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01 EVALUACIÓN DE LAS CARACTERÍSTICAS COMUNICATIVAS, EXPRESIV

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Marisol Folgado Canelles

on 5 October 2017

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01 EVALUACIÓN DE LAS CARACTERÍSTICAS COMUNICATIVAS, EXPRESIVAS Y TÉCNICAS DEL PROYECTO DE MONTAJE I
Antes del sonido...
Las películas de los
hermanos Lumiére
se desarrollaban en un segmento único de film.
Presentaban escenas en Plano General
El plano único de los Lumiére se inspiraba en el modelo de la escena teatral o del cuadro
La inmovilidad de la cámara era total/No montaje.
Plano Secuencia
El cine soviético
Lev Kuleshov, ayudado por su alumno Pudovkin, llega a formular el denominado efecto K, según el cual, al presentar de forma secuencial dos imágenes diferentes, se producen interferencias de sentido de una en la otra (es la primera prueba experimental de lo que se denominará montaje expresivo).
George Méliès
puso en práctica el arte de agrupar las escenas en orden y por tanto necesitan ya una continuidad dada por el montaje. Empieza a hacer películas de ficción.
Viaje a la luna
se escenificaba y se planificaba en diecisiete decorados diferentes.
Cada encuadre es similar a un acto
de teatro, nunca constituye un cambio en
el punto de vista
Innovador en el uso de efectos especiales
(stop trick, coloreado de imágenes,exposi
ciones múltiples, encadenados...)

Viaje a la luna.
Georges Méliès
1902
Salvamento en un incendio.Edwin S. Porter 1902


Williamson y George Smith
en Inglaterra (Escuela de Brighton) y
Porter
en USA fueron los pioneros del montaje concebido como la posibilidad de “ordenar” de una manera determinada la película y aunque es difícil saber quien fue el pionero, lo cierto es que Porter popularizó mejor los hallazgos.







A los jóvenes cineastas rusos se deben dos logros notables:
Primero, establecer la necesidad de expresar ideas por medio del cine.
Segundo, desarrollar una teoría del cine, que, Griffith, hombre esencialmente intuitivo ni siquiera había esbozado.

El cine para
Eisenstein
, no tiene la obligación de reproducir la realidad sin intervenir en ella sino todo lo contrario, reflejar esa realidad dando al mismo tiempo un cierto juicio ideológico sobre ella.
El acorazado Potemkin
está considerada como una de las películas propagandísticas más influyentes de todos los tiempos.

El punto de partida es muy similar al de
Pudovkin
. También considera que la materia prima del cine no es la realidad sino el medio cinematográfico, o lo que es lo mismo, el plano. Propone que los planos por si solos, aislados, son neutros en sí mismos, un plano suelto no tiene un significado, solo adoptan sentido cuando se relacionan entre sí, y la forma que tienen de relacionarse es por medio del montaje.

Pudovkin establece cinco métodos de montaje:
Contraste
Paralelismo
Simbolismo
Simultaneidad
Leit Motiv
Mientras Griffith se ʺcontentabaʺ con desarrollar técnicas de montaje narrativo, los jóvenes cineastas rusos se preocupaban por llevar más lejos las posibilidades expresivas del cine
Pudovkin establece cinco técnicas de montaje:Cada una de estas técnicas están en el arsenal de cada editor y se utilizan en prácticamente todas las películas
1.

Contraste:
Cuando el montaje enlaza dos imágenes muy diferentes entre sí.
2. Paralelismo:
Cuando se van alternando diferentes tomas de distintos sucesos que no tienen relación y no ocurren al mismo tiempo. Esta técnica a veces hace más referencia a la técnica que al tema y juega con la composición de las imágenes o solapando audios aparentemente distintos.
3. Simbolismo o similitud:
establece relaciones entre elementos aparentemente diferentes.
4. Simultaneidad o sincronismo:
Similar al montaje paralelo del punto 2, pero en el que los acontecimientos están relacionados entre sí y suceden al mismo tiempo.
5. Leit motiv:
Es el montaje que repite la idea central como un estribillo

https://www.filmin.es/blog/las-5-tecnicas-de-montaje-claves-en-el-cine

La escena de la escalinata: (170 planos)
Crea un tiempo artificial
No hay casi movimientos de cámara
El movimiento lo marca la acción y el montaje. Ejemplo de montaje ritmico

El montaje en el cine sonoro


En 1926 se estrenó en Nueva
York Don Juan, con efecto sonoros
y una partitura sincroniza

El 6 de octubre de 1927 se estrenó
El cantor de jazz (The Jazz Singer),

considerada la primera película sonora de la historia del cine, que hizo
tambalear todos los planes del momento del cine mudo. Hacia 1930
el sonoro era un hecho, y el cine mudo había sido definitivamente
vencido.


La etapa del montaje clásico corresponde con el período, 1929 a 1958. Se afianza, por un lado el cine sonoro y , por otro, los principios del montaje basado en el sistema de continuidad, es decir, la escritura fílmica al estilo Hollywood.


El montaje de continuidad: El cine clásico
La piedra clave del estilo clásico es la
planificación, la continuidad y la transparencia narrativa
y con ese fin las películas clásicas responden con un modelo muy delimitado:

La forma narrativa tiende a la simplicidad: unidad de tiempo, espacio y acción, y su presentación respetará la linealidad cronológica preferentemente. Los flashbacks son justificados y puntualizados.
• El cambio de plano, se justifica en el principio de mostrar siempre con la mayor claridad lo más sustancial para la narración (situar al espectador en el lugar privilegiado).
• El paso de tiempo, supresiones, quedará puntuado por formas gráficas sencillas: fundidos, encadenados,etc.
• La aplicación de las técnicas del plano y contraplano,
el racord de mirada y los sonidos del ambiente sonoro
facilitarán la percepción de la continuidad de la acción y
la transparencia narrativa.

La diligencia. John Ford 1939
Secuencia de la película
La diligencia
. Modelo de construcción clásica al servicio de la transparencia narrativa y la progresión de la historia.
En los años cincuenta, en torno a
André Bazin
, uno de los fundadores de
Cahiers du cinéma
y el movimiento de la revista
Nouvelle Vague, surgirán nuevos planteamientos de reflexión.
André Bazin defiende un estilo de representación para el filme más realista
, rechazando la manipulación externa del montaje de fragmentación o analítico y aquella a la que es sometido el espectador como resultado de la imposición del punto de vista del cineasta. Defiende que el montaje basado en el plano de larga duración y de ritmo interno, posibilita la diversidad de lecturas por parte del espectador. Propone un filme que se construya sobre las bases del plano secuencia, apoyado en la
profundidad de campo y el montaje interno, pero sin renunciar a la planificación.
La Nouvelle Vague: André Bazin y Jean Luc Godard
Algunos movimientos más allá de Hollywood
Marcan un estilo o estética sobre formulaciones anticlásicas :
la
exaltación del antihéroe
la
violencia convertida en espectáculo
montaje de planos muy breves
,
uso de
ópticas ultra-angulares
,
la sobre-planificación (con
repetición de tiempos, acciones, desde diferentes ángulos
),
reproducción ralentizada de movimientos
(cámara lenta)
Grupo salvaje. Sam Peckinpah.1969
Easy rider.Dennis Hoper.1969
-Precursora del cine inde-
pendiente.
-Hito de la contracultura
estadounidense.
Las aventuras de Mary Jane. George Smith. 1901
Efecto Kuleshov explicdo por Hitchcock
Al final de la escapada
Jean Louc Godard .1966

El montaje se planteaba en función de los rótulos (cartelas)
Así las cartelas evitaban que se unieran planos que no eran consecutivos
Cubrían elipsis temporales (entre 1915 y 1928, los rótulos, en algunos casos, llegaban a representar un quince por ciento de los planos totales de la película)
A Griffith se le debe el “invento” del fundido a negro como método de evitar terminar las escenas abruptamente, con corte.
Este fundido pronto dará paso a una transición más suave, el fundido encadenado, bien para indicar paso de tiempo, bien para unir suavemente planos alejados en la escala (primer plano y general, por ejemplo).
Más tarde servirá para unir secuencias, función que se conservará.


En el cine mudo ...

MONTAJE ALTERNANTE
En
El nacimiento de una nación
incluye escenas que se suceden simultáneamente pero en lugares diferentes, tal y como había hecho Porter, pero aquí buscando una intensidad dramática, un mantenimiento del suspense y la tensión, desconocidas hasta entonces. (Durante mucho tiempo las secuencias de persecuciones con su salvamento final se llamó en la industria del cine ʺsalvación en el último minuto de Griffith).

MONTAJE PARALELO
En su película
Intolerancia
da paso a una nueva forma de montaje: va alternando historias que no se suceden ni en el mismo tiempo ni en el mismo espacio, a modo de historias paralelas en cuanto al tema.

MONTAJE INVERTIDO (FLASH BACK)
Otra innovación de gran valor, utilizada también en
Intolerancia
, son las retroacciones. Griffith sería también quién intuyera que la ʺvuelta atrásʺ, el dejar correr el recuerdo de hechos pasados en la mente del personaje, facilita el mejor desarrollo psicológico. Esta vuelta atrás, esta alteración en el orden cronológico, da lugar a un tipo de montaje denominado INVERTIDO. En nuestros días el salto temporal puede ser no sólo hacia atrás ‐flash back‐ sino hacia delante ‐flash forward‐ .

Con Griffith adquieren carta definitiva una serie de montajes que continúan hasta hoy:

Pero será el americano
Griffith,
con quien podemos hablar realmente del nacimiento del montaje asociado ya a
necesidades dramáticas con
El nacimiento de una nación.
Convierte al cine en un medio de expresión, al rodar las mismas escenas o planos desde diferentes posiciones de cámara y con diferentes tamaños de planos, para más tarde organizarlos de acuerdo con las necesidades dramáticas.
El nacimiento de una nación. Griffith 1915
Porter
con
Salvamento en un incendio (1903)
fue considerado...
- pionero por el uso del montaje alternante
- pionero por la mezcla de escenas de ficción de los actores disfrazados de
bomberos con imágenes documentales del cuerpo de bomberos.
- La escena de la bajada de los bomberos es un paso más en la elaboración del
lenguaje cinematográfico (solapamiento temporal)
- Nos encontramos ante lo que es, seguramente, el primer plano de detalle de
la época.
The great train robbery (El gran gran robo del tren), Porter 1903,
Porter
realiza un primer plano aislado de un pistolero que mira y dispara a la cámara. No tiene que ver con el sentido que le damos hoy a los PP dentro de la narrativa de las películas, pero ya era un primer paso de cara a realizar un montaje fluido e invisible.
http://www.editando.cl/2015/07/5-tecnicas-de-edicion-que-le-debemos-a-pudovkin.html/#prettyPhoto
Cataloga cinco tipos de montaje según su creciente nivel de complejidad. No es que el los invente, sino que, en su reflexión, los plantea, teoriza, y reflexiona.

1- Montaje métrico:
es el más sencillo, el primero en la escala de complejidad. Se refiere a la alteración de la duración de los planos según la sensación que queramos dar a la escena. Independientemente de su contenido.
2- Montaje rítmico
: segundo grado de complejidad. El montaje rítmico tiene en cuenta la continuidad que existe dentro de las tomas como consecuencia de su contenido. Es decir, la dirección hacia la que se mueve la acción, el tamaño del plano, las miradas, etc., pueden formar parte de un montaje rítmico.
3- Montaje tonal:
tercer grado de complejidad. Se centra en dotar de un tono (melancólico, cómico, trágico, soñador,etc.) a una escena y toda la concepción del montaje está supeditada al mismo.
4- Montaje armónico:
cuarto grado de complejidad. En este caso, hablamos del tono de la historia o del tono de lo que se desarrolla en pantalla y que de los diversos tonos de la escena montada deben, al menos, según este esquema, armonizar entre sí.
5- Montaje intelectual:
quinto grado de complejidad, es decir, se trata de la forma más elaborada de montaje. Es el que explota la metáfora visual. No busca sentimientos, tonos, sino que busca que el espectador asocie imágenes para crear un significado abstracto complejo, intelectual. A este tipo pertenece el final de
La Huelga
y la película
Octubre
.





Buñuel y Vertov
son dos ejemplos de cineastas con talento que aprovecharon tanto las teorías de los rusos como el montaje de continuidad de Griffith para trascenderlos y ofrecer su propia visión.




El lenguaje cinematográfico es también el protagonista de
El hombre de la cámara
(1929) de
Dziga Vertov
. La película es una continua reflexión sobre el lenguaje cinematográfico ya desde sus rótulos de créditos iniciales, en los que se advierte de que se trata de una obra experimental que busca desligarse de, entre otros, el lenguaje teatral. Ahora bien, no por ello deja el montaje (así como los efectos de postproducción) de estar al servicio de lo que cuenta, aunque no se trate de una narración convencional.
Buñuel
realizó una pieza magistral,
Un perro andaluz
en 1929 que se convirtió en un compendio de prácticamente todas las técnicas de montaje que existían en la época.
Buñuel y Vertov:
reacciones a las teorías del montaje

Hacia 1930 el sonoro era un hecho, y el cine mudo había sido definitivamente vencido.
Con la llegada del sonoro también cambió el montaje de las películas:
Se formaron multitud de profesionales
Antes solo se montaba la imagen, ahora también los diálogos
El montaje se hizo más complejo al añadirse música y efectos sonoros

La máquina que lo hizo posible fue
la moviola
. Antes había moviola pero "moviola muda".
Alteraciones que se producen en el montaje con el sonido:
El orden de los planos
: el cine mudo siempre permitía que nada tomara forma definitiva hasta el montaje final
Duración de los planos
: En la época muda la tensión de un pasaje determinado se obtenía en razón de la longitud de los planos.
Fluidez narrativa
.En casi todas las películas mudas las transiciones son bruscas y apreciables. La preocupación realista del cine sonoro soluciona este problema de fluidez.
La llegada del sonido fue causa de una
pasajera regresión ya que supuso una serie de restricciones técnicas que estuvieron a punto de dar al traste con todas las soluciones e innovaciones logradas hasta ahora.
Los estudios se enfrentan al reto
de sonorizar sus producciones, ya
que el cine sonoro está siendo
todo un éxito.
Ubicar los micrófonos, mover a los actores, mover las cámaras, sincronizar el sonido, adaptar los diálogos, la interpretación...Un ejemplo para ilustrar este periodo es la película
Cantando bajo la lluvia
(Gene Kelley y Stanley
Donenn 1952).
BREVE HISTORIA DEL CINE.... Los comienzos
Una fecha clave en la historia del cine es la comercialización de rollos de película, también denominado
celuloide
, en 1868 por los hermanos Hyatt y que acabaría de desarrollar George W. Eastman, fundador de Kodak e inventor del carrete fotográfico y “gran culpable” de la popularización de la fotografía en nuestra sociedad.
A finales del siglo XIX tendría lugar la que pasaría a la historia como la primera exhibición comercial del mundo con el Cinématographe de los hermanos Lumière. La película
Llegada del tren a la estación (1895)
La invención de Hugo M.Scorsese 2011
http://www.ite.educacion.es/formacion/materiales/24/cd/m1_1/el_cinematgrafo.html
Salida de los obreros de la fábrica
Hermanos Lumière. 1895
A finales del siglo XIX la cámara fotográfica ya se había introducida en la sociedad, sin embargo no tardaron en aparecer inventores y científicos que pretendían dar un paso más en la
evolución de la fotografía dando vida a estas imágenes.
Kinetoscopio. Edison
Cinematógrafo. Hermanos Lumière
los primeros montajes...
Intolerancia. Griffith 1916

Casablanca
(Michael Curtiz 1942) es, quizá, la película clásica por
excelencia. Con un guión que respeta escrupulosamente los tres
actos del guión americano clásico, con una historia llena de romanticismo,
intriga, patriotismo y con una resolución final que a todos sorprende, pero además,
satisface.
La Nouvelle Vageu
se caracterizaba por rodar al aire libre, con cámaras más ligeras que permitan una mayor libertad a la hora de configurar los planos y acercarse a los personajes.
J
ean Luc Godard
en Al final de la escapada hará uso del montaje en discontinuidad. Se trata de uno de los mayores y más descarados desafíos que se han hecho en tiempos del cine sonoro al montaje convencional.

El
Neorrealismo italiano
fué un movimiento que trataba de dar más libertad a las formas cinematográficas con la intención
de hacer una crítica social y política descarnada de las condiciones que
Italia, principalmente, sufría tras la
II Guerra Mundial. Sus características básicas podrían ser:
Rodaje en exteriores
Actores no profesionales
Historias de alto componente social con personajes marginales o casi

Si nos fijamos en películas como
Roma, ciudad abierta
(Roberto Rosellini, 1945),
El ladrón de bicicletas
(Vittorio de Sica, 1948)
vemos que siguen en líneas generales los dictados de la continuidad. La interpretación, el guión, el estilo de realización se aleja, en cierta medida, de lo que hasta entonces era normativo. El montaje se aleja del estilo del cine clásico de Hollywood, con algunas escenas en las que predomina el plano general o abundan menos cortes.
Reportaje TVE. Roma, ciudad abierta (Roberto Rosellini, 1945)
El cine japonés. Ejemplos como Mikio Naruse, Kenji Mizoguchi o Yasujiro Ozu, directores reconocidos mundialmente y con estilo propio que optan por tomarse la libertad de rodar facilitando la visión del espectador y respetando la norma de los 180º o saltársela cuando les resulta más conveniente.
Había un padre (Ysujiro Ozu 1942) (26'58)
Otros movimientos: Cine Nuevo Español, Cinema Novo Brasilero, Cine Cubano etc.
Los golfos (
Carlos Saura 1959
)
De la Nouvelle Vague al cine contemporáneo
En EEUU, autores como Orson Welles, Wyler y Hitchcock defendienden principios de autoría y de interés expresivo frente a la imposición de la linealidad y claridad narrativa del cine clásico de Holywood
Cada película de
Alfred Hitchcock
supone una aportación decisiva al mundo del montaje.
La escena de la ducha supone un ejercicio magistral en el que el ritmo y la conjunción de las imágenes con la música proporcionan la sensación de terror y desasosiego que prácticamente la imágenes por sí solas no tendrían. En apenas dos minutos, concatena 50 cortes que en algunos casos duran solo medio segundo y que intercalan numerosos planos detalle o primerísimos primeros planos con incluso una toma subjetiva en la que vemos cómo el cuchillo parece querer atravesar la pantalla.
Psicosis (Alfred Hitchcock,
1969)
Con la muerte en los talones ( 1959)
En nueve minutos y medio de duración 130 tomas en la que predomina la puesta en escena por encima del corte.
Los pájaros
(The birds,
1963), es un
ejemplo de
cómo con
un dominio de la técnica del montaje y una postproducción de sonido muy elaborada se puede conseguir una sensación de agobio según avance el metraje sin apenas efectos especiales y desde luego, sin ningún efecto digital (que aún estaban por nacer).
making off
George Orson Welles
, productor, director, guionista y actor estadounidense, pionero y genio del cine, maestro y profundo renovador de los recursos estéticos y narrativos del lenguaje cinematográfico.
Destaca
Ciudadano Kane (Citizen Kane
, 1941) por su compleja puesta en escena, la detallada utilización del gran angular y la profundidad de campo, la fuerza de sus encuadres, los juegos de luces y sombras o la innovadora aplicación del montaje y el sonido.
Otros directores que destacan por su contribución al desarrollo del cine contemporáneo y con posturas de ruptura más radical con el modelo de continuidad sin abandonar el Mercado son :
Martin Scorsese (Taxi Driver, 1976, Steven Spielbreg (El diablo sobre ruedas, 1971), George Lucas y Francis Ford Coppola (El Padrino,1972), Sam Peckinpah (Grupo salvaje, 1969- Perros de paja 1971), Dennis Hooper (Easy Rider, 1969
)

Directores que pretendían hacer un cine diferente, alejado de lo que había sido hasta entonces el sistema de estudios de Hollywood (aunque finalmente, en la mayoría de los casos cayeron de Nuevo en él).
Esta generación de cineastas, manejaban con maestría el arte de poner los elementos de la postproducción al servicio de sus intenciones, si bien, en algunos casos , manteniendo (El padrino o taxi driver) la “invisibilidad” de los mismos y en otros (Grupo salvaje, Easy rider) haciéndolos más evidentes....
INTRODUCCIÓN A LA ASIGNATURA
Sabiendo hacer películas se puede afrontar cualquier producto audiovisual, pues las bases son las mismas.(estructura)

Montar no es pulsar J,K,L y luego I,O en un teclado (sistemas de edición del mercado)

El rodaje es quizá, uno de los momentos más atractivos de la películas


Las imágenes del rodaje no tienen
ningún valor si no las ordenamos,
seleccionamos el tiempo que duran y
muy especialmente, ubicamos a lo
largo de la película para mantener
interesado al espectador.

Conocer brevemente el origen y la evolución del cine nos va a permitir utilizar el lenguaje cinematográfico mejor
para conseguir los propósitos de nuestro trabajo con
mucha mayor libertad
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