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Bitácora Historia del Arte

Bienvenidos! Los invito a que recorran junto conmigo esta travesía por el mundo del arte. Le daremos la vuelta al planeta visitando las ciudades que han sido protagonistas de las más grandes creaciones y descubrimientos del arte en todos los tiempos.
by

yanira garcia

on 25 November 2013

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Transcript of Bitácora Historia del Arte

Bitácora Historia del Arte
Grecia
El arte griego muestra una tendencia hacia el desnudo y su intención de expresar el ideal de belleza, logrando sensaciones de movimiento buscando la naturalidad y apartándose por completo de la rigidez, se ve el empleo de la técnica de los paños mojados y también se percibe la aplicación de las figuras humanas a los objetos en los que se evidencia la influencia egipcia salvo que dan un buen manejo a los escorzos.
Egipto
El arte egipcio muestra claramente la rigidez de las formas, la aplicación de la ley de la frontalidad, la perspectiva jerárquica. En la cultura egipcia el tamaño de la figura dependía del rango social. Visión rectilínea.
Comencemos
un maravilloso
viaje por la historia del Arte
Roma
En el arte romano se puede observar la tendencia hacía el retrato; el busto en roma tuvo una función primordial con la evidente representación de poder y el avance en materia escultórica que lleva a ser una representación fiel y expresiva de los diferentes personajes. También se destaca el desarrollo del relieve narrativo.
.
Alta edad media
En este periodo se da la integración del arte con la liturgia, creando imágenes que representaban los iconos de la fe, pero a partir de esta tendencia teológica durante los siglos VIII y IX se desata el periodo iconoclasta. La expresión artística más representativo fue el arte bizantino fuertemente enraizado en el mundo helenístico. La arquitectura bizantina hace una aportación muy importante con relación a la decoración de los capiteles como el tallado y el relieve de iconos.
Pintura
El arte gótico en Europa se desarrolla entre los siglos XII y XV, época en que existía una fuerte y masiva condición mística en la humanidad,
el período inicia con la idea
de configurar un nuevo
estilo de la arquitectura sacra,
nace de la teología mística “Dios es Luz”
que inspiraría al Abad Sugar de París
en la basílica de Saint Denis, buscando
grandiosidad, luz y elevación a los templos.

En el terreno de la arquitectura, la geometría y el estilo románico proporcional se desplaza, el artista tiene vía libre para trabajar, por lo que desarrolla el naturalismo. Su arte está lleno de bonitas formas arquitecturas con bóveda de crucería, arco apuntado, arbotante y gárgolas. Grandes espacios llenos de luz y color.

Las gárgolas
Las Gárgolas tuvieron un gran protagonismo en la arquitectura gótica, aunque cumplían un papel básico que era servir como desagüe de las catedrales, sin embargo sobre su origen hay muchas historias, lo curioso es que en una época en la que las imágenes comúnmente tenían por misión un mensaje moral o religioso, siguen siendo un misterio, pues no se ha encontrado en ella un objetivo educativo.
Gótico
La denominación gótico fue acuñado por Vasari, erudito historiador renacentista con una intención peyorativa, porque entonces se pensaba
que este estilo era menor que el románico. Sin embargo, este fue exaltado en el siglo XIX. En la actualidad se considera como un brillante
trabajo desde el punto de vista artístico.
Arte
gótico
La característica más evidente del arte gótico es el naturalismo, aproximándose a la imitación y la naturaleza, aunque se basa en el amaneramiento propio del arte románico, no toma como ideal la belleza, con la función de la expresión religiosa busca crear un tono místico cristiano. Paralelamente, la cultura burguesa demanda una nueva elegancia dentro del arte, lo que genera mayor detalle narrativo, más frescura, color y luminosidad. Se produjeron algunos avances en el uso de la perspectiva.
El arte bizantino fue fuente principal de la pintura al fresco y los mosaicos, consiguiendo importantes avances en la técnica, produciendo coloraciones, sombras y escorzos con la colocación de los cristales, sin embargo se evidencia que los artistas partían de los conocimientos del arte griego.
Renacimiento
SIGLO XV Y XVI
Aportes de los artistas renacentistas
Massacio:
Unidad de la composición, empleo de la luz
Bellini:
Iluminación, colorido, estilo presencial
Ghirlandaio:
Esquema compositivo y decorativo
Botichelli:
“la gracia”
Perugino:
carácter expresivo “maniera moderna”
Davinci:
estudio anatómico y emocional, Sfumato, equilibrio, matices
Giorgione:
Libertad de ejecución
Corregio: asimetría, rompimiento del equilibrio, penumbra
Di cosimo: Sentido fantástico
Rafael: Modelo de belleza, composición armónica, movimiento
Nigretti: calidad visual a través del estudio cromático
Miguel Angel: perfección, escorzos y posturas, divinidad
Tiziano: inmediates y expresividad
Tintoretto: Pasión. Audacia, dinamismo
Veronese: perfección y expresión gestual

Características
El Renacimiento supone una nueva forma de entender el arte. Las artes liberales ya no están controladas por los gremios, sino bajo la protección de los príncipes y la burguesía. Nacen, así, los mecenas, como las familias Medici, Rucelli, Sforza, Tornabuoni o Pazzi. Aparece la figura del artista genial, por lo que se abandona definitivamente el anonimato. Surge el taller del maestro.
La característica general de las obras renacentistas es la temática religiosa, el retrato y la mitología.
El arte renacentista exige una formación científica de los artistas y una gran capacidad de creación. Se inventa la perspectiva caballera, con sus puntos de fuga matemáticos, y la perspectiva aérea, se crea el sfumato. Se pone mucha atención en las proporciones, para las que se utilizará el canon clásico, que progresivamente se irá alargando, y se guardará la proporción entre las partes. Se desarrolla un canon de belleza que se fundamenta en la pureza y la inteligencia.
El objeto del arte es el mundo natural, la imagen del mundo que se identifica con la civilización. Hay un nuevo humanismo y una mentalidad burguesa que busca al hombre ideal en equilibrio con la naturaleza.
En su última etapa, cuando están conseguidas todas las soluciones técnicas, es cuando se pinta "a la manera de" un maestro o de otro, corriente a la que se llama manierismo, que utilizará todos los tipos clásicos de forma alambicada y "virtuosista".

Escultura
La escultura en el Renacimiento tomó como base y modelo las obras de la antigüedad clásica y su mitología, con una nueva visión del pensamiento humanista y de la función de la escultura en el arte. Como en la escultura griega, se buscó la representación naturalista del cuerpo humano desnudo con una técnica muy perfeccionada, gracias al estudio meticuloso de la anatomía humana.

El cuerpo humano representó la Belleza absoluta, cuya correspondencia matemática entre las partes se encontraba bien definida, y el contrapposto fue utilizado constantemente desde Donatello a Miguel Ángel.

El Renacimiento adoptó los elementos básicos que había descrito Vitruvio.
Arquitectura
Un dato importante en la definición de espacialidad del Renacimiento es la incorporación de la perspectiva como instrumento del proyecto arquitectónico y la noción de diseño como forma de conocimiento.

La arquitectura producida por los artistas renacentistas, humanistas en general, procuraban mantener una imagen erudita y literaria, más allá de la mera reproducción de las ruinas greco-romanas.

Es destacable para la formación de la tratadística renacentista la preservación de los diez libros de De Architectura del arquitecto romano Marco Vitruvio, del siglo I a. C., básicos para la difusión de las ideas de canon y orden.
Los grandes maestros del Renacimiento
Jan Van Eyck
The Arnolfini Portrait
1434
Oil on Panel
82x59 cm
National gallery London
Miguel Angel
"David"
1501 -1504
Marmol blanco
5,17 m
Galeria de la académina
Florencia
Capilla sixtina
Ciudad del Vaticano
1477 - 1480
El redescubrimiento de las proporciones matemáticas del cuerpo humano en el siglo XV por Leonardo y otros autores, está considerado como uno de los grandes logros del Renacimiento.
Leonardo Davinci
"El hombre de
Vitruvio"
1487
Dibujo
34,4 x 25,5 cms
Galería de la
academia
Venecia

Sandro Botichelli
Nacimiento de venus
1483- 1484
Temple sobre lienzo
278x172 cm
Galeria Ufizzi
Florencia
Davinci
La Gioconda
1502
Oleo sobre Tabla
77x53cm
Museo de Lovre
Paris
Miguel Angel
"La creación
de Adan"
1511
Fresco
270x580 cm
Capilla SIxtina
El Vaticano
Rafael
"La ninfa
Galatea"
1511
Fresco
295x225 cm
Villa Farnesina
Roma

ARTE
BARROCO
IMPRESIONISMO
Colección Privada
de Fernando Botero
Donada al Museo
Banco de la República

Origen
El movimiento pictórico del impresionismo nació en Paris en 1870. El origen del nombre se basa en la obra de Monet titulada "Impresion, soleil levant", la crítica de entonces se burló del nuevo estilo bautizándolo como "impresionista", tachándolos de atrevidos y de mal gusto.

Es una tendencia innovadora que nace en contra del realismo.
Características
1. Se dibuja la apariencia, no el detalle, con lo que se alcanza la "desmaterialización". No importando las formas sino el aspecto.

2. Se pinta al aire libre “Plenairismo” captando lo instantáneo, como: la luz, los contrastes, lo fugaz, espontaneo y lo cambiante. Predomina lo impreciso y lo atmosférico.

3. El pintor trabaja deprisa porque las luces y los colores al aire libre cambian con rapidez, como las nubes, la lluvia, la niebla, la nieve, puestas y salidas de sol. Las obras impresionistas reflejan la hora del día y la estación del año según la luz y la atmósfera. Los artistas captan el movimiento del agua ( ríos, arroyos, playas).

4. Técnicamente se emplean pinceladas sueltas de colores puros, que se perciben al verlos de cerca pero que, a cierta distancia, se ven como escenas definidas. No se usa el negro, ni siquiera en los contornos.
Tras la segunda guerra mundial, se evidencia un nuevo panorama en el arte, adoptando como nueva capital del mundo del arte a Nueva York. Trayendo consigo nuevas tendencias y propuestas que le darían un renovado matiz al arte, centrado principalmente en la creación de un “concepto”, con altas dosis de expresión y crítica.


“Si me dieras
un poco más,
ó si me dieras
un poco menos
Igual sería feliz;
porque en verdad
tú mi sobria cotidianidad me das vida”.
Lo cotidiano es ese escenario único
que he creado para mi vida…
mi lienzo, mi portarretrato,
mi matera, mi atmósfera.
“Por eso te amo cotidianidad”.
Amo la lluvia que de repente aparece,
el arcoíris que sorpresivamente
surge frente a mis ojos,
la nube gorda, la nube flaca,
la nube crespa y la nube lisa
que me enseña a soñar e imaginar.
Y es que en la cotidianidad
es donde puedo encontrar,
la sorpresa, el asombro, lo inusual;
si no existiera la cotidianidad
entonces mis sentidos
no podrían ver la diferencia… lo diferencial…
La belleza, la dicha, la alegría,
aunque tampoco el problema,
la crisis, la angustia, el dolor, pero
que hay de malo si después
viene la calmada cotidianidad con
su armonía, volviendo todo a la normalidad.

Oda a la
cotidianidad
Yanira García
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