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HISTORIA DEL ARTE

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by

maria garcia

on 17 June 2014

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HISTORIA DEL ARTE
ROMANICO
surge en Europa como consecuencia de la prosperidad material y de la renovación espiritual y abarca los siglos XI al XIII. Ésto hizo que se hicieran un gran número de iglesias y de edificios religiosos. Debe su nombre a que en su construcción se utilizaron elementos romanos, aunque también tiene influencias orientales y germánicas.
GOTICO
PREHISTORIA
Neolitico
Arte y arquitectura de la época prehistórica que se extiende aproximadamente desde el año 7000 hasta el año 2000 a.n.e.
. La cerámica fue la primera manifestación del arte neolítico; otras importantes expresiones artísticas fueron las esculturas adoradas como diosas madres y monumentos megalíticos de piedra dedicados al culto religioso.
Dependiendo de la cultura particular que lo origine, adoptan distintas formas como por ejemplo la cerámica realizada en forma de cesta, calabaza, campana o sacos de piel. La cerámica neolítica campaniforme, con dibujos geométricos, inspirados en la cestería, es originaria de España y se extendió a toda Europa.
En cuanto a la pintura, predominan las formas esquemáticas, y destaca el carácter simbólico de los temas.
Los monumentos neolíticos más importantes son los dólmenes, tumbas formadas por grandes bloques de piedra que forman la cámara funeraria, como el dólmen de Aizkomendia, en Álava, España; y los menhires (grandes piedras colocadas de pie, también llamadas megalitos) como los de Gran Bretaña, en Francia y los grandes círculos de piedras de Inglaterra, o crómlech, cuyo ejemplo más representativo es Stonehenge (3000-1000 a. C.).
PALEOLITICO
es el más largo de la historia de la humanidad, constituyendo sus obras las primeras manifestaciones artísticas importantes conocidas. Se da en el último periodo del paleolítico: el llamado Paleolítico Superior
La pintura rupestre
Se denomina así porque está realizada sobre la roca de las paredes de cuevas, por lo que también recibe la denominación de pintura parietal (de pared).
Está realizada con pigmentos tomados de la naturaleza: carbón, tierra, sangre animal, grasa, etc.- Este tipo de pintura aparece en varios continentes
El tema representado es la fauna de la época, fauna existente en la zona previamente a las glaciaciones, como bisontes, caballos, ciervos y renos.
. Nunca aparece la figura humana, con la excepción de algunas siluetas de manos. Es una pintura naturalista porque trata de representar las figuras con un dibujo fiel y una policromía adecuada (negros, rojos, ocres...); con frecuencia se aprovechan los abombamientos de las paredes rocosas para pintar en ellos y dotar de relieve a las figuras, que aparecen yuxtapuestas, una al lado de otras, incluso encima de otras, sin formar escenas.

Arte mobiliar
Se trata de escultura y está realizado en piedra o hueso principalmente. Destacan las llamadas «Venus paleolíticas», figurillas de mujer que presentan hipertrofiadas algunas zonas anatómicas, por lo que se ha pensado que están relacionadas con ritos de fertilidad.

MEGALITICO
se reconoce a los monumentos formados por piedras grandes y toscamente labradas, erguidas en solitario o combinadas para formar una estructura, levantadas bien con fines religiosos o bien como lugares de enterramiento o como monumentos conmemorativos de sucesos destacados. Los de Europa occidental pertenecen al neolítico y a la edad del bronce.
Los principales tipos de monumentos megalíticos son:

El menhir: También llamado monolito es una gran piedra clavada verticalmente en el suelo
El dolmen: Se trata de un monumento formado por varios menhires sobre los que descansan horizontalmente otras grandes piedras. Muchos de estos dólmenes servían como cámara funeraria.
El crónlech: Círculos formados por varios dólmenes y menhires.
EDAD ANTIGUA
ARTE MESOPOTAMICO
Respecto a los MATERIALES, utilizan madera de palmera, principalmente para las cubiertas, por lo que las habitaciones suelen ser alargadas, cubriéndose con maderos longitudinalmente. La piedra se utiliza poco, por su escasez, se limitará a pequeñísimos ejemplos. El material más utilizado es el ladrillo realizado de adobe y arcilla, en ellos se incrustan pequeñas teselas en forma de cono para dar mayor resistencia al ladrillo, a la vez que se decora de forma característica.
El tipo de arquitectura es variado, ya que utiliza tanto el dintel como el arco y la bóveda, cuando aparezcan cúpulas serán en gran parte falsas. Esto se debe a que el ladrillo permite realizar con facilidad este tipo de construcción, mientras que la piedra de tamaño monumental, como es el caso de Egipto, no se presta a la realización de formas abovedadas. La utilización de arco, bóveda y cúpula se da desde época muy antigua como herencia de las antiguas casas realizadas en barro en época prehistórica.
El TEMPLO constituye una de las construcciones más importantes del arte mesopotámico, se encuentra dentro del recinto sagrado, siendo también centro económico de la ciudad. Los más antiguos tienen una estructura sencilla, a veces con solo una sala, de manera que se sabe que eran templos por la aparición de estatuillas dedicadas a las divinidades, o pinturas. La representación de la divinidad se encontraba en una parte especial dentro del templo. Una de las características de todo templo mesopotámico es que al iniciarse su construcción se ponían en su base las llamadas “figuras clavo”, que eran representaciones divinas sobre las que se construyen los muros para evitar que caiga el templo.
Las etapas de la Arquitectura Mesopotámica se corresponden con las 6 civilizaciones que ocuparon este territorio:

• Arquitectura Sumeria
• Arquitectura Acadia
• Arquitectura Neo-Sumeria
• Arquitectura Paleo-Babilónica
• Arquitectura Asiria
• Arquitectura Neo-Babilónica
• Características del relieve: Fueron frecuentes en las plaquetas o estelas narrativas y algunas de estas estelas tienen textos cuneiformes. Son obras detallistas y minuciosas. Refleja notable naturalismo. Se distingue la separación de los asuntos divinos de los humanos. El rey es plasmado en escenas de guerra, banquetes o caza; una figura aparece siempre erguida, lo que hace destacar su poderío.
la pintura: Fue estrictamente decorativa. Se utilizó para embellecer la arquitectura. Carece de perspectiva, y es cromáticamente pobre: sólo prevalecen el blanco, el azul y el rojo. Uso de la técnica del temple. Se puede apreciar en mosaicos decorativos o azulejos.
Los temas eran escenas de guerras y de sacrificios rituales con mucho realismo. Se representan figuras geométricas, personas, animales y monstruos. Se emplea en la decoración doméstica. No se representaban las sombras.
GRIEGO
No cabe duda que el arte griego ha marcado el arte y la cultura occidental hasta nuestros días.De Grecia parte el principio humanista y de ideal de la belleza que va a marcar a Europa durante 25 siglos.
• Es un arte que está de acuerdo con la realidad, es realista.
• Es un arte que se puede estudiar por los artistas, tanto en arquitectura como en escultura.
• Vamos a ver en él supervivencias creto-micénicas, una influencia oriental en los primeros momentos pero, sobre todo, aportaciones propias.
• El trabajo que se lleva a cabo, en arquitectura especialmente, es un trabajo en equipo dirigido por un maestro. Esto va a hacer que éste sea un arte de una gran perfección.
• Es un arte muy influido por la filosofía y donde la religiosidad está regida por un politeísmo de dioses antropomorfos, entre los que destacan Zeus y Atenea. Esto da pie a una mitología muy representada en escultura.
• Es importante el desarrollo de la polis, la ciudad.

Los períodos del arte griego son:
• Período geométrico: 1000 - 750 a.C., período breve que nos va a dejar pocas aportaciones.
• Fase orientalizante: s. VII - principios s. VI a.C.
• Período arcaico: 610 - 480 aprox. a.C. El s. VI es el momento más significativo.
• Período clásico: siglos V y IV
o Primera fase: estilo severo o preclásico: 480-450 a.C.
o Segunda parte: estilo clásico propiamente dicho: segunda mitad del siglo V y siglo IV.
• Período helenístico: 323 - s. I a.C.

ROMANO
El arte romano destaca por el espíritu práctico de todas sus construcciones, son obras eminentemente civiles (puentes, acueductos, calzadas…).Sus construcciones denotan una grandiosidad monumental como muestra de su poder y superioridad respecto al resto de los pueblos.Crean revolucionarios y sistemáticos métodos constructivos.
Funden los sistemas de arquitrabado de los griegos con la solución del arco y la bóveda.
Utilizaban materiales pobres, como la piedra porosa, el basalto, la roca volcánica, tierra cocida… Los sillares son a hueso.
Utilizaban mármol para cubrir sus edificios o monumentos.
Desarrollaron el hormigón, que junto con el arco y la bóveda revolucionaron la construcción, permitiendo cubrir espacios mayores que los que cubría la piedra.
Se trata de una arquitectura de espacios, les dan mucha importancia.
Utilizaban los arcos para la construcción de vías elevadas, como puentes, acueductos
Dan varios usos a la piedra:
Opus cuadratum (sillares)
Opus almohadillatum (sillares tallados como almohadillas)
Opus incertum (mampostería)
Opus cementicium (cemento)
Opus laeteritium (ladrillo)
Opus mixtum (piedra y ladrillo)
Otra obra típica romana es el circo, donde tenían lugar las carreras de cuadrigas. Eran construcciones ovaladas, compuestas por pistas, tenían un muro central que se llamaba espina y gradas para los espectadores.
En la pintura romana va a influir decisivamente el arte griego, ya que ya desde la época de César llegaron pinturas griegas que arrancaban de las paredes y se llevaban a Roma. Ésta es una de las razones por las que apenas se conservan pinturas murales griegas.
la pintura en Roma tenían una finalidad práctica: decorar las casas y palacios. La condición social del pintor era la de un artesano, aunque los que pintaban sobre tabla tenían mayor prestigio.
RENACIMIENTO
NEOCLASICISMO
llega motivado por la nueva atracción que despierta el mundo clásico, el interés surgido por la arqueología, las excavaciones de Herculano y Pompeya y el rechazo hacia las formas del barroco.
CLASICISMO
El clasicismo es una corriente estética e intelectual que tuvo su apogeo en los siglos XVII y XVIII. Este movimiento estuvo inspirado en las características de la Grecia clásica.
EDAD MEDIA
Debido a las relaciones entre religiosos y nobles, la construcción de las grandes iglesias fue impulsada por reyes, nobles, obispos y abades de los monasterios.
El arte románico fue sobre todo un arte religioso, que reflejaba los valores de la nueva sociedad feudal, sociedad que era a la vez guerrera y cristiana.

ARQUITECTURA
Arco de medio punto.
Bóveda, primero de madera y más tarde de piedra.
Contrafuertes en los muros para sujetar las bóvedas.
Pilar más ancho.
Planta en forma de cruz latina.
Una o varias naves.
Ábsides semicirculares para rematar las naves.
Crucero.Separaba las naves donde estaban los fieles del coro.
Girola.Pasaba por detrás del Altar Mayor.
Cripta. Algunas iglesias guardaban allí las reliquias de los santos.
Campanario.


ESCULTURA Y PINTURA
En la iglesia románica se narraba la Biblia en imágenes esculpidas en los pórticos de la entrada y en los capiteles de los claustros.
La paredes y las bóvedas se decoraban con pinturas que representaban escenas de la vida de Cristo y de los Santos. También se representaban animales fantásticos y escenas de guerra o de la vida cotidiana que nos permiten conocer la mentalidad y costumbres de la época.







nace como la evolución del arte románico. Su nombre se debe al pintor Giorgio Vasari, quien alude como gótico al considerarlo de origen germáico porveniente de los godos.
Los elementos básicos de la arquitectura son el arco ojival y la bóveda de crucería.Ponía especial énfasis en la ligereza estructural y la iluminación de las naves en el interior de los edificios.


Se desarrolló fundamentalmente en la arquitectura religiosa, teniendo su combre en la construcción de grandes catedrales, monasterios e iglesias.
posee como elementos básicos una planta , un arco apuntado u ojival, bóvedas de crucería, contrafuertes y arbotantes, columnas, capiteles, cúpulas, ventanas y vidrieras, y puertas. Como ornamentación está fundada para acentuar los elementos de la construcción: Adornos y moludras que crecen de los arcos, la naturaleza es expresada con bastante naturalismo.
La expresividad del estilo románcio cambia, hacia la expresividad que refleja sentimientos: Una perspectiva más humana de la vida de Cristo, para acercarlo a sus fieles,aunque sigue existiendo esa dependencia hacia la arquitectura que se manifestó en el período anterior, con ciertos cambios, como la complejidad de la escultura adosada a los arcos y pilares
A diferencia del estilo románico, la pintura del gótico ostenta un naturalismo cada vez mayor, donde se demuestra a los personajes divinos con características más humanas. Su fin era casi exclusivamente religioso, con perspectivas.
Incusionaron también en las vidrieras o vitrales, pintura sobre las ventanas de iglesias, que permiten el paso de una luz de colores hacia las iglesias góticas, también miniaturismo o ilustraciones pequeñas sobre libros, pintura sobre tela, entre otros.
FUTURISMO
ROMANTICISMO
EXPRESIONISMO
CUBISMO
IMPRESIONISMO
Fauvismo
ARTE URBANO- GRAFITTI
EDAD MODERNA
• Se pretendía especialmente en el siglo XV y XVI alcanzar la meta de convertirse en el hombre universal versado en muchas disciplinas, ideas que corresponde a algunos elegidos como Brunelleschi Ghiberti, León Batista Alberti, Francesco Di Giorgio, Donato Bramante, Leonardo Da Vinci, Miguel Ángel Buonarroti y otros. En su mayoría eran arquitectos.
DE LA PINTURA


• El hombre será el tema central. Se deja atrás la visión antropocéntrica del mundo frente al teocentrismo medieval.
• La exaltación de la naturaleza que se convierte en el eje de observación del mundo junto con el hombre. Esto se manifiesta de las siguientes formas: construcción de villas en el campo y la creación de jardines, los grandes descubrimiento geográficos.
• El máximo naturalismo en la representación
• La incorporación de nuevas técnicas y medios pictóricos: la pintura al óleo, la tela como soporte, los esbozos preparatorios (posibles gracias a la técnica de la perspectiva, y a la mejor calidad del papel y de los medios de escritura), etc.

LA ESCULTURA

• Marcado naturalismo por buscaba el máximo parecido con la realidad.
• Gran interés por el hombre como individuo. Su cuerpo y su expresividad fueron objeto de especial estudio.
• Tendencia al monumentalismo (gusto por las obras de grandes dimensiones y de concepción laboriosa).
• Independizacion de la escultura con relación a la arquitectura. Al contrario de lo que había sido la tónica en la Edad Media, la arquitectura renacentista rechaza la ornamentación escultórica.
• Uso de esquema formales geométricamente simples.
• Predominio de las líneas curvas que hacían volver a la tradición griega.
• Aplicación de las leyes de las perspectivas que permite dar a diferentes figuras una relación aparentemente parecida a la real.
• Vuelta de los monumentos ecuestres, prácticamente desaparecida desde los romanos.


LA ARQUITECTURA


• La arquitectura del renacimiento se inspira mas en su antecedente romano que en el griego, seguramente por su proximidad y monumentalidad.
• Los arquitectos renacentistas comenzaron a utilizar maquetas y dibujos para atraer a los nuevos clientes y exponerles de manera mas económica y rápida sus proyectos; Este hecho potenció un desarrollo más rápido de la arquitectura.
• Los cinco órdenes arquitectónicos clásicos van a ser utilizados habitualmente.
• La bóveda de cañón y el arco de medio punto, por su sencillez, fueron los mas corrientes.
• Los tirantes metálicos, gran novedad, se introdujeron entre las bóvedas para contrarrestas las cargas.
• Los conocimientos alcanzados sobre las leyes de perspectiva hicieron posible obras arquitectónicas simétricas y regulares donde las líneas de perspectiva confluían en un único punto central del que se podía observar todo el edificio simultáneamente.
• El urbanismo moderno como intento de racionalización de las ciudades comenzó con el Renacimiento; en la practica se consumo únicamente en las plazas.
Tipologia: las construcciones más importantes fueron: la iglesia (predominaron de planta de cruz griega y las circulares) y el palacio. También destacaron la villa (mansión de campo para descansar o dedicarse a la explotación del campo) y la fortaleza (edificaciones con funciones exclusivamente militares).

BARROCO
Pintura

El pintor barroco plasma la realidad tal y como la ve, con sus límites imprecisos, sus formas que salen y entran, los objetos de primer plano intrascendentes, los escorzos y las posturas violentas, y las composiciones diagonales que dan a la obra gran dinamismo.
Se acude a los temas religiosos, escenas de santos, mitológicos, el retrato, tanto el individual como el de grupo, y surge como tema nuevo el bodegón.
No se entiende la pintura barroca sin hacer referencia a dos estéticas diferentes:
• El tenebrismo consiste en el choque violento de la luz contra la sombra. El fondo queda en penumbra, o desaparece, mientras que la escena queda en primer plano.
• El eclecticismo trata de salvar el gusto clásico dentro de la nueva norma. Se trata de una estética decorativa efectista y teatral.

Características de la pintura
La pintura barroca tuvo unas técnicas comunes, pero las obras tienen unas características comunes:
• Se impuso el realismo, representar las cosas tal y como eran, incluso sus rasgos desagradables.
• Se usaron composiciones menos simétricas y personajes y actitudes poco serenas, para dar una mayor mobilidad y fuerza a las representaciones.
• Se utilizaba una técnica llamada claroscuro. Se basaba en generalizaron los fuertes efectos luminosos, es decir, que se mezclaban zonas de sombra con otras de intensa luz.
• Las representaciones tenían gran emotividad y los personajes mostraban los sentimientos muy intensamente.
• La pintura barroca se caracterizaba por los siguientes temas: escenas religiosas, retratos, mitología, escenas cortesanas e imágenes de la vida cotidiana, aunque empiezan a desarrollarse también los paisajes y los bodegones, que también recibe el nombre de “naturaleza muerta”.


Arquitectura
En el barroco la arquitectura va frecuentemente unida al urbanismo. La ciudad se vuelve escenográfica. El palacio es el típico edificio de vivienda urbana para las familias poderosas. El hotel es un tipo de vivienda unifamiliar libre y rodeada de jardines, burguesa. El templo es el lugar del sermón y la eucaristía. Se trata de un sitio de representación teatral.
Características de la arquitectura
La arquitectura barroca tuvo el objetivo de emocionar y llamar la atención del espectador, por lo que utilizaron lo siguiente:
• El uso de la línea curva, tanto en las estructuras de los edificios como en la decoración.
• Destaca el uso de las columnas salomónicas, que son las que tienen el fuste en espiral, y da una sensación de movilidad.
• La utilización de efectos luminosos en los edificios a través de una gran profusión de entrantes y salientes, es decir, de fachadas con distinta profundidad; y de fronteros rotos, es decir, de fronteros en los que alguno de sus lados no está cerrado.
• La abundancia de decoración y de adornos en las fachadas e interiores.
• La utilización de materiales ricos, especialmente en las Iglesias, para producir una sensación de ostentación.


Escultura
La escultura barroca se caracteriza por su fuerza y su monumentalidad, su movimiento compositivo, su dinamismo, proyectado hacia fuera, sus composiciones diagonales, su expresividad y su tratamiento de la ropa.
Características de la escultura
• Se impuso el realismo en las representaciones, a las que se dotó de rasgos físicos y movimientos naturales. Todos los detalles del cuerpo humano se representaron minuciosamente.
• Las representaciones mostraban un gran patetismo. Se exaltaron los sentimientos y se dio mucha teatralidad a los gestos. Hubo un gran interés por plasmar la psicología de los personajes.
• Las figuras adquirieron gran movilidad, energía y vitalidad. Se hizo muy habitual que éstas se engarzasen unas con otras formando composiciones muy complejas. Se impuso el gusto por lo teatral y las composiciones se pensaban como auténticas escenografías, es decir, como decorado para una representación teatral.
• Se potenciaron los efectos luminosos. Los pliegues de la ropa y los gestos de las figuras provocaban combinaciones de luces y sombras.
• La temática de las esculturas barrocas fue muy variada. En los países católicos eran frecuentes las representaciones religiosas. En todos los casos se desarrollaban los retratos y las escenas mitológicas.

EDAD CONTEMPORANEA
EDAD ACTUAL
ROCOCO
El estilo Rococó nace en Francia a principios del siglo XVIII y se desarrolla durante los reinados de Luis XV y Luis XVI
En arquitectura, los edificios mantienen un trazado externo simple, sin embargo, en el interior la decoración se desborda. El rococó impone la acumulación de elementos decorativos basados en líneas ondulantes y en la asimetría. Alcanza mucha difusión el gusto chino, que había entrado en Europa con las piezas de porcelana, telas o lacas, y que decorará los salones occidentales con sus temas más representativos.
Respecto a la escultura, el estilo provoca en España la aparición de ciertos rasgos que se incorporan al vocabulario básico del Barroco, pero que no llegan a modificarlo. Entre ellos, una mayor dulzura e intimismo en la interpretación de los temas y un mayor aprecio por lo pintoresco y por los detalles más triviales.
En cuanto a la pintura, son escasos los artistas españoles cuyo estilo puede calificarse como propiamente rococó. Destacan Luis Meléndez y Luis Paret. En pintura, los temas más abundantes son las fiestas galantes y campestres, las historias pastoriles, las aventuras amorosas y cortesanas. Las composiciones son sensuales, alegres y frescas, predominan los colores pasteles, suaves y claros. La mujer se convierte en el foco de inspiración, ya que es la figura bella y sensual.
1)Época de la racionalidad y la ciencia.
2) Predomino la razón sobre la sensibilidad.
3) La inspiración de los artistas se baso en la inteligencia.
4) Los artistas buscan equilibrio, sencillez y proporción.
Música.
1) Se impone la homofonía sobre la polifonía.
2) La melodía se vuelve muy importante en la sociedad.
3) Los músicos deben de seguir las normas fijas para poder intentar alcanzar la perfección.
4) Predominó lo instrumental sobre lo vocal.

la arquitectura neoclásica
• Se inspira en los monumentos de la antigüedad grecorromana.
• Concepto de belleza basado en la pureza de las líneas arquitectónicas, en la simetría y en las proporciones sujetas a las leyes de la medida y las matemáticas.
• Reacciona contra los efectos decorativos del barroco y el rococó.
• Gusto por la sencillez, con predominio de lo arquitectónico sobre lo decorativo.
• Emplea elementos básicos de la arquitectura clásica: columnas, ordenes dórico y jónico, frontones, bóvedas, cúpulas, etc.

La escultura neoclásica fue posiblemente la rama artística en la que la aproximación a los ideales de la Antigüedad clásica resultó mayor. Según el escritor y teórico del arte alemán Gotthold Ephraim Lessing (1729-1781), la finalidad de la escultura era la «ordenación de los cuerpos y no del tiempo», un arte intemporal que la Antigüedad clásica había llevado a su culminación y que, en consecuencia, constituía el modelo a imitar. Ese modelo era seguido en «su noble sencillez y su serena grandeza, tanto en la actitud como en la expresión», según definición del historiador del arte y arqueólogo, y gran inspirador del neoclasicismo, Johann Joachim Winckelmann (1717-1768).
En pintura no se disponían de modelos clásicos de la antigüedad como ocurre con la escultura o la arquitectura. La única referencia eran los relieves que ya habían perdido u anterior cromatismo, por lo tanto la pintura neoclásica se fundamenta en la temática, sin aportar nada nuevo en cuanto a sistemas de representación ni a técnica.
El máximo representante de la pintura neoclásica es Jacques Louis David. Su biografía refleja el curso de los acontecimientos revolucionarios hasta la caída de Napoleón. En un primer momento recibe influencia d los últimos pintores barrocos contra los que después arremeterá. Después se pasa a cultivar la pintura de tema clásico estenografiando pasajes de la antigüedad con una técnica realista, una cierta rigidez y seriedad en el tratamiento de las figuras y un cromatismo muy vivo. A este período corresponde El juramento de los Horacios (1785). Pero al estallar la Revolución, David se entrega ciegamente a la política, puso su arte al servicio de la Revolución y así realizó su Juramento de la Pelota y su Marat muerto. Al hacerse Napoleón con el poder, David fue nombrado pintor oficial y se entregó a conformar un “estilo imperio” del que es ejemplo La Coronación de Napoleón, donde se realza el lujo inherente a la Corte del emperador.
Art Noveau
El art nouveau (arte nuevo) es un movimiento artístico que surge a fines del siglo XIX y se proyecta hasta las primeras décadas del siglo XX. Generalmente se expresa en la arquitectura y en el diseño
Recurría a líneas sinuosas y composiciones asimétricas. Los motivos más frecuentes eran flores, hojas y la figura femenina. Se aplicó al diseño de interiores, joyas, forja, vidrio, cerámica, telas y, sobre todo, a la ilustración, que alcanzó gran popularidad gracias al invento de la litografía.
Una de las características principales del Art Nouveau es que se adapta a las circunstancias de la vida moderna, por lo que se halla intimamente ligado a la producción industrial, desarrollándose en dos vertientes: la arquitectura y el diseño gráfico.
• Se desligó del Simbolismo en busca de una autenticidad de época.
• Es el primer movimiento que se desprende casi por completo de la imitación de estilos anteriores (Renacimiento, Barroco, Neoclasicismo, Romanticismo, etc.) en busca de la identidad de lo urbano y lo moderno, puesto que nacía un nuevo siglo.
• Utiliza técnicas que le son propias: la reproducción mecánica, como la xilografía, el cartelismo, la impresión...
• Estéticamente resultan imágenes planas, lineales, ornamentales, que se reducen a una economía de medios que las dota de singular belleza, se alejan de la figuración para centrarse en el mero adorno, muy cerca del diseño industrial
• Las únicas conexiones estilísticas que se le pueden encontrar son las del Prerrafaelismo del último Romanticismo inglés, y el Movimiento llamado Artes y Oficios. A su extraordinaria difusión contribuyó lo agradable y fácil de su lectura, ayudada por el inicio de la revista ilustrada y las exposiciones internacionales, dos hechos que aparecen en la década de 1890.


Se podría afirmar que es un estilo decorativo desarrollado durante la Belle époque en Europa y Estados Unidos. Toma su nombre a raiz de una exposición que realiza Munch en la galería parisina "La maison del Art Nouveau", diseñada por Siegfrid Bing (1838-1905), aunque se conoce con distintos nombres según los países: modernismo en España, Jugendstil en Alemania, Sezession (en Austria), Liberty en Inglaterra, Floreale en Italia, modernisme o Estilo modernista en Cataluña etc.
es un movimiento pictórico francés, que surge a finales del siglo XIX. Apareció como reacción contra el arte académico y es considerado el punto de partida del arte contemporáneo.
en la pintura partió del desacuerdo de algunos artistas con los temas clásicos y con las fórmulas artísticas impuestas por la Academia Francesa de Bellas Artes. Esta fijaba los modelos a seguir y patrocinaba las exposiciones oficiales del Salón parisino.
Los impresionistas, en cambio, eligieron la pintura al aire libre y los temas de la vida cotidiana. Uno de sus primeros objetivos fue captar una representación del mundo espontánea y directa, y para ello se centraron en los efectos que produce la luz natural sobre los objetos. La luz tiende a difuminar los contornos y refleja los colores de los objetos circundantes en las zonas de penumbra.
Eliminaron los detalles minuciosos y tan sólo sugirieron las formas, utilizando para ello los colores primarios como el cyan, el magenta y amarillo. Además aplicaron los colores complementarios como el naranja, el verde y el violeta. Con esa técnica lograron dar una ilusión de realidad, aplicando directamente sobre el lienzo pinceladas de color cortas y logrando gran brillo en sus pinturas.
ÉdouardManet, considerado el primer Impresionista, aseguraba que utilizando colores fuertes y contrastados, se podían obtener sutiles representaciones de luz por la yuxtaposición de colores. Los representantes principales del movimiento fueron: Edgar Degas, Claude Monet, BertheMorisot, Camille Pisarro, Auguste Renoir y Alfred Sisley.
La Libertad de creación frente a los cánones del Neoclasicismo
El Subjetivismo y el individualismo frente a la rigidez de las reglas académicas. Se valoran especialmente la originalidad, la diversidad y laparticularidad frente a la unidad de la Ilustración.
La Importancia de los sentimientos, lasemociones y las pasiones (amor, sufrimiento, odio). Se exaltan los sentimientos religiosos,patrióticos y los inspirados en la naturaleza (el paisaje alcanza gran interés). Cobran relieve las ideas de libertad e igualdad.
La excelencia de la imaginación y la fantasía frente al racionalismoclasicista de los ilustrados, recreando mundos pasados (fundamentalmente, la Edad Media) o exóticos (Norte de África y Oriente).
El instinto frente a la razón y las situaciones límite frente al equilibrioy la armonía.
• Se preocupa primordialmente por la expresión del movimiento y no tanto del tiempo.

• Pretende representar(al mismo tiempo) todas las formas posibles de ver una figura

• Procura capturar la cuarta dimensión, que está en la mente humana: la del movimiento, por lo que, el espectador está casi obligado a recorrer con su mirada todo el cuadro para “armar” la figura.

• Descompone las formas y figuras en múltiples partes, todas ellas geométricas; el objetivo es examinarlas y ordenarlas por separado.

• Describe una naturaleza muerta por medio de una monocromía definida por claro-obscuros, sombras
No recurre a las perspectivas.
Mezcla de colores fuertes y puros
Se deja de lado la representación objetiva de la figura humana dando paso a rostros desfigurados y tristes.
Distorsiona las formas y recurre al uso de colores fuertes y puros, con combinaciones al azar, todo esto con la intención de alimentar sus obras de una desmedida fuerza psicológica y expresiva.
Está presente el uso de las líneas buscando transmitir el ritmo de los sentimientos.
Protagonizan las obras elementos como máscaras y paisajes.
Se deja de lado la representación objetiva de la figura humana dando paso a rostros desfigurados y tristes.
Predominan los colores los colores azul, amarillo y verde, contrastando con el blanco y negro.
fue un movimiento pictórico francés de escasa duración. Se desarrolló entre 1904-1908 aproximadamente.
no fue un movimiento conscientemente definido, careció de un manifiesto. Fue un mosaico de aportaciones en el que cada pintor acometía sus obras como una experiencia personal cargada de espontaneidad y de frescura.
Les unió la actitud violenta con la que se enfrentaron a los convencionalismos de la época rechazando las reglas y los métodos racionales establecidos. Reaccionan contra el Impresionismo y contra la importancia que éstos habían dado a la luz a costa de la pérdida del color.
Los fauvistas creían que a través de los colores podían expresar sentimientos y este pensamiento condicionó su forma de pintar. No buscan la representación naturalista, sino realzar el valor del color en sí mismo. Por ello, rechazaron la paleta de tonos naturalistas empleada por los impresionistas a favor de los colores violentos para crear un mayor énfasis expresivo.

Emplearon una pincelada directa y vigorosa, con toques gruesos, sin mezclas, evitando matizar los colores
Las figuras resultan planas, lineales, encerradas en gruesas líneas de contorno. Sus creaciones respondían a un ejercicio de sintetización, buscan la máxima intensidad emocional combinada con la máxima simplificación de elementos. Por ello renuncian a la perspectiva clásica, al claroscuro y al modelado de los volúmenes. La luz tiende a desaparecer y con ella la profundidad. Sus temas son retratos, naturalezas muertas, personajes en interiores, paisajes hermosos.
Otra característica es el gusto por la estética de las estatuas y máscaras africanas. El arte de los pueblos primitivos no es imitativo, sino que plantea un evidente alejamiento de las formas naturalistas para tender a la esquematización.
fue una vanguardia que buscaba reflejar el movimiento, el dinamismo, la velocidad, la fuerza interna de las cosas, la exaltación de la guerra, las máquinas, lo nacional y lo sensual y todo lo que fuese moderno. Este movimiento rompía con lo tradicional, el pasado y el academicismo.
Para lograr el efecto de movimiento se basaron en diferentes técnicas: vibrantes composiciones de color, el divisionismo (heredado del neoimpresionismo), la abstracción y desmaterialización de los objetos (tomada del cubismo) y finalmente la multiplicación de las posiciones de un mismo elemento (objeto o persona), realización de las líneas de fuerza, intensificación de la acción a través de la repetición y la yuxtaposición de frente y dorso de la figura (Simultaneismo).
Particularidades:
- Exaltación de la originalidad.
- Estructuras del movimiento: tiempo, velocidad, energía, fuerza, etc.
- Contenido relacionado con el mundo moderno, las ciudades y los automóviles, su bullicio y dinamismo. Así como máquinas, deportes, guerra, etc.
- Utilización de formas y colores para generar ritmos.
- Colores resplandecientes
- Transparencias
- Multiplicación de líneas y detalles, semejantes a la sucesión de imágenes de un caleidoscopio o una película, (como resultado da la impresión de dinamismo).

ARTE VIRTUAL
Al navegar por la red, podemos encontrar gran diversidad de manifestaciones artísticas, fotografía, pintura animación,video, etc. Al acuñar un nombre para este fenómeno, los conocedores han dado con términos como net art,arte digital (digital art), media art, web art, arte en línea, etc; los cuales aunque parezcan definir lo mismo difieren entre sí al igual que las manifestaciones de este fenómeno como tal.
Es decir, no es lo mismo encontrar una pintura al óleo o una fotografía escaneadas, que una animación en flash o una fotografía digital; las dos primeras son creadas por fuera de la red y toman esta sólo como un medio de promoción y publicación, y las segundas difieren con estas en que sí son creadas al interior de la red y con medios puramente digitales.
un aspecto todavía más importante del arte que encontramos en Internet, y es la síntesis de las imágenes, movimientos y escenas pertenecientes a ésta ya que no es simplemente otra forma de verla, en realidad consiste físicamente, en algo diferente a la imagen analógica del óleo, de la pintura e incluso de la fotografía y la televisión, ya que no es más que la representación de un código de ceros y unos: un código binario; e ideológicamente en toda una revolución de las ideas y las formas de hacer arte, así como tiempo atrás, el artista aprendía a estirar el lienzo y a mezclar los colores, ahora se interesa por programas de diseño,edición de fotografias, etc.
El arte en este nuevo medio de distribución tiene muchas ventajas y trae muchos cambios independiente de si es creada o sólo publicada por medio de éste. En primer lugar, el internet pone el arte al alcance de un gran público y de forma gratuita; además abre el espacio a la interacción tanto con la obra como con el artista ya que el correo permite la comunicación con éste; y por otro lado está la infravalorización de los derechos de autor, que, como lo hemos visto en clase son muy abstractos, situación de la cual los artistas de la web son completamente concientes.
El término arte urbano o arte callejero, traducción de la expresión inglesa street art, hace referencia a todo el arte de la calle, frecuentemente ilegal. El arte urbano engloba tanto al graffiti como a diversas otras formas de expresión artística callejera. Desde mediados del los años 90 el término street art o, de forma más específica, Post-Graffiti se utiliza para describir el trabajo de un conjunto heterogéneo de artistas que han desarrollado un modo de expresión artística en las calles mediante el uso de diversas técnicas (plantillas, posters, pegatinas, murales....), que se alejan del famoso grafiti pero no siempre tiene que ser en paredes pues ahora en el 2013 en la actualidad siglo XXI ya es posible todo, incluso dibujar en forma experta 3D.
Uno es el uso de plantillas (stencil), a menudo con un mensaje político, cobra especial relevancia en París en la segunda mitad de los años 60.
al integrar sus elementos en lugares públicos bastante transitados, pretende sorprender a los espectadores. Suele tener un llamativo mensaje subversivo que critica a la sociedad con ironía e invita a la lucha social, la crítica política o, simplemente, a la reflexión. Sin embargo, existe cierto debate sobre los objetivos reales de los artistas que actualmente intervienen el espacio público, algunos dañando el espacio privado y en pocas palabras destruyendo es por eso que ahora se les corrige con un buen castigo si es que los llegan a ver.
Cabe mencionar que también a las personas que tienen un talento "nato" se les asigna un lugar apropiado y que sea legal antes que nada, en esos espacios esas personas pueden plasmar diversas cosas obviamente promoviendo temas de sumo interés como contaminación, el agua, la naturaleza, la historia etc. eso si sin ofender de cierta forma a la demás gente que aprecia lo que se puede visualizar.
El estarcido (stencil) y la pintura en spray, es la forma en donde se puede encontrar mayor diversidad de estilos y búsquedas estéticas por los artistas del movimiento. Aunque también en pegatinas y pósteres, es donde podemos ver la evolución de este arte de la calle.Losnormógrafos (reglas perforadas que permiten reproducir las letras del alfabeto normalizadas) se basan en la técnica del estarcido que en este caso se enfocan al graffiti, una de las formas más usuales de hacerlo es recortando la imagen deseada sobre una hoja de papel duro; el dibujo aparece como un espacio abierto con zonas sólidas alrededor. La plantilla así obtenida se sitúa sobre una nueva hoja de papel y se aplica la pintura sobre toda la superficie. Las zonas de pintura que llegan a la hoja inferior quedan limitadas a la forma de los huecos de la plantilla, creando así la imagen deseada.
MARIA ISABEL GARCIA TORRES

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