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renacimiento

expo renacimiento
by

Adriana Hernandez

on 25 October 2012

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Transcript of renacimiento

El Renacimiento Arquitectura, escultura
y pintura Experimentos
en Florencia Las viviendas se convirtieron otra vez en un tema arquitectónico. Arquitectura El Círculo como forma perfecta Florencia y el primer renacimiento 1420 - 1500 El descubrimiento del mundo
y del hombre Italia: Evolución del románico al renacimiento pasa por el gótico, sin embargo, éste no lo influye. En la época del gótico, con los palacios, salas claramente
distribuidas y su forma tranquila que destaca la horizontal
ya llevaba en sí el germen de la época posterior y es por
esta razón que se le denomina

PROTORRENACIMIENTO Se descubre la belleza y la armonía del mundo. Surgió el humanismo en el siglo XIV: Ya no basarse en los dogmas sino en la
observación objetiva de la naturaleza,
la razón y la experiencia. Fin de la unidad entre ciencia y fe. Se estudiaba latín y griego,
se buscaban, traducían y estudiaban escritos antiguos,
se medían y reconstruían edificios dela antigüedad, se desenterraban
estatuas y se las volvía a poner en pie Fuentes literarias de la antiguedad:

Los 10 libros de arquitectura de Vitruvio Leonardo Da Vinci dibujó “El hombre de Vitruvio” en torno a 1487. Rodeado por notas basadas en un libro del arquitecto de la Roma antigua Vitruvio, el dibujo de la figura masculina dentro de un círculo y un cuadrado muestra las proporciones humanas ideales. Vitruvio había explicado en su libro que las proporciones de los órdenes arquitectónicos clásicos se basan en la figura humana, y el dibujo de Leonardo demuestra su fascinación por las proporciones y la anatomía.
Leonardo también creía que el funcionamiento del cuerpo humano estaba correlacionado con el funcionamiento del universo. VITRUVIO Había diseñado una decidida imagen profesional para los arquitectos que incluía un concepto para su formación. Había disertado sobre: la planificación urbanística,
los distintos materiales para la construcción,
el efecto del color,
las posibilidades de la ingeniería de la construcción así como sobre la mecánica Universo como construcción arquitectónica Desarrollo leyes para el universo y la arquitectura Términos arquitectónicos siguen siendo válidos hoy en día. Surgió en Florencia y en la Toscana, la arquitectura del renacimiento, cuyo inicio lo marca la cúpula de la catedral de Florencia, empezada en 1420 por Filipo Brunelleschi Construcción de cúpula doble permitió una estrctura
independiente en el interior y el exterior.

Cúpula interior: suspendida a nivel inferior como correspondía a la medida de la catedral gótica.

Cúpula exterior: era más esbelta y alta, para elevarse tranquila y armoniosamente hasta la linterna que la coronaba. Es aspecto de un edificio no dependía solo de las necesidades arquitectónicas y de los sistemas abstractos de proporciones, sino también y sobre TODO de la estructura que le quisiera dar el arquitecto. Su tarea era la de "hacer visibles las ideas de DIOS",
es decir, seguir "las armonías celestiales" de la belleza Clase alta exigía viviendas representativas, con cuya ayuda pudiera representarse a sí misma. El edificio profano empieza a lograr una fuerza de expresión que va mas allá de la pura utilidad. Florencia también fue pionera en el edificio privado monumental, el palazzo. El modelo fue la casa fortificada de las ciudades italianas. Los Palazzi del Quattrocento tienen un aspecto cerrado y
defensivo, tosco y reservado. Palazzo Vecchio Acoge un museo (museo dei Ragazzi) donde se exponen obras de:
Bronzino
Miguel Ángel
Giorgio Vasari Sala dei Gigli Salone dei 500 Palazzo Bargello Construido en 1255, hoy en día es museo, también fue una prisión Museo Realizado por Michelozzo di Bartolomeo en el año 1444, por encargo de Cosme de Médici Palazzo Medici Riccardi Palazzo Rucellai Fue encargado por Giovanni Rucellai, miembro destacado de la familia Rucellai, ricos tintoreros de tejidos Palazzo Pitti El aspecto del actual palacio data de 1458 y era originalmente la residencia urbana de Luca Pitti, un banquero florentino. Fue comprado por la familia Médicis en 1549 como residencia oficial de los Grandes Duques de la Toscana. En ellos se refleja arquitectónicamente la tendencia hacia uno mismo (cerrado al exterior, abierto para sí mismo) que corresponde a la creciente importancia del individuo en el Renacimiento Leon Battista Alberti Artistas y eruditos empezaron a preocuparse por la estructra de las ciudades o las proporciones del cuerpo humano, que en la antigüedad griega había servido de pauta para todas las formas. Se definía al hombre como el centro del mundo cuya idea se trasladaba a un sistema para captar y representar el espacio: la construcción espacial con una perspectiva cónica. El descubrimiento del saber de la antiguedad tambíen desempeño un papel importante en el resurgimiento de la construcción de cúpulas. Para ello fue decisivo no sólo saber hacerlo sino, también por su puesto, la voluntad de construir cúpulas tan grandes como las de Florencia. Hospital de los inocentes Aproximadamente en la misma época que en la cúpula de la Catedral, Brunelleschi diseñó para el Hospital de los Inocentes un edificio con columnas que sustentaban los arcos. Sacristía Vieja de San Lorenzo Primer edificio
central del
Renacimiento Piero della Francesca: La ciudad ideal (1470) Basada en la retícula perspectiva del complejo urbano. La iglesia circular en el centro de la imagen es una prueba evidente de la posición de la Iglesia en la sociedad.
Representación esquemática de las estructuras políticas y sociales. Alto renacimiento y manierismo
(1500 - 1600) Cuerpos arquitectónicos que crecen orgánicamente Humanismo, movimiento importante favorecido
por la conquista otomana de Constantinopla. Iglesia combatía descubrimientos del
Renacimiento, sobre todo en el campo de
las ciencias naturales. Como si se tratara de un indicador de
cambios bruscos, el foco del desarrollo a
arquitectónico se desplazó de Florencia
a Roma. También se modificó la estructura de los edificios, en lugar de alinear ventanas a distancias regulares, se concentraron en grupos o se intercambiaron molduras anchas y estrechas en los ejes de las ventanas. Dicho movimiento propició una decoración más plástica de las
fachadas, ventanas se enmarcaron con zócalos, columnas y pilastras y se coronaron con una cubierta en forma de arquitrabes, arcos de medio punto o frotones triangulares.

En las construcciones del Quattrocento había una correspondencia entre el Interior y exterior, pero en el Cinquecento se intentó desarrollar los edificios proporcionalmente se intentó desarrollar los edificios proporcionalmente partiendo de su centro y mostrar esta disposición orgánica también en la división exterior. Tempietto di San Pietro In Montorio Donato Bramante Santa María della consolazione deTodi Basílica de San Pedro de Roma El renacimiento al norte de Los Alpes Decoración renacentista en edificios góticos En los baluartes góticos de Francia y Alemania este estilo era todavía tan dominante que la nueva tendencia arquitectónica tuvo muchas dificultades para imponerse. Los grandes templos góticos eran suficientes para las necesidades de la iglesia y además, muchos de ellos todavía se estaban construyendo en los siglos XV y XVI Entre las construcciones más famosas de esta categoría se hallan: Louvre en París Castillo de Chambord El protestantismo y sus consecuencias Como en Francia, los elementos de la nueva arquitectura (ventanas
rectangulares, listeles, frontones escalonados, coronados en parte con obeliscos, flanqueados por volutas y que se estrechaban de piso a piso) se utilizaron sobre todo para decorar edificios que desde el gótico tardío prácticamente no habían cambiado. Ejemplos de ello: Casa del Flautista de Hamelin Castillo de Heidelberg El paladianismo llega a Inglaterra En inglaterra la arquitectura gótica se continuó empleando durante tanto tiempo que el Renacimiento apenas se reflejo en la construcción sacra. Con el diseño de construcciones como el Banqueting House del palacio real de Whitehall en Londres, un edificio perfecto en el más puro sentido del renacimiento, Inigo Jones introdujo en inglaterra el estilo de Andrea Palladio, que terminaría la arquitectura de este país durante los proximos 200 años. Los precursores del Renacimiento 1300 - 1420 Pintura y Escultura Los precursores del Siglo XIV No fue hasta hace unos 700 años que los pintores comenzaron a ganarse lentamente la libertad creadora de dar a los cuadros una finalidad absoluta, osea, un contenido que iba más allá del tema en sí. Desarrollaron una forma de representación en perspectiva que caracteriza hasta hoy nuestras costumbres visuales a la hora de contemplar un cuadro. A medida que crecía el interés del hombre por el mundo que lo rodeaba, también en la pintura puede observarse una tendencia que apuntaba a un realismo hasta entonces inusitado. Esta concepción nueva se documenta por primera vez en la obras de GIOTTO DI BONDONE. Escenas de la vida real Lamento por Cristo muerto Gracias a un primer y segundo plano claramente reconocibles el fresco adquiere profundidad; la superficie se convierte en espacio.
Ahora el tema se reconoce al momento y quien contempla la obra ya no necesita recomponer una a una todas las piezas tal y como sucede cuando el pintor se valía de la perspectiva jerárquica, Ambrogio Lorenzetti. Alegorías y efectos del buen y del mal gobierno en la ciudad y en el campo. El Manierismo
1530 - 1600 La pintura Veneciana
1500 - 1570 El renacimiento en Florencia
1420 - 1500 Masaccio fue el primer pintor que se dio cuenta de la importancia del descubrimiento de la perspectiva para la pintura. La Trinidad El efecto espacial que poseía el cuadro se oponía completamente a la costumbre visual de la época: los espectadores llegaron a creer que miraban una capilla colindante. El hombre y la arquitectura se someten a la misma medida, por lo que están en armonía, Paolo Ucello, La batalla de San Romano La plasticidad y voluminosidad de los caballos recuerdan
claramente la escultura clásica.
Claridad y orden dominan el cuadro.
Lanzas caidas al suelo apunten al punto de fuga. Fra Angélico, Anunciación Perseguía en sus obras la expresión
de los sentimiento humanos.
Aunque en la composición del fresco
la Anunciación observa parcialmente
las leyes de la perspectiva, en un
principio el pintor no se interesaba
por este problema artístico. El hombre en el centro de Atención: el retrato Al principio los pintores pusieron todo su empeño en buscar la forma de individualización más importante, el rostro, que ofrecía la posibilidad de representar los detalles con precisión y firmeza. Antono del Pollaiuolo,
Perfil de una joven La ruptura con el pasado Los pintores miden el mundo Se reivindicaba que debía considerarse la pintura como
un arte liberal y no como artes mecánicas.
Deseo de proporcionar a la pintura posición social y
cultura elevada, también se razonaba desde un punto de
vista objetivo, asegurando que no solo se remitía a
métodos científicos sino que contribuía de forma
importante a su desarrollo.
Solían ser los mejores eruditos, estudiaban la naturaleza
por observación propia Piero della Francesca Lo representaba todo, ya fuera un edificio, un
jarrón o un cráneo humano con atuya de complicados
dibujos.
Publicó sus descubrimientos en varios tratados. La fuerza motriz que lo impulsaba era la convicción
de que la creación divina se basaba en una geometría
perfecta. Fue de los primeros pintores del renacimiento que
reconoció el efecto de la luz y el significado del mismo en aspecto de materia y color También en la obra de Andrea Mantegna puede verse con claridad
el empuje que dieron los artistas a este desarrollo tan rápido
que solo dura un siglo y cómo se atrevieron constantemente a realizar creaciones más osadas, Imágenes con movimiento de Dioses paganos Lorenzo di Médici, (il Magnifico), convirtió la florencia de los
años setenta del siglo XV en la potencia política y cultural
más importante de Italia Uno de sus pintores protegidos más importantes, junto a
Miguel Ángel, fue el pintor Sandro Boticelli La diosa griega Afrodita surge de una esfera divina, inalcanzable y es arrastrada por la corriente a tierra firme, al mundo real. El pintor artesano se había convertido en un
erudito.
Este cambio marca entre otras cosas la
frontera entre el principio y el final del
Renacimiento, cuyo máximo exponente
de "artista- erudito" fue Leonardo Da Vinci Leonardo Da Vinci Maestro de todas las ciencias Este óleo sobre tabla comenzado en 1471 ya se ponen de manifiesto los especiales dotes de expresión pictórica de Leonardo. Leonardo desarrolla la técnica del difuminado En este periódo llevó la técnica del difuminado a su más
alta perfección. El difuminado se alcanza mediante una
suave fusión de luces y sombras; los cuerpos pierden su
rigidez y la realidad aparece desvanecida y esfumada. La realidad construida: La última cena Al igual que muchos de sus contemporáneos estudió la
representación de la realidad espacial mediante imágenes
perspectivas sobre el plano.
Copia realista del mundo. Leonardo como científico y técnico Como arquitecto e ingeniero desarrolló planos e inventos futuristas, como la contrucción de aparatos voladores propulsados por la fuerza muscular. La obra tardía de Leonardo Miguel Ángel Buonarroti Genial creador de la levedad voluminosa La sagrada familia (Tondo Doni) Miguel Ángel como escultor Creyó que, sobre todo en la escultura, podía convertir
en realidad su idea del hombre como centro de la
creación divina. David
Palazzo Vecchio La capilla Sixtina El Juicio Final Punto culminante del arte renacentista: La escuela de Atenas Rafael Al poco tiempo se convirtió en uno de los artistas más importantes de la corte papal y recibió la ayuda de muchos colaboradores.
La escuela de Atenas subraya, mediante la proyección central de sus arcos y la arquitectura interior, la reunión de las siete artes libres bajo un sólo techo con la discusión libre de los representantes por excelencia de éstas disciplinas.
El efecto dinámico viene dado sobre todo por la conjugación de lo elementos arquitectónicos, severos, rígidos y ordenados, y la cálida humanidad de los eruditos griegos que discuten vivamente. El cincuencento
(1500 - 1530) Gran arte para la gloria de Roma En el intento de legitimar el poder y la grandeza de la Iglesia mediante el arte y la cultura, el Papa esperaba derrotar con su propios medios a los reyes y emperadores, en constante lucha para acrecentar su poder. Miguel Ángel y Rafael fueron llamados a Roma, donde entraron al servicio del Papa.
Como los artistas ya dominaban a la perfección la representación del espacio, color, cuerpo, luz y movimiento, se concedió mucho más valor a la capacidad de invención que a la de pura representación de la realidad. La Vida llena de Colores Venecia fue el tercer centro cultural de importancia del renacimiento y su representante más destacable fue el pintor Tiziano Vecellio. Sus composiciones que se basaban principalmente en efectos cromáticos influyeron no solamente en la pintura veneciana sino que también concedieron al arte un impulso que sobreviviría hasta el siglo XIX cuando pintores como el romántico francés Eugéne Delacroix redescubrieron el color como transmisor de significados. Tiziano, La Venus de Urbino Los artistas de esta ciudad italiana concedían un gran valor no solo al diseño, sino también al colorido del cuadro, Giovanni Bellini, El Dux Leonardo Loredan En honor al Estado, para regocijo de los ojos Gorgione, La tempestad Pablo Veronés, Las Bodas de Caná Una boda muy alegre que hace sospechar a la Iglesia En el siglo XVI la iglesia temió perder parte del poder que ostentaba, por lo que persiguió inquisitoriamente posibles
brotes de herejía, también en el mundo del arte.
A causa de una representación de la última cena, en la que junto a enanos y bufones también pintó a alemanes (partidarios en potencia del movimiento reformista), tuvo que comparecer ante el Santo Oficio. El acusado salió bien parado del proceso inquisitorio, fingiendo ingenuidad y astucia aldeana Correggio, La noche La otra realidad El cambio en la concepción del mundo
producido por Copérnico queda claramente
reflejado en el arte italiano de este tiempo. El arte que se desarrolla durante este tiempo, el
manierismo, es un arte que refleja una situación de cambio,
motivado principalmente por la búsqueda de un nuevo
idioma pictórico. Jacopo Pontormo, Visitación Parmigianino, La Virgen del Cuello Fontainebleau Gabrielle d'Estrées y su hermana en el baño Mundos desconocidos y ambientes divinos Los manieristas convirtieron la pintura ilusionista que imitaba a la realidad, en una pintura espiritual que mostraba lo que en realidad era invisible y únicamente perceptible por el ojo interior.
En esta forma de proceder, en la que la visión personal y la concepción del artista se convertían en norma, se encuentran las raíces del arte moderno. El Greco, La resurrección Pintura de los Países bajos
1420 - 1580 La visión desde afuera Rogier van der Weyden,
Políptico del Altar de Middelburgo Pintar lo que se ve Los holandeses intentaban descubrir los secretos del mundo desde fuera mediante el ojo observador, que era capaz de ver hasta el más mínimo detalle. Los pintores se dedicaban a pintar lo que se veía y de esta forma se acercaron mucho a la perspectiva central, tal y como demuestran los azulejos en el cuadro de Rogier van der Weyden Los esposos Arnolfini, Jan van Eyck El infierno terrenal El cambio del siglo XV al XVI está marcado por la obra de El Bosco. Mientras Leonardo, Rafael y Miguel Ángel perseguían en Italia el ideal de belleza clásica, El Bosco diseñó visiones celestiales e infernales, cuyos seres fabulosos parecían salir directamente del mundo imaginario de la Edad Media. No obstante, el mensaje de estos cuadros se correspondía con el espíritu del tiempo:
Inseguridad y desesperación El infierno Alegorías terrenales Pieter Brueghel, La torre de Babel El renacimiento en Alemania
1490 - 1540 Las viejas ideas del mundo concebidas con un espíritu nuevo El cambio entre la Edad Media y la Edad Moderna se llevó a cabo con un retraso de algo más de 100 años. Mientras que Italia el Renacimiento llegaba a su punto culminante, en Alemania el arte todavía estaba estancado en las formas estilísticas del gótico. Alberto Durero:
"En mil años no hemos cambiado el arte, no ha sido hasta siglo y medio más tarde que nos ha llegado. Y espero que crezca sobre tierra firme para que pueda dar sus frutos." Matías Grunewald, Altar de Isenheim El autorretrato del año 1500 se vislumbra el cambio de conciencia de sí mismo que el pintor adquirió durante su viaje de aprendizaje a Italia. Es la imagen idealizada de un tipo de artista especial. El evidente parecido con Jesucristo hace referencia a la divinidad artística, concepción muy marcada durante el esplendor del Renacimiento. Alberto Durero, El Autorretrato Hans Holbein, Retrato del mercader Gisze Escultura La escultura en el Renacimiento tomó como base y modelo las obras de la antigüedad clásica y su mitología, con una nueva visión del pensamiento humanista y de la función de la escultura en el arte. El cuerpo humano representó la Belleza absoluta, En esta época es cuando se dio prácticamente la liberación de la escultura del marco arquitectónico, los relieves se realizaron con las reglas de la perspectiva y se mostraban a los personajes con expresiones de dramatismo que llevaban a la sensación de gran terribilità en los sentimientos expuestos en las esculturas de Miguel Ángel, como en el rostro de su David La escultura del Renacimiento se sirvió de toda clase de materiales, principalmente del mármol, bronce y madera . El bronce compitió con el mármol principalmente en monumentos funerarios, fuentes y pequeñas esculturas para decoración de interiores, así como en estatuas ecuestres como la del condottiere Colleoni en Venecia. Técnicas La técnica del tallado de mármol se recuperó en tiempos del Renacimiento con la perfección que había tenido durante el periodo clásico. A partir del Renacimiento se empleó el taladro manual o trépano para eliminar la piedra hasta una cierta profundidad. El mejor método empleado jamás por Miguel Ángel; después de haber dibujado la perspectiva principal en el bloque, empezó a arrancar el mármol de un lado como si tuviera la intención de trabajar un relieve y, de esta manera, paso a paso, sacar la figura completa. Para las obras en bronce se necesitaba la realización de la obra previamente en arcilla o en cera para su posterior fundición; después se cincelaba para suprimir los posibles defectos de la fundición, se pulía la superficie con abrasivos y a gusto del escultor se añadían las pátinas. La talla en madera, empleada sobre todo en el Norte de Europa y en España, se podía realizar también en talla directa sobre el bloque de madera con la ejecución de un boceto pequeño para su guía o con el modelo previo en yeso o arcilla, y también pasarlo por puntos como en el mármol Camafeo en ágata blanca, representando a Carlos I, obra italiana del siglo XVI. Piedad del Vaticano, obra del Renacimiento de Miguel Ángel Buonarroti. Escultura ecuestre de Bartolomeo Colleoni realizada en bronce por Verrocchio. Rapto de las Sabinas, del escultor de Flandes Giambologna, donde la composición se muestra en movimiento de espiral. Relieve de "Adán y Eva" por Ghiberti Piedad florentina de Miguel Ángel.
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