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Esculturas

Epocas y estilos de esculturas grecia,roma,egipto,mesopotamia,edad media,renacimiento
by

Jose Saguas Loncon

on 31 October 2012

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Transcript of Esculturas

Esculturas Definición y Descripción De Escultura Escultura Romana Durante el periodo de la Grecia Clásica existió una clara preocupación por conseguir belleza y naturalismo, por lo que aparece un mayor movimiento y libertad de posturas en su escultura.

Las primeras esculturas griegas, - más o menos las que van desde mediados del S. VII a.C. hasta casi la mitad del S. V a.C. - fueron ejecutadas en gran medida a base de labor del puntero. Grecia Título: Laocoonte y sus hijos

Técnica: Fundición en la obra original y talla en la copia

Material: El Original era de bronce y la copia de mármol

Dimensiones: 2.42 metros de altura Escultura griega Roma Escultura es el arte de modelar, tallar y esculpir en barro, piedra, madera, metal u otra materia conveniente, representando en volumen, figuras de personas, animales u otros objetos de la naturaleza o el asunto y composición que el ingenio concibe.

Se llama también escultura a la obra hecha por un escultor.

El origen de la escultura puede explicarse considerando cuán natural es en el hombre la tendencia a imitar, en volumen, las formas de la naturaleza y qué espontáneo placer experimenta el alma humana en la rítmica combinación de la línea y la masa.

Este arte ha creado en el curso de su historia, dos clases de belleza: la imitativa y la imaginativa. LA ESCULTURA ROMÁNICA no surge por generación espontánea,; hay que buscar sus antecedentes en los ensayos prerrománicos de los pueblos bárbaros: joyas, marfiles, iluminación de códices, etc., en la estatuaria bizantina: la herencia grecolatina mediatizada por la espirtualidad cristiana (hieratismo, simbolismo y carácter sobrenatural) y en la escultura tardorromana y los sarcófagos paleocristianos, que aportaron rasgos formales e iconografía.
Antinaturalismo: desconexión de lo representado con el mundo real. Carácter simbólico y alegórico. Se busca a expresión del contenido religioso.
· Las figuras se deforman intencionadamente buscando el impacto emocional.
· Simplicidad y estilización. Geometrismo y abstracción.
· Rehusa la representación del cuerpo humano desnudo, todas las figuras se cubren con vestiduras. No hay canon de proporcionalidad, ni equilibrio entre masa y peso.
· Las figuras son rígidas, hieráticas. Solemnes y alargadas, para acentuar su carácter espiritual. Técnicamente aparecen como primitivas, con un cierto aire arcaico.
· Ausencia general de movimiento.
· Las composiciones y escenas se yuxtaponen en un mismo plano, sin formar grupos.
· Falta volumen, las composiciones son planas y simétricas, con un claro predominio de la frontalidad.
· Es una plástica que se dirige a la mente, de una gran carga intelectual, dado que transmite contenidos ideográficos con una evidente afán didáctico. EL EMPERADOR MARCO AURELIO A CABALLO
Autor desconocido
166 d. C.
Bronce sobredoradoMuseo Capitolino (original)-Plaza del Campidoglio (copia), RomaEscultura romana Egipto La escultura egipcia fue ante todo, animista. Encontró su razón de ser en la eternizacion del hombre después de la muerte. Fue una escultura eminentemente religiosa. La representación de un faraón o un noble, era la reemplazante física del muerto, su doble, en caso de descomposición del cuerpo momificado. Escultura Egipcia En cuanto a las estatuas colosales de templos y palacios, surgieron a partir de la Dinastía XVIII como parte de la nueva arquitectura imperial. Poco a poco, las formas se fueron complicando y pasaron del realismo ideal al amaneramiento completo. Con los reyes tolemaicos la gran influencia de Grecia se hizo sentir en la pureza de las formas y el perfeccionamiento de las técnicas. El Busto de Nefertiti
Tipo de obra: escultura exenta o escultura libre
Título: El Busto de Nefertiti.
Autor: Tutmose, escultor real del faraón Ajenatón. Mesopotamia Los MATERIALES utilizados son: piedra, arcilla, alabastro, bronce, madera y marfil. También encontramos ejemplos en oro.
Las CARACTERÍSTICAS son: profundidad en la mirada marcando mucho los ojos, manos grandes, por lo general juntas. El tamaño de la escultura depende del rango del personaje representado. El torso marca mucho los hombros, lo que da a la escultura una forma triangular en el tronco. Se incrustan piedras preciosas en los ojos, pronuncian mucho la nariz y las bocas son pequeñas. Las figuras se asientan sobre una base para sostenerlas, aunque muchas veces la postura es sedente (sentada). Una forma de distinguir las épocas es si la figura lleva o no barba.
Son figuras frontales, la imagen se capta desde la visión frontal, dejando las partes posteriores en ocasiones para marcar escritura cuneiforme ó dejarla lisa. Respecto al RELIEVE, siguen el sistema egipcio de la figura en perfil, en forma lineal en franjas, y sucesión de filas. Marcan contornos y no dan profundidad. Sobre todo realizan Estelas de carácter histórico y jurídico, es el primer pueblo que realiza leyes escritas. La mayoría de las figuras aparecen en enterramientos y templos, entre las que destacan las aparecidas en el templo de la ciudad de Mari. Escultura Mesopotamica Título de la obra;
“Toros alados androcéfalos del Palacio de Jorsabad”
Cronología;
Período neoasirio, Reino de Sargon II (721-705 ac)
Dimensiones;4,20m x 4,36m
Material: Alabastro
Técnica: Escultura tallada en alto relieve y bulto redondo. El golpe de puntero, aplicado al bloque en ángulo recto produce, más que surcos, muescas. En el torso masculino encontrado en la isla de Naxos (...), la parte delantera, la posterior y también los dos costados de la figura presentan exactamente el mismo estadio de preparación: el mármol punteado por pequeños agujeros. Es evidente que el escultor había aplicado el puntero en ángulo recto, sin utilizar ningún otro tipo de golpe. En otros períodos se utilizó intensamente el trépano, y no es de extrañar así que los resultados varíen considerablemente. No obstante, los útiles más importantes han sido siempre, y siguen siéndolo, el puntero, el cincel plano y el dentado, y el trépano. (...) Las estatuillas de barro eran piezas concebidas como complementarias del ajuar en el ritual funerario. Esto justificaría el exagerado naturalismo logrado por los escultores egipcios, sobre todo en el Imperio Antiguo. Con el paso del tiempo, al igual que la pintura, la escultura se estilizó. Edad Media Las esculturas en la Edad Media más importantes son las realizadas durante el arte Románico y luego durante el arte Gótico. Durante el Gótico, las figuras de las iglesias tienden a ser cada vez más realistas (proporción, anatomía, movimiento, tamaño similar entre figuras, etc.) y comienza a aparecer un gesto que marca el camino hacia la humanización de las figuras representadas: la sonrisa. Se trataba básicamente de altorrelieves que cubrían en especial los capiteles de las columnas con imágenes religiosas o fantásticas, en un estilo simple y expresivo. Las realizadas en los tímpanos de las iglesias, (superficie que queda entre el arco de medio punto y el dintel)tanto en las fachadas como en los nártex, tienen como temas más comunes el Apocalipsis, los cuatro evangelistas, y la Virgen entronizada. Similares a las pinturas egipcias (por tratarse de una época de arte muy teocéntrica), las figuras no son realistas, y no respetan el tamaño proporcional sino que éste varía según la sacralidad o la jerarquía: por eso las figuras de mayor tamaño eran las de Cristo y la de la Virgen, aunque por lo general, eran representadas en escenas separadas. Predomina en ellas la expresión más que el realismo, por eso tampoco se respetan las formas anatómicas, ni el movimiento, ni las proporciones. Escultura de la edad media Escultura del Renacentista Características: Las esculturas dormidas de Isabel y Fernando descansan sobre un lecho tronco piramidal que permite amplios laterales para desarrollar un importante grupo de símbolos con escenas religiosas alusivas al triunfo espiritual sobre la muerte (Bautismo de Cristo, Resurrección) "Sepulcros de los Reyes Católicos" Autor: Domenico Fancelli
Fecha: 1514-25
Museo: Museo catedralicio de Granada
Material: Mármol Renacimiento La escultura renacentista se basó en la tradición de la antigüedad, especialmente en el período helénico y es predominante religiosa. Al igual que la arquitectura, la escultura renacentista nació en Florencia y manifestó igual tendencia profana. Una de sus manifestaciones más originales es la escultura en madera policromada. Son numerosos los retablos con escenas de la pasión de Cristo y los temas dedicados a la Virgen María. Los artistas están más preocupados por expresar los sentimientos que por buscar la armonía de las formas y pretenden sobre todo incitar a la devocación. Se caracteriza por las representaciones del cuerpo humano con un tratamiento perfecto de la anatomía. Se plasma el movimiento, intentando conseguir el equilibrio y la perfección. Los materiales con los que se moldean las figuras son el mármol, la madera, la terracota y el bronce. Buscó la expresividad y la perfección formal y dio muestras de gran penetración psicológica (San Juan Bautista de Donatello).
Las características más destacadas de la escultura renacentista son:
Vuelta a las formas clásicas
Predominio del retrato y de los temas mitológicos, alegóricos y religiosos
Estudio del desnudo y de la anatomía
Materiales: mármol y bronce (madera, principalmente en España). Barroco Entre las características generales del arte barroco están su sentido del movimiento, la energía y la tensión. Fuertes contrastes de luces y sombras realzan los efectos escenográficos de muchos cuadros, esculturas y obras arquitectónicas. Una intensa espiritualidad aparece con frecuencia en las escenas de éxtasis, martirios y apariciones milagrosas. La insinuación de enormes espacios es frecuente en la pintura y escultura barrocas; tanto en el renacimiento como en el barroco, los pintores pretendieron siempre en sus obras la representación correcta del espacio y la perspectiva. El naturalismo es otra característica esencial del arte barroco; las figuras no se representan en los cuadros como simples estereotipos sino de manera individualizada, con su personalidad propia. Los artistas buscaban la representación de los sentimientos interiores, las pasiones y los temperamentos, magníficamente reflejados en los rostros de sus personajes. La intensidad e inmediatez, el individualismo y el detalle del arte barroco —manifestado en las representaciones realistas de la piel y las ropas— hicieron de él uno de los estilos más arraigados del arte occidental. Rococó Escultura del Rococó Romanticismo Escultura del Romanticismo La escultura es otra área en la cual intervinieron los artistas rococó. Étienne-Maurice Falconet (1716–1791) es considerado uno de los mejores representantes del rococó francés. En general, este estilo fue expresado mejor mediante la delicada escultura de porcelana, más que con estatuas marmóreas e imponentes. El mismo Falconet era director de una famosa fábrica de porcelana en Sèvres. Los motivos amorosos y alegres son representados en la escultura, así como la naturaleza y la línea curva y asimétrica.
El diseñador Edmé Bouchardon representó a Cupido tallando sus dardos de amor con el garrote de Hércules, un símbolo excelente del estilo rococó. El semidiós es transformado en un niño tierno, el garrote que rompe huesos se transforma en flechas que golpean el corazón, en el momento en que el mármol es sustituido por el estuco. En este periodo podemos mencionar a los escultores franceses Jean-Baptiste Lemoyne, Robert le Lorrain, Michel Clodion y Pigalle. Se desarrolla principalmente entre 1830 y 1848.
Se desarrolla con una originalidad mayor, con una expresión menos idealizada de las formas.
Frente la ideal de la tranquilidad clásica Neoclásica hay una muestra patetista, con un gestualismo algo retórico que está casi en las antípodas de esa armonía.
Formalmente las composiciones están en movimiento, están regidas por diagonales y las composiciones son abiertas.
Hay un énfasis en los valores pictóricos, texturales, no tanto como la plasmación del desnudo más los efectos texturales tanto de los paños como de otros elementos como puden ser las barbas.
Novedades iconográficas:
1º- El monumento patriótico; dedicados a héroes, la localidad o la nación que aparecen en monumentos que conmemoran algún hecho patriótico o decisivo para la nación. Exalta el valor nacional, no es neoclásico.
2º- Animal; sobretodo de Bary con leones o jaguares o animales que luchan entre si. Es una búsqueda de lo irracional, la expansión, la expresión de la vigoroso y la fuerza sin contención por la razón, Bary nunca funde los cuerpos, mantiene la anatomía de cada figura con una adaptación acerada del movimiento y una expresividad propia de cada animal.
3º- Retrato; sobretodo por David D’angres, que sigue las traiciones del Neoclasicismo sobretodo por el gusto por los desnudos, pero valora más lo decorativo, más ecléctico y menos purista. Aprovecha las características neoclásicas diluyendo su rigor a efectos más decorativos, sentimentales. Precolombina Escultura Precolombina Oriental Escultura Oriental Contemporánea Escultura Contemporánea En los ejemplares escultóricos que se conservan de los primeros pobladores del Nuevo Mundo encontramos abigarradas estatuas de monstruosas divinidades, esfinges, relieves simbólicos y más o menos históricos y jeroglíficos. En todos ellos, se descubren muy notables reminiscencias egipcias, asirias e indias que denuncian el origen oriental de los primeros pobladores de América.
Se distinguen los siguientes tipos de arte:
el arte nahua-maya, se distingue por exuberancia ornamental y simbólica hasta llegar al barroquismo. Se descubre en Tollan, Tula, México (la piedra del calendario mexicano y la del rey Tízoc) y, sobre todo, en Palenque y Guatemala. Se observa en los relieves la misma disposición de perfil con los ojos del frente que se aprecia en el arte oriental y las figuras alternan con jeroglíficos como sucede en Egipto.
el arte aymara-quechua: éste se presenta más sencillo y desprovisto de adornos y más realista.
el quechua se manifiesta en las vasijas peruanas antropomorfas y, antes, en las estatuas de Colombia, Costa Rica y Nicaragua sin que falten ejemplares en México por donde acaso bajaron las tribus que se establecieron después en el sur de América.
Entre los relieves de Palenque es famoso el del Templo de la Cruz en el cual se admira una cruz grande en relieve apoyada sobre un monstruo y coronada con un ave misteriosa. A sus lados, se hallan dos personajes en actitud de ofrecerle dones y detrás de ellos se advierten multitud de jeroglíficos. Parecido a éste, es el relieve de las ruinas de Lorillard, el cual forma parte del dintel de la puerta de un templo. Sólo que los personajes se presentan más ricamente engalanados y empuñan cruces también coronadas con el ave fantástica. Entre ambos personajes y diseminados por el dintel, se encuentran varios jeroglíficos. Se supone que la cruz entre los antiguos indios era símbolo del dios de la lluvia y de la fecundidad. Pero este símbolo americano puede ser una lejana reminiscencia del cristianismo importada allí por los asiáticos en los primeros siglos después de Cristo aunque el tiempo y las distancias hicieran olvidar su verdadero significado. Se encuentra en monumentos de Palenque, Copán, Cuzco, Paraguay, etc.
Temas Tratados : Estamos pues ante una obra cláramente propagandística y política.La mujer, considerada como una representación del genio de la guerra, tiene la boca abierta, en una clara alusión a la llamada a las armas al pueblo. La escultura china tiene origen milenario, pero a diferencia del resto de las artes (sobre todo en el arte de la pintura y la literatura) poco se sabe sobre los autores de las grandes esculturas que hoy en día yacen a lo largo de todo China. Esto se debe a que los escultores eran considerados de clase muy inferior, y por este motivo no eran mencionados en los libros y documentos históricos.
Las esculturas chinas por lo general se relacionaban con la religión y los próceres tanto verdaderos como ficticios, encontrándose en su gran mayoría dentro de templos budistas y taoístas y como también se manifestaban coronando los mausoleos. Una característica típica de las esculturas chinas, es la enfatización de las vestiduras de los personajes, marcando una gran diferencia con respecto a la escultura tradicional occidental. Los mejores ejemplos se encuentran en las grutas de Longmen, Yungang, y Dazu.
A lo largo de todo el país se pueden apreciar numerosas esculturas de Buda, reflejando las fuertes influencias provenientes del Tíbet y la India. Éstos poseen rasgos finos, con miradas distantes y misteriosas, otorgándoles mas misticismo a la obra. Pero a lo largo del tiempo, sus características fueron cambiando, siendo mas influenciadas por el arte chino, a partir de los siglos VII y VIII, donde comienzan a aparecer esculturas de budas con mayor expresión, alegría y reales, con líneas mas curvas y formas blandas. La escultura contemporánea se entiende como una de las más modernas dentro del campo del arte, pero esto no implica que su historia sea breve; la misma fue influida por varios movimientos que la han convertido en lo que hoy es. Durante el siglo XX la escultura ha protagonizado una ruptura con el pasado; podemos asegurar que ésta junto con la pintura, surgieron en este siglo como dos ramas complementarias de una misma búsqueda formal y a su vez persiguiendo fines iguales. Las escultura contemporáneas no fueron hechas únicamente por artistas con el mote de “escultores” sino que éstos eran a la vez pintores, los ejemplos más claros son los de Matisse, Picasso y Degas, ellos utilizaban la volumetría escultórica para verificar la validez de su propia visión.
Características propias de la escuela contemporánea
Las esculturas contemporáneas tienen como característica principal el cambio; durante el siglo XX se pierden las tradiciones técnicas y cae la función conmemorativa que solían tener las obras.
Las funciones tradicionales que solían tener, en especial si hablamos de las religiosas y políticas, se fueron desvaneciendo de a poco; las esculturas contemporáneas ya no son los vehículos de pensamiento y de ética abstractos como lo eran antes; es por esto que en su período se buscan nuevas funciones y simbologías. Este tipo de obras ya incluye otros materiales que antes no eran tenidos en cuenta, los mismos permitían al escultor liberarse de los condicionamientos convencionales; los mismo ocurrió con la aplicación de la metalurgia industrial, ésta permitió a los escultores incorporar metales a sus obras.
pensador de Rodin
Picasso construyó una cabeza de toro con una silla y una manivela de una bicicleta, de esta forma vemos que un objeto tomado de la vida real se incorpora a una escultura y se convierte en obra de arte debido a que se le otorga un valor puramente estético. El impresionismo fue un movimiento antiguo, principalmente pictórico, que brindó algunos aportes al mundo de la escultura, y aunque, al principio, varios entendidos del arte estaban en desacuerdo con emplear esta técnica en dichas obras Augusto Rodín se encargó de demostrar lo contrario. Puede decirse que las esculturas contemporáneas nacieron de su mano; en un viaje que realizó a Bruselas en 1871 descubre los efectos del Barroco Flamenco en obras de Rubens, y luego en Italia, queda seducido por las obras de Miguel Ángel. A partir de allí es donde comienza la era de las esculturas contemporáneas, se rompen los cánones académicos y se deja de lado a la importancia de las críticas del arte oficial.
Rodín padeció la burla de varios de sus trabajos (El Pensador y El Beso), pero a pesar de ello continuó con esculpiendo a su manera; las anatomías de sus obras revelaban las deformaciones típicas del Expresionismo.
La escultura contemporánea es sin lugar a dudas la que experimenta una revolución más radical; esto sucede porque sus tendencias evolucionan siguiendo un camino paralelo al de la pintura; su punto culmine lo alcanza con el cubismo. Aquí la figura humana pierde su omnipresencia para dar paso a las formas geométricas; otra característica que podemos ver en las esculturas contemporáneas es el “patetismo” encontrando así un lenguaje escultórico nuevo. Escultura del Barroco Título: El pensador
Autor: Auguste Rodin
Técnica y materiales: Bronce (prolongado en pto. f)
Año de ejecución: 1880 - 1900
Medidas: 1,98 x 1,298 x 1,34 m Temas Tratados: La exposición al desnudo de este ser pensante muestra al hombre en su estado más puro y natural, con una clara muestra de que el hombre necesita despojarse de todo lo que le pueda incidir para lograr el verdadero pensamiento interior.
Es también una muestra de la falta de racionalidad auténtica de la época, donde el ser humano se sentía tan influenciado y atraído por cosas banales, que ya no podía llegar a la real dimensión de la mente.
El Pensador de Rodín es el reflejo de una lucha interna por la meditación y el poder abstraerse del mundo exterior para lograr el equilibrio espiritual.Es la muestra de que se puede lograr abstraerse de todo y procurar el equilibrio emocional, es cuestión de proponérselo ya que cualquier ser humano tiene ese poder, solo que no siempre se intenta.El Pensador de Rodín es un llamado a la reflexión, incluso para el mismo Auguste Rodín quien sintió la necesidad de materializar lo que le estaba sucediendo a el mismo como parte de la comunidad. La escultura fue creada inicialmente para una muestra de Arte donde se interpretaban los diferentes personajes de la Divina Comedia, en el caso del Pensador se personificaba a Dante en las puertas del infierno, meditando sobre su vida y su pasado. Titulo: La Marsella

Autor:

Materiales:

Dimensiones: 12,70 x 7,92 m. Titulo: Cabeza Olmeca
Ubicación: Museo de Antropología de Xalapa (ésta en concreto)
Estilo artístico: Arte olmeca
Técnica: Piedra basáltica
Dimensiones: pueden ser de 3-4 metros de altura Técnica: En la escultura se presenta una tecnica de piedra basaltica en el cual los rasgos de toda la estatuaria olmeca son siempre los mismos: ojos almendrados, nariz ancha y boca con pronunciados labios. Estas esculturas rebosan naturalismo. Una de las cosas más curiosas con las que se han enfrentado los estudiosos es el descubrimiento de que muchas de las cabezas están deterioradas a propósito. Características: Bernini representa a un ángel de rostro juvenil y sonriente que procede a clavarle el dardo a Santa Teresa mientras ésta aparece en estado de completo abandono, levitando sobre una nube, con los brazos y pies caídos como sin vida mientras el rostro cierra los ojos y deja la boca entreabierta. el cuerpo de la santa queda practica mente oculto bajo los grandes ropajes cuyos pliegues crean efectos de luces y sombras de gran efecto pictórico. Para incrementar el efecto teatral toda la escena aparece enmarcada cual si de un cuadro se tratase Características: Es una escultura gótica, ya que en este periodo la expresividad cambia , haciéndose menos hierática y más expresiva, reflejando sentimientos (dolor, ternura, simpatía), acentuando la tendencia del último románico.

Temas Tratados: La idea de un alto relieve expresa la idea de una perspectiva más humana, con el fin de acercarlo a la experiencia vital de cada fiel (más cerca de dios). Titulo: Ángel de la sonrisa
Estilo: Gótico Característicases una escultura ecuestre de Pedro el Grande, hecha en bronce por Étienne-Maurice Falconet en San Petersburgo, Rusia. Recibe este nombre por la influencia del poema uno de los más grandes poemas del idioma ruso. Ahora es un símbolo de San Petersburgo:

Temas Tratados: Quiere representar al zar no como conquistador, sino como legislador, pues el escultor debe preguntarse ante todo cuáles de todas las acciones de su héroe son las más útiles para la felicidad de los hombres y pretende vestirlo con un traje intemporal: en una palabra, en un traje heroico. Únicamente admite dos símbolos, la roca escarpada y una serpiente aplastada por el caballo, es decir, las dificultades que el gobernante debe afrontar y la envidia impotente

Materiales: La obra fue realizada con bronce


Tecnica: Escultor Chileno Autor Samuel Roman 1907 - 1990
Título Ojos y miradas del cacique macul
Técnica Basalto, piedra azul tallado directo
Dimensiones 244 cms.
Observaciones Obra compuesta de 5 piezas. Características :La obra titulada Ojos y miradas del cacique macul que se encuentra en el patio central del museo Bellas Artes, Esta compuesta de 5 piezas es una de las mas atractivas de la exhibición por su carácter abstracto y moderno Escultor Chileno Características: Situada en el Desierto de Atacama y a 75 Km de la ciudad chilena de Antofagasta, la Mano del Desierto es una sorprendente escultura de 11 metros de altura y se encuentra a 1.100 metros sobre el nivel del mar. Materiales: Esta gigantesca mano que parece emerger desde las profundidades de la arena está construida con hierro y cemento Autor: Mario Irarrazabal

Altura: 11 metros

Características: Estructura de hierro y cemento Características: es un sarcófago de 1,14 m. de alto por 1,9 m. de ancho, hecho de terracota pintada. Muestra una pareja casada reclinándose en un banquete en la otra vida (en una escena similar a las de los jarrones griegos contemporáneos). Titulo: Sarcófago de los esposos
Autor: Anónimo
Medidas: 220x14 cm Cubismo Pop Art Surrealismo Arte Abstracto Titulo: El puente de cuchara y una Cereza Características de la escultura: Esta obra cumple con todas las características del estilo griego helenístico: representación del movimiento exagerado, teatralidad, expresividad de los rostros y los cuerpos, y representación de las emociones Temas Tratados: Esta estatua representa la agonía del sacerdote troyano Laocoonte junto a sus hijos, devorados por una serpiente marina que la diosa Atenea le envió para evitar que los griegos fracasasen en la guerra de Troya. Técnicas Utilizadas: En la obra original se usa la tecnica de fundicion en el cobre y en la copia de la obra se utilizo la tecnica de tallado del mármol Materiales Utilizados: En la obra original se utilizo el material bronce y en la copia se utilizo el mármol Caracteristicas de la escultura: La escultura está formada por un jinete y un caballo fundidos en bronce en tamaño superior al natural, alcanzando cerca de 3 metros de altura y con un acabado sobredorado al fuego.Viste una túnica corta, el paludamentum o capa roja de los generales, que se desliza por los lomos del caballo, y botas de patricio. Tiene la cabeza erguida, con la mirada dirigida al frente y saluda con el brazo ligeramente extendido. Temas Tratados: En un deseo de resaltar el poder y la grandeza divina, Marco Aurelio aparece victorioso en alusión a las conquistas de sus campañas. Pero su figura no aparece representada como un príncipe coronado ni como un militar poderoso, sino como un hombre un tanto fatigado y como un filósofo estoico desilusionado que hace un gesto de paz. No lleva armas ni armadura y monta sin estribos, aperos que en su tiempo no habían sido introducidos en el mundo occidental. Materiales Utilizados: Se ocupa el bronce con un acabado sobredorado Tecnicas Utilizadas: Su rostro ofrece un trabajo de retrato propio del periodo antonino, cuando la retratística seguía las pautas de la escultura helenística. Muestra una cabeza con una voluminosa cabellera de rizos y barba poblada y larga, con un gesto grave y una mirada penetrante producida por el efecto de las pupilas incisas. Es una figura sin la tensión habitual en este tipo de estatuas que sólo pretende mostrar la imagen del emperador con rigor y veracidad, con una caracterización anímica en la que destaca el trasfondo moral y la nobleza del personaje, aunque mantiene cierta idealización física. El caballo es corpulento y está dotado de una montura muy ajustada.El caballo está representado con un gran realismo y adquiere un extraordinario movimiento al tener la cabeza ligeramente ladeada y levantada la pata delantera derecha, mientras una de las traseras roza levemente el suelo con el casco. El movimiento de la pata delantera, que plantea un problema técnico de contrapesos, después sería concebido como prototipo de elegancia Características: Presenta un grado de perfección, podemos contemplar que sólo tiene una de las pupilas, le falta la pupila del ojo izquierdo y también pequeños fragmentos de los lóbulos de las orejas.Los labios también llaman la atención. Tiene el cuello muy estilizado y los hombros aparecen cortados.Sigue la altura del canon de los 18 puños, la escultura mide alrededor de 47 cm y con un peso de 20kg. Temas Tratados: El busto de Nefertiti es la representación de la belleza más perfecta que se da en el Antiguo Egipto. Materiales Utilizados: Se utilizo una piedra dura, policromada Técnicas Utilizadas: Se utilizo una técnica de tallado y pulimentado.La piel del rostro está pintada en un rojo claro, bronceado, a diferencia del rostro femenino que en el Antiguo Egipto se representaba en tonos amarillos.Tiene un perfil suave, con una nariz recta y pequeña. Los ojos son almendrados, pintados con el Kohl negro.Los labios también llaman la atención, ya que son carnosos y están bien delimitados y esbozan una ligera sonrisa ( estan pintados de color rojizo)Tiene el cuello muy estilizado y los hombros aparecen cortados. Temas Tratados: Está obra fue creada para ser integrada en el Palacio de Jorsabad, en la ciudad de Dur-Sharrukin durante el reinado de Sargón II, ciudad fortificada que se crea con el objetivo de transmitir el potencial militar y el poder del pueblo asirio. Las figuras de toros androcéfalos (también llamados lamussus) o sus potentes muros exteriores ofrecían un carácter defensivo al observador. El carácter guerrero de los asirios hizo que su arquitectura militar fuera una de las más relevantes del Próximo Oriente. Características: Escultura de toros androcéfalos tallados en alabastro con la cabeza esculpida en bulto redondo y cuyo cuerpo, en alto relieve, se incorpora a la entrada del palacio.Cada escultura mide más de cuatro metros de alto por cuatro metros de ancho y uno de profundidad. Presenta un rostro masculino, con una barba rizada cubriendo la mandíbula y con rasgos muy definidos. Sus grandes y expresivos ojos coronan una prominente nariz, y encima de sus sonrientes labios vemos un delgado bigote. Su cuerpo es el de un toro con cinco piernas, pues estaban hechos para ser vistos desde cualquier punto de vista, mostrándose en movimiento si se observaba desde el lateral, y en actitud estática si se observaba de frente. De los hombros salen unas alas de águila. Su pelaje es rizado, y le cubre el pecho, el vientre y el lomo. Asimismo presenta una larga y rizada cola.Los toros androcéfalos, de inspiración siria, son uno de los rasgos características de los palacios asirios. Materiales utilizados: el material utilizado en esta obra fue el alabastro Técnica: Los toros androcéfalos presentan una cabeza humana, esculpida en bulto redondo, portando una tiara en la que vemos filas de cuernos. El resto del cuerpo está tallado en alto relieve. Estos lamassus denotan unos rasgos estilísticos propios de la estructura mesopotámica y, más concretamente, neoasiria. La representación de animales fantásticos es propia en la cultura mesopotámica desde época sumeria, pero los nuevos rasgos que incorporan estas figuras (apariencia poderosa y músculos trabajados con gran detalle) conforman unos nuevos rasgos iconográficos correspondientes al Imperio Asirio Titulo: Éxtasis de Santa teresa Temas Tratados: Bernini plasma de manera muy efectista uno de los éxtasis en los que la santa entraba y que son descritas por ella misma como la aparición de un ángel que le clavaba un dardo de fuego en el corazón que le causaba un inmenso dolor a la vez que se sentía llena de amor por Dios. Materiales: Nos encontramos antes un grupo escultórico realizado en mármol y metal iluminadas por una vidriera de cristales amarillos oculta al espectador mientras unos rayos de bronce dorado parecen provenir desde el cielo iluminando la escena. Características : La composición tiene un carácter de grandeza épica, y está dividida en dos registros superpuestos: el inferior donde está el pueblo, heroico, con clara voluntad de lucha, y el superior donde podemos ver una alegoría femenina alada sobre un fondo de tela.
En el relieve de Rude hay soldados desnudos y otros con armadura par hacer el contraste de la variedad de gente que combate por el ideal. El padre de Rude es uno de los voluntarios, lo que aumenta aún más la implicación del autor en esta idea heroica. Materiales: Se ocupo una piedra azul mas conocida como basalto Técnicas: Al utilizar el basalto para darle forma a la escultura Samuel Roman tubo que tallar esta piedra Temas Tratados: Esta escultura representa a las víctimas de la injusticia y la tortura durante la dictadura militar. Material: Están realizadas en basalto, material muy duro, que tendrían que haber traído de lugares muy lejanos. Características: Una de las manifestaciones artísticas más numerosas son las cabezas colosales. Se cree que podrían representar a grandes guerreros o jefes de esta cultura, pero no se sabe con seguridad. Temas Tratados: La típica boca olmeca, ligeramente abierta enseñando los dientes, recuerda a la boca del jaguar. El jaguar era un animal adorado por los olmecas, dado su gran número en su hábitat. Por ello, se podría decir que sería la representación de un guerrero-jaguar. Algunos afirman que las cabezas estaban deterioradas porque así representaban que el retratado había fallecido y otros dicen que algo terrible debió pasar a los olmecas para que las destruyeran. Temas Tratados: Los especialistas se plantean numerosas preguntas: si se representa a los cónyuges durante el banquete fúnebre o en cualquier otro banquete de la vida aristocrática; si el sarcófago está realizado para sepultar a ambos esposos o sólo a uno de ellos; por qué se produjo la sustitución de los sarcófagos en forma de cofre por estos lechos comensales Características: El Pensador de Rodín tiene por sobre todas las cosas una enorme cuota de realismo, con rasgos propios e identificativos de las personas, incluso se piensa que está hecha a semejanza de alguien que posó para él.El hombre se encuentra meditando y mirando hacia abajo, como muestra de querer ver sus propios pasos, donde para avanzar y alcanzar resultados siempre se debe mirar el camino recorrido como fuente de aprendizaje.Que se encuentre sentado el Pensador de Rodín tampoco es casualidad, ya que el ritmo vertiginoso con que acontecían los hechos no daban lugar al descanso, al detenerse a reflexionar sobre las cosas. Material utilizado : el material que se utilizo en esta obra fue el bronce Tecnicas: Escultura sedente de volumen redondo, hecho con la fundición en bronce. La técnica que hace diferente Rodin de los otros es el molde, la base lo hace con las manos y deja este acabado que mujer una imperfección, rugosidad a la escultura y quiere que quede presencia de este trabajo manual. La rugosidad de la escultura hace que dé mas intensidad y fuerza en la escultura. Material: El material utilizado en esta obra fue el bronce Técnicas: Pulido de Bronce Temas Tratados: Se trata por tanto de una propuesta del artista para que el observador se acerque a su obra, la toque y la modifique, convirtiéndose así también, de alguna forma, también en creador. Materiales: En esta obra se uso el material de yeso y vinilo de relleno de espuma de caucho llamando así "esculturas blandas" Características: Este escultura es uno de muchas esculturas en la jardín de esculturas en Minneapolis, Minnesota, pero “El Puente de Cuchara y una Cereza” es la escultura que más conocidas de todas. Construyo en 1988, esta escultura es el centro del jardín. Materiales: La escultura esta hecha a base de bronce Técnica: Fue utilizada una tecnica de sustracción ya que no se añaden mas elementos a la escultura de cobre se sacaron partes del cobre Técnica: se ocupo la técnica del tallado de mármol Material: Mármol Temas Tratados: Esta escultura busca expresar la divinidad de los reyes católicos y satisfacer su deseo de estar enterrados dentro de la capilla y bajo a su escultura Autor: Bernini Técnica: se utilizo la técnica del tallado de mármol Temas Tratados: Esta gran obra nacional busca expresar las diferentes miradas impenetrables de un cacique a travez de sus ojos Técnica: Primero se utilizo el hierro para formar la estructura primaria y luego el cemento se aplico sobre el hierro para darle el toque final Técnica: el autor modelaba la arcilla con sus manos, preparando una pasta que luego apretaba y lavaba para finalmente dejarla decantar en pequeños recipientes. Una vez hecha esta operación, el amasijo se presionaba hasta darle forma, o bien enrollaba en espiral tiras de arcilla Materiales: El material utilizado en esta obra fue arcilla Escultura Exenta Una escultura exenta es aquella que no tiene contacto con ningún muro o pared. Es independiente de cualquier superficie -salvo la base en la que se asienta- y, precisamente por ello, puede apreciarse desde cualquier ángulo. La escultura exenta tiene valor por sí misma; a diferencia de la escultura monumental o en relieve, adherida a algún elemento vertical y cuya función es principalmente ornamental.
A las esculturas exentas se las conoce también como esculturas de bulto redondo. Algunas de las más importantes de todos los tiempos son el ‘David’ de Miguel Ángel, el Discóbolo de Mirón, la ‘Venus de Milo’ o ‘El beso’ de Rodin, por citar solamente algunos ejemplos. "El beso" También se hacen distinciones entre las esculturas exentas dependiendo de la posición en que están dispuestas las figuras: • Busto, representación de la mitad superior del cuerpo humano sin brazos; es decir, el rostro más la parte superior del tronco. • Grupal, cuando se trata de dos o más figuras. • Ecuestre, cuando es colocada sobre un caballo • Orantes, orando • Sedentes, sentadas • Yacentes, tendidas • Erguida, cuando la única figura está de pie Escultura en Relieve Las esculturas en relieve son figuras que destacan por sobre una superficie; pese a ser tridimensionales carecen de parte posterior, y están vinculados a la arquitectura, al ubicarse en paredes, puertas, columnas o entradas de iglesias o grandes edificios
De acuerdo a lo sobresalientes que estén respecto al fondo se llaman:
• relieve excavado: cuando el bulto no sobresale, y se encuentra hundido respecto a la superficie plana. Esto proporciona máxima claridad a la representación y gran efecto estético por el contraste violento del claroscuro entre la sombra del perfil y la luz, muy viva, del relieve plano.
• bajo relieve: cuando las figuras apenas sobresalen del fondo.
• medio relieve: cuando están como cortadas por la mitad.
• alto relieve: las figuras están talladas casi en bulto redondo pero adheridas al plano. "Centauro luchando con una Lapita" Pauta de Trabajo Contenido: Escultura Objetivo: Reconocer diferencias en la historia en la expresión de la escultura l : Definir y describir que es escultura
Tipos de escultura: Explicar ll : Épocas, Estilos: Buscar escultura con identificación a.-) Grecia n.-) 1 Contemporánea m.-) 1 Oriental l.-) 1 Precolombina k.-) 2 Escultores Chilenos j.-) Vanguardias i.-) Romanticismo h.-) Rococó g.-) Barroco f.-) Renacimiento e.-) Edad Media d.-) Mesopotamia c.-) Egipto b.-) Roma lll : Descripción
a.-) Características de la escultura
b.-) Temas Tratados
c.-) Materiales
d.-) Técnica



lV : Cubismo Surrealismo
Arte Pop
Abstracto "Estatua ecuestre de Pedro El Grande"
Autor: Etienne Maurice Falconet
Fecha: 1766-82
Museo: Aire libre
Material: Bronce Materiales: Marmol Técnica: el autor uso la tecnica de tallar el marmol Tecnicas: Se uso la tecnica del contrapposto; este recurso técnico pretendía dar más gracia y movimiento a las imágenes, que eran presentadas en actitudes más dinámicas y se realizaba un tratamiento de los volúmenes anatómicos que, en muchos casos, ya no quedaban ocultos por la ropa. El contrapposto gótico, visto desde el exterior, difería del clásico por una apariencia más pronunciada que no era el resultado del tratamiento anatómico; era más ornamental. Materiales: Diversas piedras Caracteristicas: “La petite Faucille o la Pequeña Hoz , pertenece a uno de los mayores escultores del siglo XX, Julio González, esta obra fue donada por la hija del escultor, Roberta González. Temas Tratados: La obra no busca en si representar algo propio sino busca representar en general lo que la escultura abstracta quiere representar, que es la tridimensionalidad, apoyada en los recursos tradicionales de la escultura, como son la textura y las formas geométricas, marcadas o matizadas. Materiales: Se uso el material de bronce Técnicas: La realización no es sobre una misma lámina para curvarla y repujarla, suelda varias a fin de lograr una superficie unitaria, frágil y rota. La consistencia que ofrece el volumen contrasta con la fragilidad de las superficies, cuya textura se debe tanto al forjado como al soldado, una fragilidad mas bien física. Titulo: "La pequeña Hoz"
Autor: Julio Gonzalez Caracteristicas: La escultura de bronce muestra un hombre solitario caminando con sus brazos colgando a los lados Temas Tratados: La obra de arte es descrita como “una imagen humilde de un hombre ordinario, o como un potente símbolo de humanidad ".Giacometti buscaba el “equilibrio natural de la caminata” como un símbolo de la “propia fuerza vital del hombre”.  Titulo: L'Homme qui marche I
Autor: Alberto Giacometti Escultura Abstracta Escultura abstracta es la escultura realizada según las convenciones del arte abstracto, es decir, la no figurativa.
A diferencia de la mayor parte de las producciones de pintura abstracta, la escultura abstracta se basa en la tridimensionalidad, apoyada en los recursos tradicionales de la escultura, como son la textura y las formas geométricas, marcadas o matizadas. El color a veces puede alcanzar un gran protagonismo. El hecho de que una parte de los pintores abstractos experimenten con la inclusión de texturas extremas, les llevó a la denominada pintura matérica, el espacialismo (Lucio Fontana) y la escultopintura (Gerardo Rueda), donde las fronteras entre pintura y escultura se difuminan.1
Recursos muy poco usados en la escultura tradicional, como el movimiento y la luz, han sido utilizados de forma destacada en algunos movimientos artísticos vinculados a la escultura abstracta: arte cinético (Marcel Duchamp, Alexander Calder) y light art (Dan Flavin, Olafur Eliasson).
Entre los principales escultores que han desarrollado obra abstracta se encuentran Constantin Brancusi, Henry Moore o Richard Serra. Escultura Cubista El cubismo escultórico tiene la misma estética que el pictórico, y los mismos objetivos, pero trabaja en tres dimensiones. Sus esculturas se caracterizan por la simultaneidad de perspectivas por la intersección de volúmenes, la descomposición de formas y la nueva valoración de los materiales y su ensamblaje. El cubismo descubre el hueco como elemento escultórico. Técnica: usa una técnica apropiada para los materiales blandos ya que el se opone a la idea de usar materiales duros Escultura Surrealista Al principio el surrealismo es un movimiento fundamentalmente literario, y hasta un poco más tarde no producirá grandes resultados en las artes plásticas. Surge un concepto fundamental, el automatismo, basado en una suerte de dictado mágico, procedente del inconsciente, gracias al cual surgían poemas, ensayos, etc., y que más tarde sería recogido por pintores y escultores.
Entre los artistas plásticos se manifiesta una dualidad en la interpretación del surrealismo: los surrealistas abstractos, que se decantan por la aplicación del automatismo puro, como André Masson o Joan Miró, e inventan universos figurativos propios; y los surrealistas figurativos, interesados por la vía onírica, entre ellos René Magritte, Paul Delvaux, o Salvador Dalí, que se sirven de un realismo minucioso y de medios técnicos tradicionales, pero que se apartan de la pintura tradicional por la inusitada asociación de objetos y las monstruosas deformaciones, así como por la atmósfera onírica y delirante que se desprende de sus obras. Max Ernst es uno de los pocos surrealistas que se mueve entre las dos vías. La obra de Ernst ha influido particularmente en un epígono tardío del surrealismo en Alemania que es Stefan von Reiswitz. Escultura del Pop Art La década de los sesenta fue un periodo de renovación de los planteamientos estéticos de la escultura. La era del pop art abrió paso a la exaltación visual de lo doméstico, expuesto de la manera más descarnada. En este movimiento destacaron Claes Oldenburg (n. en 1919), y George Segal (n. en 1924) y Duane Hanson (n. en 1925), que centraron su creación en los vaciados en plástico de modelos humanos propios de la era de la publicidad.
Sobre la premisa de prescindir del elemento humano como medio de expresión, la escultura de las últimas décadas del siglo XX experimentó una serie de transformaciones que dieron lugar a escuelas específicas como las que se enumeran a continuación:
La corriente arte povera italiana utilizó materiales de desecho sin ninguna tradición escultórica, como trapos, muebles viejos o residuos de todo tipo.
El minimal art redujo a su expresión más exigua la expresividad de los objetos, con frecuente recurso a juegos de iluminación e instalaciones provisionales.
El land art propuso la intervención del escultor en la naturaleza para emplearla como medio de expresión.
La tendencia a prescindir de la perspectiva humana se rompería con el llamado body art, en el que el propio cuerpo humano hace las veces de soporte de la obra escultórica. Características: Se trata de una escultura realizada en bronce pulido, en el que la estilización de las formas es muy grande. Los huecos trasmiten un ritmo que concuerda con el trabajo del gondolero, el remo. Temas Tratados: El a travez de las formas cóncavas, que, a su vez, transmiten también movimiento y un equilibrio con la geometrización más férrea del resto de la obra. Titulo: "Gondolero"
Autor: Alexander Archipenko
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