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La Música Impresionista

Exposición para la clase de Estética Integrada - Segundo Semestre de Comunicación Audiovisual y Multimedial, UdeA
by

Felipe Montoya

on 8 March 2012

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Transcript of La Música Impresionista

La Música Impresionista Felipe Montoya Giraldo & Leonard Bernstein Contexto Histórico Bajo el reinado de Napoleón III, Francia logra una de las épocas de mayor prosperidad y desarrollo de su historia Napoleón III encarga una remodelación radical de París al barón Haussmann Entre 1850 y 1860, Gustave Courbet encabezó un movimiento pictórico que revolucionó la pintura francesa: el Realismo. Estos artistas plasmaban la realidad tal cual era: bonita o fea, y denunciaban las problemáticas sociales de la época. Impresionismo Pictórico Los artistas se centran en la luz, el color y la ejecución. El motivo se deja en segundo plano, y es la IMPRESIÓN, la que se rescata, pues la vida está hecha de Impresiones. Para finales del siglo XIX, el Impresionismo domina el panorama artístico europeo. Los artistas de esta época creían en la correspondencia entre las artes. Con la pintura a la cabeza, la literatura, la poesía y la música se propusieron adentrarse en los estados de ánimo, en la fugacidad de la vida, las impresiones atmosféricas y en los juegos de luz y de sombras. Esta solidaridad entre las artes es la que engendra finalmente a la música impresionista. Tres movimientos artísticos, sobre todo literarios, comienzan el proceso del desarrollo de la música impresionista. El esteticismo convierte a la vida del artista en un obra de arte: despreocupada, hedonista, consagrada a la belleza. Este movimiento evoluciona al decadentismo cuando el artista se preocupa por el sentido de la vida y se hace conciente de su mortalidad. Después de 1890, la misma actitud artística adquiere otro nombre: Simbolismo. El Simbolismo se basa en la idea de que la función de la poesía es expresar aquello que no puede encasillarse en una forma definida ni ser alcanzado directamente. El Impresionismo pictórico y el Simbolismo se desarrollan paralelamente Ambos comparten el deseo por la novedad y la necesidad de plasmar la IMPRESIÓN en estado puro. La poesía, tanto como la pintura, se convierten en testimonios de la libertad creadora del artista. Y aunque la técnica es la llave para explorar nuevos contenidos, el significado de éstos la trasciende. De la pintura a la poesía Los pintores impresionistas buscaban una "pintura pura" representando un motivo a través de la luz-color, los tonos, el espacio y la forma. Los poetas simbolistas buscaban una "poesía pura", bajo el precepto de que "un poema no se hace con ideas sino con palabras". Evocar indirectamente las cosas, a través de la SUGERENCIA, provoca mayor emoción que nombrarlas directamente Los principales poetas del Simbolismo buscaban proporcionar musicalidad a su trabajo Paul Verlaine asocia las palabras en sus poemas de manera que suenen de una manera peculiar, musical. Mientras que Stéphane Mallarmé, intenta que el poema mismo tenga la estructura interna de un obra musical De la poesía a la música Un primer paso para esta transición se da con Richard Wagner, a quien los impresionistas consideraban un artista completo, pues combinaba drama, poesía, música y decorados logrando una interrrelación de los sentidos. Alrededor de la admiración a Wagner por su fusión de las artes, se reunían los artistas impresionistas y simbolistas, apoyándose mutuamente en sus búsquedas creativas y unidos por la imcomprensión de una crítica arrolladora, en contra del academicismo imperante. Y haciendo parte de este grupo de incomprendidos, buscadores de la IMPRESIÓN, es donde Claude Debussy logra identificarse plenamente. Al conocer los poemas musicales de los simbolistas, se propuso dar verdadera música a la poesía, y a la vez dar origen a la música impresionista Esto lo logró Debussy, cumpliendo la más importante característica impresionista, ahora en la música: las imágenes que surgen de su música no cuentan, no dicen nada directamente; son la fuente de imágenes vagas, ambiguas y profundamente sugerentes, cultivando la emoción a través de la sensación, sutil y delicada. Ya no se trata entonces de imitar el sonido del viento, el ruido de una rama o el desborde de una pasión. Se trata de modificar la gama y la escala de sonidos, la armonía, así como lo había hecho la imagen de los cuadros y la forma de los versos: buscando una pureza de la música que alejara de la mente del oyente toda representación tradicional. ¿Cómo lo hizo? ¿Qué novedad introdujo Debussy para lograr esa pureza musical? Trabajó una escala de tonos enteros Utilizó las escalas tradicionales de una forma diferente Creó nuevos acordes Desarrolló una bitonalidad, en función de la sugerencia Tomó influencias de los antiguos griegos, música rusa y javanesa, e inclusive el jazz Otros representantes Erik Satie

Sus composiciones fueron más libres que las debussianas, por lo cual tomó distancia del movimiento en otra etapa de su obra. Manuel de Falla

Logró un nacionalismo folclorista en su obra, inspirada en temas y melodías andaluces y castellanos. Maurice Ravel

Maestro de la orquestación, cultivó la perfección formal y la precisión, sin dejar de ser profundamente humano y expresivo.
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