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MÚSICA CLASICA: La Ópera

Breve recorrido por la historia de la música desde sus orígenes hasta nuestros días, con especial antención en la ópera

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Transcript of MÚSICA CLASICA: La Ópera

MÚSICA DEL RENACIMIENTO
Características:
Musica polifónica
, sigue las leyes del
contrapunto
, y está
regida por el sistema modal heredado del canto gregoriano
.

Durante este período la música religiosa tuvo una creciente difusión, debida a la exitosa novedad de la impresión musical, por la invención de la Imprenta por Gutemberg en 1450
MÚSICA DEL CLASICISMO
El Clasicismo es el periodo que se enmarca entre el Barroco y el Romanticismo.
Desde el año 1750 con la muerte de Bach y el año 1827, con la muerte de Beethoven.
La música deja de verse encerrada en iglesias y palacios y se puede disfrutar en las casas de los burgueses o en espectáculos públicos.

La música del Clasicismo es la música del
equilibro
, busca
el orden y la claridad
, que demuestra en sus
melodías y armonías simples
y sencillas, muy fáciles de comprender para el público. Es
música refinada y elegante.
El instrumento más importante del período del Clasicismo es
el Piano
.
Los tres grandes músicos del Clasicismo son
Hydn,

Mozart
y
Beethoven
, que trabajaron en Viena, la ciudad más importante en contexto musical.
MUSICA DE LAS CIVILIZACIONES DE LA ANTIGÜEDAD
La música en antigua ROMA Y GRECIA
Las canciones que acompañaban representaciones teatrales y festivales.
Los instrumentos más destacados fueron; el arpa, la lira, la cítara, la trompeta
La música militar tuvo un gran desarrollo en esta época.
MÚSICA DEL ROMANTICISMO
Transcurrió,
entre principios de los años 1820 y siglo XX
, y engloba toda la música escrita de acuerdo a las normas y formas de dicho período.

El Romanticismo como movimiento global en las Artes y la Filosofía, tiene como precepto que la verdad y las realidades inevitables sólo se podían captar mediante la emoción, el sentimiento y la intuición. La música del Romanticismo intentaba expresar estas emociones.

El primer sinfonista romántico fue
Beethoven
. Los compositores románticos posteriores estuvieron influidos por el esquema formal que dio Beethoven a la sinfonía.
Johann Sebastian Bach - Tocata y fuga en re menor BWV 565
Música vocal Religiosa
El Canto Gregoriano
Música vocal Profana
Los Trovadores
Los Juglares
Los Goliardos
MÚSICA DE LA EDAD MEDIA
Guido de Arezzo
Fue un monje italiano, teórico musical y figura central de la música de la Edad Media (840 - c. 930).
Guido de Arezzo es el responsable de la invención del tetragrama, precursor del pentagrama
HIMNO A SAN JUEN EL BAUTISTA
Ut queant laxis
Famoso por ser la base del nombre de notas de la escala cromática
DO-RE-MI-FA-SOL-LA-SI
Tipos de Instrumentos
Renacimiento

MÚSICA DEL BARROCO
Abarca desde el nacimiento de la ópera en 1600 hasta la muerte de Johann Sebastian Bach, en 1750.
Wolfgang Amadeus Mozart
Joseph Haydn
Fue un compositor austriaco. Se le conoce como el Padre de la sinfonía y el Padre del cuarteto de cuerda gracias a sus importantes contribuciones a ambos géneros.
Ludwig van Beethoven
Fue un compositor y pianista austriaco, maestro del Clasicismo, considerado como uno de los músicos más influyentes y destacados de la historia.
Fue un compositor, director de orquesta y pianista alemán.
Su legado musical abarca, cronológicamente,
desde el período clásico hasta inicios del romanticismo musical
.
Es uno de los compositores más importantes de la historia de la música y su legado ha influido de forma decisiva en la música posterior.
MÚSICA CLÁSICA: breve historia
.

NACIMIENTO DE LA MÚSICA
La música esta vinculada al origen de actividades fundamentales, como el lenguaje y la comunicación.
Íntima relación entre la especie humana y la música
Los orígenes exactos de la música son desconocidos, debido a que durante mucho tiempo no se emplearon instrumentos, sino la voz humana o la percusión, ya sea corporal o de los elementos del entorno, los cuales no dejaron huellas arqueológicas.
LOS PRIMEROS INSTRUMENTOS
PERCUSIÓN:
idiófonos
(palos, sonajas, raspadores, maracas de calabaza, xilófonos y
membranófonos
(tambores, mirlitones)
CUERDA: toda la variedad de arcos
VIENTO: flautas, silbatos, cuernos y caracolas).
Todos estos instrumentos continúan utilizándose.
Flautas paleolíticas
36.000 - 43.000 años de antiüedad
La ópera
La música en la prehistoria
Así pudo sonar la música en la prehistoria
MESOPOTAMIA
Los babilonios usaron escalas diatónicas de siete notas y nombres propios para los intervalos.
La composición más antigua, casi completa en notación babilónica, la más arcaica que se conoce es de entre el 1400-1250 a.C.
Así sonaría hoy la música en la antigua Mesopotamia
En la Antigüedad se creía que la música tenía orígenes divinos.
El hombre formulaba sus plegarias a las divinidades utilizando el canto y la música, acompañándolos a menudo con movimientos corporales rítmicos.
Transcurrieron muchos siglos para que la música se desarrollara como expresión independiente del marco religioso.
Nació unida la danza y ambas formas expresivas estaban estrechamente vinculadas a los rituales religiosos.
Música Griega
El sistema musical griego se basa en los modos. Parten de las cuatro cuerdas de la lira, que ellos denominan
tetracordo
.
Cada modo comienza con una nota distinta y dependiendo de ésta, variaba la distribución de los tonos y semitonos.
Hay cuatro modos principales:
Dórico, Frigio, Lidio y Mixolidio.
Epitafio de Seikilos
“Brilla, mientras estés vivo,
no estés triste,
porque la vida es por cierto corta, y el tiempo exige su retribución”
Música monódica
La música griega es monódica, esto no quiere decir que todas las voces cantan la misma melodía. Incluso los instrumentos acompañaban imitando la misma voz melodía que el cantante.
Música modal
VIENTO:

AULÓS:
Especie de flauta doble. Cada mano se encargaba de uno de los tubos. Los romanos llamaron a este instrumento TIBIA.
SIRINGA:
También conocida como flauta de Pan. Se trata de un conjunto de tubos de caña unidos entre sí. Los romanos lo llamaron Fistula Panis.
CORNU:
Es una especie de trompeta con el tubo en forma circular usada sobre todo para fines militares.

CUERDA:
LIRA:
Especie de arpa primitiva. Las primeras liras estaban hechas con el caparazón de una tortuga como caja de resonancia. También se hacían con cuernos de cabra sobre los que se tensaban las cuerdas (que eran tripas de animal secas). Al principio la lira tenía 4 cuerdas y poco a poco se le fueron sumando más.
Existieron instrumentos desarrollados a partir de la lira como el barbitón o la cítara.

PERCUSIÓN:
CRÓTALOS:
Pequeños platillos que se entrechocaban. En principio eran dos piezas cóncavas de madera y más tarde de metal.
TYMPANUM:
Era una membrana de piel de animal tensada sobre un marco de madera. Se golpeaba con la mano.

Instrumentos Grecia y Roma
Los romanos adoptaron las tradiciones musicales de Grecia
Los
ioculatores
y acróbatas divertían con sus Iocus (juegos acrobáticos y musicales), actuaban en las calles de las urbes acompañados por músicos que tocaban Tibias, Panderos y otros instrumentos. Eran presentados también, en las villas de los romanos ricos y poderosos.

Los "músicos virtuosos" eran respetados y considerados en todo el Imperio ya que la música era considerada como un importante espectáculo, y gozaran de condiciones y tratos muy especiales entre los romanos.
Música en Roma
Mojes Monasterio de Silos
Introitus Spiritus Domini
Características:

Canto a una sola voz (monódico).
Se canta en latín.
La letra suelen ser textos de la Biblia.
Música vocal (“a capella”), sin acompañamiento instrumental.
Utiliza una notación especial: los neumas. Son signos que reflejan de una manera aproximada la altura y duración del sonido
Ritmo libre y uniforme, no medido (se sigue el ritmo del texto)
Canto Gregoriano
Lo profano va a ser todo aquello que no es religioso. La música profana va a estar representada esta categoría por:

Los Trovadores
eran poetas-músicos, generalmente de origen noble. Se dedicaban más a la composición que a la interpretación. Conforma el ideal noble de la época: guerrero, músico, poeta. Sus canciones trataban el amor cortés y el espíritu caballeresco de los héroes de las cruzadas.

Los Juglares
solían ser intérpretes ambulantes que recorrían los castillos y los pueblos entreteniendo al público con canciones, representaciones y juegos de
acrobacia.

Los Goliardos
eran estudiante y frailes vagabundos que interpretaban canciones de carácter satírico, de crítica política o religiosa y de amor carnal.
PENTAGRAMA
Lugar donde se escriben las notas y todos los demás signos musicales en el sistema de notación musical.
Está formado por cinco líneas y cuatro espacios o interlíneas, que se enumeran de abajo hacia arriba.
La cultura se cultivaba principalmente en
los Monasterios.

Cobra importancia la LITURGIA, es decir, la forma de decir la misa y demás ritos religiosos.

En ella comienzan a recitarse cantos y ello originará la música vocal religiosa. La forma musical religiosa más importante de esta época fue el Canto Gregoriano.
MÚSICA VOCAL
A) Música vocal Religiosa
El Motete
La Misa
El Coral luterano
B) Música vocal profana
Madrigal
Villancico
Chanson

MÚSICA INSTRUMENTAL
Tres tipos básicos de composición:
1.
Adaptaciones de obras vocales
(ricercare -del motete- y canzona - de la chanson)
2.
Piezas basadas en la improvisación
(como la fantasía y la toccata)
3.
Piezas basadas en la variación
: por transformación del material o añadiendo nuevo
MÚSICA DEL RENACIMIENTO
Los Instrumentos
No existe el concepto de orquesta, los instrumentos no se especifican en la partitura
y son intercambiables. Los instrumentos se clasificarán en función de su potencia
sonora:
Música Alta
: formada por instrumentos de gran potencia sonora destinados a interpretar al aire libre
Música Baja
: De intensidad suave destinados a espacios interiores
Josquin De Prez, Motete,
Salve Regina
Compositores
Entre los compositores más destacados de este periodo se hallan:
Josquin Desprez,
Palestrina,
Orlando di Lasso y
Tomás Luis de Victoria.
CONTRAPUNTO («nota contra nota») es una técnica de composición musical que evalúa la relación existente entre dos o más voces independientes (polifonía) con la finalidad de obtener cierto equilibrio armónico.
Instrumentos de cuerda
LAÚD
VIOLA DE GAMBA
VIHUELA
ARPA
Instrumentos de percusión
CAMPANILLAS
CRÓTALOS
TIMBALES
Instrumentos de viento
FLAUTAS (Dulces y Traveseras)
CHIRIMÍA (Antecedente del Oboe)
TROMPETA DE VARAS
SERPENTÓN
CORNETA
SACABUCHE (antecedente del Trombón)
ÓRGANO
Se busca dar sentido a lo dramático en el contraste de diversos timbres de la orquesta.
Se impone la armonía, (lo vertical) y no lo horizontal como en el Renacimiento: uso de monodía acompañada por el
bajo continuo
.

El ritmo suele ser muy marcado, contraponiendo los movimientos veloces con los lentos.
El estilo barroco suele ser muy recargado, utilizando “gran cantidad de notas” y pocos espacios.
MÚSICA VOCAL
Profana
:
Ópera
Religiosa
:
Cantata
Oratorio
Pasión
MÚSICA INSTRUMENTAL
Suite
Sonata
Concierto
Fuga
MÚSICA BARROCA
Con el barroco se va a dar el gran desarrollo de la música
instrumental. Los instrumentos ya no estarán al servicio de la
palabra sino que tendrán importancia por sí mismos. se produce el perfeccionamiento y desarrollo de algunos
instrumentos como el violín.
El
luthier
: es la persona encargada de construir y
reparar los instrumentos de cuerda. En esta época surgirán
los mejores constructores:
Stradivarius
, Amati y Guarnerius.
COMPOSITORES BARROCOS
Antonio Vivaldi
:
Sacerdote, violinista, compositor de numerosas obras instrumentales así como
óperas. Representa la culminación del barroco instrumental italiano.

Entre sus obras destacan “Las cuatro estaciones” y numerosos conciertos y sonatas.
Otros: Arcangello Corelli; Tommaso Albinoni; Alessandro Scarlati
Italia
VIVALDI,
PRIMAVERA, ALLEGRO
Instrumentos de Cuerda:
Laúd, guitarra morisca, salterio, rabel, dulcimer, fídula, monocordio, la vihuela. , Cítaras, arpas liras y el clavicémbalo acompañando el canto o como instrumentos solistas.

Instrumentos de Viento
Flautas, la zampoña o flauta de Pan,
gaitas, dulzainas, cuernos, trompetas y órganos

Instrumentos de Percusión
Matracas, cencerros, cascabeles, campanas,y panderetas. En los siglos XII y XIII aparecieron en Europa los tambores de dos pieles
Los instrumentos
En la Edad Media
La música europea compuesta durante el periodo de la Edad Media, aproximadamente,
entre la caída del Imperio Romano en 476
y el
siglo XV,
siglo cuya música suele ya clasificarse como propia del Renacimiento.
FINALIDAD
MÚSICA PROFANA
J.S.Bach:

Organista y compositor. Unifica dentro de su estilo el italiano, el francés y el alemán. Compone numerosa música vocal. Instrumentalmente realiza
Suites
, también
conciertos
: “Conciertos de Brandemburgo” entre otros y
desarrolla el concepto de Fuga
en “El clave bien temperado”. Tiene numerosas obras para órgano y clave: “Variaciones Goldberg”.

Otros compositores: George Philipp Telemann; Dietrix Buxtehude.
Alemania
Concierto de Brandenburgo No. 5 en D mayor 1er. mov. Allegro
Joseph Haydn. Symphony No. 45 in FA minor
"Farewell"
Su obra abarca todos los géneros musicales e incluye más de seiscientas creaciones, en su mayoría reconocidas como obras maestras de la música sinfónica, conciertos de cámara, para piano, operas y corales.
Mozart. Symphony no 40 - primer movimiento
Su producción incluye los
géneros pianísticos
(treinta y dos sonatas para piano),
música de de cámara
(dieciséis cuartetos de cuerda, siete tríos, diez sonatas para violín y piano),
música vocal
(lieder, dos misas y una ópera: Fidelio),
conciertos
(cinco conciertos para piano y orquesta, uno para violín y orquesta) y
música orquestal
(nueve sinfonías, oberturas, etc.)
Beethoven, Sinfonía nº 5 en Do menor
Compositores del Romanticismo
Franz Schubert
Carl Maria von Weber
Franz Liszt
Felix Mendelssohn
Frédéric Chopin
Hector Berlioz
Giacomo Meyerbeer
Giuseppe Verdi
Richard Wagner
Período romántico tardío
Mijaíl Glinka,
Músorgski
Rimski-Kórsakov
Chaikovski y Borodin
Post-romanticismo
Gustav Mahler
Richard Strauss
Formas musicales del Romanticismo
Preludio.
Pieza en un solo tiempo, de corta duración y con características de virtuosismo, escrita principalmente para piano.
Bagatela.
Composición corta para piano y sin ninguna pretensión.
Estudio.

Obra breve de restringido material temático, en donde un motivo va adquiriendo cada vez mayor dificultad.
Impromptu.
Obra no sujeta a ninguna norma y en la que el ejecutante tiene libertad de improvisación.
Nocturno.
Composición de carácter apacible y sentimental con una delicada y expresiva línea melódica.
Lied.

Canción culta, refinada, íntima y de sugerencias líricas.
Sinfonía y concierto.
La sinfonía y el concierto se desarrollaron y se adaptaron a los ideales románticos.
Música programática.

Tuvo gran importancia este tipo de música sinfónica que pretende expresar una idea, historia, etc., y comunicarla al oyente por medio de un programa que sirve de argumento. La música programática dio origen al poema sinfónico.
Poema sinfónico.
Obra de un solo movimiento en el que se desarrolla musicalmente un argumento. Es la gran forma romántica, que establece una unión entre la poesía y la música
Impresionismo musical
Es la tendencia musical que s
urgió en Francia a finales del siglo XIX. El nombre Impresionismo ya se usaba antes para denominar a la pintura de los años 1860 - 1870
, ya que las características de ambas artes eran muy similares.
Los dos únicos autores a los que podemos llamar impresionistas en aquella época son
Claude Debussy
y
Déodat de Séverac
, aunque este último no está tan reconocido como gran parte de autores posteriores.
Sin embargo, Claude Debussy es el autor impresionista más notorio, junto con los también franceses
Maurice Ravel
y
Erik Satie.
Período moderno y contemporáneo
(1910-presente)
El modernismo
La característica principal del modernismo es la pluralidad del lenguaje, entendiendo que ningún lenguaje musical en particular asumió una posición dominante.

Técnicamente hablando el modernismo musical tiene tres características principales que lo distinguen de las períodos anteriores:

La expansión o abandono de la tonalidad.
El uso de las técnicas extendidas.
La incorporación de sonidos y ruidos novedosos en la composición.
Futurismo
Los primeros trabajos futuristas en el campo de la música empezaron en 1910, mismo año en que se firma el Manifiesto de los músicos futuristas.
Este movimiento buscaba la ruptura con las tradiciones artísticas del pasado y defensa de la vida contemporánea, por medio de dos temas principales:
la máquina y el movimiento

Los principales compositores futuristas fueron los italianos
Francesco Balilla Pratella y Luigi Russolo
.
Primitivismo
Similar al nacionalismo en su afán por rescatar lo local, el primitivismo incorporó además métricas y acentuaciones irregulares, un mayor uso de la percusión y otros timbres, escalas modales, y armonía politonal y atonal.

Dentro de este movimiento: Igor Stravinsky y el húngaro Bela Bartok
Microtonalismo
El microtonalismo es la música que utiliza microtonos (los intervalos musicales menores que un semitono).
El músico estadounidense Charles Ives definía a los microtonos de manera humorística como “las notas entre las teclas del piano”.

Compositores

Charles Ives, Alois Haba Ivan Wyschnegradsky Ferruccio Busoni Mildred Couper y Harry Partch. Erwin Schulhoff Adriaan Fokker a Groven Eivind
El
dodecafonismo
fue una forma de música atonal, con una técnica de composición en la cual las 12 notas de la escala cromática son tratadas como equivalentes, es decir, sujetas a una relación ordenada que (a diferencia del sistema mayor-menor de la tonalidad) no establece jerarquía entre las notas. Creado por
Arnold Schönberg


Se prohibe usar una nota más que otra: la melodía dodecafónica debe llevar las 12 notas que hay en la escala cromática.

Se escribe siguiendo el principio de que los doce semitonos o notas son de igual importancia.
La relación interna se establece a partir del uso de una serie compuesta por las doce notas.
El compositor decide el orden en que aparecen con la condición de que no se repita ninguna hasta el final.

El
serialismo integral
representa un paso más adelante del dodecafonismo, y fue creado por el que fue discípulo de Schönberg,
Anton Webern
: se establece un orden no solo para la sucesión de las diferentes alturas, sino para la sucesión de las diferentes duraciones (las "figuras", como la negra, corchea, etc.) y la sucesión de las dinámicas (los niveles de intensidad sonora), como también para la articulación.
Todas estas series se repiten durante el transcurso de una obra.
La música modernista se refiere a la música de la tradición europea escrita (o música clásica), elaborada aproximadamente entre 1910 y 1975.

La música modernista está basada en los valores filosóficos y estéticos del modernismo al cual tienen como principio principal la ruptura con la tradición, y la
permanente innovación
.

A diferencia de los períodos anteriores, prácticamente todos los compositores de este período participaron en varios movimientos musicales diferentes, ya sea simultáneamente o por etapas.
Dodecafonismo y serialismo
Otros movimientos contemporaneos
Neoclasicismo
El neoclasicismo en música refiere al movimiento del siglo XX que
retomó la tradición
en cuanto a la armonía, la melodía, la forma, los timbres y los ritmos, pero mezclada con grandes disonancias atonales y ritmos sincopados, como punto de partida para componer música.

Compositores:
Paul Hindemith, Sergéi Prokófiev, Dmitri Shostakóvich, Darius Milhaud, Francis Poulenc y Arthur Honegger.
Música electrónica y concreta
Los avances tecnológicos en el siglo XX permitieron a los compositores utilizar medios electrónicos para producir sonidos.
En Francia se desarrolló la música concreta escuela que producía sonidos existentes en el mundo. Se llama concreta porque según Pierre Schaeffer, su inventor, planteaba que está producida por objetos concretos y no por los abstractos que serían los instrumentos musicales tradicionales.
Música aleatoria y vanguadismo radical
El vanguardismo dentro del modernismos se refiere a los movimientos más radicales y controvertidos, donde el concepto de música llega hasta sus límites, u
tilizando elementos como ruidos, grabaciones, el sentido del humor, el azar, la improvisación, el teatro, el absurdo, el ridículo, o la sorpresa.
Minimalismo
El minimalismo se refiere a la música donde los fragmentos se superponen en capas unos a otros, a menudo se repiten, para producir la totalidad de la trama sonora.
Ejemplos tempranos incluyen En do (de Terry Riley) y Tamborileando (de Steve Reich).
Música cinematográfica
Por música cinematográfica, o música incidental se entiende toda música, por lo general orquestada e instrumental, compuesta específicamente para acompañar las escenas de una película y apoyar la narración cinematográfica.
y ahora ....
Un breve recorrido por la historia de la ópera
Compositores significativos:

Olivier Messiaen, Pierre Boulez, Jean Barraqué, Karlheinz Stockhausen, Edgard Varese, Iannis Xenakis, Michel Philippot y Arthur Honegger.
Dentro de esta corriente radical:
la música aleatoria,
la música electrónica en vivo,
el teatro musical,
la música ritual,
la composición de procesos,
el happening musical, o
la música intuitiva.
Compositores:

John Cage en América
Karlheinz Stockhausen en Europa.
Compositores:
Terry Riley, Philip Glass, Steve Reich, La Monte Young, John Adams y Michael Nyman,
Obras musicales del cine:
Max Steiner
: Lo que el viento se llevó y Casablanca
Erich Wolfgang Korngold:
Ciudadano Kane, Taxi Driver.
Ennio Morricone
: el bueno, el feo y el malo, La Misión y Cinema Paradiso
Jerry Goldsmith
: El planeta de los simios, Chinatown,
John Williams
: Star Wars, Tiburon, Superman, Indiana Jones, E.T., el extraterrestre, Hook,Jurassic Park, y Harry Potter
Otros compositores:
Nino Rota, Howard Shore, Alan Silvestri, Danny Elfman, Hans Zimmer o Henry Mancini
Ópera (del italiano opera, 'obra musical') designa, desde el año 1650,
un género de música teatral en el que una acción escénica es armonizada, cantada y tiene acompañamiento instrumental.
Las representaciones son ofrecidas típicamente en teatros de ópera, acompañados por una orquesta o una agrupación musical menor.
La ópera
Orígenes de la ópera
El origen de la ópera, tiene lugar en Florencia donde se reunían un círculo de artistas y profesores llamados la Camerata Florentina, todos en torno al conde Giovanni Bardi,
entre las décadas de 1570 y 1580.
Este grupo trataba de dar vida nuevamente al olvidado arte dramático de la antigua Grecia la “Tragedia Griega.”
Dafne , la primera ópera.
Alrededor de 1590 el poeta Otavio Rinuccini y el compositor Jacopo Peri, hicieron un drama pastoril de Giovanni Batista Guarini llamado Il pastor Fido (El Pastor Fiel).
A pesar del gran interés por revivir el drama y música antigua de los griegos,
las primeras óperas fueron pastoriles
y no tragedias
La unión de Jacopo Corsi, Otavio Rinuccini y Jacopo Peri, generó la representación de Dafne generalmente considerada la primera ópera.

Este primer trabajo se perdió (sólo quedó el texto) y trataba del mito griego de la naturaleza que habla de la bella ninfa Dafne, tal como lo relata Ovidio en la Metamorfosis. El dios sol Apolo persigue a Dafne y la convierte en árbol. Este mundo mágico de dioses y semidioses de Ovidio siguió siendo un tema importante durante la temprana historia de la ópera.
A partir de principios del siglo XVII, la estructura continuó evolucionando gracias al compositor
Claudio Monteverdi
. Toda la obra de este compositor tiene la convicción, de que la música debe conmover al hombre, expresando los más profundos sentimientos.
Claudio Monteverdi
La ópera en el siglo XII
Orfeo el 24 de febrero de 1607
Primeras óperas
Características

En las primeras óperas, la comedia fue combinada con elementos trágicos

Las óperas primitivas tendían a sustituir los finales trágicos por finales felices.

Nacen a partir de este momento reglas en la estructura dramática:
el lieto fine (final feliz),
la alternancia de escenarios (idilio, mundo inferior, paraíso),
la combinación de recitativos y números independientes, coros, danzas, airosos, ritornellos
y canciones a varias voces.

La orquesta toma mayor importancia, utilizando instrumentos simbólicos para cada escena.
ÓPERA BARROCA y ROCOCÓ
La ópera abarca desde principios del siglo XVII hasta mediados del XVIII,
Ópera Bufa
Era de un estilo realista con gente común en el escenario, temas y personajes tomados de la “commedia dell’arte” (representaciones escénicas sin música que surgieron en Italia hacia 1500).
Los personajes eran analizados psicológicamente mostrando la verdadera naturaleza humana, con frustraciones, conflictos y debilidades.
Los recitativos (partes habladas) eran extensos para hacerlos más intelegibles, escritos en la lengua del pueblo.
personajes bufos o cómicos, que solían ser criadas o vividores, que muchas veces eran transvestidos, lo que añadía mayor comicidad a la obra.
Ópera seria
Utilizaba elementos de la historia y leyendas clásicas, temas mitológicos.
Existía el “recitativo secco”, que era un canto declamado que describía los acontecimientos del argumento, acompañado por el clavicémbalo e instrumentos bajos.
También se usaba
el aria da capo
(ABA) donde se expresaban los sentimientos de los personajes.
Fundamentalmente se trataba de una línea melódica acompañada por el bajo continuo que debía de ser improvisado por los clavicinistas e instrumentos pulsados.
La orquesta la formaban instrumentos de cuerda, luego se añadieron el fagot, oboes, flautas y trompas e instrumentos de metal.
Normalmente el director tocaba el clave y dirigía desde allí.
El Rococó y los Castrati
La ópera seria
tenía que sorprender, ser espectacular y recargada, y así debía ser también el canto.
Cuanto más ornamentado fuera, mejor: de este modo fue como
los castrati
, (cantantes sometidos de niños a una castración para conservar su voz aguda), se convirtieron en las máximas estrellas,
el más famoso fue
Farinelli.
Compositores
Alemania:
Heinrich Schütz
Francia:
Jean Baptiste Lully (1632-1687) y Jean–Philippe Rameau (1683-1767)
Inglaterra:
Henry Purcell (1658/59-1695)
Italia:
Alessandro Scarlatti (1660-1725)
Clasicismo
Hacia mediados del siglo XVIII surge un nuevo estilo en la ópera: el clasicismo. El clasicismo en la ópera aparece como una evolución del estilo barroco.
El compositor mas destacado es
Wolfgang Amadeus Mozart
,
El siempre utilizó las carecteristicas establecidas, dándoles dramatismo y riqueza sonora. Mozart puso
el texto al servicio de la música,
creando óperas llenas de
bellas melodías y recitativos agradables
.
ÓPERAS:
El rapto en el serrallo 1782
Las bodas de Fígaro 1786
Don Giovanni 1787
La flauta mágica 1791
En sus inicios era una actividad protegida por la aristocracia y la nobleza, despues pasó de los palacios a los teatros que crearon los empresarios la consecuencia fue que cada vez tenia menos coros y el número de músicos de las orquestas se fue reduciendo.
La opera se dividio en dos generos:
La ópera bufa
,
es un género en la ópera proveniente de la ópera cómica muy afamada en Roma.
La
ópera seria
utilizaba elementos de la historia y leyendas clásicas.
A los excesos de la ópera barroca, les puso fin,
Gluck,
es el compositor que llevó acabo lo que se conoce como la
reforma de la ópera
. sus sus composiciones fueron más simples, con texto conciso . El 5 de octubre de 1762, el estreno de Orfeo en tres actos, tres cantantes principales, coro y ballet.
Gluck quería
deshacerse de las arias coloratura da capo
, dando lugar a un mayor dramatismo.
En la ópera se tendió a relajar, romper o mezclar entre sí, las formas establecidas en el barroco o el clasicismo. Este proceso alcanzó su apogeo con las óperas de
Wagner
, en
las cuales las arias, coros, recitativos y piezas de conjunto, son difíciles de distinguir
. Por el contrario, se busca un continuo fluir de la música.

También ocurrieron otros cambios:
Los castrati desaparecieron
los tenores adquirieron roles más heroicos,
los coros se tornaron más importantes.
A finales del período romántico, el verismo se popularizó en Italia, retratando en la ópera escenas realistas, más que históricas o mitológicas. En Francia la tendencia también se acogió, y quedaron ejemplos populares como
Carmen de Bizet.
Romanticismo
Primeros años del siglo XX
La ópera contemporánea empieza de la mano de
Arnold Schonberg
y su
método dodecafónico
, una auténtica revolución que marcó la tendencia que luego siguieron otros compositores como Alban Berg.

En Berlín más concretamente,
Kurt Weill
fusionó la
música atonal con el jazz
. La Segunda Guerra mundial y la persecución nazi, hizo que muchos compositores europeos abandonaran Europa, pero fue en este continente donde se desarrolló otro movimiento operístico:
el serialismo
, que iba más allá del método ideado por Schonberg.
Gran Bretaña
Destaca el nombre de B
enjamin Britten
, que
combinó la ópera romántica con la atonalidad
, siendo el compositor británico más valorado del siglo XX.
Estados Unidos
Sin tradición musical clásica, se creó un nuevo estilo de ópera, en el que se
alternaban las raíces afroamericanas con el estilo musical de Broadway
, con nombres como
Gershwin
o
Bernstein
.
Ópera moderna
Todo el
siglo XX
y lo que llevamos del presente
siglo XXI
.
ATONALIDAD:
sistem
a musical que carece de toda relación de los tonos de una obra con un tono fundamental y de todos los lazos armónicos y funcionales en su melodía y acordes,
El resto del siglo XX y
comienzos del XXI
La experimentación y la aparición de la música electrónica influyó en la posterior evolución de la ópera,
llegando el minimalismo con compositores como

John Cage
,
Philip Glass
o
John Adams
.
En un mundo cada vez más globalizado
, la ópera se ha ido enriqueciendo con la combinación de músicas procedentes de todas las partes del mundo
, como reflejan, por ejemplo las óperas de
Tan Dun
. (Compositor chino de música clásica contemporánea, conocido por la B.S.O. de Tigre y dragón y Hero, la música utilizada para la transimición de El Día del Milenio (2000 Today) y la musica utilzada durante la Ceremonia Inaugural de los Juegos Olímpicos de Beijing 2008.
Otras características de la ópera contemporánea
El Romanticismo es la Edad de Oro de la ópera.
Tres períodos
en el desarrollo de la ópera romántica:

EL BEL CANTO:
A principios de siglo encontramos en Italia una escuela de canto llamada así “Bel canto” (Canto bello), que elabora sus melodías con gran cantidad de adornos vocales y melodías complejas. Rossini, Bellini y Donizetti.

PLENITUD
: A mediados del siglo XIX aparecen las dos grandes figuras de la ópera, el italiano
Giuseppe Verdi
y el alemán
Richard Wagner
.
Los recitativos, las arias y los coros están perfectamente integrados, sin separar las partes
También las oberturas sirven de introducción, ambientando la historia.
Se usan melodías que sirven de conexión entre partes de la ópera:
cada vez que aparece un personaje o se produce un sentimiento, utilizan el mismo tipo de melodía. Wagner llama a esas melodías “leitmotiv”.

VERISMO:
A finales de siglo, la ópera se verá influenciada por una corriente literaria: el realismo. Se ambientan siempre en lo peor de la sociedad: la pobreza, la enfermedad, las desgracias.T iene siempre una trama dramática con final trágico.
El autor verista más importante fue
Giacomo Puccini
, con óperas que siguen teniendo un enorme éxito como
La boheme, Tosca, Turandot o Madama Butterfly.
También se ha hecho especialmente famosa la ópera del francés Georges Bizet ambientada en Sevilla Carmen, que narra un triángulo amoroso entre una gitana que vende tabaco y cerillas por las calles, un torero de éxito y un guardia civil. Como ya he dicho, el final trágico está asegurado.
Rossini
El Barbero De Sevilla - Aria de Fígaro
Verdi
VERDI, Nabucco- Coro de los esclavos
Wagner
Richard Wagner - Tanhäuser (Obertura)
Giacomo Puccini
Nessun Dorma , Turandot
Georges Bizet
Carmen- L'amour est un oiseau rebelle
Estructura de una ópera
En la ópera se pueden distinguir las siguientes partes:
OBERTURA
Es la parte inicial de una ópera. Es instrumental. Normalmente es breve y sirve como introducción al espectáculo. La música comienza con el telón cerrado, que se abre en el transcurso de la obertura para que los espectadores tengan su toma de contacto con el escenario.
RECITATIVOS
Son partes cantadas por solistas en las que se desarrolla la acción. Para que esto sea posible se debe realizar con un texto casi declamado y sin adornos. Existen dos tipos de recitativo: Secco ( acompañamiento sólo de bajo continuo) o Acompagnato (con acompañamiento de orquesta).
ARIAS
Son las partes más importantes y más vistosas de la ópera. Realizadas por solistas; ahora la acción se para y el cantante expresa sus sentimientos por medio del lucimiento de su voz. Es el máximo exponente de la monodía acompañada.
COROS
Son fragmentos en los que canta un numeroso grupo de personajes
INTERLUDIOS
Partes instrumentales que se intercalan entre todos los fragmentos anteriores. También se denominaron "ritornellos".


Además de estos apartados, en la ópera también puede haber dúos, tríos,...
En la ópera participaban muchísimos personajes: los músicos de la orquesta, los cantantes del coro, extras que no cantaban,...
La donna è mobile - "Rigoletto"
(Giuseppe Verdi)
Stefany Nicole Fugon
Celia Hernández González
Irene Nieto Castro
Rebeca Santos Hernández
2ºA
I.E.S Mateo Hernández
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