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Teoría(s) del Arte

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Alba Arte

on 12 October 2014

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Teoría(s) del Arte
A lo largo de la historia, se han ido construyendo diversas teorías destinadas a esclarecer el significado de la práctica artística.

Los Ss XIX y XX han sido particularmente fecundos en cuanto a la reflexión alrededor de los procesos artísticos, articulando lo que sería la Teoría del Arte tal y como la entendemos en la actualidad. Las diferentes reflexiones se han elaborado alrededor de los conceptos de:

-percepción
-representación
-rececepción
-papel individuo creador/espectador
-estilo
-la propia teoría del arte (metalenguaje)

Estos conceptos generan entramados mutuamente permeables e interdependientes.(9-13)
-
Crítica del Juicio
de Kant y la estética como mediación entre la filosofía teórica y la práctica. No se realiza, sin embargo, una distinción entre la experiencia estética en lo que concierne a lo artístico y en lo que concierne a otro tipo de fenómenos aprehensibles a través de la sensibilidad.

-S. XIX y la Estética cada vez más centrada en el Arte, y no en la percepción en términos más generales. Se da lugar entonces a un desdoblamiento entre la Estética y la Teoría del Arte

-Advenimiento de la modernidad y reflexión estética cada vez más fragmentaria, definiendo lo artístico no en términos esencialistas, sino cada vez más en relación a cuestiones circunstanciales, como la función o el contexto, por ejemplo.


1-Biografía vasariana e inicios de la Hª del arte

Giorgio Vasari (1511-1574) y empleo de la biografía de los artistas como sistema para rastrear el desarrollo del arte occidental.

La vite de' piú eccelenti Pittori, Scultori et Architettori
(1550)

La creación de esta incipiente "historia del arte" viene dada por la autonomía del arte y el artista respecto a determinadas formas de artesanía propia del Renacimiento.

El Arte se concibe desde una unicidad artista/obra y desde la acción individual del artista. La biografía del artista (y por ende, el culto a la personalidad de este) se erige como la piedra angular del arte occidental. (14-20)


2- Historiografía positivista: Taine y Semper

Hyppolyte Taine (1828-1895) y, de nuevo, idea de una relación intrínseca obra/autor, configurando el estilo.

A esto se suma la idea del medio ('
milieu
') como factor condicionante en la creación de la obra. Este medio se define como "las costumbre y el estado del espíritu del país y del momento en que el artista produce sus obras" y está configurado por factores como la raza, un determinado clima físico y moral (circunstancias históricas) y los caracteres dominantes que constituyen todo un período histórico.

Fascinación por pintura italiana comprendida entre 1475 y 1540. Primacía de los cánones clásicos (raza griega) en su gusto por "el orden, la composición y el cuerpo". Relación Arte-Naturaleza (25-31)




2- Historiografía positivista: Taine y Semper





Gotfried Semper (1803-1879) Concibe el desarrollo artístico a partir de aquello eminentemente técnico. Determina que los principios objetivos que determinan el nacimiento de los estilos son el material elegido, la técnica utilizada y la finalidad práctica. A pesar de este grado de determinismo, afirma que el arte, a partir de esta praxis elemental puede alcanzar cierta libertad. En relación a esto admite la presencia de un cierto "instinto estético" (31-35)

3-La teoría de la "
Einfühlung
" y la psicología del estilo

-Durante la segunda mitad del siglo XIX se desarrolla un enfoque psicológico de la Teoría del Arte que da lugar a una idea de Arte entendido a partir de la '
einfühlung
' (endopatía, empatía, proyección sentimental). Se da lugar a una estética sentimental y a un análisis de las preferencias subjetivas.

-El objeto artístico no es ya el reflejo de la naturaleza, sino de la psique y la vida espiritual del artista que requiere la participación afectiva del espectador a partir de la experiencia estética.

-Se entiende el sentimiento como una acción espiritual absolutamente libre que no se rige por las reglas del pensamiento y que lleva a una diversidad de subjetividades y a la idea del mundo sensible como multiplicidad.

-Dentro de este corriente destacan autores como: Johannes Volket, Theodor Lipps o Friedrich Theodor Vischer.(39-45)
3-La teoría de la "
Einfühlung
" y la psicología del estilo

Influído por estas teorías de la
Einfühlung
, Wilhelm Worringer (1881-1965) parte del concepto de una psicología del estilo.

Worrigner distingue entre Estética (belleza clásica) y Tª del Arte (explicación y estudio de todas las manifestaciones artísticas). En este segundo caso lo artístico no se define por el hecho de seguir unos determinados cánones o patrones, sino desde la voluntad artística. ('
Kunstwollen'
).

Esto lleva a una idea de 'psicología del estilo' que entiende los valores formales de la obra de arte como la expresión de una serie de valores internos en la psique del artista. Las variaciones estilísticas, pues, corresponden a cambios en la 'voluntad artística'. De nuevo,la creación (y el papel del espectador) se rigen por la '
einfühlung
'.

Worringer empieza a detectar un cierto 'gusto por lo inorgánico' en el Arte que llevará a tendencias más o menos abstractas. Asimismo distingue dentro de la creación artística los siguientes tipos de 'hombre': Primitivo, Oriental y Clásico. Los dos primeros se caracterizan por la búsqueda de lo trascendente y por lo tanto por el uso de formas abstractas. El segundo se caracteriza por su relación con lo inmanente y con las formas orgánicas y antropomórficas. (45-55)




El arte se concibe a partir del conocimiento de la forma, dando lugar a una simbiosis entre ésta y el contenido de la obra.

La Hª del Arte se articula alrededor del conocimiento de la realidad a través de la visibilidad y la evolución de la técnica y la sensibilidad expresiva.

R.Zimmermann (1824-1898): Parte del estudio del arte a partir de sus principios estructurales y no metafísicos. Hay que "aprehender" la apriencia de la obra en su integridad para luego analizar los motivos concretos que ella representa. Los modos elementales de la forma son elegidos por el pensamiento, dando lugar a una confluencia idea/forma. (55-59)

Heinrich Wölfflin (1864-1945) afirma que "la imaginación creadora de las formas tiene una vida y una evolución que le son propias". De la evolución de la forma se infiere la construcción de diferentes sensibilidades en la historia del arte. El arte de cada época se define a partir de sus propios modos de representación que configuran el repertorio de posibilidades ópticas a las que se halla vinculado el artista.




4-La teoría de la pura visibilidad y los modelos formalistas
5- Jakob Burckhardt y la Escuela de Viena


Lo artístico se entiende a partir de un componente formal y también a partir del desarrollo histórico.

Jakob Burckhardt (1818-1897) concibe el Arte y las demás producciones humanas como un eslabón en la historia de la cultura, definiendo esta como "la suma de los desarrollos del espíritu que suceden espontáneamente y no pretenden ninguna validez universal o forzosa".

La realidad histórica se articula a partir de la confluencia entre Estado, Religion y el hecho propiamente cultural, dentro del cual se enmarcaría el Arte.

Dentro de cada realidad histórica, la Obra de Arte desarrolla una función concreta. El objeto artístico obedece a una función testimonial y a la vez responde a una exigencia estrictamente estética (el arte por el arte mismo, o la voluntad artística de la que hablábamos antes). De algún modo corresponde a una determinada coyuntura social y a la vez a una voluntad individual (dialéctica general/ particular) que no son excluyentes sino que se retroalimentan, dando lugar a períodos de crisis y renovación. (93-99)




Parte de un relativismo que asume que los estilos nos deben compararse con modelos pretendidamente superiores sino que deben considerarse en sí mismos (-vs-primacía del clasicismo, p.ej.). Las diferencias entre un modo de representación y otro no son cuantitativas sino cualitativas. (63-69)

Henri Focillon (1881-1943): Entiende la forma no tanto como imagen (o representación de un objeto) o como signo (que designa algo concreto) sino como la estructura básica del estilo y como elemento significante en sí mismo, con su propia lógica interna y con sus propios modos de relación.

La vida de las formas
(1943) y concepción de la evolución de las formas del arte en diversas edades: experimental / clásica / refinamiento / barroca. (73-76). Valor intrínseco de la forma en los procesos de significación de la obra.


4-La teoría de la pura visibilidad y los modelos formalistas
5- Jakob Burckhardt y la Escuela de Viena


Algunos teóricos destacados de la Escuela de Viena serían:

Max Dvorak (1874-1923): Al igual que Burckhardt considera que el arte se origina, simultáneamente, desde el interior de una determinada coyuntura social y como una de las formas más elementales de expresión. Desarrolla, asimismo, los siguientes conceptos:

-El Arte se relaciona con una determinada
cosmovisión
, con una determinada concepción -más o menos espiritual- del mundo.

-
La Idea de Arte
es aquello que refleja cómo se entiende el Arte en un período histórico concreto. Desvela la concepción interna del acto artístico en sí mismo. Esta idea de arte configura lo que denominamos estilo y elimina los falsos juicios de "decadentismo"; es decir, la práctica artística se desarrolla acorde con la "Idea de Arte" de cada época, con lo cual sería erróneo devaluar un estilo en relación a "Ideas de Arte" que le son ajenas. Revalorización del manierismo. (100-104)



5- Jakob Burckhardt y la Escuela de Viena


Aloïs Riegl (1858-1905): acuña la idea de 'Voluntad Artística' -
Kunstwollen.

Articula el análisis de lo artístico alrededor de:

1-Vinculación de lo artístico, lo social y lo religioso, configurando todo ello una determinada visión del mundo que da lugar a unos determinados modos de expresión.

2-Toma ciertas ideas y metodologías de la historiografía positivista aunque sin ser determinista. Estudia casos particulares para llegar a enunciados y fórmulas generales.

3-Análisis de los elementos formales no en tanto que evidencias técnicas o mecánicas sino en tanto que principios constructivos de los que se infiere una determinada intención artística.

Este instinto estético, la voluntad artística es aquello que configura los estilos. La voluntad de arte se entiende "como una fuerza real -aunque abstracta- mediante la cual se manifiesta, estéticamente, el espíritu de una época". (NO es sólo fruto de la praxis de un único individuo.)


6-Iconología


-Ernst Cassirer (1874-1945): El hombre no puede enfrentarse a la realidad si no es a través de sistemas simbólicos. "Se ha envuelto en formas lingüísticas, en imágenes artísticas, en símbolos míticos o en ritos religiosos, de tal forma que no puede ver o conocer nada sino a través de la interposición de este medio artificial. Por lo tanto, en lugar de definir al hombre como un animal racional lo definiremos como un animal simbólico." Mito, religión, arte y lenguaje como distintas "mediaciones" para aproximarse a la realidad.

-Aby Warburg (1866-1929): Interés en la pervivencia de determinados símbolos a lo largo de la historia de la cultura. P. ej. influencia del simbolismo de los dioses griegos en la astrología.

Atlas Mnemosyne
(1927-1929): Secuencia de imágenes que no están agrupadas bajo un texto "coherente". Rastreo fragmentario y no-lineal de determinados arquetipos de la cultura occidental. La obra quedó interrumpida por la muerte de Warburg.

-Erwin Panofsky (1892-1968): Influenciado por Cassirer y Warburg. Método sistemático de análisis iconológico. La lectura de la obra de arte se realiza dilucidando la siginificación o contenido de las imágenes. (Dicotomía forma/contenido.

En relación a las interpretaciones iconológicas: ¿Qué sucedería con la abstracción? ¿Hasta qué punto cualquier elemento formal de la obra de arte refleja un sistema cultural?) (128-146)
7-Psicología de la forma


Se asume que toda experiencia estética implica un proceso perceptivo. Por lo tanto, la teoría del arte se relaciona con la psicología.

-Teoría de la
Gestalt
(forma, configuración, estructura...): la percepción se entiende como un proceso de captación activo de una serie de características estructurales que configuran el "todo" de una imagen. La percepción funciona a partir de leyes de relación entre fondo y figura, proximidad, simetría, continuidad espacial, etcétera.

-Rudolf Arnheim (1904-2007): Determina categorías visuales y categorías perceptuales a partir de las cuales captamos determinadas estructuras y configuraciones significativas en la obra de arte. El espectador es capaz de desvelar en las imágenes determinados esquemas formales básicos. (163-169)


8-Psicoanálisis del Arte

-Sigmund Freud (1856-1939) entiende lo artístico a partir de un proceso de sublimación; es decir, a partir de la derivación de la pulsión sexual hacia objetos ajenos a esta. Por otro lado, la creación se entiende como una acción catártica mediante la cual el artista encuentra una vía de escape a determinados traumas.

El arte es la expresión de conflictos inconscientes en la psique del individuo. Estos conflictos también pueden emerger en otros procesos de simbolización, como la cultura popular o los sueños. El símbolo, pues, no posee una relación de complementariedad con aquello que representa, sino que sustituye un "afecto"; revelándolo y ocultándolo simultáneamente.

-Carl Gustav Jung (1875-1961): Entiende la configuración de un sistema de representación a partir de una serie de arquetipos atemporales que configuran el inconsciente colectivo (ya no habla de un proceso de simbolización exclusivo en la psique de un individuo).

-Es importante tener en cuenta la relectura que hacen autoras como Julia Kristeva (1941-) del psicoanálisis en relación a cuestiones de género. Respecto a Kristeva, señalaremos también que parte también de un análisis semiológico. Es una de las figuras más representativas del posestructuralismo.
9-La sociología del Arte

-Hacia 1950 se da una reacción contra el formalismo a partir realizando una lectura de los fenómenos artísticos a partir de una serie de condicionantes sociales.

-Arnold Hauser (1892-1978): Influencia de la teoría marxista en cuanto a que establece una correspondencia entre el arte y los procesos ideológicos y sociales coetáneos a éste. Entiende la expresión artística como instrumento de culto, propaganda de ideas, expresión del poder, etc. Sin embargo tiene en cuenta que lo sociológico puede valorar el componente ideológico de la creación artística pero no la "calidad artística" en sí misma; es decir: "todo el arte está condicionado socialmente, pero no todo el arte es definible socialmente."

-Pierre Francastel (1900-1969) centra su análisis en el campo de lo visual, como actividad de innegable especificidad. No sólo expresan los valores de una época, sino que también contribuyen a crearlos. "El espacio y tiempo figurativos no remiten a las estructuras del universo físico, sino a las estructuras de lo imaginario. Los vínculos que existen entre los elementos no se miden en términos de exactitud, sino de coherencia. El espacio y el tiempo figurativo no reflejan el universo sino las sociedades". (198-205)

10-La semiología del Arte y la teoría de la información

-El Arte se considera un lenguaje o un acto de comunicación. Se aplica la semiótica a las artes visuales, tomando referencias de Saussure, por ejemplo.
Sin embargo, cuando deben aplicarse este tipo de teorías a lo artístico vemos que no existe un "código de lectura" claro (no se correspondería con un lenguaje denotativo, p. ej.) y que hay un desplazamiento constante en las relaciones entre significante y significado. Jakobson nos habla de la "hipóstasis del significante" (la forma en sí misma como plenitud de significado).

Roland Barthes, en cambio, nos habla de la obra de Arte ya no desde su carácter de objeto perfectamente definido y acabado, sino entendiéndola como un "tejido" en que confluyen distintos textos generados ya no sólo por el artista, sino por la multiplicidad de lecturas del espectador.

"De la obra al texto" (1971)


-Otros autores a tener en cuenta: Jan Mukarovsky, Umberto Eco...
Epílogo- Revisión de la propia Teoría e Historia del Arte
La Historia del Arte ha estado tradicionalmente ligada a la idea de progreso (obviamente siempre en relación a los ideales éticos/estéticos propios del contexto en que se articula una teoría).

Crisis de la vanguardia. Mediante "eclecticismos" y "revivalismos" se cuestiona cualquier tipo de compromismo (la idea de 'manifiesto', por ejemplo) y el Arte deja de someterse a la idea de evolución para disgregarse en todas direcciones.

Ejemplo de esto -entre muchos otros- son artistas y críticos que se situarían próximos a una crítica de la representación.

Craig Owens: "El impulso alegórico. Contribuciones a una teoría de la posmodernidad". (1980)
Referencias

La mayoría de textos de esta presentación han sido extraídos de:

Ocampo, E., Perán, M.:
Teorías del Arte
, Barcelona: Icaria, 1991.

Es asimismo recomendable que consultéis:

-Barthes, R.:
El grado cero de la escritura
, Madrid: Siglo XXI, 1996
-Cassirer, E.:
Antropología filosófica
, México: Fondo de cultura económica, 1968
-Panofsky, E.:
La perspectiva como forma simbólica
. Barcelona: Tusquets, 1995
-...

Mirad vosotros mismos qué textos de los autores citados os resultan de más interés, según los temas de vuestros trabajos o según otras preferencias.
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