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El Arte

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by

Yolotzin Velasco

on 16 October 2014

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Transcript of El Arte

El Arte - Definición
Arte (del latín ars) es el concepto que engloba todas las creaciones realizadas por el ser humano para expresar una visión sensible acerca del mundo, ya sea real o imaginario. Mediante recursos plásticos, lingüísticos o sonoros, el arte permite expresar ideas, emociones, percepciones y sensaciones.
Estudio
Para su estudio se divide en:
Arte en la Prehistoria.
Arte Antiguo (5000 a.C.-0).
Arte Clásico (2000 a.C.-300 d.C.).
Arte en la Alta Edad Media (300-900).
Arte en la Baja Edad Media (900-1400).
Arte en la Edad Moderna (1400-1800).
Arte del Renacimiento.
GOAL!
El Arte
Thank you!

Arte Prehistorico
Pinturas Rupestres:
Son pinturas pintadas en cuevas o rocas paredes y techos, por lo general se remonta a tiempos prehistóricos. Pinturas rupestres se realizan desde el Paleolítico Superior, hace 40.000 años. La opinión generalizada es que las pinturas son obra de los ancianos respetados o chamanes. Los temas más comunes en las pinturas rupestres son grandes animales salvajes, como los bisontes, uros, caballos y ciervos, y los trazados de las manos del hombre, así como modelos abstractos, llamados macarrones por Breuil. Dibujos de los seres humanos son raros y por lo general esquemática en lugar de los sujetos animales más naturales.
Arte Antiguo (5000 a.C.-0).
Arte en la Edad Moderna (1400-1800).
Arte Egipcio.
El arte egipcio estará definido por los deseos de los faraones de construir obras eternas y pasar a la posteridad como sus inspiradores. Esta es la razón por la que utilizarán piedra para levantar los edificios más significativos: los templos, donde se honra a los dioses, y las tumbas, donde se perpetua la memoria de los difuntos. Los muros de estas construcciones serán extraordinariamente anchos y acaban en talud, disminuyendo su anchura a medida que se elevan. Los arquitectos egipcios no utilizan la bóveda por lo que se trata de una arquitectura adintelada, creando una característica sensación de estabilidad. Estos edificios están profusamente decorados bien con elementos vegetales, animales, jeroglíficos, escenas históricas, etc. La mayoría de estas decoraciones se realizan en relieve, siendo una de las principales fuentes para el conocimiento de la historia de Egipto.
Los templos son construidos por los faraones para sus eternos padres. Existen varios tipos pero siempre se elige como característico el templo de Konsu en Karnak. Antes de acceder al templo propiamente dicho nos encontramos con una larga avenida flanqueada por estatuas de animales divinos, habitualmente esfinges o carneros de Amón. La avenida finaliza ante la fachada del templo llamada pilono; tiene forma de trapecio y está construida en talud, abriéndose en el centro una puerta de acceso también trapezoidal. Dos obeliscos situados delante decoran la fachada. El pilono nos permite la entrada a un patio rodeado de columnas por los lados, quedando la zona central a cielo abierto. Su nombre es la sala hipetra.
Después se accede a una nueva dependencia con columnas, ahora totalmente cubierta. Por regla general, tiene la nave principal más alta, permitiéndose así el paso de la luz por los lucernarios. Esta sala de columnas se denomina sala hipóstila. Desde este lugar se pasa al sanctasanctórum, un espacio rectangular rodeado de corredores donde se encuentra la estatua del dios. Las diferentes salas del templo van disminuyendo en altura y en iluminación, manifestándose también una diferenciación social en cada una de ellas. El pueblo sólo puede acceder hasta los pilonos mientras que las clases superiores como funcionarios y militares pueden pasar a la sala hipetra. La familia real tiene acceso a la sala hipóstila y los sacerdotes y el faraón al santuario. Debido a los deseos de ostentación de los faraones, en algunas ocasiones se ampliaban y enriquecían los templos configurándose grandes conjuntos como los de Karnak y Luxor en Tebas.
Además de los templos construidos se realizaron algunos excavados en la roca. Reciben el nombre griego de speos que quiere decir cueva y se encuentran en Ipsambul, en Nubia. En la fachada de estos speos se han labrado colosales estatuas que representan en el menor a Ramses II y su esposa. La fachada da acceso a una amplia sala de columnas excavadas en la roca y desde allí se entra en la cámara sagrada. De tipo intermedio son los hemi-speos como el de Deir el-Bahari donde encontramos una serie de patios a cielo abierto antes de entrar en el verdadero templo excavado en la roca.
En las tumbas se aprecia una evolución a lo largo de los diferentes periodos. La primera que se utilizó fue la mastaba, en forma de banco de donde viene su nombre. El enterramiento se realiza en un pozo que tras el sepelio se cierra con tierra. A nivel de suelo nos encontramos la capilla donde se depositan los alimentos, decorada con escenas en relieve o pintura de temática funeraria. Posteriormente se evoluciona hacia a la pirámide escalonada, formada por diferentes mastabas superpuestas, siendo la más famosa la de Sanakht. El siguiente paso lo encontramos en la IV Dinastía con las pirámides de Kheops, Khefren y Micerino, de perfecta estructura y con la cámara funeraria absolutamente disimulada, lo que no sirvió para evitar saqueos en épocas posteriores. En el periodo tebano se renuncia a las grandes edificaciones para construir las tumbas en los acantilados de la región de Abidós. En la roca se excavan numerosos corredores con diversas salas y una cámara funeraria. Las puertas de acceso estaban disimuladas al máximo y algunas veces se duplicaban las entradas o se daba la sensación de violación para evitar los saqueos. Este tipo de tumba excavada se denomina hipogeo.
Respecto a la escultura egipcia, nos encontramos con una dualidad muy significativa: las estatuas que representan a los dioses y los faraones son tremendamente estáticas, mostrando una absoluta rigidez, lo que se ha venido llamando la ley de la frontalidad. Los brazos se pegan al cuerpo y una de las piernas avanza sin abandonar la rigidez habitual, eliminando toda referencia a la realidad. Sin embargo las estatuas de personajes secundarios como los escribas, los funcionarios o los animales están realizados con un naturalismo digno de destacar. Estas estatuas se mueven, participando de viveza e incluso espontaneidad, creando un estilo característico del que son buenos ejemplos el Alcalde o los Escribas.
Una de las preferencias del escultor es el relieve, utilizando el bajorrelieve e incluso el hueco relieve. Eluden la perspectiva y representan a la figura de perfil. Las piernas se nos muestran de perfil mientras que el torso aparece de frente y el rostro de perfil aunque el ojo se ve de frente. Las escenas se suelen desarrollar en filas paralelas aunque a veces se muestran diversos escenarios de manera simultánea. Los faraones y los dioses son mayores que las demás personas, mostrando una ley de la jerarquía. La temática de estos relieves está normalmente relacionada con la vida de ultratumba o con imágenes relacionadas con el difunto, por lo que gracias a estas escenas se puede conocer con mayor facilidad el Egipto antiguo.
La pintura está muy relacionada con el relieve ya que mantiene la ausencia de perspectiva, la representación de la figura y la ubicación de los escenarios. Utilizan colores planos y tienen carácter decorativo, narrando asuntos más mundanos que el relieve como fiestas, cacerías o actuaciones musicales, complementando a la gran estatuaria para conformar un aspecto global de la vida egipcia.
Arte Mesopotamico
En Mesopotamia nos encontramos diversas etapas artísticas determinadas por la diversificación de pueblos que dominaron este territorio. Los creadores del estilo artístico son los sumerios, estilo que será continuado por los semitas, consiguiendo el máximo esplendor en los periodos asirio y neobabilónico para continuarse con el arte persa, en el que encontramos ya influencia del mundo griego.
La arquitectura mesopotámica vendrá determinada por la ausencia de piedra en la región por lo que las construcciones se realizan en adobe, barro cocido al sol. El empleo del adobe provocará la utilización de la bóveda y el arco, eliminando casi la columna. Al ser el adobe un material pobre, se revestirá con otros materiales como la cerámica o el alabastro. El monumento principal es el palacio donde se nos presenta al rey como el dominador de los pueblos. El más importante por ser el mejor conocido es el de Jorsabad, construido por Sargón; estaba levantado sobre una elevación del terreno y se accedía por varias rampas. Su fortificación se realizaba con una potente muralla reforzada por torres. Puertas monumentales con toros alados de ocho patas permitían la entrada al patio principal, eje del palacio, situándose al fondo el salón del trono.
Alrededor de otros patios se ubicaban el resto de las dependencias entre las que encontramos el zigurat, el elemento más significativo del templo mesopotámico. El zigurat es una torre escalonada que en algunas ocasiones llegaría a tener hasta siete plantas. Un amplio patio con habitaciones para peregrinos y donde celebrar el ritual completa la estructura del templo que solía estar situado sobre una plataforma.
Sin embargo, en Persia no falta ni la piedra ni la madera por lo que se le otorga un papel fundamental a la columna, utilizando las superficies adinteladas sujetas con columnas para cerrar cualquier espacio. El capitel persa se forma por dos toros unidos por su tronco, dando la sensación de sostener el peso de la cubierta sobre su lomo. Los palacios siguen siendo las construcciones principales como los de Persépolis donde destaca el de Darío, situado sobre una amplia terraza y formado por numerosas apadanas, palacios de recepción de planta cuadrada constituidos por columnas y pórticos. Las tumbas persas también son significativas ya que están excavadas en la roca, formadas por una cruz rehundida que en la parte central tiene un pórtico ciego sobre el que se ubican varias molduras. En la parte superior se aprecia un relieve con el soberano orando ante el altar del fuego.
La principal aportación hitita es el hilani, una especie de palacete con dos torres y un pórtico adintelado con columnas. En Palestina apreciamos una arquitectura bastante ecléctica, manifestando influencias de diversas zonas como Egipto, Mesopotamia y Grecia, siendo su obra más importante la torre sepulcral de Amrith, de forma cilíndrica.
Las primeras esculturas encontradas en la región de Mesopotamia están relacionadas con los relieves que narran episodios de la vida de los soberanos como la Estela de los Buitres de hacia el año 3.000. Esculturas exentas de época sumeria son las del patesi Gudea de Lagash cuyo rostro denota una gran energía. Otras estelas de importancia son las de Naram Sim y el Código de Hammurabi (2.050 a. C.). Será la escultura asiria la que alcance mayor esplendor al presentarnos a sus musculosos protagonistas en diversas campañas militares. Los monarcas asirios se presentan vencedores, captando los escultores los rizos de las cabelleras y la barba con una fidelidad insuperable como observamos en los relieves de los palacios de Kalah o Jorsabad. Entre estos relieves destacan las escenas protagonizadas por animales como la famosa leona herida del British Museum o los relieves de la famosa puerta de Isthar procedente del palacio de Babilonia realizados en cerámica vidriada, hoy en el Museo de Berlín. La escultura persa apenas aporta nada nuevo a excepción de los toros antropomorfos con alas arqueadas hacia arriba así como algunos relieves con largas comitivas de personajes ofreciendo tributos al soberano. La escultura fenicia es bastante ecléctica, manifestando influencias diversas.
Petroglifos:
Son imágenes cortados de roca, por lo general por los pueblos prehistóricos, sobre todo del Neolítico,. Ellos eran una importante forma de símbolos pre-escritura, utilizada en la comunicación de unos 10.000 antes de Cristo hasta nuestros días, dependiendo de la cultura y el lugar. Muchos petroglifos se cree que representan algún tipo de lenguaje simbólico o ritual que aún no es plenamente comprendido.
Los petroglifos más antiguos datan de hace aproximadamente 10.000 a 12.000 años. Hace unos 7.000 a 9.000 años, otros sistemas de escritura como pictogramas e ideogramas comenzaron a aparecer.
Geoglifos :
Son dibujos en el suelo, (por lo general de más de 4 metros) , ya sea por la organización de clastos (piedras, fragmentos de piedra, grava o tierra) para crear un geoglifo positivo o quitando clastos. Algunos de los más famosos geoglifos negativo son las Líneas de Nazca en Perú. Otras áreas con geoglifos incluyen Australia Occidental y partes de la Gran Cuenca del desierto en el suroeste de Estados Unidos. Cifras Hill, laberintos de césped y los laberintos de piedra forrados de Escandinavia, Islandia, Laponia y la antigua Unión Soviética son los tipos de geoglifo. El geoglifo más grande es el hombre Marree en Australia del Sur.
Arte Clásico
(2000 A.C.-300 D.C.
Arte Edad Media 300 - 1400
Arte en la Baja Edad Media (900-1400).
Cuneiformes
Los sumerios, inventaron uno de los primeros sistemas en el mundo de la escritura. Ellos no lo hicieron con el fin de escribir historias o cartas, ni siquiera para dar a conocer las obras de los dioses y los reyes, aunque pronto la escritura llegó a ser utilizado para esos fines. Ellos inventaron la escritura porque necesitaban un medio de contabilidad para la recepción y distribución de los recursos. La Arcilla fue elegida como el medio estándar de la escritura, ya que era de fácil disponibilidad, maleable y reciclable, duradera , secada al sol o al horno. Cañas, que crecen abundantemente en los pantanos y orillas de los ríos, fueron utilizados para hacer instrumentos de escritura llamado caña o estiletes. Para la mayoría de tipos de archivos y documentos, la arcilla se formó en tabletas rectangulares, pero para ciertos propósitos conos, bolas, prismas y otras formas se utilizaron.
El arte griego es el resultado de la mezcla de muchos elementos diferentes. Ellos a lo largo de su historia desarrollaron todos esos elementos y han creado un arte que fue la base de toda la cultura occidental. Ellos adaptaron la herencia de las culturas anteriores a la griega, y la perfeccionaron con todo sus elementos propios etc., haciéndola suya y creando una nueva y muy excelente cultura y arte.

En este trabajo se ahondará en el arte griego en todas sus expresiones: arquitectura, Escultura, Pintura y cerámica y también se responderán algunas interrogantes acerca del mismo, además de las muestras del arte que serán expuestas al final del mismo.
Las obras arquitectónicas griegas están bien proporcionadas y son armónicas, por lo que destacan el equilibrio y sus proporciones. Se expresa la belleza como resultante de la proporción y la medida. Casi toda es de sillería uniforme y el material preferido fue el mármol blanco.

Destacan sobretodo Los órdenes que son las sucesiones de las diversas partes del soporte, Las columnas y de la cubierta siguiendo tres distintas modalidades:

Orden Dórico: muestra un sentido rígido y sobrio. Destaca por su sencillez tanto en las proporciones como en la decoración. Emplea elementos constructivos indispensables y ofrece la imagen de robustez. Descansa sobre unas gradas que lo aíslan del terreno circundante.
Orden Jónico: se caracteriza por la esbeltez y por la riqueza de su decoración. Una y otra contrastan con la sobriedad del dórico fue creado por los jonios del Asia menor.
Orden Corintio: se desarrolla en la segunda mitad del siglo V A.C. y viene a ser como una variante del jónico. Sus formas siguen variando únicamente en el capitel que está formado por un cesto forradote hojas adornado con pencas que terminan en voluta.
La Arquitectura
El Templo Griego: es de medianas proporciones, construido para albergar únicamente a la divinidad o a su imagen. Los fieles no se reunían en él para las celebraciones.
Su tejado era siempre a dos aguas y contaba con un pórtico de columnas, su planta solía ser rectangular y estaba dividida en las siguientes partes:

Pronaos, formado por el vestíbulo abierto
Naos, que era el lugar dedicado a la divinidad
Opistodomo, donde se guardaba el tesoro

Las casas y edificios públicos: los griegos siempre se preocuparon mas por las casa de los ciudadanos que por construir palacios para sus jefes.

Las casas: había un patio frecuentemente rodeado de galería o peristilo. Al fondo del patio se halla la sala principal, llamada androceo destinada a los hombres; en un lugar menos accesible se encontraba el gineceo, sala dedicada al matrimonio.

El estadio: otra de las edificaciones públicas griegas importantes que estaba destinado a carreras y ejercicios gimnásticos. Era de forma rectangular muy alargada y contaba con graderíos a los lados y un testero en el fondo.

El teatro: era un lugar destinado a representaciones fue obra de los griegos y constaba de 3 partes:

La escena: situada a nivel de tierra, contaba con decoraciones giratorias.
La orquesta: planta circular destinada al coro
La gradería: destinada al público tenía forma semi-circular y rodeaba a la orquesta
La Escultura
El tema más importante de la escultura griega es la representación de la figura humana. El escultor griego busca la perfección corporal del hombre, en consecuencia la escultura griega se humaniza.
Al principio tendían a ser rígidas pero con los años adquirieron flexibilidad mediante la observación de la naturaleza con un sentido idealista.
Se buscó el perfecto equilibrio entre la sugestión de la naturaleza y su esfuerzo personal por presentar prototipos humanos ideales el material preferido siempre fue el mármol blanco, el bronce se empleó de manera complementaria y muchas estatuas eran policromadas. La escultura griega sufrió un proceso evolutivo en los siguientes períodos:

Periodo Arcaico: las estatuas eran de madera a las que se le rendía culto. Las maderas utilizadas eran olivo, ébano y encina. La escultura arcaica muestra sobriedad sobretodo las primeras. La de los atletas presentan líneas vigorosas y la de las muchachas una sonrisa rígida y primitiva.

Periodo de Transición: es una época que participa del arcaísmo anterior y anuncia ya la perfección del periodo clásico. Pertenecen a este periodo los relieves de los frontones de los templos.

Periodo Clásico: es el periodo de la perfección griega. En las obras de este periodo se confirma más claramente la idea griega de la belleza, consistente en la proporción por medio de la ordenación matemática entre las diferentes partes de la obra. Su belleza radica en la armonía y en la perfección que infunde serenidad y equilibrio a todas las obras de este periodo. Algunos grandes escultores de este periodo fueron: Mirón, Fidias, Policleto, Praxiteles, Scopas, Lisipo, etc.

Periodo Helenístico: resulta de la división del imperio griego. La escultura en este periodo sigue evolucionando. Se caracteriza por la condición patética de las obras reflejadas en las formas dramáticas y apasionadas, dinamismo en las expresiones, por el movimiento excesivo, por el interés de reflejar la anatomía y expresión dramática causada por el deseo de lograr estados anímicos.
La Pintura Griega
Todas las pinturas griegas han desaparecido. Solamente se han conservado las decoraciones pictóricas realizadas sobre cerámica y vasos de pequeño tamaño. Presentan maestría en el dibujo pero poco se puede determinar según esto.
Existen numerosos testimonios escritos que nos permiten entrever que era una pintura extraordinaria o más que la propia escultura.
Algunos pintores griegos fueron: Polignoto, Zeusis, Parrasío y Apeles. Sus pinturas y frescos se presume que reflejan sus estilos bastante laboriosos.
La Cerámica Griega
La cerámica tuvo entre los griegos gran importancia. Fue muy rica y variada en sus formas y perfecta en sus acabados. Se caracterizo especialmente por la estilización y la expresión de las figuras.
Durante el periodo arcaico se mostraba cerámica de figuras en negras sobre fondo rojo. En el periodo clásico predominan las figuras rojas sobre fondo negro brillante.
En el periodo helenístico aparecen las cerámicas con esmalte azul, amarillo o blanco con figuras de tendencia naturalista.

Los vasos griego tenían diversas formas, las principales eran:
El ánfora: para contener aceite, vino, etc.
La crátera: para hacer mezclas de líquidos.
La urna: vaso destinado a guardar las cenizas.
La hidra: para contener el agua.
El lekitos: para conservar ungüentos olorosos.
El alabastro: para guardar perfumes y resinas.
El cántaro: para beber.
El cáliz: copa especial para los banquetes.
GRECIA
ROMA
El arte romano toma como referencia los modelos griegos de la época helenística. El arte romano consistía, en gran abundancia, de representaciones de personajes famosos, emperadores, senadores, etc. Los romanos penetraron en la Península Ibérica en el 218 a. C. Se trabajo mucho el retrato, que los griegos no usaban en abundancia. En roma, por el contrario, todos los escultores y artistas fueron desconocidos, al contrario que el mundo griego, que existían numerosos artistas como Miron, Policeto, Fidias, etc. Con el paso del tiempo, el arte romano evoluciono hacia el realismo y fue abandonando el idealismo griego.
Períodos del arte romano
El período imperial, al filo del cambio de era se divide en dos:
Alto imperial, hasta finales del siglo III DESP. CRIST.
Bajo imperial, desde el siglo IV. En este período empieza a confundirse con el “paleocristiano”.
Y los momentos creativos más importantes coinciden con algunos períodos de esplendor cultural:
Época de Augusto
Época de los Antoninos (siglo II Des. Cristo)
Época de Diocleciano y Constantino (285 - 340 Des. Cristo)

El Arte Romano tiene su principal manifestación en la arquitectura, tanto religiosa, como civil. Pero otras manifestaciones de primer orden son su magnífica escultura y en menor medida la pintura. Y El Coliseo Romano, fue elegido como una de las nuevas 7 maravillas del mundo.
El mosaico es otra de las artes más brillantes del mundo romano. Las villas tardo romanas tuvieron frecuentemente sus suelos cubiertos por hermosos mosaicos con figuras geométricas, escenas de caza, mitológicas, etc.

PINTURA ROMANA
Es un elemento de ornamentación, se hacían para decorar las casas romanas. Es para deleite del ciudadano romano, se usa para adornar sus casas, termas, templos, palacios, etc.

ESCULTURA
Se debe en su desarrollo y técnica a Grecia. La mayoría de su escultura fue a parar a monumentos u edificios públicos. Aunque también se manifiestan en casas particulares. Todas estas columnas están hechas en piedras duras y los relieves son medios o bajos. Todas las columnas tienen la misma estructura, todas narran los pasajes bélicos de los Emperadores.

ARQUITECTURA
EL ARCO: esta tipología parte de que lo que era puerta de entrada de la ciudad se le va a dar un carácter monumental.
LA BÓVEDA es un cilindro que va fragmentado hacia lo alto es la sucesión de varios arcos. Esto le dio amplitud y altura a las construcciones romanas.
· LAS MURALLAS: De estas murallas solo se conservan restos. Pretendieron amurallar todo el imperio romano.
LA PUERTA DE ENTRADA A LA CIUDAD: Sirve para controlar la entrada y salida de la ciudad. Es por tanto una puerta con carácter defensivo. Se hacen por medio de arcos abovedados.
EL TEMPLO: El edificio mejor conservado hasta el día de hoy es el Panteón de Agripa Tiene una cúpula de 43 m. De diámetro. El Panteón es un templo que nos hace variar la función del Templo romano.
TEATRO Y ANFITEATRO: Son foros públicos donde lo prioritario es dar aforo a multitud de espectadores. El anfiteatro es la reunión de dos teatros. El teatro de Mérida es una muestra de este espectacular monumento romano. El anfiteatro de Pompeya es uno de los más antiguos.
EL COLISEO de Roma: En su origen el Coliseo tenía un Toldo mecánico para proteger de la lluvia o sol. Se tendía mediante un sistema de poleas. En el coliseo de Nimes en Francia el interior y exterior se conserva bastante bien. Es un coliseo de gran tamaño. Hoy es una de las maravillas del mundo.
LA CASA DEL ROMANO CIUDADANO: Las casas de la época de la república eran casas cerradas hacia dentro con un patio interior donde caía el agua. Eran autónomas y apenas tenían mirada al exterior. Roma estructura la vivienda ciudadana en la Insule: manzana de pisos donde conviven un número de familias diversas. Las Insulas se meten en calles rectas y van a dar un panorama muy geométrico para el espacio de Roma
LAS BASÍLICAS: Son los Romanos quienes la crean pero no con valor religioso sino profano. La basílica está en el foro y tiene dos funciones: Por un lado la administración de justicia, es un lugar donde se administra y aplica justicia; por otro lado, en la basílica se da la transición comercial. LOS MERCADOS: Mercado de Trajano: Los romanos tuvieron mucha atención a la venta. Las Basílicas se convirtieron en las iglesias cristianas. Basílica Nova o de Magencio. Iglesia de San Pedro en Roma.·
EL ACUEDUCTO: Están en función del abastecimiento de agua a las ciudades.
Los PUENTES: En estos puentes lo más importante es que todos están construidos en piedra. LAS TERMAS: Los romanos tuvieron un culto, un rito en el baño. El baño está unido a la medicina, todas las termas tenían un asesoramiento médico. Las termas romanas son edificios de una inmensa complejidad que van a estar también en función de la política social de cada emperador. La terma es tanto un edificio para el baño como para culturizarse. Hay una serie de complementos: Palestras, gimnasios, etc.
Arte Paleocristiano
Se denomina arte paleocristiano al estilo artístico que se desarrolla durante los cinco primeros siglos de nuestra era, desde la aparición del cristianismo, durante la dominación romana, hasta la invasión de los pueblos bárbaros, aunque en Oriente tiene su continuación, tras la escisión del Imperio, en el llamado arte bizantino.
En Occidente, Roma es el centro y símbolo de la cristiandad, por lo que en ella se producen las primeras manifestaciones artísticas de los primitivos cristianos o paleocristianos, recibiendo un gran influjo del arte romano tanto en la arquitectura como en las artes figurativas. Lo mismo que la historia del cristianismo en sus primeros momentos, en el arte se distinguen dos etapas, separadas por la promulgación del Edicto de Milán por Constantino en el año 313, otorgando a los cristianos plenos derechos de manifestación pública de sus creencias.
Arte Carolingio
Arte Bizantino
Está relacionado con el Imperio Romano. Cuando se trasladó la capital del Imperio a Bizancio (llamada luego Constantinopla, y cuando llegaron los turcos la llamaron Estambul).

Se puede distinguir:
El Imperio Romano de Oriente, con capital en Constantinopla
El Imperio Romano de Occidente, con capital en Rávena, bajo Venecia
Arte Otoniano
La dinastía Sajona Otoniana surgió entre el s. IX al XI .durante el gobierno de los 5 emperadores Germanos: Enrique I (928-936), Otón I (912-973), Otón II (955-983), Otón III (980-1002) y Enrique II. A partir de los Otones se instaura el “Sacro Imperio Romano Germánico”. Este período se caracteriza por la unidad de la cristiandad y el imperio, así como la utilización de nociones clásicas sobre la grandeza imperial en Occidente. Desde Enrique I, se inicia una etapa de estrecha colaboración entre Iglesia y Estado, en la que el rey era aceptado como “gobernante” de la Iglesia, elegido como vicario de Dios en la tierra.
Arte Romanico
El Románico es el arte de la plena Edad Media y del Feudalismo. El estilo artístico se adapta a una sociedad ruralizada, inculta, controlada intelectualmente por la Iglesia. Por eso va a ser el arte de la irracionalidad, el oscurantismo y el misterio. Es un arte relacionado con la fe, surgido de una
cultura teológica.
Existen una serie de rasgos culturales que determinan el estilo. El sentido de este mundo y de todos sus seres se encontraba en la religión. La teología es a la vez Física, Astronomía, Filosofía, etc. Todo lo humano está referido a lo divino. La Iglesia coacciona el pensamiento libre y desconfía de los individuos que se ponen a pensar por sí mismos y tratan de ver las cosas con “la luz de la razón”. Una
luz más poderosa, la fe, lo iluminaba todo con suficiente claridad. Así vemos como el dogma religioso siempre produce irracionalidad y superstición, pero además produce la concepción de un mundo autoritario, inmutable, eterno y dogmático; algo que estaba muy bien así y no había porqué cambiarlo.
Arte Gótico
El arte gótico se corresponde con la Baja Edad Media, a continuación del románico. Es un período dinámico desde el punto de vista socio-económico, muy variado, con intensos contactos con Oriente a través de las cruzadas y las rutas comerciales.
Se trata de un estilo artístico europeo con unos límites cronológicos que oscilan aproximadamente entre el año 1140 y las últimas décadas del siglo XVI, dependiendo del área geográfica.
Hoy día se considera uno de los momentos más importantes desde el punto de vista artístico en Europa.

Fue un arte que se aplicó en el campo de la arquitectura civil y religiosa, la escultura, las vidrieras, la pintura mural y sobre tabla, los manuscritos miniados y las diversas artes decorativas. El término gótico fue empleado por primera vez por los adinerados del renacimiento, en sentido peyorativo, para referirse al arte de la edad media, al que ellos consideraban inferior y bárbaro (gótico deriva de godo) comparado con el arte clásico.

A pesar de ser una continuación del Románico, en el Gótico se aprecian actitudes bastante diferentes e incluso opuestas. Si el Románico es conocido por su oscuridad y recogimiento, el Gótico implica todo lo contrario, luz, color, elevación, expresividad y naturalismo.
Arte Musulmán
La civilización árabe comienza en el siglo séptimo (el arte bizantino está entonces completamente formado). Fue originado en medio oriente, en Damasco, Siria. Es una influencia del arte cristiano. Esta civilización se caracteriza por la religión musulmana, no politeísta, que tiene algunas semejanzas con la cristiana, y creen en los profetas, como Cristo y Mahoma, quien les dio el "Corán", en el que estaban las reglas estrictas para salvarse. Actualmente, la religión musulmana es la que más fieles tiene, y le sigue la católica.
Los árabes eran nómades y comerciantes, se trasladaban de un lugar a otro. Al no estar arraigados a un lugar determinado, este pueblo carecía de producción cultural. No se destacan por su cultura, sino por las riquezas que el petróleo de esa zona les brindaba. Debido a la religión y vida nómade, se destacan en la fabricación de alfombras, que utilizaban para rezar (se arrodillaban sobre ellas), dormir, cubrirse, etc. La religión musulmana establece una rígida oración: a determinada hora del día dejan sus actividades y rezan a su dios, arrodillados sobre la alfombra.
En un momento, las árabes invadieron España y empezaron a conquistar el sur de éste país, logrando reducirla. Esta conquista dura aproximadamente 700 años. Como no se podían descuidar de esta nueva posesión, y debían asentarse a cuidarla, el árabe dejó de ser nómade, para que los españoles no reconquistasen estas tierras. En España aún quedan obras de arte de este pueblo.

Arquitectura paleocristiana
Hasta el año 315, el arte escultórico de los cristianos se centró en la excavación de las catacumbas y el reforzamiento de sus estructuras. Éstas eran cementerios romanos, excavados, en un principio, en los jardines de algunas casas de patricias cristianos, como las de Domitila y Priscila en Roma. Más tarde en el siglo V, y ante el aumento de creyentes, estos cementerios se hicieron insuficientes adquiriendo terrenos en las afueras de las urbes donde surgen los cementerios públicos, en los que se excavan sucesivos pisos formando las características catacumbas que ahora conocemos.
La primera vez que se aplicó el término catacumba es a la de San Sebastián en Roma. El cementerio o catacumba se organiza en varias partes: estrechas galerías (ambulacrum) con nichos longitudinales (loculi) en las paredes para el enterramiento de los cadáveres. En algunos enterramientos se destacaba la notabilidad de la persona enterrada, cobijando su tumba bajo un arco semicircular (arcosolium).
En el siglo IV en el cruce de las galerías o en los finales de las mismas se abrieron unos ensanchamientos (cubiculum) para la realización de algunas ceremonias litúrgicas. Las catacumbas se completaban al exterior con una edificación al aire libre, a modo de templete (cella memoriae) indicativa de un resto de reliquias que gozaban de especial veneración. Entre las catacumbas más importante, además de las ya citadas, destacan las de San Calixto en Santa María en Trastevere, Santa Constanza y Santa Inés en Sant'Agnese in Agone, todas ellas en Roma, aunque también las hubo en Nápoles, Alejandría y Asia Menor.
Es a partir del siglo VIII d. C., que se inicia un florecimiento cultural y artístico en Europa, y que se extendería hasta el siglo X. Estamos hablando del Renacimiento Carolingio.

Se le reconoce así ya que esa fue precisamente su intención, renacer el arte que se había vuelto descuidado. El emperador Carlomagno era una persona a la que le gustaba mucho disfrutar de las obras artísticas, sobre todo las del Imperio romano. Por esta razón y por el hecho de que el Imperio carolingio se viera a sí mismo como la continuación del Imperio romano, es que ordenó que se instaurara la forma y el estilo artístico que se había obscurecido.

Este proceso artístico pertenece al arte prerrománico en su segunda fase, junto con el otoniano y el anglosajón. Y también constituye la base para lo que sería posteriormente el arte románico. Y es tal su influencia que se le ha llegado a confundir como pleno románico. Dentro de sus grandes influencias, encontramos la bizantina, romana (siendo la de mayor peso) y, en cierto grado, celta. También podemos decir que su ideología se opone al arte islámico. El arte carolingio sobresalió en varias técnicas, desde la orfebrería, pintura, hasta la arquitectura, haciéndolo uno de los mejores estilos artísticos en toda Europa en su tiempo, si no es que el mejor.
Se centraliza en la construcción de iglesias, monasterios y palacios. En un principio construidos en madera, pero que después se empezó a utilizar el ladrillo y la piedra.

Las edificaciones solían ser de una sola planta con tres naves, al estilo basilical, teniendo al final hasta tres ábsides paralelos con testero plano. Teniendo un crucero desarrollado, girola de cabecera, pilares cruciformes y torres cilíndricas flanqueando las fachadas. También podemos encontrar iglesias de una sola nave con tres ábsides. Fue uno de los primeros estilos que empezó a utilizar el transepto en sus edificaciones. Dicho transepto es una nave transversal que atraviesa al cuerpo principal entre la nave central y paralelas, y el presbiterio. Creando así el crucero, en el que se construía por encima una torre, llamada torre de crucero. Se tenían dos tipos de transeptos utilizados en la arquitectura carolingia. El
primero es el transepto continuo, en este la nave transversal igualaba en altura y anchura a la central. El segundo tipo es el transepto acordonado o de celda, estos
estaban construidos por arcos más grandes que los de los intercolumnios de las naves.

Otro de los elementos arquitectónicos que nació y sobresalió de la arquitectura carolingia fue el Westwerk. El cual es una fachada monumental situada a los pies del templo con dos torres a los costados. Siempre ubicada para el lado oeste, de ahí que venga su nombre de muro occidental, que en el alemán se traduce como westwerk. Ya que estas construcciones se hicieron en un tiempo en que los ataques eran comunes, la fachada se construyó principalmente con fines defensivos, y además se cree que uno de sus usos principales era la de tener los asientos reales en las misas.

Dos de sus construcciones más representativas son la capilla palatina de Aquisgrán y la iglesia de Saint-Germigny-des-Prés en Orléans.
Arquitectura
Basilica de Saint Denis
Capilla Palatina de Aquisgrán
ESCULTURA
La escultura durante el imperio carolingio fue escasa y de pequeño tamaño, la cual cumplía una función decorativa, como en capiteles y testeros. El hecho de que su tamaño fuese pequeño posiblemente se debe a que, de esta forma, era posible su traslado de una ciudad a otra.
Se trabajó la piedra, bronce y destaca el trabajo en marfil. Siendo la escuela de Metz el principal centro de producción. De las pocas que todavía se conservan, se encuentran las del grupo de Ada, de Liutardo y de Metz. La estatua ecuestre de Carlomagno, del siglo IX, hecha de bronce, es la obra mejor conocida.
Escultura
Germigny-des-Prés
ORFEBRERÍA
Es una continuación de las técnicas merovingias, la cual tiene una composición armónica. Una de las técnicas más utilizadas en la orfebrería carolingia fue la del cloisonné. Esta técnica lo que hace es dividir en varias secciones la pieza por medio de tiras de metal. Su nombre viene del verbo francés cloisonner, el cual se traduce como dividir.
Entre las piezas más conocidas se encuentra la corona de Lombardía del siglo IX, hecha en oro e incrustaciones de piedras; el relicario de Enger, del siglo VIII, también de oro; el cáliz de Tassilo del siglo VIII, en cobre; y la cubierta de lo evangelios de Lindau, del siglo IX, trabajada en oro e incrustaciones de piedras.
Escuela Palatina o real
Su inspiración es el arte paleocristiano y el arte ravenático. Con relieves esculpidos en profundidad en la que se cuenta con un mayor dinamismo en las figuras, con unos ropajes que se mueven con soltura.

Taller de Metz
Este cuenta con marfiles perforados y tiene un sentido mucho más narrativo.

Taller de Carlos el Calvo
Traspone al marfil el estilo remense, con imágenes muy movidas. Cuenta con un profundo alto relieve que acentúa la luminosidad del primer plano de las figuras.
Pintura
PINTURA MURAL
Esta servía como decoración para los ábsides y diferentes muros de la iglesia. Con una temática explícitamente religiosa en la que se narra la redención y algunos temas secundarios de carácter hagiográfico.
Con una gama cromática pobre, en la que predominan los tonos ocres y marrones. Las figuras humanas son disformes y los rostros de los personajes han sido dotados de ciertos rasgos que intentan individualizarlos.
Cada muro, por lo general, tenía un tema diferente a la del resto de los demás. Por ejemplo, en el ábside, en la parte alta, se mostraba a Cristo y a los ágneles; en la parte baja del mismo estaban las vidas de santos ilustres, en el muro occidental encontramos temas acerca del juicio final, mientras que en el oriental se haya la imagen de Cristo.
MINIATURA
Esta técnica es la que más predominó en cuanto a la imagen del arte carolingio.
Existieron cinco escuelas principales en las que se elaboraron las miniaturas, estas son la palatina o real, de Orléans, de Reims, de Tours y de Metz. También hubo presencia de otras escuelas como la de Ada, Fulda, Corbie y Carlos el Calvo.
MOSAICO
Uno de las técnicas menos usadas en el arte carolingio, o al menos la que menos ha sobrevivido, fue la del mosaico. Se cuentan con algunos hallazgos que evidencian la fabricación del mosaico, pero sin duda alguna fue de lo menos que se utilizó.

Al hablar de la estética del mosaico, encontramos que los modelos son de la época paleocristiana pero con una estética medieval, en la que encontramos
una gran estilización. En cuanto al color y material, usan mucho el oro y la plata mezclados con fragmentos de mármol de colores. Uno de los pocos mosaicos que se encuentran todavía, es el del ábside de la capilla de Saint-Germigny-des-Prés. Por esa razón ésta capilla es una de las más famosas dentro de la arquitectura carolingia.
El Imperio Bizantino se puede dividir en tres etapas:
1ª Edad de oro:
Es la época de esplendor del Imperio, con arquitecturas tan fantásticas como San Apolinar y San Vital de Rávena. Es la época de Justiniano (siglo IV). Es cuando se realizan las más grandiosas obras arquitectónicas que ponen de relieve los caracteres técnicos y materiales, así como el sentido constructivo.
Características de la arquitectura:
La arquitectura emplea los mismos elementos que el arte romano, con el agregado de las arquitecturas de otras civilizaciones, como las orientales y centroeuropeas. Aunque su principal influencia es romana.
Elementos constructivos fundamentales
Empleo de pechinas: estructuras sustentantes de forma triangular que permiten el paso de una planta cuadrada a una circular.
Se mantienen los arcos.
En las columnas destaca el desarrollo del capitel y de incorpora el cimacio, que es una especie de pirámide truncada que permite una mayor altura. Se perfora la superficie haciendo los tallados con la menor cantidad de trazados posibles.
Materiales: pobres, piedras porosas (toba y ladrillo), sobre todo en el exterior. Para los interiores es más esplendorosa.
2ª Edad de oro:
Se incorpora la planta centralizada como elemento principal. Estamos en los siglos IX al XIII. Es el momento en el que Bizancio se aleja más de Occidente. La iglesia se separa de la de Roma. Se produce un proceso de orientalización, naciendo la iglesia ortodoxa, que no va a reconocer la autoridad del Papa.Desarrollo de la planta centralizada y las plantas de cruz griega, y el desarrollo de cúpulas en todos sus extremos (5 cúpulas).

Ejemplo: San Marcos de Venecia, que tiene influencias bizantina (sólo conserva la planta y la cúpula), románica y gótica.
San Apolinar
San Vital de Rávena.
3ª Edad de oro:
Destaca por su expansión. Se vincula al gobierno de los Paleólogos durante el siglo XIV y hasta la caída de Constantinopla.
Ejemplos:
San Basilio de Moscú

Escultura:
Iconografía cristiana clara, aunque no hay mucha. De pequeño tamaño y bulto redondo.
Se ven pocas porque en la 2ª edad hubo un periodo iconoclasta.
Se rechazaban las representaciones humanas.
Mosaicos:
Emplean piedras preciosas para dar mayor realismo a las obras.
Materiales: cerámica vidriada para los ojos.
Las teselas bizantinas se colocan inclinadas (las romanas no) para que la luz rebote de distintas formas.
Los fondos son siempre dorados, para darle un carácter etéreo.
Ejemplo: en la tribuna superior del altar derecho de la Basílica de Santa Sofía.
Pintura:
Queda relegada a la pintura en tablas o iconos (representación religiosa).
En los iconos, se utiliza la técnica del temple: la tabla se alisa, se le da una capa de yeso o cal, se hace un fondo con pan de oro y luego se procede a la pintura del icono.

La representación es casi siempre de busto, y en contadas excepciones de cuerpo entero.

El arte Otoniano tiene tres principales influencias: la tradición paleocristiana transmitida por el arte bizantino y el arte carolingio, además de la antigüedad tardía del arte del norte de Italia. Aunque se deriva principalmente del arte carolingio, el arte Otoniano adquiere una independencia de estilos a mediados del siglo X.
Después de la coronación imperial de Otón I, emergió una fe renovada en el Imperio y una iglesia reformada, creando un período de fervor cultural y artístico. El arte Otoniano fue un arte cortesano, creado para confirmar la existencia de un vínculo entre los emperadores y los gobernantes cristianos de la antigüedad tardía, como Constantino, Teodorico y Justiniano, así como con sus predecesores carolingios, en particular Carlomagno.
La pintura Otoniana se considera un renacimiento de la pintura
carolingia, de la que toma su expresividad, fundiéndolo con la
iconografía romana y bizantina, que aportan su típica solemnidad. Los manuscritos pintados Otonianos tienen una triple influencia: carolingia, bizantina y francosajona (manuscritos iluminados creados en los monasterios franceses), con estos se da inicio a importantes bibliotecas monacales que hoy subsisten.
Los monasterios se convierten en los principales centros culturales de la época, convirtiéndose en los creadores más importantes de la plástica Otoniana, uno de ellos fue Hildesheim de Bernward, que se vuelve en uno de los mas productivos hacia el año 1000.
Las principales manifestaciones de la pintura Otoniana se dieron en los frescos de las grandes catedrales e iglesias abaciales, en la pintura de libros, por medio de la ilustración de miniaturas de temática religiosa o imperial, así como en la creación de múltiples manuscritos como evangeliarios y códex.
Pintura
En esta categoría abundan los paisajes y los motivos arquitectónicos, pero sobre todo los retratos de emperadores o distintos pasajes bíblicos. Es gracias a los retratos de los miniaturistas, como se da a conocer a imagen pública del Emperador. Pierde un cierto naturalismo respecto al retrato carolingio antiguo, sin embargo, se convierte en una iconografía propagandística al servicio del Emperador.

Este arte se dio sobre todo en los monasterios Otonianos, muchos de ellos recibieron el apoyo directo del emperador y los obispos, produciendo notables manuscritos iluminados, principal forma artística de la época. Los primeros manuscritos se realizaron en la sobre el río Weser. Otros lugares importantes en la producción de la miniatura Otoniana son el monasterio de Reichenau en el lago Constanza, y la iglesia de San Pantaleón en Colonia, sus obras se caracterizan por su estilo expresionista y su influencia bizantina.
Miniatura
La orfebrería Otoniana reproduce determinados modelos y prototipos carolingios y adquiere algunos elementos de la decoración bizantina. En el s. X se dio un gran desarrollo de los talleres alemanes, y con el resurgir de la orfebrería, los esmaltes adquirieron una fuerte presencia, además se reduce el uso por un aumento en el de bronce.
En este periodo se dieron muchos avances tecnológicos en la metalistería, además se añadió una mayor riqueza ornamental a las obras como consecuencia del desarrollo de un grabado fluido, y el abaratamiento de los materiales, lo que permitió el mecenazgo (de la corte o la nobleza) y la aparición de nuevos objetos artísticos.
Muchos artistas de las tierras del Mosa y del Rin, difundieron sus creaciones por todo el imperio, aras portátiles, cajas relicario, o cualquier tipo de instrumentos de culto, báculos, crucifijos, etc. Esto derivó en un amplio desarrollo en la producción y comercialización de las obras. En este arte destacan el taller de Tréveris, patrocinado por el obispo Egberto, y el de Essen, creado por Matilde, nieta de Otón I.
Orfebreria
La escultura producida para la corte Otoniana, tomo el influjo bizantino ya que intentaba adquirir cierta distinción que rodeaba al Imperio romano. Sin embargo, durante este periodo no se produce escultura monumental, sino pequeñas esculturas en madera, marfil y metal, principalmente bronce, enriquecidas con gemas, esmaltes, cristales, y camafeos.
Aunque se produjeron algunas obras para la corte, exaltando el poder imperial, la finalidad de este arte era principalmente eclesiástico. Además del instrumental litúrgico, se desarrollaron múltiples imágenes de culto, fabricadas en madera forrada de láminas de oro, enriquecidas con pedrería. Las esculturas otonianas funden las técnicas e iconografía bizantinas con el expresionismo típico del mundo germánico. Otra manifestación que adquirió gran importancia dentro de la escultura Otoniana fueron los relicarios.
Escultura
Talla de madera:

Dentro de la escultura Otoniana se hicieron pocas obras en madera. En el caso de la estatuaria, la mayoría de estas imágenes tuvieron fines religiosos, por ello estaban especialmente elaboradas con un receptáculo para reliquias. En esta época la madera no se consideraba un material precioso, por lo que generalmente se cubría con metales o incrustaciones.
Tallados
Talla de marfil (eboraria)

Los marfiles siguen principalmente los modelos carolingios. Continúan trabajando los talleres de Milán y los de origen griego y bizantino, pero surgen importantes talleres nuevos entre los que destacan los de Tréveris, Echternach, Maguncia, Colonia y Lieja.
Destaca sobre todo la escuela de Tréveris, que hace más notable las formas carolingias aprendidas, a través de los conceptos de volumen y serenidad de las figuras a la antigua, y su característica suavización de trazos.
De esta época, surgen unas piezas llamadas "sítulas", en forma de vaso, usadas en las ceremonias religiosas. Los talleres germanos comenzarán a producir gran cantidad de sítulas, placas para cubiertas de los evangeliarios y dípticos. Se produjeron obras muy detalladas, de gran expresividad en las fisonomías y gestos de las imágenes. Los marfiles Otonianos influyeron enormemente en el arte español del siglo XI.
La arquitectura de la época Otoniana abarca desde mediados del siglo X hasta mediados del siglo XI. Los edificios de la época reflejan el inmenso poder imperial y por ello se producen obras de majestuosa monumentalidad. La arquitectura otónida no esta plenamente asociada con la románica, ya que se desarrolla paralela a esta en Europa y por posee características propias.
La arquitectura religiosa estaba compuesta principalmente por iglesias y monasterios, el arte estaba al servicio de la iglesia, y por lo tanto se utilizaba como un instrumento de fe y de poder.

Los dos estilos más sobresalientes de la arquitectura religiosa Otoniana son:

ZESTILO SAJÓN: en donde los soportes que separan las naves alternan un pilar y dos columnas.

ZESTILO RENANO: en donde la alternancia es más simple y consiste en un pilar por cada columna.
Arquitectura
La arquitectura románica es clerical, tanto porque es el único consumidor como también porque son los únicos que saben hacerlo. El Templo Románico es el monumento principal de la arquitectura románica. Su planta suele ser de cruz latina, con una o varias naves
longitudinales: 1-3-5 y otra transversal o crucero. También hay templos con planta de cruz griega y templos centralizados (baptisterios o iglesias octogonales de templarios). Otra innovación del Románico es la incorporación del campanario al cuerpo de la iglesia. En el arte bizantino y prerrománico estaba separado. Ahora se suelen adosar dos campanarios a los pies del templo.Una variedad del templo románico es el templo claustral o monasterio, el cual se organiza en torno a un patio central que está rodeado por un corredor cubierto o claustro sostenido por arcos y columnas. Esta obra es donde el Románico presenta sus mejores características arquitectónicas y escultóricas.
Arquitectura
El precedente de la escultura románica hay que buscarlo en los ensayos prerrománicos de los pueblos bárbaros, junto alguna influencia del lejano Bizancio, el cual era el portador de todo el legado grecorromano. Pero los pueblos bárbaros cultivaron la escultura con poco entusiasmo, sobre todo la monumental, que fue la más frecuente en el mundo romano. Ostrogodos, francos, lombardos y visigodos hicieron escultura de pequeñas dimensiones, ornamental y orfebre. Por lo tanto la tradición escultórica antigua se perdió. Todo ese legado grecorromano no sirve como base para la escultura románica, formando ésta un mundo aparte y original. Como la arquitectura, la escultura románica se integra plenamente en la cultura medieval y es
uno de sus mejores exponentes. A través de ella se refleja la idea omnipotente y omnipresente de Dios, la idea de religión como misterio, como único agarradero para no sucumbir en un mundo desconocido y oscuro. La escultura románica es frontalista, amante del geometrismo simplista y estilizado. No intenta la escultura naturalista, la representación fiel del mundo, ni los objetos tal cual nos aparecen a los sentidos. Se busca siempre el simbolismo o la alegoría y que pretenden representar ideas o vivencias. Se busca que de la figura emane un trasfondo ideológico y en él residirá la belleza y no en la mera apariencia estética. No se busca la belleza estética en una figura sino la belleza ética, las buenas ideas, la religión. Para ello se utilizan elementos naturales como animales, personas o vegetales, pero nunca tal y como son, su imagen real no es lo que importa, sino como símbolos, como expresión de un ideal. para ello no dudarán en deformar sistemáticamente las figuras.
Escultura
La pintura románica es igualmente decorativa. No se concibe como arte autónomo y no tiene importancia en sí misma sino como ornamentación de paredes dentro del templo. Tiene su origen directo en las miniaturas bizantinas que luego pasan a los monjes prerrománicos de la primera Edad Media. Son miniaturas de manuscritos de donde el pintor románico extrae técnicas y temas. Él sólo tiene que continuar esa tradición y traspasar los límites de la miniatura para realizar los murales al fresco que decoraban la mayoría de los templos románicos.
La pintura románica tiene, como la escultura, sus lugares idóneos dentro del templo. Sobre todo es el ábside y, a veces, también, los muros laterales. También se pintan a veces altares, sobre todo su parte delantera. La pintura es, como la escultura, de tipo simbólico y no se preocupa del aspecto naturalista o estético de las figuras. La realidad no les interesa porque tanto santos, como ángeles, como la figura de Cristo o la de la Virgen pertenecen a un mundo platónico, el de las ideas, y no se parece en nada al real o sensitivo. por eso la pintura utiliza la realidad sólo como soporte hacia el mundo que hay por encima. Los personajes tienen casi todos las mismas proporciones y gestos, son sólo figuras convencionales y colectivas. El pintor románico no conoce la perspectiva. Sus obras son planas en su ejecución y en su
colorido. Cuando hay que representar un momento se elige el más tenso y espectacular, el más expresionista y representativo. El dibujo es muy importante y las siluetas y los perfiles se señalan con un trazo negro muy grueso que envuelve a las manchas de color. los colores son planos y no tiene gradaciones ni matices refinados. los contrastes de color son muy acusados, sobre todo entre el negro y los colores cálidos. Suelen ser, en general, cromatismos de mucho valor e impacto visual. El pintor románico no entiende casi nada de composición porque no se plantea problemas de agrupamiento, y cuando lo hace, lo resuelve de un modo sencillo y lineal, colocando a las figuras en fila, una junto a otra y todas en el mismo plano. Si quiere resaltar la importancia de una de ellas, aumenta su tamaño desproporcionándola de las demás sin tener en cuenta la perspectiva.
Pintura
El arte gótico se caracteriza por la verticalidad y la luz, que es el reflejo de la divinidad. Su expresión más típica es la catedral, edificio urbano, en la que encontramos todos los elementos del arte gótico.
En estas construcciones predominan las plantas de cruz latina en las que se distingue: la cabecera, el crucero y las naves, de tres a cinco. La cabecera tiene girola y capillas radiales y la nave central y el crucero son más anchos y altos que las laterales.
Las capillas, los ábsides y las girolas dejan de ser semicirculares para hacerse poligonales.
Francia es la cuna del gótico. En la fase protogótica nos encontramos edificios cistercienses como la abadía de San Denis, y Notre-Dame de París. Ya en el período clásico destacan las catedrales reales, Reims, Amiens y Chartres. Y en el período manierista destaca la Santa Capilla de París y la catedral de Rouen.

En Inglaterra el gótico presenta tres etapas: el estilo primitivo, con catedral de Canterbury, el estilo decorativo, con la catedral de York y el estilo perpendicular, con catedral de Westminster.

En Italia lo característico fue la arquitectura civil. Destacan el Ayuntamiento de Perusa, la cartuja de Pavía y el Palacio Ducal Casa del Oro en Venecia.
En España el gótico tiene dos ámbitos fundamentales, el camino de Santiago y las ciudades comerciales de la Corona de Aragón.

Se comienzan a construir las catedrales de Zamora, Salamanca, Tarragona y Lérida.

En su segunda etapa, en el siglo XII, las catedrales más importantes son las de León, Burgos y Toledo. Es la etapa del gótico pleno.

La tercera etapa, en el siglo XIV. Se acaban las catedrales de Palma de Mallorca, Santa María del Mar (Barcelona) y Gerona. Son templos más austeros, la nave central es más ancha y las laterales son más altas.
En el siglo XV aparece el gótico flamígero, que en Castilla se denomina isabelino. En Castilla aparecen dos escuelas: la de Toledo y la de Burgos. En esta época la decoración se desborda, las plantas tienden a ser cuadradas de una sola nave y los soportes más delgados. El coro se desplaza a los pies y en alto. Destacamos las Lonjas de Palma de Mallorca y Valencia.

En Portugal el gótico llega a través de España: convento de Batalha y el monasterio de Alcobaça. En los siglos XV y XVI se desarrolla el original estilo manuelino con el monasterio de Belem.
Arquitectura
La escultura gótica está caracterizada por el interés hacia la naturaleza manifestado por los artistas.

Conserva el carácter monumental y grandioso de herencia románica pero las figuras están dotadas de mayor expresividad, abandonando la deshumanización. Las imágenes se comunican entre sí expresando sentimientos, alegría, tristeza, dolor, etc., hasta llegar al patetismo en el siglo XV. Con la escultura gótica reaparece también el retrato.

Este afán por la expresividad llevará al artista gótico a interesarse por la anécdota y lo secundario, tratando en ocasiones lo satírico e incluso lo obsceno. En la escultura gótica se observa una progresiva liberación del marco arquitectónico y un mayor naturalismo.
Existirá una escultura monumental. También adquiere gran importancia la escultura funeraria, donde el retrato tiene un mayor realismo.
Podemos hablar de varias etapas en el desarrollo escultórico del Gótico.
Durante el período protogótico destaca el conjunto del pórtico de la Gloria, en España, atribuido al maestro Mateo y el pórtico real de Chartres. Este primer periodo es de grandes composiciones , con escasos pliegues en los ropajes.
El siguiente periodo es el clásico encontramos una tendencia a la belleza ideal, a la ingenuidad y a la sencillez. Suelen ser conjuntos narrativos que ocupan principalmente las portadas. Las figuras se hacen más alargadas y aumentan las curvas, especialmente en los ropajes.

Como última etapa, nos encontramos con el periodo flamígero, que se caracteriza por la utilización de la curva y la contra-curva como elemento decorativo. Con estas técnicas se consigue dar movimiento a las figuras. La figura humana se hace más naturalista, convirtiéndose los rostros en auténticos retratos. La escultura se hace totalmente exenta y se difunde la estatuaria funeraria. En el relieve se introduce el paisaje hacia el siglo XV.
Escultura
La pintura es el arte que más radicalmente cambia en el gótico. Pierde su lugar natural, el muro.
Por eso, debido al escaso desarrollo de éste, la pintura gótica tiene su primera ubicación en las vidrieras y en las miniaturas de los códices.
La técnica más utilizada es la del temple y el óleo, que da un mayor colorido y permite un acabado más minucioso.

La primera etapa, hacia el 1200, corresponde a la pintura conocida como Gótico Lineal, ya que manifiesta una especial atracción hacia las líneas que definen los contornos. Este tipo de pintura gótica abarca todo el siglo XIII y los comienzos del XIV momento en el que se desarrolla un nuevo estilo.

El nuevo estilo que sucede al lineal es el conocido como Gótico Italiano donde las escuelas de Siena y Florencia alcanzan cotas muy altas. En esta época, los diferentes gremios compiten en la decoración de sus capillas, lo que junto al desarrollo económico hacen que se desarrolle y aumente la pintura gótica.
En este estilo desaparece la línea negra. Quieren conquistar de la técnica, el estudio del espacio, la perspectiva lineal, la coloración objetiva, la luz y la degradación de los colores.
La última etapa corresponde al Gótico Internacional, a finales del siglo XI. En este periodo las influencias italianas se funden con las francesas y flamencas, obteniendo muy buenos resultados
Pintura
Es una síntesis de elementos bizantinos, cristianos y demás. Los edificios suelen tener poca altura, contiene una sensación de armonía plasmada con el paisaje. La piedra por tener que ser más trabajada es poco usada, en su lugar es mas utilizado el ladrillo, mientras que el yeso y la madera son utilizados de forma general. Los elementos sustentantes son la columna y el pilar, aunque generalmente son delgados y muy estilizados, ya que han de soportar techumbres ligeras. Emplean la bóveda, siendo abundantes las de crucera con la peculiaridad de que sus nervios no se cruzan en el centro y las gallo nadas. Los arcos son de herradura, polilobulados. Se extiende el uso de las dovelas en rojo y blanco alternándolas para decorar. Se dedica un cuidado mucho mayor al del interior mientras que el exterior es extraordinariamente simple. Los materiales empleados son muy pobres de ahí su fanatismo por la decoración.
Arquitectura
Las artes figurativas en el islam nunca tuvieron un gran desarrollo, más por prejuicios sociales que por una prohibición expresa del Corán. Lo que el Corán condena es la idolatría, no la representación figurativa. Esto quiere decir que hay una escasez real de pintura y escultura, aunque no absoluta. No obstante, en épocas rigoristas anicónicas, sí que se lanzaron fatuas de prohibición de pintar seres vivos. Hoy en día la mayoría de los musulmanes no las tiene en cuenta. Lo que sí se ha respetado es el tabú de pintar la cara de Mahoma y sus compañeros de los primeros tiempos.

En pintura hay que destacar la miniatura persa, que al igual que la de los cristianos decora libros, el Corán, libros de literatura y científicos. Los motivos son tanto religiosos como de la vida palaciega y sus placeres. Es la mayor fuente de imágenes figurativas del islam que tenemos. Su época de esplendor son los siglos X y XI.

En la miniatura distinguiremos tres escuelas la árabe, la persa y la turca. La escuela árabe aparece en el siglo XII en torno a Iraq. Nos proporciona un testimonio a cerca de las costumbres de la época. Destacan obras como los Autómata de al-Jarizi, obras de medicina atribuidas a Galeno o Dioscórides (La materia medicina), el libro de fábulas de Calila y Dimna, y libros de aventuras. Pero sobresale el Libro del arte veterinario. La escuela persa, surge a partir del siglo XIV, y tiene una influencia oriental, sobre todo china. Destacan el Bestiario de Ibn Bajtista, el Libro de los reyes y el Tratado de anatomía de las constelaciones. En el siglo XVI se conoce la figura de Bezad, que crea la escuela bezadiana, famosa por sus obras de género y los retratos. La tercera es la escuela turca, a partir del siglo XIII. La obra más representativa es El libro del saber de los aparatos mecánicos.

En la decoración predominan los motivos geométricos, los colores planos y vivos y las líneas negras. Uno de los motivos más característico es la epigrafía, con frases del Corán.

La escultura es aún más escasa. Se reduce a las artes menores: cerámica, vidrio, marfil, cofres, etc. Sin embargo, existen relieves con motivos geométricos y caligrafía, en puertas y paredes. Este tipo de representaciones encuentra su ámbito en la élite social islámica, que gusta del lujo. Escultura como la del Patio de los Leones en la Alhambra de Granada es extraordinaria.

La cerámica comienza en el período abasí. El principal centro productor es la ciudad turca de Esmira, en la que se fabricaron los primeros azulejos decorados.

En marfil destacan los olifantes (cuerno de marfil) de carácter decorativo y finamente labrados.

En la fabricación de vidrio aparecen nuevas técnicas, como el soplado y el vidrio pintado.

La madera se trabajó con mayor profusión, ya que las obras estaban destinadas a la talla de alminares, tribunas, mihrabes, armarios y recubrimiento interior de cubiertas.

Entre los metales sobresale el bronce, en el que aparecen motivos animales. Servían como objetos de vajilla o de uso religioso.

Pero lo más representativo es el desarrollo de los tejidos. Utilizan todo tipo de telas, pero gustan sobre todo la seda, y las alfombras y tapices.
Escultura y Pintura
Renacimiento
Renacimiento es el nombre dado al amplio movimiento de revitalización cultural que se produjo en Europa Occidental en los siglos XV y XVI. Sus principales exponentes se hallan en el campo de las artes aunque también se produjo la renovación en la literatura y las ciencias, tanto naturales como humanas.

El Renacimiento es fruto de la difusión de las ideas del humanismo, que determinaron una nueva concepción del hombre y del mundo.
Arte Barroco
Los acontecimientos del siglo XVI provocaron cambios importantes en el ámbito del arte. El mannerismo y las secuelas del renacimiento dejan aso al barroco, un arte dinámico que, a pesar de presentar características constantes, evoluciona y adquiere originalidad en cada país.

Tradicionalmente se denomina "Barroco" al período de transcurre desde el siglo XVII al XVIII. El estilismo especial que caracteriza al arte barroco alcanzó su momento de madurez plena en Italia hacia 1630 y se desarrolló en los cuarenta años siguientes. A partir de ese momento se difundió por todas las naciones de Europa.
En la arquitectura barroca se adoptan las líneas curvas frente a las rectas ya que así consiguen un mayor efecto de dinamismo y expresividad.

Las fachadas adquieren la máxima importancia en su arquitectura ya que en ella se suelen volcar los mayores empeños decorativos mediante numerosas cornisas y columnas griegas, romanas y salomónicas. Por el predominio de los elementos decorativos sobre los constructivos, se puede decir que el estilo barroco es más una forma de decoración arquitectural que un estilo de arquitectura.
En Italia la máxima figura fue Gian Lorenzo Bernini.

Destacan:
- Las superficies onduladas
- Las plantas elípticas
- Las trabazones interrumpidas.
Todo ello acompañado de una exageración de la monumentalidad.

La última etapa de la arquitectura barroca se conoce con el nombre de Rococó.

En la arquitectura barroca española destacan autores como José de Churriguera (retablo de San Esteban de Salamanca), José de Ribera y arquitectos del s. XVIII como Hipólito Rovira, Casas Novoa y Leonardo de Figueroa.
Arquitectura
La escultura Barroca cobra un papel decorativo en la composición general de la obra. En ellas destacamos su complicada estructura y dramática vivacidad.

Las esculturas barrocas se distinguen por su gran movimiento y el dinamismo. Las imágenes muestran pasiones violentas, lentas y exaltadas. La valorización de aquellos motivos heroicos de la cultura renacentista injertos en la Contrarreforma y la pintura del Greco y de Caravaggio introdujeron nuevos contenidos religiosos y morales y contribuyeron a una radical renovación de la expresión figurativa.

La escultura barroca española tiene una serie de características propias:

- Predominan los temas religiosos.
-Exaltación del realismo. Para ello utilizan postizos como pelo real, corona real, ojos y lágrimas de cristal, etc. Se llegaron a crear imágenes de vestir, en las que se realizaban con minuciosidad cabeza, manos y pies para vestirlas con ropa real.
-El principal cliente de sus obras fue la Iglesia, y en segundo lugar la Corte.
- Se produce la decadencia de la escultura funeraria.
- Las obras decoran retablos, sillerías de coro y los famosos pasos de Semana Santa.
- Utilizan la madera policromada como material preferido.
Escultura
La expresividad de las figuras representadas y el intenso claroscuro son unas de las características más importantes de este período en la pintura.

El Barroco se caracteriza por la acumulación de formas y excesos de superposición de elementos ornamentales en el que aparecen columnas retorcidas y pilastras que no sostienen nada, arquitrabes y muros que se doblan y retuercen, figuras en los cuadros iluminados de forma antinatural y esculturas que buscan efectos ilusionistas.
Este arte responde a una mentalidad cada vez más homogénea, que adoptó sin embrago en los diferentes países formas variadas.
Podemos decir que el barroco es un estilo comprensible para todos, que se manifiesta con dos ideas contrapuestas.
La primera es la del barroco lujoso y cortesano, teatral y católico y la segunda la del barroco burgués destinado a representar la vida real, cotidiana y que abarca al protestantismo.

En la segunda mitad del XVII se desarrolló en el norte de Europa un estilo clásico diferente, conocido como neoclasicismo.

Pintura Barroca Española

El siglo de Oro de la pintura en España es el XVII y corresponde el movimiento pleno de la pintura barroca. Se da la circunstancia de que este momento dulce y prolífico de la pintura coincide también con el de la literatura.

En la pintura barroca española hay una serie de elementos comunes que son fruto del momento político y religioso que vive España.
Por un lado se percibe el pesimismo de la decadencia del gran Imperio Español del siglo anterior. Por otro lado, España está a la cabeza del movimiento de la Contrarreforma católica y la sociedad vive en el rigor impuesto en muchas áreas de la vida cotidiana por la Inquisición, por lo que van a predominar los temas religiosos, representados de manera dramática, apoyados por el tenebrismo italiano implantado por Caravaggio, corriente que al final terminaría por ser abandonada.

Existen otros temas, como los mitológicos y los profanos, pero en minoría con respecto a los religiosas.


Pintura
Rococó
El rococó es un estilo artístico que surgió en Francia en el siglo XVIII con el reinado de Luis XV. El rococó más que un estilo fue una moda cortesana.
Entre 1730 y 1745 se afirmo como un arte aristocrático y refinado. El rococó es considerado la culminación del barroco, sin embargo surge como reacción al barroco clásico.
El rococó se caracteriza por la opulencia, la elegancia y por el empleo de colores vivos, los cuales contrastan con el pesimismo y la oscuridad del barroco.
Se difunde en otros países como:
Alemania
Australia
Características del rococó:
Gusto por los colore luminosos, suaves y claros.
Predomina la naturaleza, la mitología, la belleza de los cuerpos desnudos.
Refleja los que es agradable, refinado, exótico y sensual.
Expresa sobre todo en la pintura, la decoración, el mobiliario, la moda y en el diseño.

Adquiere un carácter profano, los artistas preferían en motivos de la mitología clásica que en los temas bíblicos.
La pintura es decorativa. Se decoran paredes y techo mediante grandes frescos. En cierto sentido esta pintura decoraba las casas de la nobleza y de la burguesía.
Características de la pintura:
Los personajes son representados con mucha elegancia
Se basaban en la artificialidad de la vida de palacios y ambiente.
Entre los temas mas representados en la pintura fueron:
Fiestas galantes y campestre
Damas
Rigodones
Aventuras amorosas.
Pintura
Su origen se encuentra en el ambiente aristocrático y refinado de la Francia del regente duque de Orleáns. Este estilo fue expresado mediante la delicada escultura de porcelana.
Los motivos amorosos y alegres son representados en la escultura, a si como la naturaleza y las líneas curvas y asimétricas.
Escultura
El tipo de construcción del rococó se caracterizo por su ornamentación recargada, el uso de columnas en forma de espiral.
El interior es un lugar de fantasía y colorido mientras la fachada se caracteriza por la sencillez y la simplicidad.
La forma dominante en el rococó era la circular. Un pabellón centra, generalmente entre dos alas bajas y curvas. Otras edificaciones tomaban la forma de pabellones encadenados.
Características de la arquitectura:
La distribución interna
Las estancias especializadas para cada función
Las habitaciones que combinan la ornamentación y los colores.
Escultura
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