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01 EVALUACIÓN DE LAS CARACTERÍSTICAS COMUNICATIVAS, EXPRESIV

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Marisol Folgado Canelles

on 4 December 2016

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01 EVALUACIÓN DE LAS CARACTERÍSTICAS COMUNICATIVAS, EXPRESIVAS Y TÉCNICAS DEL PROYECTO DE MONTAJE I
Funciones básicas del montaje
Función sintáctica
.El montaje puede definirse como la operación sintáctica que regula las relaciones de orden y duración entre los diferentes segmentos visuales y sonoros de una secuencia .Permite crear un tiempo y un espacio diferente al real.
Breve historia del montaje
Estas películas se desarrollaban en un segmento único de film.
Presentaban escenas en plano General
El plano único de los Lumiére se inspiraba en el modelo de la escena teatral o del cuadro
La inmovilidad de la cámara era total/No montaje PSec.
I INTRODUCCIÓN AL MONTAJE
Concepto de montaje:

“Es la coordinación- concatenación- de un plano con el siguiente y con el anterior, de acuerdo con unos principios o criterios de orden técnico, formal y estético” (Bordwell, 1995).
El cine soviético
Lev Kuleshov, ayudado por su alumno Pudovkin, llega a formular el denominado efecto K, según el cual, al presentar de forma secuencial dos imágenes diferentes, se producen interferencias de sentido de una en la otra (es la primera prueba experimental de lo que se denominará montaje expresivo).
Operaciones básicas del montaje:
Montaje de la banda de imagen:
Revisar o visionar el material original de la cámara (brutos)
Desglosar las tomas válidas de las que no lo sean
Ordenar por escenas y secuencias conforme al guión de rodaje o continuity script
Transferir las tomas a la bobina máster o al time-line, en orden de guión
Ajustar la duración eliminando el coleo (lo que queda grabado tras la voz de “corten”)
Completar el montaje de las secuencias toma a toma
Afinar o ajustar la duración de cada plano en relación con los contiguos (ritmo)
Marcar efectos de transición entre planos y secuencias
Hacer el último ajuste de ritmo en proyección
Realizar los efectos de imagen

Montaje de efectos de banda sonora:
Preparar la copia definititiva para toma de tiempos de doblaje, sonorización, etc.Realizar los doblajes
Elaborar y grabar los efectos de sonido
Grabar y repicar a magnético o digital musical original y repertorio
Preparar banda de audio para mezclas
Realizar mezclas de audio para obtener danda internacional y banda de diálogos

Función semántica
. Es el resultado de los cambios de significado que experimentan las imágenes en virtud del orden y modo que asumen en la cadena narrativa, y que afectan al sentido global del filme.

Función rítmica
Se producen dos tipos de ritmos o cadencias repetitivas que a veces se presentan acompasadas y otras en disonancia.
• Ritmo temporal o musical que es fruto de los sonidos que componen la banda sonora.
• Ritmo espacial o plástico, resultado de la cadencia de diferentes composiciomes cromáticas y lumínicas y de las diferentes duraciones con que se presenta el plano ante el espectador.


Función técnica
Es otra categoria que algunos estudiosos, desde una visión más pragmática del fenómeno, han considerado que hace referencia a las operaciones de ordenar, descartar , cortar y unir las distintas las distintas unidades fílmicas o planos y los elementos expresivos visuales y sonoros que se añaden a lo registrado en la filmación y que constituye la última fase del proceso de la realización.


Salida de los obreros de la fábrica . Hermanos Lumiére 1895
George Melies puso en práctica el arte de agrupar las escenas en orden. Viaje a la luna se escenificaba y se planificaba en diecisiete decorados diferentes
Cada encuadre es similar a un acto
de teatro, nunca constituye un cambio en
el punto de vista
Innovador en el uso de efectos especiales
(stop trick, coloreado de imágenes,exposi
ciones múltiples...)

Viaje a la luna. Georges Melies 1902 / La invención de Hugo M.Scorsese 2011
Pero será el americano Griffith, con quien podemos
hablar realmente del nacimiento del montaje asociado
ya a necesidades dramáticas.
Convierte al cine en un medio de expresión, al rodar las
mismas escenas o planos desde diferentes posiciones de
cámara y con diferentes tamaños de planos, para más tarde organizarlos de acuerdo con las necesidades dramáticas.

Salvamento en un incendio.Edwin S. Porter 1902
No obstante, el invento del montaje, concebido como la posibilidad de “ordenar” de una manera determinada la película filmada, se debe a George A. Smith, de la escuela inglesa de Brighton en 1901 (“Las aventuras de Mary Jane), que superó en este sentido los logros de Lumière y Méliès. Wiliamson (Ataque en una misión en China) comienza a aplicar la idea de montaje alternante, lo mismo que hará Edwin Porter en Estados Unidos (Asalto y robo a un tren), también en los primeros años del siglo XX.
Salvamento en un incendio fue considerado pionero por el uso del montaje en paralelo y por la mezcla de escenas de ficción de los actores disfrazados de bomberos con imágenes documentales del cuerpo de bomberos.

El nacimiento de una nación
Griffith 1915

A los jóvenes cineastas rusos se deben dos logros notables:
Primero, establecer la necesidad de expresar ideas por medio del cine.
Segundo, desarrollar una teoría del cine, que, Griffith, hombre esencialmente intuitivo ni siquiera había esbozado.

El cine para Eisenstein, no tiene la obligación de reproducir la realidad sin intervenir en ella sino todo lo contrario, reflejar esa realidad dando al mismo tiempo un cierto juicio ideológico sobre ella. El acorazado Potemkin está considerada como una de las películas propagandísticas más influyentes de todos los tiempos.

El punto de partida es muy similar al de Pudovkin. También considera que la materia prima del cine no es la realidad sino el medio cinematográfico, o lo que es lo mismo, el plano. Propone que los planos por si solos, aislados, son neutros en sí mismos, un plano suelto no tiene un significado, solo adoptan sentido cuando se relacionan entre sí, y la forma que tienen de relacionarse es por medio del montaje.

Pudovkin establece cinco métodos de montaje:
Contraste
Paralelismo
Simbolismo
Simultaneidad
Leit Motiv
Efectos de enlace o separación(raccord, transiciones)
Efectos de alternancia y de linearidad(pe.montaje alterno)
Efectos de simultaneidad (pe pantallas partidas, catchs...)
Mientras Griffith se ʺcontentabaʺ con desarrollar técnicas de montaje narrativo, los jóvenes cineastas rusos se preocupaban por llevar más lejos las posibilidades expresivas del cine
Pudovkin establece cinco métodos de montaje:
1.

Contraste:
por medio del contraste se puede conseguir un efecto más evidente e
intenso en el espectador.
2. Paralelismo:
dos sucesos diferentes se muestran de forma alternativa. Esta técnica a veces hace más referencia a la técnica que al tema y juega con la composición de las imágenes o solapando audios aparentemente distintos.
3. Simbolismo:
establece relaciones entre elementos aparentemente diferentes.
4. Simultaneidad:
se relacionan dos acontecimientos paralelos que se producen de forma simultánea.
5. Leit motiv:
sirve para acentuar la idea central del guión al crear un leitmotiv.

https://www.filmin.es/blog/las-5-tecnicas-de-montaje-claves-en-el-cine

La escena de la escalinata: (170 planos)
Crea un tiempo artificial
No hay casi movimientos de cámara
El movimiento lo marca la acción y el montaje. Ejemplo de montaje ritmico

Hacia 1930 el sonoro era un hecho, y el cine mudo había sido definitivamente vencido.
Con la llegada del sonoro también cambió el montaje
de las películas:
Se formaron multitud de profesionales
Antes solo se montaba la imagen, ahora
también los diálogos
El montaje se hizo más complejo al añadirse
música y efectos sonoros
La máquina que lo hizo posible fué la moviola
Antes había moviola pero "moviola muda"


El montaje en el cine sonoro

En 1926 se estrenó en Nueva
York Don Juan, con efecto sonoros
y una partitura sincronizada.



El 6 de octubre de 1927 se estrenó El cantor de jazz (The Jazz Singer),
considerada la primera película sonora de la historia del cine, que hizo
tambalear todos los planes del momento del cine mudo. Hacia 1930
el sonoro era un hecho, y el cine mudo había sido definitivamente
vencido.


La etapa del montaje clásico corresponde con el período, 1929 a 1958, años en los que se afianza, por un lado el cine sonoro y , por otro, los principios del montaje basado en el sistema de continuidad, es decir, la escritura fílmica al estilo Hollywood.


El montaje de continuidad: Estilo clásico (montaje analítico)
La piedra clave del estilo clásico es la
planificación, la continuidad y la transparencia narrativa
y con ese fin las películas clásicas responden con un modelo muy delimitado:
• La forma narrativa tiende a la simplicidad: unidad de tiempo, espacio y acción, y su presentación respetará la linealidad cronológica preferentemente. Los flashbacks son justificados y puntualizados.
• El cambio de plano- punto de vista sucesivo- se justifica en el principio de mostrar siempre con la mayor claridad lo más sustancial para la narración (situar al espectador en el lugar privilegiado).
• El paso de tiempo, supresiones, quedará puntuado por formas gráficas sencillas:fundidos, encadenados,etc.
• La aplicación de las técnicas del plano y contraplano,
el raccord de mirada y los sonidos del ambiente sonoro
facilitarán la percepción de la continuidad de la acción y
la transparencia narrativa.

La diligencia. John Ford 1939
Secuencia de la película La diligencia.Modelo de construcción clásica al servicio de la transparencia narrativa y la progresión de la historia
En los años cincuenta, en torno a
André Bazin
, uno de los fundadores de Cahiers du cinéma y el movimiento de la revista
Nouvelle Vague
, surgirán nuevos planteamientos de reflexión. André Bazin defiende un estilo de representación para el filme más realista,
rechazando la manipulación externa del montaje
de fragmentación o analítico y aquella a la que es sometido el espectador como resultado de la imposición del punto de vista del cineasta.
Defiende que el montaje basado en el plano de larga duración y de ritmo interno, posibilita la diversidad de lecturas por parte del espectador.
Propone un filme que se construya sobre las bases del plano secuencia, apoyado en la profundidad de campo y el montaje interno, pero sin renunciar a la planificación.
La nueva escritura: André Bazin y el montaje sintético
El apoyo más decidido a esta propuesta estética de realismo espontáneo y renuncia al montaje, llega de la mano de los cineastas documentalistas y afines (
Cinema verité,Direct cinema
), para quienes la filmación de una realidad no intervenida, o con la mínima manipulación, se ha convertido en marca de estilo y de legitimidad. Esto fue posible gracias al empleo, a partir de 1960, de cámaras de filmación ligera, manejadas a mano y dotadas con ópticas transfocator (ópticas zoom).

El montaje en el sistema estético de discontinuidad
Desde los primeros momentos se produce una reacción que, si no es opuesta, si que se mantiene al márgen defendiendo principios de autoría y de interés expresivo frente a la imposición de la linealidad y claridad narrativa.
Estados Unidos de los nombrados Orson Welles,Wyler, Hitchcock,etc
Fuera del país, Nouvelle Vague, Cine Nuevo Español,Cinema Novo Brasilero, Cine Cubano etc.
Su principal apuesta de renovación fue:
la salida de los estudios y la filmación en exteriores e interiores naturales.
La cotidianidad y los personajes corrientes (antítesis de héroe), además de la inclusión del mundo onírico y de la mente.
Estas nuevas realidades trajeron aparejadas la necesidad de orillar algunas formas entronizadas por la escritura clásica:
En estos años será frecuente ver alternativas al plano contraplano resueltas con barridos o paneos.
Traslaciones de foco, recursos como la foto-fija, la combinación en el discurso del color y del blanco y negro, etc.
Formas que en el modelo clásico eran infrecuentes: el plano secuencia, los retrocesos temporales, la voz interior, el salto de imagen o jump cut, el montaje discontinuo- sincopado- o de secuencias abiertas- no resueltas- ,el sonido directo, etc.

Años después, la ruptura más radical con el modelo de continuidad – sin abandonar el mercado-llegará con la obra de cineastas como Sam Peckinpah (Grupo salvaje, 1969- Perros de paja 1971), Dennis Hooper (Easy Rider, 1969) o
Martin Scorsese (Taxi Driver, 1976) quienes marcan un estilo o estética sobre formulaciones anticlásicas tanto en la exaltación del antihéroe y de la violencia convertida en espectáculo como en formulaciones formales reivindicadoras del cut-flash o montaje de planos muy breves, las ópticas ultra-angulares, la sobre-planificación (con repetición de tiempos, acciones, desde diferentes ángulos),reproducción ralentizada de movimientos (cámara lenta) entre otras tantas apuestas por la ruptura.
-
Grupo salvaje. Sam Peckinpah.1969
Easy rider.Dennis Hoper.1969
-Precursora del cine inde-
pendiente.
-Hito de la contracultura
estadounidense.
Las últimas décadas, de 1980 a 2000, han abierto un amplio abanico en la actitud de los cineastas, desde corrientes de preocupación formal y poética: Andrei Tarkowski, Kieslowski, Victor Erice, Jim Jarmush, etc
Hasta corrientes más próximas a las exigencias del mercado , deudoras, por tanto del modelo de continuidad y del relato transparente- aunque no faltas de aportación formal y de renovación: Steven Spielberg, Francis Ford Coppola, Oliver Stone, Ridley Scott o Peter Jackson, además de otras corrientes cinematográficas más singulares como son la producción del cine independiente estadounidense: Jim Jarmusch, David Lynch, Spike Lee, Robert Rodríguez, Rodrigo García,etc, el cine dogma de Lars von Trier o Thomas Vinterberg o la irrupción de los cineastas orientales de Wong Kar Wai y Zhang Yimou entre otros.
Blue Velvet. David Lynch.1986
Las aventuras de Mary Jane. George Albert Smith. 1901
Efecto Kuleshov explicdo por Hitchcock
Al final de la escapada
Jean Louc Godard .1966

Un perro andaluz. Luis Buñuel. 1929
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