George Davison,
"The Onion Field", 1890
Los Moviemientos Secesionistas
Fueron grupos que se abrieron paso hasta el siglo XX dando valor al pictorialismo a la vez que se defendían del academicismo. Fueron considerados secesionistas pero finalmente alcanzaron popularidad y el estilo caló en el público.
Numerosas exposiciones exitosas y seguidores del estilo en clubes alrededor del mundo lo demuestran.
La Linked Ring de Gran Bretaña fue una sociedad que con la energía de sus promotores logró ganar importancia alrededor del mundo, pues se esforzó en la internacionalización de la fotografía pictorialista
En Estados Unidos el pictorialismo se organizó alrededor de Alfred Stieglitz, quien fundó el grupo Photo-Secession, que se encargó de hacer exposiciones de fotografía pictorialista y abrir una galería para que los miembros del grupo vendieran sus obras. También publicó una revista, Camera Work, que comentaba las obras.
Sin embargo, se fue cerrando sobre sí mismo y se hizo cada vez más convencional. Las sociedades se enfrentaban con dureza, e incluso los “hermanos” tuvieron sus conflictos, minando la unidad del círculo pictorialista.
Para la segunda década del siglo XX, las exposiciones no mostraban más que competencia entre los pictorialistas europeos y norteamericanos. La enemistad entre los fotógrafos y el conservadurismo de algunos hicieron que el movimiento dejara de ser una vanguardia.
Los dos enfoques Pictorialistas
Impresionista
Naturalista
"Windmills, Mont Saint Michel, France" 1907
La pintura Impresionista influyó en gran medida en la fotografía. El sentimiento de ir en contra de lo tradicional y dar al artista libertad, es el legado de este movimiento.
Pierre-Auguste Renoir, "The Skiff - La Yole", 1875
Claude Monet, "Woman with an Umbrella", 1875
Por otro lado, aunque no podían imitar el empleo del color de los impresionistas, los fotógrafos pictorialistas se dejaron llevar por el manejo de la luz, el control de los tonos y la suavidad de los contornos.
Algunos fotógrafos del enfoque impresionista son:
George Davison, quien tomaba fotos de apariencia romántica utilizando técnicas como la goma bicromatada y cámaras estenopeicas sin objetivo para suavizar el foco.
"The Long Arm", 1907
Llevó al extremo la destrucción de la calidad fotográfica de la imagen.
Alvin Langdon Coburn se dedicó a paisajes urbanos y retratos tomados en Londres con objetivos suavizadores y positivados a la goma bicromatada.
"Spider-webs", 1908
Rudolf Eickemeyer estuvo muy influenciado por la pintura japonesa. Logró dar a sus escenas sentimentalismo con el foco suave.
"In my studio, Eveliyn Nesbit, Tired Butterfly", 1909
Edward Steichen hacía sus paisajes neblinosos con un simple accesorio difusor.
"Flatiron Building", 1904
Constant Puyo, realizó excelentes retratos suavizados con desenfoque y trabajó la goma bicromatada y la impresión al carbono.
"Women in Veils", 1900
Robert Demachy, tenía gran habilidad para manipular las copias y para la goma bicromatada.
El Naturalismo, propuesto y trabajado en especial por Peter Henry Emerson, era fiel a la naturaleza a la vez que esto significaba fidelidad a los sentimientos.
Peter Henry Emerson
"A Stiff Pull", 1886
"Coming Home from the Marshes", 1886
Emerson consideraba inaceptable imitar los métodos de la pintura. Dio importancia a la espontaneidad cuidando el encuadre y la composición, y procurando que la imagen no tenga una máxima nitidez.
"At Plough, The End of the Furrow", 1887
La Creación de una imagen Pictorialista
Las principales consideraciones prácticas en el estilo pictorialista son la técnica y la composición, elementos a los que el fotógrafo puede prestar atención máxima ya que las imágenes del pictorialismo son en gran parte premeditadas.
Algunas fotografías pictorialistas son visualizadas y compuestas antes de la toma; el trabajo del fotógrafo consistirá en disponer los elementos necesarios y fotografiarlos teniendo en cuenta el efecto deseado.
En este punto, si se busca un suave desenfoque, se pueden utilizar lentes difusores, que funcionan tan bien como un vidrio al que se le aplica vaselina y se pone frente al lente durante la exposición. Otras intenciones requerirían exponer sobre superficies texturadas o inclusive golpear la cámara al momento de la tomar.
Alvin Langdon Coburn, "Broadway at Night", 1909
Otras fotografías pictorialistas se logran con modificaciones en la etapa del positivado. Algunos métodos utilizados a finales del siglo XIX e inicios del XX fueron:
Goma bicromatada (1850)
Positivado al carbón (1866)
Robert Demachy, "Prima Vera", 1896
El naturalismo surgió en la pintura como una reacción frente al romanticismo, en el sentido de que rechaza la idealización de lo real para situarse ante la realidad tal como se presenta al sentido y a la mente.
Julien Dupré, "Laitière avec vaches", 1880
Julia Margaret Cameron,”Call, I follow,
I follow, let me die”, 1867
Papeles al platino o Plantinotipia (1883)
Peter Henry Emerson, “A rushy shore”, 1887
Óleo y bromóleo (1904)
Josef Jindřich Šechtl, “Photograph of lake Jordán, Tábor, Czech Republic”, 1920
Proceso Autocromo (1907)
Heinrich Kühn, “Miss Mary and Edeltrude Lying in the Grass”, 1910
"Study in Red, Camera Notes vol.2 nr.1", 1898
La segunda mitad del siglo XX vio resurgir un notable interés por las manipulaciones pictorialistas, despreciadas después de la revolución de la fotografía objetiva.
El fenómeno se debió al nuevo interés por la pintura impresionista y la gran disponibilidad de numerosos y variados accesorios difusores y papel que permite colores muy puros. Algunos de estos artistas son David Hamilton, J.M. Magano y Sarah Moon.
Sarah Moon caracteriza su estilo por el continuo uso de películas Polaroid, aprovechando el grano de la película para descomponer el detalle, reducir el contraste y desaturar los colores, y por el tratamiento personal de los positivos.
David Hamilton recurre a la difusión para dispersar las luces y dar un toque romántico a sus escenas de muchachas adolescentes desnudas.
Muchas de sus fotografías son paisajes de mar y montaña captadas en el norte de España. El verdor, la niebla y los cielos grises de estos lares adquieren un tinte etéreo y se convierten en escenas de cuento por obra y gracia de la goma bicromatada.
También realizo grandes trabajos en la parte del revelado, generando climas únicos y muy expresivos
“Figure with Iris”, 1902
Pictorialismo Moderno
Sus fotografías tienden a explotar el grano de la película y sobreexponer las luces sin dejar de lado profundas sombras. En ellas, a través de los desnudos de las jóvenes y el tratamiento de la luz y las poses, explora la femineidad durante el período de paso de la niñez a la adolescencia.
J.M. Magano se destaca en el estilo pictorialista por las manipulaciones de sus obras usando procesos del siglo XIX como la goma bicromatada y la cianotipia.
También posee un extensivo trabajo en retratos de mujeres donde se puede ver todo su arte y su creatividad. Para Magano no hay mujer fea, a todas sabe sacarles su lado femenino y sensual.
La metáfora, el misterio, el surrealismo, los sueños, y un determinado tipo de mujer, forman su universo, y todas estas características se repiten de una forma constante en su obra
No hay diferencia alguna entre las estéticas usadas para sus trabajos de moda (con marcas como Cacharel o Chanel en la revista Vogue) y las de su trabajo personal.
Desde el comienzo de la investigación llamaron mi atención los trabajos de 4 fotógrafos en especial, dos históricos y dos modernos. Estos fotógrafos son Edward Steichen y Robert Demachy dentro de los históricos; y Juan Manuel Magano y Sarah Moon dentro de los modernos.

Teniendo en cuenta todo lo investigado y a los fotógrafos seleccionados decidí realizar dos etapas de fotografía personal: 1- etapa en la que realizo una recreación de obras de estos artistas, tratando de imitar las poses e iluminación, pero dándole un estilo personal. 2 – etapa en la que saco fotografías personales inspiradas en los temas de este movimiento. Jugando con diferentes puntos de vista y tratamientos.
Conclusión del Alumno
Lo que me llamó la atención de sus trabajos, además de su proceso de toma de la fotografía, que en algunos es más producido que en otros, son sobre todo los temas y la gran libertad que tienen en el proceso de tratamiento en la parte del revelado, generando obras únicas y muy personales.
Fotos inspiradas en obras históricas
ROBERT DEMACHY – “DEUX ÉTUDES”, 1906
EDWARD STEICHEN – “MRS EUGENE MEYER, NUEVA YOR”, 1910
EDWARD STEICHEN – “ THE POND MOONLIGHT”, 1907
ROBERT DEMACHY – “STUDY IN RED", 1898
Fotografías propias Inspiradas en el movimiento
Por Fernanda Tablón
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