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Estética Trabajo Final

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by

Giulio Leon

on 9 July 2015

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INTRODUCCIÓN A LA ESTÉTICA, ORIGEN DEL CONCEPTO
Alexander Gottlieb Baumgarten
Emmanuel Kant
Según Kant (Crítica del juicio) La estética es la ciencia que estudia e investiga el origen sistemático del sentimiento puro y su manifestación, que es el arte
CATEGORÍAS ESTÉTICAS
DEFINICIÓN
La estética es la disciplina filosófica que explica los procesos que generan la experiencia de lo bello y del arte, y analiza los conceptos que intervienen en estos dos campos. El término estética procede etimológicamente de la palabra griega aisthesis –sensación- y se refiere a la reflexión sobre el arte y la belleza.
ESTÉTICA TRABAJO FINAL
Filósofo alemán Alexander Gottlieb Baumgarten que usó por primera vez el término estética, entendiéndola como ciencia de la sensibilidad. La disciplina de la estética es, por tanto, relativamente moderna, ya que no existía como tal antes de este filósofo.
(1714-1762)
LA BELLEZA
Esta primera categoría estética se encuentra en los pueblos
antiguos. Los griegos han relacionado esta categoría con el concepto de “bueno”, y designa a lo “bien elaborado” o
“bien fabricado”. Por ejemplo, las armas son objetos estéticos y bellos porque están “bien hechos” y tienen una función utilitaria.

Armonia
Sencillez
Equilibrio
Naturalidad
Provoca placer quien lo observa
EL NACIMIENTO DE VENUS, SANDRO BOTTICELLI
LA FEALDAD
LO SUBLIME
LO TRÁGICO
LO CÓMICO
LO GROTESCO

La fealdad es el alejamiento del canon de belleza que es el conjunto de aquellas características que una sociedad considera convencionalmente como bonito, atractivo o deseable, sea en una persona u objeto. Usualmente indica hacía algo que provoca repulsión o terror. El término sin embargo, es usado con mayor frecuencia en referencia a la apariencia humana. El concepto opuesto a la fealdad es la belleza.
Lo sublime es una categoría estética, derivada principalmente de la célebre obra Περὶ ὕψους ("Sobre lo sublime") del crítico o retórico griego Longino (o Pseudo-Longino), y que consiste fundamentalmente en una "grandeza" o, por así decir, belleza extrema, capaz de llevar al espectador a un éxtasis más allá de su racionalidad, o incluso de provocar dolor por ser imposible de asimilar. El concepto de lo "sublime" fue redescubierto durante el Renacimiento, y gozó de gran popularidad durante el Barroco, durante el siglo XVIII alemán e inglés y sobre todo durante el primer Romanticismo.
CONCEPTO DE ARTE
Lo trágico es la categoría estética que mejor expresa la esencial condición del hombre y lo enseña a conocerse en el despliegue de pasiones que describen tanto su grandeza como su mezquindad.
Lo trágico es una categoría que por el dolor acerca a lo humano, pero conserva todavía una gran dosis de elevación propia de lo sublime. Lo trágico no es sólo triste. Además es visto como algo que no sigue el curso natural de la vida.
La risa es producto de lo que se le ha llamado cómico, que se usa cuando algo es chistoso, chusco, festivo, jocoso, hilarante o burlesco. La vida cotidiana está llena de situaciones chistosas, cómicas que generan risa.
A veces en las situaciones más solemnes, formales y serias; cualquier detalle inesperado, chusco, produce más comicidad. La risa es sin duda una reacción placentera que caracteriza la condición humana. A la risa se le ha entendido de distintas formas a través de la historia, en la antigüedad romana como un don de Dios o una fuerza creadora, en el cristianismo primitivo como una emanación del diablo o fuerza destructora.
Su origen se encuentra en la vida misma, porque enseña a comprenderla elevando sus miserias a una más noble expresión. En la representación de lo grotesco no se podrá jamás vislumbrar el menor destello de belleza.
Lo grotesco es la realidad enaltecida por el arte, la obra tiene valor estética no por lo que en sí representa sino por la fidelidad con que el artista plasmó las figuras grotescas. Porque la vida vulgar y grosera en ocasiones puede ser purificada por medio del arte.
Existen diversas definiciones para las artes, algunas, demasiado simples, pues lo conciben esencialmente como forma de expresión, o un “bien hacer”, relacionándolo con una destreza. Estas características no permiten diferenciarlas de otras manifestaciones estético-comunicativas que coexisten en nuestra cultura. Nos interesa destacar que la condición de las artes, y la finalidad de sus productos, (en el proceso de la enseñanza aprendizaje) es la (expresión creativa) innovación. Más aún, señalar que las artes están relacionadas con su contexto histórico, y que también proponen un conocimiento singular del hombre, transformando su sensibilidad.

LA ESTÉTICA MODERNA
El modernismo se resume en la consigna de hacer de la propia vida una obra de arte. Es ante todo un conjunto de ideales y principios estéticos para ser aplicados en todas las áreas de la vida, incluyendo la apariencia personal, la arquitectura, la decoración, el arte y el diseño. Sus características principales son la sencillez, la limpieza de las líneas y formas geométricas y el uso cuidadoso del color.

Baudelaire es el descubridor de la modernidad. Usa esa palabra en 1859, para expresar lo que caracteriza al artista moderno. En un verdadero ensayo precursor sobre el problema del arte en la modernidad, Baudelaire diría en 1863 que "la modernidad es lo transitorio, lo fugitivo, lo contingente, que es la mitad del arte, cuya otra mitad es lo inmutable". El componente eterno está presidido por los principios estéticos de Aristóteles: armonía, orden, simetría, ritmo. Las formas, por su fugacidad, son expresión del fondo espiritual del que derivan.
Para Baudelaire, el hombre moderno es el que se inventa a sí mismo, tanto en el plano físico como en el plano espiritual. Esa aspiración fundamentó en gran medida la aparición del dandismo, cuyo principal exponente fue precisamente Baudelaire. Los dandys eran jóvenes elegantes que pretendían ser modernos y despreciaban las costumbres burguesas, mostrándose como escépticos morales, ociosos, aficionados al lujo y excesivamente adornados.

El dandy se aferra a la moda y las drogas como estados en esencia transitorios y forzosamente reversibles que obligan a comenzar siempre de nuevo, como el juego.
En palabras de Baudelaire, el dandysmo es "una especie de culto de sí mismo, que puede sobrevivir a la búsqueda de la felicidad que se descubre en los demás, por ejemplo en la mujer, y que hasta puede sobrevivir a todo lo que se suele denominar como ilusiones". El dandy es, en definitiva, "el placer de sorprender y la satisfacción orgullosa de no ser sorprendido jamás", el objeto más distinguido de la ciudad. Para distinguirse hay que marginarse y distanciarse de la muchedumbre, esencialmente vulgar.


El modernismo llegó a convertirse en un movimiento artístico gracias a los cambios tecnológicos del siglo XX. En la Europa de comienzos del siglo XX, hubo un conjunto de tendencias artísticas innovadoras, con París como gran centro cultural de la época. Estas tendencias recibieron el nombre de vanguardias. Artística o políticamente, son llamados de vanguardia los grupos o corrientes que presentan propuestas innovadoras que "captan" las tendencias del futuro y que tienen como misión realizar el futuro ahora, por lo cual son polémicos e incomprendidos. El arte moderno estaba contra el pasado cultural y a favor de la libertad de acción.
El artista Neil Harbisson nació con una ceguera a los colores, pero actualmente un dispositivo conectado a su cabeza transforma los colores en frecuencias audibles. En vez de ver un mundo en escala de grises, puede escuchar una sinfonía de color... y sí, incluso escucha los rostros y los cuadros.
Algunas de sus obras
Ahora Neil puede crear obras a color, totalmente consciente de los colores que quiere plasmar gracias a su tercer ojo. Estos son algunos de los primeros trabajos que realizó:
Las anteriores son interpretaciones gráficas que Neil les dio a las piezas musicales correspondientes, pero también puede pintar rostros de personas y colorearlos de acuerdo a las respuestas auditivas que recibe del Eyeborg.
EL NUMERO DE ORO, Φ = 1,618033989........
El número de oro, también conocido como razón áurea, suele representarse con la letra griega Φ, en
honor a Fidias, el arquitecto que diseñó el Partenón, (es un templo dedicado a la diosa Atenea que protege
la ciudad de Atenas), es el monumento más importante de la civilización griega antigua y se le considera
como una de las más bellas obras arquitectónicas de la humanidad.
El descubrimiento de este número se atribuye a la escuela Pitagórica, de hecho los pitagóricos utilizaban
como símbolo la estrella de cinco puntas, en la que aparecen distintas razones ó proporciones áureas,
como veremos más adelante en el desarrollo de este tema.
Pero, ¿Por qué es tan importante este número?, ¿Qué mide?.
Este número aparece repetidamente en el mundo que nos rodea, primeramente en la naturaleza, en las
proporciones de los cuerpos de los seres vivos, en la forma de distribuirse hojas y flores en el tallo de las
plantas, y luego en todas las obras de la mano del hombre. Se ha usado como elemento de diseño en
construcciones arquitectónicas tan antiguas como la pirámide de Keops, siempre con el propósito de crear
belleza, armonía y perfección.



Es interesante señalar que Schopenhauer considera esta metafísica como intermedia entre la metafísica de la naturaleza y la metafísica de las costumbres (o ética), es decir, el estudio de lo bello supone un tipo de conocimiento absolutamente específico que se da en nosotros, por lo que se hace necesario plantear qué consecuencias se derivan de él. Además, parece que el goce (Genuß) que proporciona la experiencia de lo bello se diferencia mucho de los demás tipos de placer, pues éstos tienen en común el ser satisfacciones de una voluntad individual (esto es, tal goce se encuentra en relación directa con una voluntad). Así, pueden reunirse bajo el concepto de “lo agradable” (Angenehmen): allí donde los sentidos y el cuerpo participan inmediatamente del goce. Sin embargo, la alegría que nos produce lo bello es completamente diferente, pues se basa siempre en el conocimiento puro y absoluto, de manera que los objetos que producen la experiencia de lo bello no esconden relación alguna con nuestros fines personales, es decir, con nuestra voluntad. Tal goce se encuentra desvinculado de cualquier interés personal, y la alegría que nos aporta es absolutamente desinteresada. En MVR I (§ 34) leemos: «Cuando un sujeto, elevado por la fuerza del espíritu, abandona la forma habitual de considerar las cosas, dejando de ocuparse únicamente de sus relaciones recíprocas […]; es decir, cuando no considera ya el dónde, cuándo, porqué y para qué de las cosas sino única y exclusivamente el qué [y] entrega a la intuición todo el poder de su espíritu, se sumerge totalmente en ella y llena toda su conciencia con la tranquila contemplación del objeto natural que en ese momento se presenta […] se pierde completamente en ese objeto, es decir, olvida su individualidad, y queda como puro sujeto, como claro espejo del objeto […] entonces lo así conocido no es ya la cosa individual en cuanto tal sino la idea, la forma eterna, la objetividad inmediata de la voluntad en ese grado: y precisamente por eso, el que está sumido en esta intuición no es ya un individuo, pues el individuo se ha perdido en ella: es un puro, avolitivo, exento de dolor e intemporal sujeto de conocimiento».
ESTÉTICA CONTEMPORÁNEA
ESTÉTICA METAFÍSICA SEGÚN SCHOPENHAUER
TEORÍA DEL FIN DEL ARTE
Arthur C. Danto
INTRODUCCIÓN AL FRACTALISMO
El Fractalismo es un movimiento artístico surgido en la última década del siglo XX, con antecedentes desde 1985,1 derivado del concepto matemático “fractal”. Katherine Hyles considera la teoría de la geometría fractal de Mendelbrot como una nueva estética. Mientras que Eva Neuer lo propone como el reconocimiento de que todo el mundo -pasado presente y futuro-; está contenido en uno mismo y que, a la vez, cada uno forma parte del todo. Lo anterior implica que al cambiar uno mismo, se cambia el mundo.

EN LAS ARTES PLASTICAS:

El arte fractal, como su nombre lo indica, estaba basado en al geometría fractal es decir, formas caracterizadas por la auto afinidad (cualquier porción de la imagen es similar al todo) y una ilimitada cantidad de detalle a todas escalas. En su manifiesto, Kerry Mitchell señala que el arte fractal debe ser expresivo, creativo y requiere inteligencia y esfuerzo. Por otro lado, la obra fractal no es aleatoria ni creada por máquinas, se requiere del genio artístico que las planee y calcule de origen, por lo que tampoco es una práctica al alcance de cualquiera que tenga una computadora.

Para empezar a presentar este tema, tenemose que saber de Arthur C. Danto. Filósofo. profesor y crítico de arte, quien en una tesis planteó la llamada "Muerte del Arte". Este busca representar una sociológica del arte a partir de la "Filosofía Analítica", que a su vez se caracteriza por ser una filosofía no especulativa (sin metafísica)

Trabaja con estructuras cercanas a la lógica
Trabaja con la Filosofía del lenguaje (Semiótica, Lingüística)
Trabaja el problema del “fin del arte” (Hegel) retomado en los años ’80, junto con la “condición posmoderna” (Lyotard) y la explosión del arte fuera de las fronteras tradicionales


Cuatro filósofos de finales del siglo XIX y principios del XX aportaron con sus respectivos pensamientos las principales influencias estéticas contemporáneas.

En Francia, Henri Bergson definió la ciencia como el uso de la inteligencia para crear un sistema de símbolos que describa la realidad aunque en el mundo real la falsifique. El arte, sin embargo, se basa en intuiciones, lo que es una aprehensión directa de la realidad no interferida por el pensamiento. Así, el arte se abre camino mediante los símbolos y creencias convencionales acerca del hombre, la vida y la sociedad, que enfrenta al individuo con la realidad misma.

En Italia, el filósofo e historiador Benedetto Croce también exaltó la intuición, pues consideraba que era la conciencia inmediata de un objeto que de algún modo representa la forma de ese objeto, es decir, la aprehensión de cosas en lugar de lo que uno refleje de ellas.
Las obras de arte son la expresión, en forma material, de tales intuiciones; belleza y fealdad, no obstante, no son rasgos de estas sino cualidades del espíritu expresados por vía intuitiva en esa misma.

El filósofo de origen español, Jorge Ruiz de Santayana, razonó que cuando uno obtiene placer en una cosa, el placer puede considerarse como una cualidad de la cosa en sí misma, más que una respuesta subjetiva de ella. No se puede caracterizar ningún acto humano como bueno en sí mismo, ni denominarlo bueno tan sólo porque se apruebe socialmente, ni puede decirse que algún objeto es bello, porque su color o su forma lleven a llamarlo bello. En su ensayo El sentido de la belleza (1896) propuso novedosos argumentos para una consideración fundamentada del fenómeno estético.

El pedagogo y filósofo estadounidense John Dewey consideraba la experiencia humana como inconexa, fragmentaria, llena de principios sin conclusiones, o como experiencias manipuladas con claridad como medios destinados a cumplir fines concretos. Aquellas experiencias excepcionales, que fluyen desde sus orígenes hasta su consumación, son estéticas. La experiencia estética es placer por su propio interés, es completa e independiente y es final, no se limita a ser instrumental o a cumplir un propósito concreto.
La relación entre color y música ha interesado desde siempre a artistas y hombres de
ciencia. Entre ellos se puede mencionar a Aristóteles, Newton, Goethe, Skryabin,
Ostwald, Munsell, Kandinsky, por tomar los más conocidos. Existen muchos estudios
sobre el tema. Hay tanto aproximaciones intuitivas como desde la psicología, la psicofí-
sica, la física y la fisiología.
Aristóteles, en Del sentido y lo sensible, intuye que la estética en la agrupación de
colores está regida por las mismas reglas que gobiernan las consonancias musicales.
Newton compara las vibraciones de los rayos de luz, que, según su longitud de onda,
excitan las diferentes sensaciones de color, con las vibraciones del aire, que, también de
acuerdo con su longitud, excitan las sensaciones de diferentes sonidos. Especula con la idea de que las armonías o disarmonías de color dependen de
las proporciones entre las vibraciones propagadas a través del nervio óptico, de la misma
manera que la armonía o disarmonía del sonido se deriva de las proporciones de las vibraciones
del aire. En el espectro de la luz, define siete colores y marca
la separación entre ellos, estableciendo entre los segmentos una serie de proporciones que coincide con las proporciones entre los intervalos de una escala diatónica musical.
LOS COLORES Y SONIDOS, SINESTESIA
.

MANIFIESTOS:

En 1999 Kerry Mitchell presenta el Manifiesto del arte fractal en donde señala sus antecedentes y delimita sus características. El Manifiesto del fractalismo, publicado en el año 2000 por Eva Neuer, caracteriza al fractalismo como una actitud cultural y señala las características de un fractalista: tiene la conciencia de que al cambiarse a sí mismo, cambia el mundo; favorece el caos por encima de un orden voluntarista y la diversidad por encima de lo hegemónico, por lo que favorece la autogestión como alternativa al discurso institucional.
Héctor A. Piccoli en el Manifiesto fractal de 2002 propone como alternativa a la prosificación de la poesía una literatura fractal que se apoye en las tecnologías actuales con el fin de que la poesía vuelva a tener una identidad.

En neurofisiología, sinestesia (del grigo ''syn''=‘junto’, y ''aisthesía''= ‘sensación’) es la asimilación conjunta o interferencia de varios tipos de sensaciones de diferentes sentidos en un mismo acto perceptivo. Un sinestésico puede, por ejemplo, oír colores, ver sonidos, y percibir sensaciones gustativas al tocar un objeto con una textura determinada. No es que lo asocie o tenga la sensación de sentirlo: lo siente realmente. La sinestesia es un efecto común de algunas drogas psicodélicas, como el LSD, la mescalina o los hongos psilocibios.

Los sinestésicos perciben con frecuencia correspondencias entre tonos de color, tonos de sonidos e intensidades de los sabores de forma involuntaria. Por ejemplo, tocar una superficie más suave les puede hacer sentir un sabor dulce. Estas experiencias no son meras asociaciones, sino percepciones, y la depresión tiende a aumentar su fuerza. Otro ejemplo, asociar el color amarillo al número 7. Algunos ven colores cuando escuchan música, otros pueden sentir el sabor de las palabras. Otras personas pueden percibir la letra A de color rojo, la S de color amarillo y la Z de color negro.
SINESTESIA
APRECIACIÓN ESTÉTICA
Entonces podemos definir un fractal como un conjunto, objeto o forma el cual al ser observado en una pequeña porción mantiene un aspecto similar y/o constante al que presenta cuando es observado de forma completa.

La apreciación artística se concibe como un proceso en el que están implicados una obra única y original con ciertos atributos y diferentes tipos de espectadores en busca de valoraciones, experiencias significativas y sentidos.
Una perspectiva más profunda del fenómeno de la apreciación del arte, nos lleva a considerar que tanto la obra artística como los espectadores o público, están inmersos en una cultura que condiciona los modos de expresión y apreciación de las artes. Integran el conjunto de los elementos de apreciación artística, un espectador motivado a una apropiación simbólica de la obra. Y por supuesto, la obra: Una forma de expresión determinada en principio por ciertas reglas o convenciones al servicio de una intención comunicativa y/o expresiva que el espectador va a construir a partir de sus conocimientos y sensibilidad.
FRACTAL EN EL ARTE


Analizar, interpretar y valorar son las tres operaciones básicas a realizar, si se quiere tener
una experiencia con el arte que no se quede en lo trivial.
Para analizar, es importante observar, escuchar o dado el caso, interactuar con la obra. Al
mismo tiempo, es importante hacer una descripción de los elementos constitutivos de la
obra, desde los más sencillos a los más complejos: sonidos, colores, formas, escenas, etc.
Al interpretar, se deben considerar las características expresivas de los elementos que
conforman una obra artística en función del tema y sus contenidos.
Valorar una obra conlleva a emitir un juicio, luego de situarla dentro de una genealogía, un
periodo histórico, una tendencia, su género y estilo. La valoración tiene por finalidad
descubrir el grado de originalidad de una obra. El espectador además cuenta con otras
opciones para apropiarse de una obra:

• Identificar y disfrutar la estética de sus elementos configurativos bajo los principios
de armonía, contraste, espacio, composición, y ritmo.

• Percibir los posibles efectos que una obra produce en su sensibilidad,
transformando su gusto, su manera de percibir la realidad, de pensar el arte, por
citar algunos ejemplos.

• Asociar la obra artística a cualquier tipo de conocimientos, experiencias, vivencias,
recuerdos, y a otras obras o expresiones en otros medios, no necesariamente
artísticas. En otras palabras, vinculando a la obra con una historia íntima, personal,
con otra objetiva de referencias entre obras artísticas (artes plásticas, danza,
teatro, música), y de obras artísticas con otras manifestaciones estéticas
(artesanías y diseños).
El Rostro de la Guerra - Salvador Dalí
FRACTALES DE LA MÚSICA
Encontrar Fractales por ejemplo en la naturaleza resulta muy facil y es que los fractales tienen menor o mayor presencia en los difierentes entornos y objetos que podemos encontrar en la realidad. Posiblemente en el caso más espectacular es que la música clásica contiene formas fractales en su interior. La música de Beethoven es un ejemplo muy representativo. Sin embargo, también iste poesia fractal e incluso formas de estructura fractal que pone en manifiesto la relación que existe entre la realidad y las matemáticas
Beethoven - Symphony Noº 1 Movement noº 1
El término Renacimiento fue acuñado por Vasari para designar un movimiento artístico pero, sobre todo, una corriente de pensamiento, que aparece en Italia y se desarrolla durante los siglos XIV al XVI. Le dio ese nombre porque hizo “renacer” los ideales que imperaron siglos atrás, en la antigüedad clásica, entendiendo como tal las culturas griega y romana. Este movimiento nacerá en Italia, en los siglos XIV y XV, llegando a su apogeo al iniciarse el XVI (el Renacimiento es, ante todo, un movimiento italiano). Desde allí se extenderá al resto de Europa, para pasar más tarde a América. No será uniforme, ya que en cada país adquirirá matices particulares.
EL QUATTROCIENTO

Capilla Tornabuoni

CONTEXTO HISTÓRICO

ECONÓMICO
Fuerte desarrollo del comercio y la artesanía, lo que conllevará el ascenso económico y social de la burguesía. De esta forma, la burguesía se convertirá en uno de los mecenas fundamentales para los artistas, junto con la Iglesia y la nobleza. “Mecenas”: protector de artistas, miembros de familias adineradas: los Medicis, los Uffizi, los Rucellai, etc. Solían ser coleccionistas de obras de arte.

EXPANSION DEL CONOCIMIENTO
Creación de numerosas universidades y creación de la imprenta donde gracias a ello el pensamiento crítico desarrolla una nueva filosofía, el humanismo. El hombre es el centro del universo (antropocentrismo frente al teocentrismo de la Edad Media). El hombre comienza a emplear la razón, en oposición al conocimiento medieval que se movía en el ámbito de la fe. Esto llevará a una secularización de la cultura (y por lo tanto del Arte), que pierde en este estilo gran parte de la carga religiosa que habíamos encontrado en épocas anteriores (aunque en algunos países, como España, el arte seguirá siendo eminentemente religioso).


REFORMA RELIGIOSA
Fue favorecida por la nueva mentalidad del humanismo y el renacimiento, el espíritu crítico que éstos habían introducido y la necesidad de una nueva forma de religiosidad acomodada a los sentimientos de la cristiandad occidental. El factor desencadenante fue la predicación de indulgencias eclesiásticas para la construcción de la basílica de San Pedro en Roma, que motivó la rebeldía de Martín Lutero.

EL LUTENARISMO: El papa León X proclamo la vente de indulgencias para sufragar los gastos de la catedral de San Pedro en Roma. Este hecho indigno al monje agustino alemán Martin Lutero (1483-1546) porque no aceptaba el perdón de los pecados a cambio de dinero. Así en 1517 publico un manifiesto donde cuestionaba a la autoridad papal.


EL CALVINISMO: El francés Juan Calvino (1509 – 1564) asimilo el Luteranismo y elaboro una doctrina basada en la predestinación, según la cual Dios elige a los seres humanos que han de salvarse. Sin embargo no por ello deben renunciar a la oración de suplicar misericordia.

EL ANGLICANISMO: El rey Enrique VIII (1509 . 1574) creo una iglesia nacional, la Anglicana, cuya cabeza era y es el rey de Inglaterra. La ruptura con la iglesia católica (1535 tuvo lugar cuando el Papa negó al rey la autorización para separarse de su esposa Catalina de Aragón y casarse con Ana Bolena

LA ILUSTRACIÓN
Esta centuria supone en su conjunto, la superación de la crisis económica que caracteriza a Europa en el siglo XVII. Las causas de esta prosperidad son las siguientes: nueva afluencia de metales preciosos de América, mayor prosperidad en la agricultura y en la industria, un progreso del comercio, una mejora en los medios de transporte y un mayor crecimiento demográfico al terminar las hambrunas y pestes del siglo anterior.
Desde mediados de siglo se producen en Inglaterra una serie de innovaciones técnicas, nuevos y mejores usos del carbón, así como una diferente forma de organizar los procesos productivos- fábricas- que toma el nombre de Primera Revolución Industrial. Su extensión al resto de Europa no se producirá hasta el siglo XIX.
CARACTERISTICAS DE LA ILUSTRACIÓN
El siglo XVIII fue denominado Siglo de las luces porque se pretendía iluminar con la “luz de la razón” todos los misterios del mundo y acabar con la superstición , la ignorancia y la tiranía.
La razón constituían la base principal del conocimiento, rechazando lo sobrenatural y lo tradicional.
Se potencia el optimismo sobre la capacidad del ser humano y la confianza desmedida en el progreso.
Se ponen en práctica los descubrimientos científicos y se aplican las aportaciones de los filósofos en la sociedad y en la política.
Se considera la educación como el mejor medio para difundir la razón. Esta debía ser dirigida por el estado
La Ilustración se ve influenciada especialmente por el racionalismo, que afirma que la razón es la fuente de conocimiento y el empirismo, que defiende que el conocimiento debe pasar necesariamente por la experiencia sensible.
Se toman como principios de investigación el método cartesiano y las leyes descubiertas por Newton.
Destaca la influencia también de Kant, la figura central de la filosofía del siglo XVIIII.


ESTÉTICA ILUSTRADA
La estética ilustrada se centró en cuestiones fisiológicas, del hombre, haciendo una estética de los sentimientos: Yves-Marie André distinguió en Ensayo sobre lo bello (1715) tres clases de belleza:
«esencial», que es objetiva al estar por encima de cualquier consideración humana
«natural», igualmente objetiva pero a nivel humano, aunque ajena a opiniones de gusto
«arbitraria», que es subjetiva y relativa.93 Jean-Baptiste Dubos, en Reflexiones críticas sobre la poesía y la pintura (1719), abrió el camino hacia la relatividad del gusto, razonando que la estética no viene dada por la razón, sino por los sentimientos. Para Dubos, el arte conmueve, llega al espíritu de una forma más directa e inmediata que el conocimiento racional. Hizo una democratización del gusto, oponiéndose a la reglamentación académica. Dubos introdujo la figura del «genio», como atributo dado por la naturaleza, que está más allá de las reglas. Voltaire también defendió la relatividad del gusto, aunque consideraba éste un producto de la educación, orientándose hacia un gusto universal, racionalizado. Por su parte, Étienne Bonnot de Condillac expuso en su Tratado de las sensaciones (1754) que la conciencia humana –y, por tanto, el conocimiento– es la suma de los cinco sentidos

Experiencia en la apreciación estética
Experiencia estética (percepto y afecto)
El percepto es el resultado de haber alcanzado un grado de excelencia en el producto artístico. Recordemos que la percepción es un mecanismo piscofísico, es el resultado de la impresión de un estímulo sobre un órgano. El percepto, en cambio, es algo mas abarcativo y complejo. Es todo lo que esta en la percepción actual y también antes de ella, aunque no se reduce o se explica por la memoria.
El afecto no es solo un estado vivido, no es sentir una emoción particular (de alegría, de penal de miedo). Es mas que eso, es sentir que la obra nos apela profundamente. Es sentirnos afectados por ella y cuando algo nos afecta, nos detenemos, cortamos el ajetreo cotidiano para ver algo que hasta entonces no habíamos visto.

OJO SNOB
Es el ojo que sigue la moda y opina de arte como si supiera . Este ojo puede hablar de todo, es como un actor que recita sin mucho convencimiento; él cree que los demás creen que él es un entendido en el tema. Generalmente, son los que no leen ni estudian y tampoco poseen un acervo cultural sólido. Es el "ojo" que cree ser un iniciado y pertenecer a una élite. Si le hacemos alguna pregunta en profundidad (que en general tienden a evitar) nos daremos cuenta de su falta de conocimientos.
En general son "ojos" con sentimiento de inferioridad que tratan de mantener un aire de suficiencia (el todo lo puede...).
Es el "ojo" que aspira al éxito mundano.

OJO CRÍTICO
Es el "ojo" semejante al del médico clínico porque es capaz de detectar en la obra 'síntomas' de su tiempo. Es el "ojo" que mejor puede apreciar el arte. Este "ojo" descubre y reconoce que la imitación del modelo es sólo "uno de los modos" de

ESCUELA DE FRANKFURT
La llamada Escuela de Frankfurt surge conla fundación, en 1923, del Instituto para laInvestigación Social (Institut fürSozialforschung), como centro canalizadorde una serie de intereses comunes: se Primer edificio del Institutotrataba de reunir, fundamentalmente, aautores interesados en el marxismo. Debido a la particularlibertad del ambiente universitario, Frankfurt era la ciudad idealpara el desarrollo de líneas de investigación interesadas en lasideas centrales del marxismo, y, de un modo prioritario, entransformar la sociedad de su tiempo. El término “Escuela deFrankfurt” es un término informal empleado para referirse tanto alos pensadores miembros del Instituto de Investigaciones Sociales
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