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Pictorialismo Fotográfico

Presentación para exposición temática - Fotografía 1er Semestre Comunicación Audiovisual y Multimedial UdeA
by

Felipe Montoya

on 15 June 2011

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Transcript of Pictorialismo Fotográfico

Fotografía Pictorialista El nombre del movimiento deriva del término inglés picture (imagen, cuadro, pintura, fotografía) y no de paint (pintura), razón por la cual resulta erróneo hablar de fotografía pictórica o pictoricista, términos que vendrían a referirse a la fotografía academicista, corriente que sí que se encuentra muy relacionada con la pintura. Se llama pictorialista a una imagen en la que el contenido importa menos que su atractivo estético. La armonía y el equilibrio unifican los elementos y el detalle es frecuentemente reemplazado por la difusión y la manipulación del tono. Los temas feos o mundanos se evitan, a la vez que el tema representado sirve de vehículo al fotógrafo para expresar sus emociones, su interpretación creativa y su dominio de la técnica. ANTECEDENTES FOTOGRAFÍA ARTÍSTICA A mediados del siglo XIX, un grupo de fotógrafos, insatisfechos porque la fotografía aún no recibía el mismo respeto que la pintura, establecieron como estilo la Fotografía Artística. La fotografía aún estaba en su infancia y llamaba poderosamente la atención de la gente, pero “sólo” era capaz de registrar las cosas tal y como eran, por lo que se discutía si era en realidad un arte o una ciencia, y no era presentaba en las exposiciones de arte. Por esta razón, los fotógrafos se esforzaron en hacer de sus producciones fotográficas lo más parecidas a una pintura, tanto en contenido como en carácter, para lo que se centraron en los temas propios de los géneros de la pintura y desarrollaron numerosos procesos de manipulación. Fotógrafos como Oscar Rejlander y William Lake Price se dedicaron a hacer grandes montajes escénicos para producir sus fotografías de grandes dimensiones. Para hacerlas, se solía tomar la fotografía por partes, se hacían negativos y copias de cada una, se recortaba lo necesario y se montaba creando la escena deseada, para finalmente tomar una fotografía del resultado. Julia Margaret Cameron tuvo una etapa de fotografía artística en la que produjo escenas muy sentimentales y alegóricas, al estilo de la época victoriana. La fotografía, según la sociedad victoriana, debía portar un mensaje moral e instructivo, como lo hacía la pintura de entonces. De esta manera fue que la fotografía artística se inspiró en la poesía, leyendas históricas e incluso la Biblia. Henry Peach Robinson popularizó una fotografía artifiociosa, que para él buscaba demostrar que la fotografía puede influir en el sentimiento tanto como la pintura. Cuando se desarrolla la cámara portátil y la película en rollo la fotografía artística pasa de moda y la fotografía deriva hacia el Pictorialismo. EL MOVIMIENTO PICTORIALISTA Con la llegada de la cámara portátil, en los años 80 del siglo XIX la fotografía estaba al alcance de cualquiera. Los aficionados comenzaron a hacer notar su presencia y, en especial, los fotógrafos comenzaron a luchar por demostrar que la fotografía podía ser un arte por sí misma. Con este objetivo, un grupo de fotógrafos, con la idea inculcada por el pintor Whistler de que la belleza había de estar en la imagen más no en el motivo, comenzaron a crear imágenes menos “fotográficas” y más interpretativas. De esta manera se fue abriendo paso el movimiento pictorialista como reacción a la fotografía academicista y la fotografía aficionada artificiosa, convirtiéndose en el resultado del creciente sentimiento de que el artista debía expresar su talento y personalidad sin plegarse a las tradiciones. INICIOS DEL PICTORIALISMO Las exposiciones en el momento eran la más importante plataforma de un artista para darse a conocer. Los fotógrafos deseaban dar a conocer su trabajo, pero en el caso de los pictorialistas, se encontraron con el rechazo por parte de los fotógrafos academicistas y tradicionales que manejaban las exposiciones. Ante la abundancia de la artificialidad de la fotografía artística en las exposiciones fotográficas, Peter Henry Emerson propuso volver al naturalismo como un ataque a la tradicionalidad. Inspirado por los Impresionistas se dedicó a fotografiar en la naturaleza y procurando registrar las cosas como “lo haría el ojo humano: sin la frialdad de la cámara”. Su trabajo buscaba la espontaneidad y naturalidad con una parte de nitidez y otra con la suavidad del desenfoque. Una serie de aficionados lo siguieron a partir de la publicación de su manifiesto Naturalistic Photography. George Davison, entre ellos, comenzó un trabajo pictorialista dando a sus fotografías un toque impresionista muy personal. Cuando expone “El Campo de Cebollas” aviva el deseo de aumentar la suavidad de foco y los tonos. Cuando se enfrenta al rechazo de la tradicional Sociedad Fotográfica, decide crear un nuevo grupo que se llamaría la hermandad Linked Ring. LOS MOVIMIENTOS SECESIONISTAS La Linked Ring de Gran Bretaña fue una sociedad que con la energía de sus promotores logró ganar importancia alrededor del mundo, pues se esforzó en la internacionalización de la fotografía pictorialista. En Estados Unidos el pictorialismo de organizó alrededor de Alfred Stieglitz. Destacado fotógrafo, él fundó el grupo Photo-Secession, que se encargó de hacer exposiciones de fotografía pictorialista y abrir una galería para que los miembros del grupo vendieran sus obras. También publicó una revista, Camera Work, que comentaba las obras. Estos grupos de abrieron paso hasta el siglo XX dando valor al pictorialismo a la vez que se defendían del academicismo. Fueron considerados secesionistas pero finalmente alcanzaron popularidad y el estilo caló en el público. Numerosas exposiciones exitosas y seguidores del estilo en clubes alrededor del mundo lo demuestran. Sin embargo, se fue cerrando sobre sí mismo y se hizo cada vez más convencional. Las sociedades se enfrentaban con dureza, e incluso los “hermanos” tuvieron sus conflictos, minando la unidad del círculo pictorialista. Para la segunda década del siglo XX, las exposiciones no mostraban más que competencia entre los pictorialistas europeos y norteamericanos. La enemistad entre los fotógrafos y el conservadurismo de algunos hicieron que el movimiento dejara de ser una vanguardia. LOS DOS ENFOQUES PICTORIALISTAS IMPRESIONISTA La pintura Impresionista influyó en gran medida en la fotografía. El sentimiento de ir en contra de lo tradicional y dar al artista libertad, es el legado de este movimiento. Por otro lado, aunque no podían imitar el empleo del color de los impresionistas, los fotógrafos pictorialistas se dejaron llevar por el manejo de la luz, el control de los tonos y la suavidad de los contornos. Algunos fotógrafos del enfoque impresionista son: George Davison, quien tomaba fotos de apariencia romántica utilizando técnicas como la goma bicromatada y cámaras estenopeicas sin objetivo para suavizar el foco. Robert Demachy, tenía gran habilidad para manipular las copias y para la goma bicromatada. Llevó al extremo la destrucción de la calidad fotográfica de la imagen. Rudolf Eickemeyer estuvo muy influenciado por la pintura japonesa. Logró dar a sus escenas sentimentalismo con el foco suave. Clarence White. Todas sus escenas son de marcado romanticismo, muchas veces trabaja el contraluz. Alvin Langdon Coburn se dedicó a paisajes urbanos y retratos tomados en Londres con objetivos suavizadores y positivados a la goma bicromatada. Edward Steichen hacía sus paisajes neblinosos con un simple accesorio difusor. Constant Puyo, realizó excelentes retratos suavizados con desenfoque y trabajó la goma bicromatada y la impresión al carbono. NATURALISMO El Naturalismo, propuesto y trabajado en especial por Peter Henry Emerson, era fiel a la naturaleza a la vez que esto significaba fidelidad a los sentimientos. Emerson consideraba inaceptable imitar los métodos de la pintura. Dio importancia a la espontaneidad cuidando el encuadre y la composición, y procurando que la imagen no tenga una máxima nitidez. LA CREACIÓN DE UNA IMAGEN PICTORIALISTA Las principales consideraciones prácticas en el estilo pictorialista son la técnica y la composición, elementos a los que el fotógrafo puede prestar atención máxima ya que las imágenes del pictorialismo son en gran parte premeditadas. Algunas fotografías pictorialistas son visualizadas y compuestas antes de la toma; el trabajo del fotógrafo consistirá en disponer los elementos necesarios y fotografiarlos teniendo en cuenta el efecto deseado. En este punto, si se busca un suave desenfoque, se pueden utilizar lentes difusores, que funcionan tan bien como un vidrio al que se le aplica vaselina y se pone frente al lente durante la exposición. Otras intenciones requerirían exponer sobre superficies texturadas o inclusive golpear la cámara al momento de la tomar. Otras fotografías pictorialistas se logran con modificaciones en la etapa del positivado. Algunos métodos utilizados a finales del siglo XIX e inicios del XX fueron: Papeles al platino (1883) Positivado al carbón (1866) Goma bicromatada (c. 1850) Óleo y bromóleo (1904) Fotograbado (1895) Proceso Autocromo (1907) PICTORIALISMO MODERNO La segunda mitad del siglo XX vio resurgir un notable interés por las manipulaciones pictorialistas, despreciadas después de la revolución de la fotografía objetiva. El fenómeno se debió al nuevo interés por la pintura impresionista, el movimiento de recreación en la nostalgia que envolvía a las manifestaciones culturales, y la gran disponibilidad de numerosos y variados accesorios difusores y papel que permite colores muy puros. Algunos pictorialistas de esta época fueron Ernst Hass, quien difumina los contornos moviendo la cámara o recurriendo al enfoque selectivo. Sarah Moon, quien aprovecha el grano de la película para descomponer el detalle, reducir el contraste y desaturar los colores. Y David Hamilton, quien recurre a la difusión para dispersar las luces y dar un toque romántico a sus escenas de muchachas adolescentes. DAVID HAMILTON Nacido en 1933. Sus inicios como fotógrafo se dieron trabajando para la revista ELLE como diseñador gráfico, y posteriormente como director de arte de la revista Queen y la famosa tienda Printemps de París. Con su trabajo comercial inicial comenzó a desarrollar el estilo soñador y romántico que lo llevó a la fama. Para los 60’ su estilo ya era reconocido mundialmente y había publicado una docena de libros con millones de ventas, publicado en numerosas revistas y exhibido exitosamente en galerías. Logró popularizar el soft focus para las revistas de moda de alta gama. Dirigió 5 películas de gran éxito y controversia. El trabajo de Hamilton está centrado en fotografías mujeres adolescentes desnudas en escenas de interior con marcadas luces y sombras, y la presencia de tonos pasteles cuando son a color. Para exteriores trabaja el campo y la playa. Sus fotografías tienden a explotar el grano de la película y sobreexponer las luces sin dejar de lado profundas sombras. En ellas, a través de los desnudos de las jóvenes y el tratamiento de la luz y las poses, explora la femineidad durante el período de paso de la niñez a la adolescencia. Por Felipe Montoya Giraldo
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