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EL BARROCO

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by

PAU S

on 1 June 2018

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Transcript of EL BARROCO

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ARTE BARROCO
DAVID
Representa
a la figura
de Goliat
PLAZA DE SAN PEDRO
Estrategias para atraer y convencer al espectador del poder de la iglesia:
el tamaño desmesurado
(que vuelve psicológicamente pequeño al espectador frente al poder papal),
el movimiento
(conseguido por la forma elíptica o el correr de las fuentes...),

la sorpresa
(en origen, al estar cerrada, el espectador entraría de golpe en ella desde una serie de callejuelas estrechas),
la participación del espectador

(al colocarle obstáculos visuales como las fuentes y los obeliscos que le impedirían ver completa la fachada y la cúpula de Miguel Ángel
CARACTERÍSTICAS DE LA ESCULTURA
1- La escultura intenta sobrepasar los límites del arte con extraordinarias soluciones técnicas, acentuando así esta tendencia a la continua TRANSFORMACIÓN.
2-La escultura barroca es representación y artificio (engaño-ilusión- simulación-falsedad), y el espacio que la rodea forma parte de la ficción.
3- Es una expresión grandiosa y monumental, se caracteriza por el urbanismo ( plazas-retratos y fuentes), arte funerario. Se preocupa por la representación de la realidad.

SIGNIFICADO
ANÓMALO-DEFORME-RARO-EXTRAÑO
Se suele decir que el Arte Barroco es el arte de la Contrarreforma. Para reaccionar contra los Protestantes, la Iglesia Católica alentó la edificación de templos con abundancias de escultura.
Este arte apareció a mediados del siglo XVI, en respuesta a una nueva visión del mundo.
El manierismo comienza a usar los cánones clásicos, el barroco, abandona la serenidad clásica para expresar un mundo en movimiento y agitación de los sentidos. Por tanto, la tendencia del barroco es a la exageración y la ostentación, evitar los desnudos y las escenas escandalosas.
El hombre, pequeño ser en un cosmos infinitamente grande, observaba con interés y estupor este nuevo universo.Por eso cuando el artista representaba la naturaleza, trataba de captar su continuo devenir.
Arrancan un colmillo
de la estatua del
Elefante de Bernini en Roma

El fragmento fue arrancado y apareció a los pies de la famosa escultura barroca , según confirmó la asesora del municipio del centro
histórico de Roma.
4- Empleo de diversos materiales: mármol, bronce y madera. Buscan los efectos que puede producir cada material.
5- La temática es variada, se relaciona con la Iglesia y la muerte con carácter dramático y pasional.

GIAN LORENZO BERNINI
Su meta será convertir la Roma imaginaria en una Roma real.
características del artista:
Proyección espacial de la escultura.
Posee sentido escenográfico
Modela las figuras por medio de la curva y multiplica los planos generando mayores sensaciones.
Piensa que... gracias a la técnica el consigue hacer realidad lo que tiene
en su imaginación.
REALIZÓ UNA EXTRAORDINARIA MÁQUINA EN FORMA DE ELEFANTE, DE UNA ALTURA DE OCHO METROS,
QUE ECHABA FUEGO POR LA TROMPA.
Toda su fuerza está enfocada hacia afuera, parece que la estatua crease un espacio cargado de energía.
Tiene un punto de vista que está construido por la pierna, el cuello y el cuerpo que se equilibra con el giro de la cabeza y el brazo que sostiene la piedra.
Refleja la tensión antes de la acción: los dedos de los pies están conteniendo tensión contra el suelo, o en los ojos cuya mirada parece traspasar a su enemigo. o en la honda.
APOLO Y DAFNE

REPRESENTA
LA VICTORIA
DE LA CASTIDAD
SOBRE EL AMOR.
La plaza es considerada un triunfo de arquitectura barroca pues no era fácil proyectar una plaza siguiendo las órdenes del papa: Éste pidió a Bernini que ampliara la plaza de la Basílica, teniendo presente que existían edificios al rededor que no debían ser demolidos y además debía preservar una simetría que se uniera armónicamente a la ya existente Basílica.
La genial solución de Bernini fue realizar un columnado, el más extraordinario jamás construido, que circunda la plaza y traza su forma con dos cuerpos bien distintos: Una parte de forma trapezoidal, que acompañan la vista del espectador hacia la entrada de la Basílica; Y otro cuerpo de forma semi elíptica. Esta Forma tiene un profundo significado simbólico que pocos conocen: Bernini en un dibujo adaptó la Basílica como una figura humana, donde la cúpula representaba la cabeza y el columnado eran los brazos abiertos listos para recoger en sí a los peregrinos y a toda la Humanidad.
Bernini crea un gran escenario teatral en donde el poder papal se representará en numerosos actos (misas solemnes, bendiciones) al igual que lo hará el poder del rey en sus jardines o en las Plazas.
Para todo ello toma elementos de tradición clásica (orden dórico, esculturas...) y manieristas (orden gigante de Miguel Ángel,
escultura sobre columna de Palladio), aunque
utilizándolos
de forma típicamente barroca
(al perder la armonía y antropocentrismo renacentista)
poniéndolos al servicio de la propaganda sobre las clases bajas, que no necesitarán pensar (como era habitual en el Renacimiento, tan racionalista) sino simplemente sentir (
pues será lo emocional, la atracción a través de los sentimientos, lo típico del barroco).
4 FILAS DE COLUMNAS
C/U 16 m. DE ALTO

EN TOTAL 284 COLUMNAS
BORROMINI:
EL ARTISTA SE PROYECTA SOLUCIONES SOBRE LA PROPORCIÓN
NICOLA SALVI
FONTANA DI TREVI

La monumental fuente que hoy admiramos fue construida en el siglo XVIII por un hombre casi desconocido, llamado Nicola Salvi, que sorprendió a todos con este diseño asombroso.
Los trabajos para su construcción se prolongaron durante 30 años y acabaron arruinando la escasa salud de Salvi, que murió sin poder acometer otros proyectos y sin ver terminada su hermosa fontana.
"Un canto al agua y a la vida"
que transmite su optimismo a todos los que lo visitan.

Juegan con la piedra creando sinuosas caídas hasta llegar al estanque en donde se calman y se multiplican los juegos de reflejos partidos, las ondas de colores, la realidad siempre tan compleja que cambia de un segundo al siguiente.
En la parte superior campea el escudo del papa entre dos famas aladas de tocan alegres sus trompetas; el triunfo romano que la iglesia (como en tantas ocasiones) cristianizó.
Bajo ella cuatro esculturas de bulto redondo representado las cuatro estaciones, el paso del tiempo, circular y cíclico (como el agua)
Neptuno. El artista juega con las luces y las sombras sobre la figura principal enmarcándola bajo un arco del triunfo y rodeándola de columnas, de ahí que su visita cuando cae el sol sea obligada.
A ambos lados, creando un triángulo central que atrae la mirada, dos tritones tocando sus caracolas que intentan domar a los caballos marinos alados que arrancan furiosamente hacia el espectador, chapoteando ruidosamente en el agua.
¿EXISTE UNA LEYENDA?
La más popular es la que dice que si lanzas una moneda con la mano derecha, de espaldas a la fuente y sobre el hombro izquierdo, regresarás a Roma.

Para quien busque enamorarse
puede lanzar dos monedas y encontrará
el amor de un italiano o italiana
y si lanza tres se casarán.

BORROMINI
Se planteo el problema del espacio desde un nuevo prisma, abordándolo como un elemento arquitectónico constitutivo. En su tratamiento los espacios de un criterio de dinamismo respecto a las fuerzas exteriores e interiores del edificio contra la pared como punto crítico donde convergen.
LA PINTURA BARROCA
El naturalismo construye una reacción a las bases manieristas, y apoya y defiende el acercamiento a la naturaleza y a la realidad inmediata.
TENEBRISMO: Para entender su significado, hemos de partir de una idea previa: la importancia que la luz juega siempre en cualquier pintura.
Esto es así por una sencilla razón: si no existiese
luz
alguna, el pintor no podría llevar a cabo su trabajo.
Partiendo de este presupuesto tan básico, los pintores se han dedicado, a lo largo de la historia, a representar en sus obras no sólo la luz en si misma, sino sus efectos sobre lo representado.
Pero es evidente que retratar la luz exige también reflejar las sombras, dado que en circunstancias habituales la luz no incide por igual en todos los objetos y genera una amplia gama y diversos matices de sombra.
En todo cuadro (y en función de la luz que en el se recoja) van a convivir zonas más claras con otras más oscuras que quedarán tratadas de distinta manera según la sensibilidad personal de cada pintor.
EN ESTA OCASIÓN CARAVAGGIO HACE ENTRAR LA LUZ EN LA OSCURIDAD POR MEDIO DE UN RAYO PARA RESALTAR LO QUE EL DESEA. ESO ES LO QUE DENOMINAMOS TENEBRISMO, LA LUZ NO SÓLO ILUMINA SINO QUE CONSTRUYE Y MODELA. DESTACA UN CUERPO, OCULTA OTRO, CREA UNA ATMÓSFERA.
CARAVAGGIO
Es un artista que se inserta en lo popular y lo real, sus personajes se inspiran en el presente y los objetos que aparecen en sus cuadros, inician el género de naturaleza muerta.
Éste realiza episodios evangélicos inspirados en la realidad circundante, esto hace que sea más comprensible.
La vocación de Mateo
• Representa objetos de la vida cotidiana, una mesa con monedas desparramadas, un tintero, un libro y un saco con dinero.
• Los personajes están divididos en dos grupos.
• La luz destaca a todos los personajes, entra en diagonal desde la derecha, acentuando y demostrando las expresiones de los rostros, las manos y la mesa.
¿Qué hace de esta escena un cuadro religioso?
Varios gestos y detalles:
La mano extendida y la fuerza de los ojos de uno de los que llegan, gesto inspirado en la mano de Dios en la Creación de Adán en la capilla Sixtina.
Un haz solar ilumina y da fuerza a la mano de Jesús, como una invitación. Es posible que sin ese dato el cuadro hubiera perdido su poder simbólico y mágico; significa el sentido divino: la luz entra con Cristo para orientar a Mateo, siguiendo el pasaje evangélico: …al pasar, vio Jesús a un hombre llamado Mateo, sentado en el despacho de impuestos, y le dice: “sígueme”. Él se levantó y lo siguió.

agregar
material de
fotocopias
LA PINTURA HOLANDESA:
El pintor holandés prestará especial atención a la historia de lo cotidiano para:
Representar en su temática la vida cotidiana, estampas de la vida corriente tales como vestidos, costumbres, recuerdos de las familias, hasta la historia de su vivir socioeconómico y humano.
Representar el paisaje, que nos llevará a ver cuadros de verdes praderas con animales pastando, salpicadas de molinos de viento o de agua, paisajes de mar y de agua, se recurre a las ventanas para ver los interiores, como medio de acceder a la intimidad, o recurren a los paisajes marineros debido a la vinculación con el mar, representando siempre su belleza y su tragedia.
Los pintores holandeses se destacan por ser grandes retratistas, tanto de individuos como de colectivos.
ES UNA PINTURA LLENA DE DETALLISMO
Y PARA SER OBSERVADA DESDE CERCA.
REMBRANDT
Es el pintor del óleo y del aguafuerte, y del estudios de la luz. Una luz misteriosa que envuelve a los personajes y los aísla del espectador.
La TEMÁTICA conserva:
*Pintura religiosa, escenas del antiguo testamento y paisajes evangélicos interpretados con gran dramatismo.
*Los retratos son en grupos, es un pintor del ser humano y de sus sentimientos.
*Autorretratos: obsesionado por su propio rostro.
*Pintura mitológica: se encuentran siempre un elemento misterioso o de inquietud intelectual
*Se acerca a la naturaleza muerta.
EL REGRESO
DEL HIJO PRÓDIGO
Es una obra que expresa a través del hijo la herencia paterna, decide retornar harapiento y descalzo a la casa del padre. Rembrandt muestra al hijo arrodillado, descalzo de un pie, rapado de cabeza, vestido zaparrastroso.
El padre sale a su encuentro, colocando las manos sobre la espalda un gesto de acogimiento y perdón.
LA LECCIÓN DE ANATOMÍA DEL DOCTOR TULP
HALS:
Es un retratista, con gran ligereza de toque a base de pinceladas grandes y decididas, con amplia repercusión en el siglo XIX, es el verdadero artista del retrato.
VERMER:
Es el creador y el máximo exponente del cuadro interior, en sus obras demuestra pocos personajes en un escenario realista ocupados en las labores cotidianas. Su paleta de colores es clara y todas sus composiciones están minuciosamente trabajadas. Utilizaba veladuras para llegar a los pequeños brillos y toques de luz, tiene una diversidad de texturas increíbles.
LA PINTURA FRANCESA:
GEORGE DE LA TOUR:

El artista combina la composición equilibrada y rigurosa con un tenebrismo absoluto, usa como foco único una lámpara o una vela bien concreta y visible. En sus escenas encontramos una luz fría y clara, y en las nocturnas una luz artificial y elimina el color.
LOS ARTISTAS CLÁSICOS DE FRANCIA SON:
POUSSIN:
Crea un estilo basado en la antigüedad y cargado de significados, se destinan a hombre cultos, expertos. Se destaca con la temática mitológica, paisajes con arquitectura y religión.
CLAUDIO DE LORENA:
Es un artista que elevó la temática del paisaje a la cima, sus escenarios son muy contrastados de colorido, lleva la mirada hacia el horizonte y funde las tonalidades en el fondo.
RUBENS:
dibujaba sus composiciones y preparaba bocetos coloreados que luego eran copiados por sus colaboradores y retocados por él.
Rubens aplicaba la pintura en mucha capas transparentes con poco pigmento y mucho óleo, para que las capas profundas fueran visibles, solía dibujar con el pincel, y construía las figuras pasando de lo oscuro a lo claro, desarrollándolas con colores claros.
VELÁZQUEZ
El artista ha logrado combinar a la perfección la teatralidad y el dinamismo dentro de una misma composición; así el baldaquino de San Pedro se ha convertido en una de las piezas más representativas del estilo barroco.
BALDAQUINO
Demoró 9 años en construir el baldaquino permanente que sirve como silla papal y se sitúa sobre la tumba de San Pedro en el altar mayor de la basílica. El artista planteó una gran obra de más de veintiocho metros de altura sustentada por cuatro columnas salomónicas profusamente decoradas con elementos animales, vegetales y geométricos. Así encontramos elementos como el laurel que aluden a la condición poética del pontífice y las abejas del emblema en su escudo. Las columnas se rematan con un capitel compuesto por capitel corintio con volutas jónicas.
BASÍLICA DE SAN PEDRO
En 1505 se decidió la construcción de una nueva basílica en reemplazo de la primitiva Basílica de San Pedro poniendo a cargo del proyecto y ejecución de las obras al arquitecto Bramante. En su diseño, Bramante propone una planta en cruz griega (los cuatro brazos iguales) con cuatro ábsides sobresaliendo en parte, en los lados.
Al fallecer Bramante en 1514, la dirección de las obras fue puesta a cargo de Rafael Sanzio; Rafael muere en 1520 y lo sucede al frente de la construcción Antonio da Sangallo. En 1546, al fallecer Antonio da Sangallo, fue nombrado arquitecto de la obra Miguel Ángel Buonarroti.

La iglesia más grande del mundo tiene una superficie de piso de 21.477 m2, un largo de 186.35 m y 97.50 m de ancho; su nave mayor tiene una altura de 40 m. La cúpula se eleva a 132.50 m sobre el nivel del piso, tiene una circunferencia de 92 m y la inscripción que se ve como un cinto en la base de la cúpula dice: "Tu eres Pedro, y sobre esta Roca edificaré mi Iglesia, y te daré las llaves del cielo"; las letras miden 2 metros de altura.
340 metros de largo por 240 metros de ancho. En total la dimensión de la Plaza y Catedral es de 507 metros.
Fue un maestro en manipular los espacios pequeños.
La fachada, alta y estrecha, tiene elegantes curvas y sus ventanas cóncavas y convexas le dan un ritmo cambiante. Esta fachada terminada por su sobrino, consta de dos pisos separados por un entablamento y tres cuerpos verticales. El muro, también ondulante, se articula por medio de cuatro columnas exentas de orden gigante con fuste liso y capitel corintio que soportan el entablamento.
LA PINTURA ESPAÑOLA: La pintura del siglo XVII constituye una entidad propia con respecto al resto de las escuelas por la gran calidad de su conjunto y la personalidad de sus actores.
Los temas cultivados son:
Religiosos (por encargos de monasterios, conventos, parroquias).
El retrato que destaca la dignidad del personaje
El Bodegón como expresión de la acción creadora de Dios a través de los objetos más humildes
Mitológico encargos de privados para la decoración.

José Rivera: su naturalismo lo lleva a presentar a sus personajes con un gran detallismo, que va desde las arrugas hasta los más pequeños detalles fisonómicos.
El Patizambo

Zurbarán: es reflejo de la vida, las creencias y las aspiraciones de los ambientes religiosos. Sus características formales son: la vocación naturalista y tenebrista, sombras suaves y transparentes, ya que él las concebía como medio para acentuar el volumen de las figuras. Éstas son monumentales y estáticas, con dibujo preciso y colorido claro.
San Hugo en el Refectorio
El cuadro está compuesto con líneas rectas que se cruzan; los siete cartujos se disponen detrás de la mesa (dos de ellos quedan recortado en el margen como si de un encuadre fotográfico se tratase) marcando las líneas verticales junto con el criado del obispo y el propio San Hugo, que ya anciano se encorva y debe sostenerse con un bastón. Las mesas del refectorio dispuestas en L marcan las líneas horizontales.

El artista ha dispuesto en último plano la presencia de un cuadro en donde se aprecia a la Virgen y el Niño acompañados de San Juan Bautista; este recurso de un cuadro dentro de otro será muy popular en el barroco. Zurbarán presta en este lienzo tanta atención a los detalles que la mesa sobre la que se disponían a comer los monjes se ha convertido en un auténtico bodegón. Así se aprecia la calidad táctil de los materiales en las vasijas de barro de los cartujos y en el mantel de lino blanco que contrasta con el blanco de los hábitos de los monjes mostrando el pintor una singular pericia del dominio del colorido. La luz es clara y brillante y se difunde de manera homogénea por toda la composición.
LA PINTURA FLAMENCA
El contexto durante el siglo XVII:
- Una corte llena de bullicio, de animación, de vida alegre.
- Se ama el arte en general y la pintura en particular.
-Se recupera la burguesía, lo que se traduce en una expansión de la vida económica, cuyas manifestaciones más claras pueden ser: crecimiento de la industria, el comercio, el monopolio.
- Se desarrollan las Peregrinaciones, contando con personas cultas de las diferentes ramas del saber y de las artes.
VELÁZQUEZ
Gran parte de su obra iba destinada a las colecciones reales y pasó luego al Prado, donde se conserva.
La mayoría de los cuadros pintados en Sevilla, en cambio, ha ido a parar a colecciones extranjeras, sobre todo a partir del siglo XIX.
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