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Trabajo final de Historia del Arte

• Allegri, Sebastián; Buezas, Juan Lisandro.
by

Juan Lisandro Buezas

on 3 December 2013

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Transcript of Trabajo final de Historia del Arte

Arte
(Del lat. ars, artis, y este calco del gr. τέχνη).
2. amb. Manifestación de la actividad humana mediante la cual se expresa una visión personal y desinteresada que interpreta lo real o imaginado con recursos plásticos, lingüísticos o sonoros.
(Según la Real Academia Española).
Dividido en 3 grandes períodos
Arte clásico
Esta etapa compila el surgimiento mismo del arte plástico. Tiene dos grandes exponentes: el arte griego (helenístico, en realidad) y el romano, descendiente directo del primero. Temporalmente, abarca desde el siglo VI A. C., donde empiezan a surgir en las recién surgidas poleis griegas las primeras formas de arte plástico, como la escultura y la cerámica, arte arquitectónico, con grandes edificios como el Parthenon, y arte literario, con la aparición de los primeros dramas y comedias. Llega hasta el mismo final del Imperio Romano de Occidente, a finales del siglo 5 D. C., donde ponderan los frescos, las columnas y grandes edificaciones de uso público (en el caso griego, la arquitectura era utilizada para el beneplácito de los dioses). La principal característica de esta etapa a nivel plástico es la rigurosidad de los esquemas predeterminados, mientras que desde la connotación artística, el caso griego siempre estuvo volcado a la religión, mientras que el caso romano estuvo volcado a la política. Además, los puntos cumbres de estos dos períodos coinciden con los auges de estas dos civilizaciones.
La Historia del Arte
Grecia
La principal característica del arte griego desde un aspecto más filosófico, tiene una concepción del arte totalmente distinta a la moderna: el arte es método, no obra puntual. Es decir, la visión del arte yacía en el hecho mismo de hacer la obra, no en la obra en sí. Regis Debrays define que para los griegos "el arte como hacer no aparece sino envuelto en un decir de arte", y que esos "grandes artistas crearon la geometría y la filosofía - es decir, la metodología del arte en sí, pero ignoraron al arte como tema autónomo". Y esta es la cuestión importante del arte griego, ya que esta visión del arte en el hacer recién empieza a cambiar en el medioevo, con el surgimiento de la diferenciación entre artes mecánicas y liberales.

Desde lo plástico, se destaca la escultura. Esta tuvo una gran evolución desde arquetipos arcaicos, gemoétricos y simétricos (de orígenes egipcios), hasta el realismo de la anatomía y la expresión, como se ve en el Friso del Parthenon. El arquetipo arcaico original se centra en la realización de los koúros y korés, esculturas de jóvenes atléticos que marcaron la diferencia entre arte arcaico y clásico primitivo de Grecia. Se destaca también la diferencia entre la "sonrisa" arcaica, y el gesto serio de la época clásica.

En lo que respecta a la cerámica, copiaron las técnicas corintias de puntura de siluetas. A partir del año 550 A. C., se empieza a pintar figuras negras sobre cerámica, donde las figuras son pintadas sobre el rojo de la arcilla son esmaltar. 20 años más tarde, hubo un avance tecnológico: la aparición de las pinturas rojas. Esto dio un vuelco a la dualidad roja y negra de las vasijas griegas.

Por otro lado, posterior a las guerras médicas. Atenas tuvo un auge por sobre las demás ciudades estado griegas. Tanto es así, que la aristocracia artística que se formó durante el gobierno de Pericles logró una forma de representación que transmite una sensación de equilibrio y armonía, con proporción matemática, racionalidad y orden. Esto se veclaro en toda la arquitectura griega, presente en los grandes templos a los dioses construidos en la acrópolis.


Roma
El arte romano es sin lugar a dudas descendiente directo del arte griego. Luego de la anexación de la península valcánica al compendio de territorios de la entonces república, hubo una apropiación del arte griego por parte de las grandes gens romanas, es por eso que hasta el siglo XVIII no se hizo diferenciación entre las dos corrientes. Otra gran influencia para la cultura romana fue la invasión de los etruscos, en el siglo V A.C.. Es importante destacar esto ya que, por la extensión espacio temporal del Imperio Romano, es difícil hallar más de una corriente artística fuerte.

Probablemente, donde m´s se hacen fuerte los romanos es en la arquitectura. A diferencia de los griegos, ellos tuvieron una visión más pagana para las obras monumentales. Esto se ve en el edificio más simbólico de Roma: el Coliseo, un anfiteatro en el que se celebraban grandes espectáculos, con capacidad para 50.000 personas. El estilo de las columnas recuerdan claramente a la cultura griega, mientras la gran altura, la grada ovalada dividida por pasillos concéntricos, son propios de Roma.

El otro punto alto del arte romano es la pintura. Donde más se puede apreciarla calidad de sus obras es en los murales encontrados en Pompeya y Herculano que sobrevivieron a la erupción. Existieron 4 estilos, uno de incrustaciones en los murales, un segundo estilo donde se dibujaban sombras en las columnas para obtener un efecto tridimensional. El tercer estilo, a diferencia del anterior, ponía énfasis en lo bidimensional, y en las fantasías lineales hechas en el plano. El último estilo era una mezcla entre el segundo y el tercero, en busca de generar imágenes distantes con los planos, en una escena tridimensional.

Arte medieval
Más allá de sido considerado de manera injusta como una etapa oscura para la historia de la filosofía, fue realmente un período de 10 siglos muy fructífero para todos los modelos artísticos del período clásico, y las nuevas formas artísticas vistas en el gran escenario de la época: las iglesias. Fue un período enmarcado por la mezcla conceptual entre la antigüedad clásica y el renacimiento.
La influencia más clara del período fue la de la fe y el escolasticismo. Descripto por la historiografía como un período teocéntrico, durante la Edad media se diferenció al pensamiento de la fe. Por el lado del escolasticismo, surgieron en este período las universidades.
En estas se mantuvo la concepción clásica del arte, como la habilidad de producir cosas basada en reglas (hacer, no actuar; expresión, no construcción). Queda entonces incluido en la versión medieval del arte la técnica y la artesanía. Por otro lado, también desde las universidades se buscó diferenciar las artes mecánicas (del hombre servil) y las artes liberales (del hombre libre). Dentro de éste último grupo, entraban los dos grandes grupos que se enseñaban en las escuelas monacales: El trivium (gramática, retórica y dialéctica) y el quadrivium (aritmética, geometría, astronomía y música). Curiosamente, la arquitectura (importante en la construcción de iglesias), fue considerada arte mecánica, mientras que la pintura y la escultura fueron consideradas como productos de artesanos.
Quizá, la característica más importante de este período fue su función pedagógica. Frente a una sociedad analfabeta en su mayoría, y con la necesidad de introducir constantemente el dogma a la sociedad, los bajorrelieves, las esculturas, las cerámicas, las pinturas, entre otras, funcionaron para educar a la gente que iba a las iglesias dentro de la religión cristiana.
Arte románico
En este período, que puede enmarcarse entre finales del siglo X y el siglo XII, se destacan las invasiones de los normandos por todo el norte europeo. Éstos modificaron el espectro artístico europeo, dejando su sello más grande en las iglesias. Es necesario señalar la importancia de estas durante la época, ya que a menudo, eran el único edificio de piedra en varios kilómetros a la redonda, además de ser un gran lugar de congregación por lo cristianizada que estaba la sociedad. Y como edificios de gran envergadura para la época, tardaban varios años en construirse y se empleaban muchos recursos y artistas. La principal características de estas era tener una forma de cruz, arcos semicirculares con pilares bien grandes y macizos. Pocas ventanas, escasa ornamentación, y de aspecto de compacta solidez, con firmes y continuas torres paredes, tienen la típica forma de los castillos medievales, listos para defenderse de las distintas invasiones, propios de la época feudal.
Por otro lado, los techos de madera fueron reemplazados por "carecer de dignidad" y sufrir incendios recurrentes. En su lugar, fueron reemplazados (luego de un período de incesantes pruebas) por bóvedas de piedra con estilos de cañón o de tunel, soportados sin mucho cálculo por paredes de importante grosor. En el caso del ate normando, en Inglaterra, optaron por utilizar vigas sólidas ubicadas estratégicamente, y rellenar los intersticios con materiales más ligeros, de modo tal de resistir mejor el peso.
En cuanto al arte propiamente dicho, era expuesto en las iglesias como método de decoración, en un comienzo en Francia con esculturas. Es también destacable la influencia de los bajorrelieves bizantinos, con sus imágenes majestuosas y sagradas,más allá del cisma del siglo XI.Todo el arte estaba supeditado a la representación de las imágenes bíblicas. EL artista en su momento, "no se porponía una imitación de formas naturales, sino más bien una distribución de símbolos sagrados tradicionales".
Arte gótico
Posterior al estilo románico, entre los siglos XII y XV se prolongó por Europa (en primer lugar en el norte de Francia) este nuevo estilo que al igual que el románico tuvo como figura central a la iglesia. Se compartió la esencia teocéntrica, pero lo que cambió es la estructura social: desaparecieron las invasiones, y hubo un aumento en el comercio que fomentó la formación de pequeños asentamientos. Esto, sumado a los nuevos conocimientos sobre el uso de vigas para hacer más livianos los techos, provocó que se construyeran iglesias con paredes menos gruesas, vigas más resistentes, con un andamiaje petreo formado por nervios, contrafuertes y arbotantes.
Por otra parte, es necesario remarcar el cambio del arco de semicírculo por el apuntado. Ésto no sólo terminó marcando una de las principales características del período artístico, sino que además fue utilizado para resistir con más fuerza el peso del techo utilizando menos material.
Esto, dejaba un gran espacio para un mayor tamaño en las ventanas. Gracias a esto, surgió un nuevo espacio para el arte en éste período artístico: los vitrales. Grandes ventanales, de colores, que formaban gigantezcas imágenes bíblicas, iluminaban el interior de las iglesias. Esta gran luminosidad dentro de las iglesias marcaba también una diferencia con el período románico, donde las iglesias eran oscuras debido al pequeño tamaño de las ventanas. Las iglesias góticas eran también muy altas, lo cual sumado a la gran cantidad de luz en su interior, daba una sensación de pequeñez de todo lo humano.
En materia de decoración, se buscó darle un mayor detalle a la expresión, la naturaleza y a la ropa humana, tanto en las esculturas como en los bajorrelieves y las pinturas. En un primer período, se siguieron las reglas de representación de la Naturaleza, pero a partir del siglo XIII, se abandonaron los esquemas de los antiguos libros, para buscar otras figuras más interesantes, sin seguir necesariamente los patrones antiguos. Se buscó también asociar directamente los hombres representados con una figura característica (corona para el rey, báculo para el obispo), de forma tal que no se confundieran los que analizaban las obras expuestas. Dos grandes artistas de esta época, que generaron sus propios métodos de representación en la pintura, fueron Nicolás Pisano (siglo XIII) y Giotto di Bondone (1266?-1337).

Arte moderno
Al hacer una primera aproximación al salto que hubo entre el siglo XV y el XVI en materia de arte, se nota que hay un abandono de la función pedagógica religiosa. Como comenta Oliveras, "la obra ya no procede de la intervención divina ni es sólo reflejo de lo divino", sino que ahora es más preponderante la imagen del artista, siendo éste de carácter humanista.
Otro gran cambio estuvo en la concepción de belleza subjetiva, vinculado a su vez con la íntima relación entre belleza y religión del período anterior. Por otro lado, se definió la diversidad y la espontaneidad del arte, que también se declaró creativo, individual y libre. Fruto no sólo de reglas, sino también del talento, se lo separó de la ciencia, y se le dio la capacidad desde la teoría de interpretar libremente la realidad.
En este sentido, toda esta revolución artística que se dio en el primer tiempo del período moderno, el renacimiento, estuvo vinculada a una pérdida de importancia y monopolio del saber de la Iglesia. El descubrimiento de América en 1492, la caída del Imperio Romano de Oriente en 1453, y con esto, la pérdida de las rutas de comercio al lejano oriente, sumado al continuo crecimiento del poder de los nacientes Estados europeos, provocó un desplazamiento de la Iglesia como eje central de la vida política a finales del siglo XV y comienzos del XVI. Fue clara la liberación cultural por la que pasaron los artistas del renacimiento.
Más allá de las implicancias del renacimiento en la concepción final que tuvo el modernismo, algo que es claro, y no sólo en el renacimiento sino en todo el período, es que los artistas del momento recuperaron todos los preceptos del clasicismo griego (de allí renacimiento). Se recuperó la idea aristotélica de que el arte representa a la naturaleza, y se definió a la forma como el elemento esencial del arte, según sostenían los críticos del helenismo tardío.
Renacimiento
La primera característica del período es el individualismo: el traspaso del eje teocéntrico al eje antropocéntrico. Entre este concepto, algunos encarnaron a la perfección la importancia del hombre (uomo universale, genio universal), es decir, el artista, y este es el caso de Leonardo da Vinci, considerado el mayor exponente del renacimiento. Según él, la obra es el resultado de "la acción de un ser libre que añade imaginación a la naturaleza". El tipo de artista que da Vinci encarna es uno interesado en todo tipo de saber, en todas las ciencias, aplicando estas hasta en la pintura.
Con respecto a la inspiración, Leonardo desconfía de esta, tratando de "controlarla" por medio de una crítica incesante. En todo sentido, se intensificó la idea final del período gótico donde los artistas empezaron a experimentar e investigar sobre las formas y creaciones del arte. Se alejó el arte de la especulación escolástica, el arte se colocó más próxima a lo divino ("pariente de dios") luego del desviamiento de la religión.
De los conceptos de techné y ars que surgieron en el medievalismo, aquella concepción que actualmente consideramos como arte, surgieron las bellas artes. Luego de identificar el arte y la belleza en el renacimiento, se institucionalizó el término de boas artes, definiéndolas en siete: música, danza, pintura, escultura, arquitectura, poesía y oratoria. A esto se le pueden agregar en la época contemporánea las nuevas bellas artes, como el cine y la fotografía. Acentuado siempre con un matiz naturalista.
Dentro del renacimiento, se puede ubicar un subperíodo: el quattrocento. En este intervalo, se logró darle un alor científico positivo para el arte y la humanidad. Se definió al espacio como la experiencia misma del hombre, siendo el mundo exterior un mero objeto., lo que le permitió al renacimiento lograr un análisis de los secretos del universo y la representación de estructuras privilegiadas. EL quattrocento abre simultáneamente la investiación sobre el mundo y la investigación sobre el hombre.
En síntesis, el arte renacentista es un sistema de signos convencionales válido para la sociedad del momento, con una aún importante introspección religiosa, pero cambiando el eje temático central de la cultura, con una idea clara sobre el progreso del hombre, el uso de las ciencias, la definición de las bellas artes, y el olvido de los viejos preceptos.

Manierismo
Más allá de haber sido definido de una manera peyorativa, haciéndolo coincidir nada más con un período específico en el tiempo, y también por haber sido considerado decadente, viniendo de un período de recuperación cultural como lo fue el renacimiento, el manierismo fue conceptualmente una exaltación de su período previo, donde fue central el uso de los métodos y estilos (de allí proviene etimológicamente el manierismo). Se asocia a la maniera, y por tanto al manierismo, a la "idea de un ejercicio artístico rebuscado en clichés, reducible a una serie de fórmulas".
Hay que aclarar primero que el "hábil equilibrio" del quattrocento alcanzado por la burguesía italiana duró poco tiempo. Pero por razones políticas y económicas, esa sensación de equilibrio se vio truncada, impidiendo que se sostenga aquella "ficción de estabilidad". El mantenimiento de los métodos y preceptos clásicos no pudo darse, primero, por un ambiente de catástrofe, reinante en toda Italia, y segundo, porque los mismos jóvenes que en el período final renacentista buscaban innovar continuamente los antiguos preceptos medievales en vistas del clasicismo, continuaron haciendo esto sin mantener resguardo tampoco en los preceptos del período clásico griego. Existía un sentimiento de inseguridad que explicaba su relación contradictoria con el arte clásico. Todo el afán estilístico no hace más que atacara la estabilidad clásica. Para entender el manierismo, es necesario establecer una relación con los modelos clásicos como una búsqueda de huir del caos inminente que representaba la falta de arte, vida y belleza, lo que a su vez se vincula con una agudización subjetiva de los mismos modelos.
Contemporáneo al Manierismo, surgió el período Barroco, como una equilibrio provisional de esta inestabilidad.
Barroco
Más homogéneo que el Manierismo, el Barroco comprende estilos artísticos muy diversos, además de darse en un ámbito grande y diverso (tanto en ambientes cortesanos y católicos). De este ambiente, surge una corriente claramente naturalista, con un representantes muy definidos como Caravaggio, Louis Le Nain y Ribera. El surgimiento del Barroco se remonta al Gótico, donde se fue haciendo cada vez más complicada la estructura de los estilos artísticos ya que fue aumentando la tensión entre los contenidos psicológicos, mientras que los elementos del arte se conformaban más "homogéneamente". El Barroco rompió con esto al marcar un arte que ya no tenía carácter unitario en sentido estricto, generando obras de características contradictorias entre sí. Es por eso que Barroco se reconoce como desmesurado, confuso, extravagante, caprichoso y falto de reglas. Como si tuviese "miedo al vacío.
El barroco se enmarca entre los siglos XVII y XVIII. El Barroco fue relacionado con signos de falta de lógica y de tectónica, como se ve en obras donde hay columnas que no sostienen nada, muros que se doblan, figuras iluminadas de forma antinatural, entre otras cosas. Pero, por más que se lo haya relacionado con el mal gusto en épocas posteriores, la visión actual modificó el pensamiento sobre el Barroco gracias a la acción del período posterior, el Impresionismo. Por otro lado, en comparación al renacimiento, el Barroco aumentó la subjetivación del arte, lo cual fue en aumento con el Impresionismo. No obstante, es claro que esta definición por un arte subjetivo, libre de controles, se ve de manera completa en el Barroco. Es "el triunfo del pensamiento nominalista sobre el realista".
La concepción del espacio Barroco se va haciendo "infieri", como si fuese una función. Una serie de primeros planos grandes se van acercando al espectador, amontonándose el uno sobre el otro. La típica imagen de las exposiciones artísticas del Barroco, muestran salones abarrotados en cuadros, y esto se vincula también con la idea del miedo al vacío. También surge una relación íntima entre el espacio y el espectador, dándole la sensación a éste último que él mismo crea y genera existencia de la forma por su punto de vista espacialmente.
Por otro lado, en el Barroco sobresalen siempre aspectos del arte, como puede ser el de perfil en comparación al de frente ("aspectos puros"). Los cuadros barrocos y su forma de ver tienden a ser considerados no como un trozo del mundo, sino como un espectáculo transitorio, y al observador como un suertudo al participar del mismo al observarlo.
Al fin y al cabo, "el afán de despertar en el contemplador el sentimiento de inagotabilidad, incomprensibilidad, infinitud de la representación,, es la expresión máxima barroca.
Romanticismo y Clasicismo
La primera definición del Romanticismo surge con Carpeaux, en 1849, donde el artista define la teoría centra del periodo como la doctrina académica oficial que afirma que el arte es esencialmente una cuestión de emociones. Se recupera, por otro lado, la teoría de que hay que hacer hincapié en la importancia de las medidas exactas, cosa que desde el renacimiento ya no se tomaba tan seriamente. Por otro lado, al romanticismo también se lo relaciona con actitudes románticas, viciadas y trivializada, doctrina que se opone desde la seriedad filosófica con la primera.
El Romanticismo, por otro lado, se diferencia políticamente del clasicismo. Éste último, volvía a recuperar algunos elementos del período renacentista (más que nada la producción de canones, reglas, preceptos), sin la búsqueda de la pérdida del control que apareció en el Quattrocento tardío. Por otro lado, el clasicismo se dio por todo el norte de Europa con mucha fuerza, a diferencia del Renacimiento que fue Italiano en primer lugar, mientras que en otros países se iba dando algo similar a lo planteado por los artistas de Italia, más que nada de Florencia. Volviendo con la razón política, los artistas clásicos "controlaron" los teatros y los puestos pagados por el gobierno, de forma tal que tuvieron el centro hegemónico del arte durante ese período, el cual coincide tardíamente con el período romanticista (el clasicismo comenzó unas decadas antes). Así surge una dicotomía, donde se plantea una elección entre "un arte que es rechazado y despreciado y un arte que desaparece al fundirse de tal forma con la vida que deja de sentirse como algo separado de ella", inclinándose claramente la balanza del analista artístico Rozen en favor del Romanticismo.
El período Romanticista, por otra parte, está íntimamente relacionado con la historia. Proviene de un período postrevolucionario, donde había un resurgimiento de la cultura popular que llevaba a una mayor producción del arte romanticista, más que nada por la intrínseca relación ente el ideario de la revolución francesa, todo el significado social, emocional a nivel individual y filosófico, con la idea de que e larte surge de las emociones.
Impresionismo
Posterior al dicotómico período del romanticismo y el clasicismo, surgió un nuevo movimiento en 1847, el impresionismo (si bien dos años antes que la primera definición del romanticismo, por su período más fructífero es claramente posterior). En su plan se incluían un realismo integral, el enfrentamiento directo con la realidad, sin tener una poética concebida. Era la superación no sólo de esos dos períodos, sino también de la subjetivación del barroco, era una poética dirigida a mediatizar, condicionar, y orientarla relación del artista con la realidad. En fin, el impresionismo fue un arte meramente militante, ya que se proponía enfrentar los problemas de la realidad con la pintura como arma. Por otro lado, más allá de romper con la dicotomía anterior, el impresionismo se planteaba liberar toda experiencia visual de correlatos anteriores, ser completamente nuevo original, sin necesariamente juzgar a los maestros del pasado.
El movimiento impresionista surgió en París las décadas de 1860 y 1870, como movimiento con una ideología artística clara, la de investigación moderna sobre los métodos del arte. Era la necesidad de redefinir su esencia y objetivos a partir de nuevos instrumentos de reproducción mecánica de la realidad, lo que impulsaba la ideología del impresionismo. No se plantea el rechazo de la realidad y la creación de una nueva a partir del arte: en el Impresionismo, los medios de producción artística se usan en función de retratar la realidad, se plantea liberar a la percepción de todo prejuicio o convencionalismo para poder expresarla en su plenitud de acto cognoscitivo.
Algunos artistas destacados fueron Monet, Renoir, Degas, Cézanne, Pissarro y Sisley. Estos fueron influenciados por Manet, considerado como precursor del movimiento. Por otro lado, entre estos artistas no había ningún interés ideológico ni político que los cohesionara, como en otros casos. Sí, en reuniones entre algunos de ellos, definieron algunos puntos en los que acordaban: "1) su aversión por el arte académico de los Salons oficiales; 2) su orientación realista; 3) su desinterés total por el sujeto y su preferencia por el paisaje y la naturaleza muerta; 4) el rechazo de las costumbres de atelier a la hora de colocar e iluminar los modelos y de empezar con el dibujo el trazo para luego pasar al claroscuro y al color; 5) y el trabajo en plen air, el estudio de las sobras coloreadas y de las relaciones entre colores complementarios".
La filosofía y pensamientos del arte
Y algo de arte contemporáneo...
Gombrich: "La historia del arte"
Lo primero que define el autor, es que el arte como se concebía antiguamente ya no existe. La apariencia de una forma de "Arte" que se hacía temer por su severidad clásica ya no es, sino que ahora solo existen los artistas. Gombrich define que en realidad sólo es un prejuicio el hecho de discriminar obras diciendo que no son arte, y que a partir de esto, las únicas obras que no nos gustan son aquellas relacionadas con experiencias persones. Nos puede parecer que en mayor o menor medida se logra un efecto estético, pero mientras que se busque lograrlo, la obra va a ser artística, y el que la hizo artista.
Por otro lado, en este texto donde se plantea criticar las restricciones de los preceptos que enaltecen al arte clásico discriminando los nuevos modos de arte, Gombrich define los problemas con respecto al arte surgen a partir de que se lo relaciona directamente con un nivel mínimo estético. Esto presupone que durante varios períodos, el aspecto estético reinante varía continuamente, y por eso también varía la concepción de lo que es verdaderamente el arte. Gombrich entonces rompe este vínculo entre la estética como tal y el arte, para redefinir un vínculo entre el arte y la búsqueda de la estética.
Gombrich también marca dos errores típicos que se suelen "encontrar" en los cuadros, y que es por esto que a veces se discrimina innecesariamente obras como si no fuesen arte. Una de estas el el hecho de que el artista no haya tenido motivo para alterar la apariencia real que tuvo y en la cual basa su obra, ya que no es ciertamente necesario modificarla. Otra, es que creemos que la naturaleza debe aparecer siempre como lo suponemos en los cuadros. De aquí se ve notoria la forma en cómo afectó el arte renacentista y neoclásico a nuestra propia concepción del arte, ya que siempre asociamos cualquier obra de arte directamente con las obras de estos períodos, según si se cumple con las mismas apariencias.
El autor define, entonces, que es la repugnancia lo que nos lleva a discriminar obras de arte, y despojarnos de costumbres y prejuicios. Son erróneos también los motivos que los censuradores del arte buscan para definir y construir una elite artística.
José Jiménez: "Arte es todo lo que los hombres llaman arte"
Lo primero que hace Jiménez es establecer una diferencia entre la forma de ver las obras de arte, definiendo que la mirada plásticas es más crítica, establece escalas de apreciación, e indaga los verdaderos sentidos de los elementos que componen a la obra. La forma de ver pasa a ser un aprendizaje, ya que para llegar a tener una correcta introspección y análisis de la obra, es necesario aprender diferentes conceptos y bases para el correcto análisis. Jiménez también define la sensibilidad del espectador, un punto crítico y subjetivo desde el que nos aproximamos a la obra.
En primer lugar, el autor elige La Mona Lisa para desarrollar todo lo expuesto en su texto. Define a su vez, que la Gioconda que se ve en el museo es simplemente una representación gráfica de la obra original, que en esencia podrá ser la misma obra, pero no se presenta de la misma manera: "vivimos en una cultura de la imagen, e un mundo en el que nuestra experiencia de <<las cosas>>, se funde con nuestra experiencia de las imágenes tecnológicamente producidas". De aquí sale la relación con la Gioconda, ya que la asociación entre la imagen, la obra y el autor es casi automática por las diferentes reproducciones técnicas de la misma.
Esto surge por un hecho histórico, el hurto de la obra en 1911, lo que provocó que masivamente se empezara a reproducir la obra, no solo de manera original, sino también con actrices que interpretan el "papel" de Mona Lisa, y en lugares poco ortodoxos para el arte, como tarjetas postales. En 1914, finalmente se recuperó la obra, habiendo sido un italiano el que la robara, con el objetivo de devolverla a su patria, por lo que también se puede hacer un interesante análisis de lo que las obras pueden representar desde lo político, en este caso, orgullo nacional. Pero la reproducción de la obra no sólo no paró, sino que se hizo global, lo que representa "el sentido de la transformación del arte en la era de la imagen", es decir, la reproducción técnica de la imagen, en pos de hacer masiva una obra por lo que representa. De aquí surge el cruce entre la cultura alta y la popular.
Esta reproducción técnica del arte, que surgió con la Gioconda, empezó a trasladarse a todo el campo artístico. La idea de tener elementos artísticos producidos en masa (como el caso de la imagen de la Gioconda), a su vez se trasladó a otros objetos que originalmente no eran considerados arte, y la mezcla entre estos (como es el caso de la obra Duchamp). De aquí surge el término "ready-made", concentrado en la idea de algo ya hecho, listo y disponible.
Otra vez, la masivización del uso de los readymade, hizo borrosa la frontera entre lo que era y lo que no era arte. Es por eso que tanto Jiménes como el filósofo Dino Formaggio señalan que "Arte es todo aquello que los hombres llaman arte", refiriéndose a que la maleabilidad de los objetos para producir arte se volcó en una modificación de la teoría del arte.
John Berger: "Modos de ver: Aspectos psicológicos (capítulo 1)"
El crítico de arte nos demuestra distintos métodos de presentación de obras de arte para conseguir distintos efectos, con el objetivo de modificar ligeramente el mensaje original de la obra.
Berger explica que la obra se puede concebir de una manera aún más abstracta de lo que se supone, ya que la obra en sí va a ser el menaje que el objeto tangible (denominado de hecho la "obra") va a representar este mensaje, siendo modificado por los aspectos del entorno.
Entre las modificaciones intencionales a la forma de presentar la obra, el crítico destaca el uso del acercamiento y no de una vista panorámica. El hecho de que la cámara haga zoom a un punto específico de la pintura, da el efecto de que eso que se está remarcando es lo más importante de la obra, caratulando toda la pintura según lo que eso que se remarca represente. Para ello utiliza como ejemplos varios cuadros del período Barroco y Renacentista, con pasajes de la biblia en ellos, ya que se representan escenas con un nivel de detalle impresionante.
Otra de las modificaciones del ambiente que propone Berger es el uso de la música, y la combinación entre la música y el acercamiento. Un ejemplo de esto último se ve cuando la cámara enfoca a tres individuos de un cuadro, sincronizando los enfoques a cada individuo con el cambio de las voces que cantan de una ópera, dando la sensación de que es una conversación. Por otro lado, dependiendo el aspecto de la música que se reproduzca, se puede tener un efecto que haga parecer a la escena de forma más angelical (con música gregoriana, por ejemplo), o más siniestra (con una ópera de Wagner, dependiendo la ópera que se elija, obviamente).
Un ejemplo de parodia de la Mona Lisa, así como da ejemplos Jiménez. Este caso, mucho más moderno, es el caso donde se relaciona a la película "Pulp Fiction".
Una reproducción del Discóbolo, una escultura griega famosa hecha por Mirón, en el año 450 A.C..
El Coliseo es, quizá, el símbolo más icónico de todo lo que significó el Imperio Romano. Con capacidad para 50.000 personas, comenzó a construirse durante el el período de Tito Flavio Vespasiano (dinastía de los Flavios), en el año 70 D.C., siendo finalizada su construcción durante el año 80 D.C., durante el reinado de Domiciano.
La iglesia benedictina de Murbach (Alsacia), un claro ejemplo de una iglesia románica. Los arcos de punto medio, las pocas y pequeñas ventanas, paredes gruesas, un plano con forma de cruz, todo un conjunto de características que le dan un tono robusto y horizontal.
Sin lugar a dudas, la Catedral de Notre Dame de París es la cara del período Gótico. Se ve en su altura, en sus arbotantes y arcos apuntados, en sus vitraux (en especial su roseta). Construida durante el siglo XIII, hoy es una de las caras de Francia, y demuestra el traslado de las iglesias de lugares recónditos (como el caso de Murbach para el período románico) a las nacientes ciudades.
El David por Miguel Ángel, una obra escultórica que retrata a la perfección, no sólo la anatomía humana, sino también la recuperación de los métodos del arte clásico, no sólo por el nivel de representación, sino también por la tranquilidad en la expresión del David. Esta escultura se corresponde directamente con el período tardío del arte griego. Es sin lugar a duda una obra de gran precisión, y es por eso que aún hoy es considerada una de las obras escultóricas más importantes.
En comparación al David, El rapto de las sabinas tiene la misma precisión para definir la anatomía humana. Por otro lado, tiene un tono más romano, ya que es una obra basada en uno de los hechos cercanos a la mismísima fundación de Roma. Hecha por Giambologna y finalizada en 1582, la diferencia principal en comparación a la escultura renacentista es que no presenta la misma tranquilidad. En esta obra, se ven 3 cuerpos peleando, con gestos más expresivos, bien propio del manierismo.
En este caso, tenemos una obra pictórica: Adoración de los pastores, por Correggio en 1530, siendo de características propias del Barroco por más de ser un tanto temprano. Puede verse como el gran detalle del período Barroco, la gran expresividad en los rostros y la intencionalidad del artista en poner atención en el bebé al manipular la expresión de los demás individuos. Los fondos oscuros y el gran contraste lumínico es una característica importante del período.
La carga del Húsar es una obra pictórica hecha por Theodore Gericault, expuesto por primera vez en 1812. Es una expresión clara del romanticismo, lo que se demuestra en el movimiento del caballo, al querer resaltar la importancia y severidad de la batalla, exponiendo en simultáneo la expresión del jinete. Capta la emotividad del momento.
El retrato de Johann Joachim Winckelmann, hecho por Anton Von Maron en 1768. Esta obra, propia de la corriente neoclasicista, tiene una forma similar por el método artístico utilizado. Los matices y el contraste son similares al caso romanticista, pero adiferencia de este último, éste cuadro demuestra menos expresividad, tomando un tono más severo.
La familia del artista, por Bazille, pintado en 1869, es el ejemplo elegido por nosotros para representar al período impresionista. La primera diferencia con el período inmediato anterior es el cambio del fondo, que pasa a ser más claro, de hecho, celeste como el color del cielo. Por otra parte, también hay una representación más realista de la realidad, con el color utilizado para un ambiente soleado. Da la impresión de ser una foto, por la forma en como los individuos miran al observador.
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