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Fotografía Digital

conceptos básicos para la fotografia digital
by

Rodrigo Herrera

on 22 August 2016

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Transcript of Fotografía Digital

En los modos de la zona básica, la mayoría de las funciones se ajustan de forma automática y no se pueden cambiar, en el modo P (AE programada) se pueden cambiar ajustes para hacer

La fotografía es el arte y la técnica para obtener imágenes duraderas debidas a la acción de la luz
Es el proceso de capturar imágenes y fijarlas en un material sensible a la luz.
LA FOTOGRAFÍA?
El fotógrafo tiene que tratar de comprender el mundo que le rodea y debe ser capaz de transmitir la belleza, los sentimientos, etc. que percibe en el instante de disparar su cámara.
"El fotógrafo sólo muestra las agujas del reloj, pero elige el instante. Yo estuve allí y así era la vida en ese momento tal y como la vi."
Henry Cartier Bresson
La labor del fotógrafo no solo consiste en tomar imágenes, sino que debe ir mas allá, debe transmitir los sentimientos que provocaron en el esas imágenes.
En definitiva, el fotógrafo debe transmitir sentimientos con su trabajo.
Debe ser capaz de hablar con las imágenes.
Cuando alguien se inicia en el arte de la fotografía, no debe pensar que simplemente hay que apretar el botón, hay que aprender algunas reglas básicas, para después lograr construir discursos completos, que “hablen”, que “cuenten” la situación y, sobre todo, que transmitan algo, que comuniquen.
LA CÁMARA
La cámara fotográfica consiste en una serie de mecanismos cuyas funciones son las de concentrar la imagen reflejada por los objetos a fotografiar y permitir que esa luz incida sobre el material sensible, formando así una imagen latente.
Las partes de la Cámara
Existen varios tipos de cámaras, pero las más conocidas son las REFLEX o mas conocidas como SLR o DSLR
Tipos de cámara
Y las COMPACTAS, o más conocidas como point and shoot, por su facilidad de uso.
DEFINICIÓN DE PERIODISMO: Es una forma de comunicación social que permite que la información llegue de forma rápida y verosímil al hombre.

DEFINICIÓN DE FOTOGRAFÍA: La fotografía es un lenguaje visual, que expresa belleza, captando la realidad visual.
Fotografía periodística
Surge en el periodo de conflictos en Alemania y se consolida con las revistas Time y Life ambas de EE.UU fundadas por Henry Luce.

Los pioneros del fotoperiodismo provenían de las clases altas empobrecidas.
Se basa en el emisor y receptor teniendo como instrumento principal a la imagen como fuente de información.
La Fotografía periodística hoy
Estos géneros se dividen en tres propósitos los cuales son: informativo, opinión y de discurso.
GÉNEROS FOTOPERIODÍSTICOS
FOTO DIRECTA
DISCURSO
INFORMATIVO
OPINIÓN
FOTO REPORTAJE PROFUNDO
ENSAYO FOTOPERIODISTICO
RETRATO FOTOPERIODISTICO
COLUMNA FOTOPERIODISTICA
FOTONOTICIA
FOTO REPORTAJE CORTO
GENEROS
FOTOPERIODÍSTICOS
Nunca te dejaré

Marcos y Mónica se casaron hace 65 años y, durante gran parte de ese tiempo, vivían en el mismo apartamento en Buenos Aires. En el año 2007, de 84 años, Mónica fue diagnosticada con la enfermedad de Alzheimer. Marcos siguió con la mirada a sí mismo, el afrontamiento del estrés emocional y físico de ser un cuidador. En las últimas etapas de la enfermedad de Mónica, Marcos tuvo que darle de comer, hacer puré sus comidas, ya que ella no podía masticar. Durante el último año de su vida, Mónica estaba postrada en cama y Marcos tuvo que cambiar los pañales tres veces al día y ayudar a las enfermeras que visitan el tratamiento de sus llagas - actividades que se llevaron la mayor parte de su tiempo. Apenas podía reconocerlo, a pesar de los mimos y caricias le ayudó a conectar, aunque sea por unos segundos. Sin embargo, Marcos está decidido a cuidar a su esposa en su casa. "Dime a dónde va a estar mejor que aquí", dijo. "Yo la trate como una princesa, aquí lo tiene todo." Mónica falleció en julio de 2011.
Ésta se puede apoyar con texto, pero sigue siendo la imagen la que da el contexto a la noticia.
Este es una serie de fotografías colocadas en un orden específico que cuentan de forma progresiva algún acontecimiento.
Fotografía básica y
reproducción de imágenes
Con los modos de la zona básica, todo lo que tiene que hacer es, apuntar, disparar y la cámara realizará automáticamente todos los ajustes.
Modo totalmente automático
Ajustando el modo automático,
solo tiene que encuadrar y disparar.
En este modo el enfoque quedara bloqueado mientras presiona el disparador hasta la mitad, una vez encuadrada la toma presione completamente para hacer la foto.
En lugares en que este prohibido tomar fotos con flash ajuste la cámara en modo flash desactivado.
En este modo se sugiere el uso de trípode.
El modo retratos desenfoca el fondo para hacer resaltar a la persona que esta siendo fotografiada, también hace que los tonos de la piel se vean mas suaves que con el modo totalmente automático.
En este modo de sugiere usar teleobjetivo o la distancia focal más larga que tenga su lente.
El modo paisajes sirve para grandes paisajes, escenas nocturnas o para que todo aparezca enfocado, los verdes y azules aparecen mas vivos y la imagen más nítida que en el modo totalmente automático.
Para este modo se sugiere el uso de lente gran angular.
Si quiere fotografiar cosas de muy cerca u objetos pequeños, utilice el modo de primeros planos o macro.
En este modo se sugiere utilizar trípode y un objetivo macro.
Para fotografiar un motivo en movimiento, ya sea un niño corriendo o una acción de velocidad, utilice el modo deporte.
Para este modo se sugiere el uso de teleobjetivo.
Para fotografiar a alguien de noche y conseguir una exposición de aspecto natural entre el fondo y el primer plano utilice el modo foto nocturna.
se recomienda utilizar trípode y situar a la persona hasta 5 metros de la cámara.
En el modo P (Program), la cámara ajusta la velocidad de obturación y el diafragma de manera automática, la diferencia con el modo totalmente automático es que en "P" el fotógrafo ajusta la sensibilidad ISO, puede escoger si utiliza o no flash y manejar los ajustes de la cámara con total libertad.
El modo "TV" (time value), puede congelar la acción o dar sensación de movimiento mediante el manejo de la velocidad de obturación, el usuario ajusta la velocidad de obturación y la cámara ajusta el diafragma (f).
El modo "AV" (aperture value) se ocupa para ajustar la profundidad de campo, el usuario ajusta el diafragma y la cámara ajusta la velocidad de obturación. cuanto mas alto sea el numero f mayor sera la profundidad de campo, y mientras menor el numero f la profundidad es mínima.
Exposición manual, en este modo el usuario ajusta la velocidad y el diafragma según desee. mientras consulta el indicador de exposición en el visor (fotómetro)
A-DEP (auto depth of field), con este modo tanto el primer plano como el fondo quedan enfocados automáticamente. Todos los puntos AF se activarán para detectar el motivo y se ajustará el numero f para privilegiar la profundidad de campo.
Al igual que las cámaras tradicionales, las cámaras digitales tienen programadas diferentes sensibilidades que sirven para poder obtener fotografías con distinta intensidad de luz.
Las cámaras digitales funcionan igual que la película, es decir, a mayor sensibilidad o ISO, menor es la luz con la que se puede fotografiar.
SENSIBILIDAD
La sensibilidad del sensor (antiguamente de la película), es la capacidad que tiene este de captar la luz para grabar la imagen. Se denomina ISO (International Standard Association) y sirve para unificar los estándares de sensibilidad, que antiguamente se denominaba ASA (American Standard Association). por ende ASA e ISO es lo mismo.
El sensor
El sensor de la imagen es como la película fotográfica que utiliza la cámara analógica.
El sensor de imagen esta compuesto por millones de pequeños semiconductores de silicilio, los cuales captan los fotones (elementos que componen la luz, la electricidad). A mayor intensidad de luz, más carga eléctrica existirá.
Resumiendo, el sensor de imagen es un chip que alberga millones y millones de células fotosensibles ordenadas por cuadraditos o casillas. Cada punto de la imagen se forma dependiendo de la cantidad de luz que recibe la célula.
Los dos tipos de sensores más comunes que utilizan las cámaras digitales son:

* CCD
* CMOS
El sensor CCD (Charge Coupled Device), dispositivo de carga acoplada. Este sensor es uno de los más comunes y más utilizados en la imagen digital. Proporciona buena calidad de imagen, pero por otro lado su fabricación es muy compleja y costosa, por lo que lo fabrican pocas empresas. Las cámaras digitales que llevan incorporado esta clase de sensor, tienen un coste compra elevado. Esta clase de sensor consume mucha energía.
El sensor CMOS (Complementari Metal Oxyde Semiconductors).

Esta clase de sensor presenta varias ventajas respecto al sensor CCD. El sensor CMOS no tiene un coste tan elevado debido a que el chip que utiliza no necesita tantos elementos electrónicos como el sensor de imagen CCD.

Otra gran diferencia, es que el chip CMOS puede integrar muchas funciones y procesos, tales como comprimir fotografías, cambio de datos analógicos a digitales, mientras que el CCD, estos procesos se realizan fuera del chip. A su vez también consume mucha menos energía evitando que alcance una temperatura excesiva del mismo, alargando su duración.
Tamaños de sensores
El formato del sensor de imagen de cámaras digitales determina el ángulo de visión de un objetivo específico cuando está utilizado con una cámara determinada. Particularmente, los sensores de imagen en cámaras réflex digitales tienden a ser más pequeños que el área de 24x36 mm de las cámaras de 35 mm, y por lo tanto llevan a un ángulo de visión más estrecho. Para un número dado de píxeles en un sensor, cuanto más grande sea el sensor de imagen producirá imágenes de más alta calidad porque los píxeles individuales tendrán un tamaño mayor.
Según el tamaño del sensor existe una formula para calcular la distancia focal real en comparación con el formato 35 mm.


el sensor full frame tiene una comparación 1:1
es decir si tenemos un lente de 50 mm, este sigue siendo 50 mm.
el sensor APS-H tiene un factor de multiplicación de 1.3x es decir que si tenemos un lente de 50 mm con este sensor pasaría a ser un 65mm.
el sensor APS-C tiene un factor de multiplicación de 1.6x es decir que si tenemos un lente de 50 mm con este sensor pasaría a ser un 80mm.
TIPOS DE LENTES FOTOGRÁFICOS
Hoy veremos todo lo que siempre se han preguntado sobre los diferentes tipos de objetivos para la cámara fotográfica, cuáles son sus características y cómo deben usarlos.
Ojo de pez: estos objetivos proporcionan un campo de visión máximo, llegando a los 180 grados. Se usan para crear imágenes deformadas, más amplias de lo que se alcanza con el modo de panorama. Con estos objetivos podemos crear fotos muy artísticas y creativas.
Gran angular: el campo de visión que alcanzan estos objetivos es mayor que el de la visión humana. No llega a ser tan amplio como en los ojos de pez, por lo tanto la foto resultará menos deformada.
Zoom intermedio: este objetivo es indispensable para do tipo de fotos. Cubren un rango focal entre los 18mm y los 90mm. Son muy versátiles porque tienen un poco de zoom, sirven un poco como gran angular y son por su flexibilidad muy fáciles de utilizar. Por eso son en general este tipo de objetivos los que se presentan con los cuerpos cuando compramos una cámara de fotos profesional.
Teleobjetivo: estos son los objetivos de distancia focal más alta. Nos permiten cerrar mucho el plano sin tener que acercarse físicamente, es decir, en otras palabras, tiene mucho zoom. Estos son los tipos de objetivos más utilizados para la fotografía de naturaleza.
Todoterreno: estos son objetivos que cubren un rango muy amplio de focal. Ofrecen diferentes opciones que los hacen versátiles y útiles en los viajes y en esos momentos en los que necesitamos opciones sin tener que cargar demasiado. Cuentan con un poco de gran angular, de zoom intermedio y de teleobjetivo. Son ante todo objetivos muy cómodos porque nos permiten reducir la carga en viajes. Están pensados para un uso amateur porque e términos de nitidez y calidad no son óptimos.
Macro: La peculiaridad de estos objetivos es que tienen una distancia mínima de enfoque muy muy baja. Son los objetivos que menos distorsión ofrecen. Son ideales para la fotografía de insectos.
El clásico 50mm: En todos los tipos de objetivo que hemos visto hasta ahora existe la posibilidad de que el objetivo sea de focal fija o variable. Si la focal es fija no podemos acercar ni alejar con el zoom. Éste es un buen modo de esforzarnos más en buscar el encuadre adecuado, ya que tenemos que movernos. Por eso el objetivo de 50mm, que es el que más se asemeja a la visión humana, es recomendado en las escuelas de fotografía para el aprendizaje. Por otra parte, al ser objetivos mucho más simples y con menos lentes son más baratos y ofrecen una gran calidad y luminosidad. Son muy útiles para fotografía de retrato porque su apertura máxima de diafragma suele ser muy grande y eso ayuda a reducir la profundidad de campo y así dar más importancia al retratado.
Objetivos descentrables: Es un objetivo cuya construcción permite que el eje óptico pueda moverse, quedando descentrado y alterando el plano de enfoque sobre la cámara. Con él se puede conseguir un aumento de la profundidad de campo o trastocarla, según se vea. Es ideal para fotografía de paisajes y arquitectura y muy útiles en bodegón y retrato.
Partes del lente
El modo de zona AF determina la manera en que se selecciona el punto de enfoque en el modo de autofoco. Cada modo se selecciona desde un selector de la cámara y debe utilizarse en situaciones fotográficas diferentes. No todos los modos se encuentran disponibles en todas las cámaras, por tanto, compruebe las especificaciones de su modelo de cámara.
La cámara dispara una foto y solo cuando esta enfocada.
la camara dispara este enfocada o no la imagen.
especial para objetos en movimiento se mantiene
enfocado a medida que se sigue al objeto con el
centro del visor.
Modos de medición
El exposímetro incluido en las cámaras normalmente puede medir de varias formas para calcular los valores de exposición según la luz de la escena, el sujeto que se está fotografiando o el resultado que se quiere conseguir.
Una de las cosas importantes al hablar de los objetivos (lentes) es conocer la distancia focal
La distancia focal de una lente es la distancia entre el centro óptico de la lente y el foco (o punto focal). El foco es el punto donde se concentran los rayos de luz.

En un objetivo la distancia focal es la distancia entre el diafragma de éste y el foco.

Los objetivos de las cámaras tienen una distancia focal fija o variable, dependiendo del tipo de objetivo. Al variar la distancia focal conseguimos un menor o mayor acercamiento. Es lo que comúnmente llamamos zoom.
Esto es todo por hoy, mucha gracias!!
Un poco de Historia
La palabra, "Fotografía" tal y como la conocemos ahora, la utilizó por primera instancia en 1839 Sir John Herschel. En ese mismo año se publicó todo el proceso fotográfico. La palabra se deriva del griego foto (luz) y grafos (escritura).
La cámara oscura
La idea de la fotografía nace como síntesis de dos experiencias muy antiguas. La primera es el descubrimiento de que algunas sustancias son sensibles a la luz. La segunda fue el descubrimiento de la cámara oscura.

La máquina oscura de la que deriva la cámara fotográfica, fue realizada mucho tiempo antes de que se encontrara el procedimiento para fijar con medios químicos la imagen óptica producida por ella.

Aristóteles, filósofo griego que vivió en Atenas entre 384 y 322 a. C, afirmaba que si se practicaba un pequeño orificio sobre la pared de una habitación oscura, un haz luminoso dibujaría sobre la pared opuesta la imagen invertida del exterior.
El prototipo
En la antigüedad los artistas disponían de una habitación oscura en la que entraban para fotografiar un paisaje circundante, pero estos montajes e instrumentos, tenían un gran inconveniente, eran muy poco manejables. Hacia la segunda mitad del siglo XVII se inventó una mesa de dibujo portátil siguiendo el principio de la cámara oscura.

Era una gran caja de madera, cuyo lado delantero estaba cerrado por una lente, el artista dirigía esta caja hacia donde quería y copiaba la imagen fotografiada sobre una cartulina semitransparente, apoyándola en un cristal situado en la parte superior. Este artilugio, fue utilizado durante varios siglos por artistas pintores, incluyendo de entre ellos dos personalidades famosas, como Canaletto y Durero, que lo utilizaban para recabar apuntes con bastante precisión en la perspectiva.
El material Fotosensible
El primer paso para fijar la imagen reproducida en la caja oscura sin tener que llegar a copiarla o plasmarla, a mano, ocurre en 1726, realizando una demostración de la investigación experimental sobre la sensibilidad a la luz del nitrato de plata, por el alemán J.H. Schulze.

El mérito de la obtención de la primera imagen duradera, fija e inalterable a la luz pertenece al francés Joseph Nicéphore Nièpce. (1765-1833).

Las primeras imágenes directas las logró utilizando placas de peltre (aleación de zinc, estaño y plomo) cubriéndolas de betún de Judea y fijadas con aceite de lavanda. Nicéphore utilizó una cámara oscura modificada e impresionó en 1826 con la vista del patio de su casa plasmando la primera fotografía permanente de la Historia. A este procedimiento le llamó heliografía. No obstante Nicéphore, no consiguió un método para invertir las imágenes, y prefirió comenzar a investigar un sistema con que obtener positivos directos. También tropezó con el problema de las larguísimas exposiciones.
Fotografía fijada por Josep Nicéphore Nièpce
Esta imagen tomada en 1826, muestra un ángulo de su habitación de trabajo.
Louis Jacques Mandè Daguerre, veinte años más joven que Nièpce y famoso pintor, estaba interesado en la forma de fijar la luz con su cámara oscura y al enterarse de los trabajos de Nièpce le escribió para conocer sus métodos, pero éste se negaba con evasivas; tras visitarle varias veces e intentar convencerlo para asociarse, dio por inútiles sus intentos y se lanzó a investigar tenazmente.

En 1835 Jacques Daguerre publicó sus primeros resultados de su experimento, proceso que llamó Daguerrotipo, consistente en láminas de cobre plateadas y tratadas con vapores de Yodo. Redujo además los tiempos de exposición a 15 o 30 minutos, consiguiendo una imagen apenas visible, que posteriormente revelaba en vapores calientes de mercurio y fijaba lavando con agua caliente con sal. El verdadero fijado no lo consiguió hasta dos años más tarde. Algunos de los daguerrotipos que produjo se conservan aún en la actualidad.
A finales de 1829 Daguerre y Nièpce formaron una sociedad en la que se reconocía a este último como inventor. Muerto Nièpce en 1833, pasa a manos de Daguerre el invento de forma casi completa.

El hijo de Nièpce heredó los derechos del padre en su contrato, pero después de varias modificaciones, aprovechando la maltrecha economía del heredero, el nombre de Daguerre sería el único que apareciese como creador del invento.
Lo perfeccionó con la acción del vapor de mercurio sobre el yoduro de plata y luego con la posibilidad de disolver el yoduro residual en una solución caliente a base de sal común.

El lanzamiento se produjo de 1838 a 1839. Daguerre se convierte en una eminencia reconocida y premiada. Inmediatamente comienza a fabricar una serie de material fotográfico haciendo demostraciones en público; una de ellas quedó reflejada en un librito de doce páginas de gran rigor, publicada y descubierto el secreto que encerraba. Sin aportar ninguna nueva mejora importante muere en 1851.

Daguerre al contrario de Nièpce aportó el lado mercantilista y espectacular con un procedimiento cuya originalidad le era propia. Aunque se trataba de algo costoso y de difícil manipulación, que tan solo producía una prueba única no multiplicable. Pese a sus defectos se propago por todo el mundo, abriendo definitivamente el camino a la fotografía.

El segundo estudio oficial fue creado en Inglaterra por Antonie Claudet, que llegó a ser nombrado retratista ordinario de la reina Victoria. La primera revista fotográfica del mundo fue fundada en Nueva York en 1850 ( The Daguerreian Journal)
El Daguerrotipo tuvo muy una buena acogida y pronto empezó a difundirse por Alemania, Estados Unidos, Italia, Inglaterra, etc. Además se empezaron a vender cámaras que no llevaban la firma de Daguerre. Estos vendedores y los aficionados que las compraban, fueron los responsables de la evolución de las cámaras, aligerándolas de peso, construyéndolas con materiales baratos y lentes simples; y también reduciendo poco a poco el tiempo de exposición (en 1842 ya queda reducido a 30 o 40 segundos).
Calotipo, fotografía sobre papel

Calotipo, fotografía sobre papel

El desarrollo de la imagen sobre papel empezó en 1837 con pequeñas ideas por Bayard y Talbot.

William Henry Fox Talbot, puso a punto un procedimiento fotográfico que consistía en utilizar papel negativo, en el cual se podía reproducir un número ilimitado de copias, partiendo de un único negativo.
Talbot descubrió que el papel cubierto con yoduro de plata, era más sensible a la luz, si antes de su exposición se sumergía en una disolución de nitrato de plata y ácido gálico. Disolución que podía ser utilizada para el revelado de papel después de la exposición. Una vez finalizado el proceso de revelado, la imagen negativa se sumergía en tiosulfato sódico o hiposulfito sódico para fijarla, hacerla permanente. A este método Talbot se le denominó calotipo, requería unas exposiciones de 30 segundos para conseguir la imagen en el negativo.

Talbot llegó a conseguir, con cámaras muy reducidas con objetivos de gran diámetro, imágenes muy perfectas pero extremadamente pequeñas. A finales de 1840 enseñaría su nueva modificación del proceso, el Calotipo. Con una segunda operación Talbot conseguía una imagen positiva. Este método hacía posible la obtención de cuantos positivos se quisieran de un solo negativo.
El colodión húmedo
El escultor y fotógrafo Sir Frederick Scott Archer propuso a la revista inglesa The Chemist, en marzo de 1851, el método del colodión perfectamente experimentado. El colodión, conocido también como algodón-pólvora, es una clase de explosivo cuya base es la celulosa nítrica.

Frederick Scott Archer puso unas planchas de cristal húmedas al utilizar colodión, en lugar de albúmina como material de recubrimiento, para aglutinar los compuestos sensibles a la luz. Estos negativos debían ser expuestos y revelados mientras estaban húmedos. Los fotógrafos precisaban de un cuarto oscuro cercano, para poder disponer de las planchas antes de la exposición y revelarlas de inmediato.

Este gran descubrimiento representaba un paso importante y decisivo en el desarrollo de la fotografía, al acercarse a la imagen instantánea con una exposición 15 veces inferior a la del daguerrotipo más perfeccionado.

Pero lo más relevante fue su aplicación sobre diversos soportes, además del vidrio, como el cuero, el papel, el fierro, otros plásticos y cerámicas.
Exposición del negativo fotográfico en seco
Tras la dificultad que presentaba la manipulación en los exteriores del colodión, para perfeccionar un tipo de negativo que se pudiera exponer en seco, sin que se necesitara revelar inmediatamente después de su exposición, lleva a un nuevo estudio en investigación de la placa seca.

Tras muchos intentos sin éxito se propuso el gelatino de bromuro, quedando desbancado el colodión (1882). El gelatino-bromuro seca la placa.
El afán de buscar un soporte más práctico que el cristal, hace que el colodión y otros similares nos lleve hacia 1886 donde aparece la celulosa como superficie fotográfica y con unos excelentes resultados.

Más adelante, el acetato de celulosa sustituirá al celuloide. Las emulsiones se relacionan según los diferentes tipos de sensibilidad y la exposición a la luz y el soporte de la emulsión. Estos tipos de sensibilidad se denominan de forma escalonada bien en Din o en Asa/Iso.

La fotografía comercial y los estudios fotográficos

La fotografía comercial y los estudios fotográficos
Carte de visite de Disderí

La instauración del colodión y sus numerosas ventajas frente al daguerrotipo y al calotipo dieron lugar al auge de la fotografía comercial. Los fotógrafos empezaron a especializarse y el número de estudios fotográficos aumentó considerablemente.

El colodión permitió hacer copias de la imagen, por lo que la venta de las mismas se disparó. La fotografía empezó a considerarse una actividad económica y, con ello, se convirtió en una profesión. Las tomas más características de este periodo son las llamadas "carte de visite".
Las Carte de visite fueron creadas a mediados del siglo XIX por André Disderí. Este fotógrafo francés introdujo una modificación en la cámara que lo llevó al éxito inmediato.
Fabricó cámaras de 6, 8 y hasta 12 objetivos con lo que podía impresionar en la placa hasta 12 fotografías diferentes. El tamaño aproximado de éstas era de 9 x 6 cm. El modelo tiene tiempo para cambiar de postura y aparecer distinto en cada toma.

Disderí vendía tarjetas de visita de los famosos de la época. De este modo la población pudo ver qué cara tenían algunos personajes como la Reina Victoria o Abraham Lincoln, entre otros.
Fotografía Erótica
La posibilidad de hacer copias de las tomas llevó también al comercio de fotografías eróticas. Mujeres trabajadoras, costureras, lavanderas, etc, sacaban un sobresueldo posando desnudas o semidesnudas.

Estas imágenes se vendían de forma ilegal en los estudios fotográficos por unos pocos francos. Pero todo es empezar...
Primera película en carrete fotográfico
En 1884 el americano George Eatsman fabricó la primera película en carrete de 24 exposiciones.

En 1888 lanzó al mercado otro aparato revolucionario de pequeñas dimensiones (18cm de largo) que estaba provisto de un cargador de 100 exposiciones. Dotado de un foco fijo y una velocidad de obturación de 1/25 segundos. Después de realizar el último disparo, se enviaba a la casa, que revelaba las 100 fotos y recargaba de nuevo la máquina con otro carrete.

Costaba alrededor de 25 dólares y se publicó con el eslogan "Usted apriete el botón, nosotros haremos el resto". Este nuevo invento recibió un nombre que se haría famoso en la historia de la fotografía: Kodak.

Eastman al crear la primera cámara fotográfica, fundó también en (1854-1932) la casa Kodak.

Eastman incluyó en 1891 la primera película intercambiable a la luz de día. De la película sobre papel se pasó en 1889 a la película celuloide, sistema que seguimos empleando hoy en día.
Autochromes Lumière
En 1907 se pusieron a disposición del público en general los primeros materiales comerciales de película en color. Consistían en unas placas de cristal llamadas Autochromes Lumière en honor a sus creadores, los franceses Auguste y Louis Lumière. En esta época las fotografías en color se realizaban con cámaras de tres exposiciones.
Más tarde se comenzó a utilizar la fotografía en la imprenta para la ilustración de textos y revistas, lo que generó una gran demanda de fotógrafos para las ilustraciones publicitarias.

También llegó la proliferación de este arte, oficio y profesión, ya que fue requerido por personajes de la política, la cultura etc., que valoraban en la fotografía la posibilidad de permanecer para la posteridad, reflejada su imagen lo más cercana a la realidad, y así perpetuarse en el recuerdo de sus descendientes.
Primera cámara de 35 mm
En 1923 aparece en el mercado una máquina fotográfica ligera, versátil y nueva: la Leica. Esta cámara de 35 mm, que requería película pequeña y que estaba, en un principio, diseñada para el cine, se introdujo en Alemania en 1925. Fue creada por Oscar Barnack, un dependiente de la fábrica alemana de óptica Leit.
Gracias a su pequeño tamaño y a su bajo costo se hizo famosa entre los fotógrafos profesionales y los aficionados.

Durante este periodo, los fotógrafos profesionales utilizaban polvos finos de magnesio como fuente de luz artificial. Pulverizados sobre un soporte que se prendía con un detonador, producían un destello de luz brillante y una nube de humo cáustico.
Foto 4

A partir de 1930, la lámpara de flash sustituyó al polvo de magnesio como fuente de luz. Y sigue ahí.
Aparición de Kodachome y Agfacolor
La Leica y sus imitadoras pusieron la fotografía al alcance de todo el mundo. Con la aparición de la película de color Kodachrome en 1935 y la de Agfacolor en 1936, con las que se conseguían trasparencias o diapositivas en color, se generalizó el uso de la película en color. En 1941 Kodacolor, contribuyó a dar un impulso decisivo a su popularización.
Objetivos Zeiss y revelado instantáneo

Objetivos Zeiss y revelado instantáneo

Los avances en las prestaciones de los objetivos y lentes llegaron a partir del año 1903 con los objetivos fabricados por Zeiss. Otros progresos fueron aportados por el sistema réflex en 1828. La primera cámara réflex binocular con un objetivo para la toma, otro para el encuadre y el enfoque, fue construida por H. Cook en 1865 Polaroid Land, por Edwin Herbert Land.

Algunos investigadores se dedicaron a experimentar el método de fotografía instantánea, es decir, especularon con la posibilidad de revelar la película en el interior de la cámara fotográfica, en lugar de la cámara oscura (laboratorio).

La fotografía instantánea se hizo realidad en 1947, con la cámara Polaroid Land, basada en el sistema fotográfico descubierto por el físico estadounidense Edwin Herbert Land.

Este revolucionario invento añadió a la fotografía de aficionados el atractivo de conseguir fotos totalmente reveladas pocos minutos después de haberlas tomado.

Tipos de objetivos
Diafragma y obturador
Como vimos al principio, los dos parámetros que controlan el valor de exposición en fotografía son el tiempo de exposición a la luz y su intensidad.

En una cámara, el mecanismo que controla el tiempo de exposición es el OBTURADOR y el que regula la intensidad de la luz se denomina DIAFRAGMA, que actúa estrechando el cono de luz que penetra por el objetivo.
Inicialmente se emplearon simples láminas taladradas con agujeros de distinto diámetro, independientes, o agrupadas en un tambor giratorio. Hoy en día todas las cámaras de calidad van equipadas con un DIAFRAGMA DE IRIS, que está formado por un conjunto de laminillas, situadas en el interior del objetivo, que se cierran formando un abertura poligonal más o menos circular. Las cámaras automáticas pueden cerrar el diafragma a un valor standard correcto, el mismo que les dicta el fotómetro, sólo con presionar el botón de disparo.
Si intentamos estandarizar una serie de aberturas debemos recordar que, según la ley del cuadrado inverso, si cerramos la abertura del diafragma a la mitad, la luminosidad se reduce, no a la mitad, sino a la cuarta parte. Una serie así, que redujese cada paso el diámetro a la mitad, podría ser:


f/1 - f/2 -f/4 - f/8 - f/16 - f/32.........
El problema de esta es que los saltos entre punto y punto cuadruplican la luminosidad. En la práctica resulta más conveniente que la luz se vaya reduciendo en pasos de 1/2, en vez de 1/4; para ello, el diámetro, en vez de seguir una progresión de razón 2, sigue la de la raíz de 2, es decir 1,4
Actualmente se ha adoptado esta escala como standard de valores de luminosidad para cada una de las posiciones a que puede cerrarse el diafragma sea universal para todos los formatos y objetivos.

f/1 - f/1,4 - f/2 - f/2,8 - f/4 - f/5,6 - f/8 - f/11 - f/16 - f/22 - f/32 ....
Esta escala y la de velocidades son las únicas que el fotógrafo debe memorizar; y es importante entender desde el principio que cuanto más bajo sea el número f, mayor es su luminosidad y que cuanto más cerrado está el diafragma, mayor es su número f.

El diafragma tiene, además de controlar la iluminación, otra importantísima función: graduar la profundidad de campo de la escena.
La profundidad de campo
Se entiende por profundidad de campo, la distancia comprendida entre los puntos del tema a fotografiar más próximos o más lejanos a la cámara que pueden ser reproducidos en la imagen con un enfoque aceptable.

En la práctica, la profundidad de campo es la zona limitada del espacio que se extiende por delante y por detrás del punto en que enfocamos. Los motivos situados en este área, se reproducirán con nitidez. Resulta obvio decir, que el saber controlar el valor de la profundidad de campo es importantísimo en fotografía.
Los factores que influyen en la mayor o menor profundidad de campo son tres:

La distancia desde el objetivo al punto enfoque (distancia de enfoque).

La longitud focal del objetivo.

El diafragma utilizado.
Distancia de enfoque
Cuanto más lejos enfoquemos, mayor será la profundidad de campo. Por ello, si enfocamos a un objeto situado a 3 metros, manteniendo constante la distancia focal del objetivo y el diafragma, la profundidad de campo se extenderá por ejemplo desde unos 1,8m. hasta 5 metros; mientras que si enfocamos a 0,5 metros se extenderá sólo desde 0,4 a los 0,7m.
Distancia focal
cuanto mayor sea la distancia focal del objetivo, menor será la profundidad de campo.
Diafragma
cuanto mayor sea la apertura del diafragma (menor número f), menor será la profundidad de campo. Esto resulta obvio, ya que los diafragmas cerrados estrechan el cono de luz, y por consiguiente amplían la zona de nitidez.
Por tanto obtendremos una mayor profundidad utilizando objetivos de corta distancia focal (Grandes angulares), enfocando objetos alejados de la cámara y cerrando lo más posible el diafragma.
EL OBTURADOR
El obturador controla el tiempo (velocidad) durante el cual la luz pasa a través del lente hasta la película o sensor. Cuando sacamos una foto el obturador se abre y deja pasar la luz que entra por el lente para que llegue a la película o sensor de la cámara.

El obturador es el elemento físico que controla la velocidad de la exposición. Al principio las lentes no tenían obturadores y las exposiciones se hacían manualmente, o sea que exponían la foto sacando la tapa del lente y controlando el tiempo con un reloj.
La velocidad del obturador se mide en segundos o generalmente en fracciones de segundos. Abajo tenemos una lista de algunas de las velocidades que tienen las cámaras. Esto va a variar de acuerdo a la marca y modelo de cámara que ustedes tengan.

B (Bulbo) 1 segundo ½ ¼ 1/8 1/15 1/30 1/60 1/125

1/250 1/500 1/1000 1/2000 1/4000 1/8000
Cada velocidad es el doble de rápida que la velocidad anterior (por lo tanto deja pasar la mitad de luz), y viceversa, cada velocidad es la mitad de rápida que la velocidad que le sigue (por lo tanto deja pasar el doble de luz).
Siempre recuerden que cuanto mas grande es la denominación de la velocidad (1/8000) mas rápida es la velocidad. En la lista que escribí arriba 1/8000 es la velocidad más rápida y 1 segundo es la velocidad más lenta.
f2.8 - 1/800s - ISO 800 - Distancia focal 200mm
f/22 - 1/2s - ISO 100 - Distancia focal 23 mm
El obturador va a controlar el tiempo durante el cual la luz pasa y llega al sensor. Pero la velocidad tiene un efecto directo en el movimiento de la foto.

Que significa esto? Por un lado va a controlar si la foto sale movida o nítida de acuerdo a la velocidad que usemos. Y por otro lado, si hay algún objeto en la escena que estemos fotografiando que se esté moviendo, la velocidad que usemos va a determinar si ese objeto sale movido o congelado.
Composición
¿Saben cuál es la diferencia entre una buena y una mala fotografía?...

Asumiendo que los colores han salido correctamente y la exposición y el enfoque son correctos, existen una serie de elementos sobre los que los fotógrafos hablan continuamente al evaluar una foto:

son las “reglas de composición”. Y dependiendo de con quien hablemos, nos darán unas reglas u otras.
1.- Identifica el centro de Interés



Cada fotografía tiene (o debería tener) un centro de interés.
¿De qué es la foto? ¿Es una fotografía de tu novia? ¿Es una fotografía de las pirámides de Egipto? Debería ser obvio para cualquiera que mire una fotografía entender lo que queremos enseñar con la foto. Es lo que se denomina el centro de interés.

Aunque se denomine centro, el centro de interés no tiene que ser necesariamente el objeto que esté colocado en en el centro de la foto ni ser el objeto que ocupa la mayor parte de la imagen.

La elección del centro de interés es la primera regla de una buena composición, ya que es la más importante. Simplemente decide antes de disparar el motivo sobre el que quieres tomar la fotografía. Y a partir de ahí, todo lo que tienes que hacer es enfocar (o desenfocar) el elemento sobre el que quieras centrar el interés.
2. Rellena el encuadre (Fill the frame)
Esta regla puede parecer bastante obvia, pero lo cierto es que muchas veces fallamos al aplicarla.

Si queremos contar algo en una foto, ocupemos la mayor parte con ese “algo”, asegurándonos que se convierta de este modo en el centro de atención. Además, de este modo eliminamos posibles elementos que resten atención.

Es un fallo demasiado común el querer sacar demasiadas cosas en una única foto. Al final, lo que conseguimos es que no quede demasiado claro qué es lo que queríamos enseñar en nuestra fotografía. Ante la duda de si algo debe salir o no en la foto, mejor quítalo.
3. Apóyate en las líneas
Las líneas son un elemento de importancia vital en las artes visuales. Las líneas nos aportan formas y contornos. Con las líneas dirigimos la mirada del espectador de una parte de la foto a otra.
Un tipo especial de líneas son las líneas convergentes. Son las líneas paralelas que, por el efecto de la distancia, acaban convergiendo en un mismo punto.
4. Trabaja el flujo
Después de las líneas, podemos tratar el flujo. En fotografía, el flujo es el modo en el que la mirada del espectador se desplaza de una parte de la fotografía a otra. Una manera de definir el flujo de una fotografía es mediante el uso de líneas. Pueden ser horizontales, verticales, diagonales, convergentes o divergentes. A veces el flujo creado por las líneas es nítido y claro, como los laterales de un edificio que convergen hacia el cielo), o pueden ser menos obvias. Sin embargo, la mirada del espectador debería ser capaz de recorrer los elementos de una parte a otra de la imagen.

El flujo crea la ilusión de movimiento (o ausencia de movimiento si se desea). Las líneas diagonales se consideran generalmente más “dinámicas”, mientras que las líneas horizontales y verticales se consideran más “estáticas”. Un equilibrio cuidadoso de elementos estáticos y dinámicos dará un sentido global de movimiento a tus fotografías.
5. Juega con la dirección
La dirección es similar al flujo. También crea la ilusión de movimiento. Si hay algo en la fotografía que parezca estar en movimiento, tiene una dirección en la que se mueve.
6. Los elementos repetidos
La repetición de algún elemento (unos globos, unos pájaros, …), dan un sentido de relación de distintas partes de una imagen.

Por ejemplo, una bandada de pájaros pueden estar moviéndose en grupo por el aire, definiendo formas interesantes en el cielo y añadiendo información sobre la dirección de la fotografía.

En algunas ocasiones puede aportar factores psicológicos, como el sentido de la unión y el compañerismo.
7. Los colores siempre dicen algo
Existen dos tipos de colores, los cálidos y los fríos.

Manhattan Beach Pier por Pedro SzekelyLos rojos, naranjas y amarillos forman parte de la gama de colores cálidos.

Los azules, verdes y violetas forman parte de la banda de colores fríos.

Existen muchos elementos psicológicos ligados a los colores. Por poner un ejemplo, los azules se consideran colores tranquilos, mientras que lo rojos son más temperamentales. Existe mucha literatura al respecto de la psicología del color, por lo simplemente resumiremos que el color tiene una importancia determinante en la composición en fotografía.

Por último, debes saber también que en materia de colores hay que prestar atención también al contraste tonal. El contraste se define como la diferencia de luminosidad entre las partes más claras y más oscuras de nuesta foto.
8. El interés de los grupos de tres
Parece existir una percepción especial de los números impares en fotografía, y en especial de los grupos de tres elementos.

Un único elemento puede transmitir soledad o aislamiento, con dos elementos una foto puede quedar demasiado bien equilibrada y estática, y cuatro elementos pueden resultar demasiados para distribuir.

Por algún motivo que no alcanzo a poder explicar, a las personas nos gusta el número 3. En fotografía suele funcionar la agrupación de tres elementos como centro de interés.
9. La regla de los tercios
La Regla de los Tercios es una de las reglas más básicas de composición fotográfica.
La regla de los tercios es, probablemente, el primer recurso compositivo que uno aprende en fotografía. Y probablemente también, es el primero en aprenderse por lo sencillo de aplicar a la vez que efectivo en sus resultados.

La regla de los tercios es un medio simple de aproximación a la proporción áurea, una distribución del espacio dentro de la imagen que genera una mayor atracción respecto al centro de interés.
¿En qué consiste exactamente la Regla de los Tercios?
La regla de los tercios consiste en dividir la imagen en tres tercios imaginarios horizontales y verticales. Los cuatro puntos de intersección de estas líneas fijan los puntos adecuados para situar el punto o puntos de interés de la foto, alejando éste del centro de la fotografía.
10. El espacio negativo
Se considera espacio negativo los grandes espacios vacíos, normalmente en blanco o negro, dentro de una fotografía, normalmente a un lado.

El alejamiento del elemento central de la imagen, rellenando el resto de la foto de un espacio vacío nos permite transmitir una información adicional de soledad, aislamiento o calma a la imagen.

Aunque no es un recurso que vayamos a utilizar habitualmente, no está de más conocerlo. Está enfrentada a la regla de composición consistente en rellenar el encuadre comentada más arriba en este mismo artículo.
11. Trabajando las tres dimensiones: frente y fondo
El contenido del frente y del fondo de una foto es importante. Tanto en el fondo como en el frente tienen aplicación otros elementos compositivos como los colores o las líneas.

Lo importante en el frente y en el fondo es que no haya demasiados detalles que puedan distraer la vista del espectador del centro de interés.

La mejor herramienta con la que contamos para marcar la diferencia entre el frente y el fondo de nuestras fotos es la profundidad de campo. Gracias a la apertura del diafragma que utilicemos a la hora de hacer fotografías, conseguiremos mayor o menor nitidez en el fondo.
12. El enmarcado natural
Existen elementos que pueden ayudar a poner un marco al centro de interés de la foto.

Algunos de estos elementos son muy claros, tapando completamente parte de la foto, como puertas, ventanas o puentes.

Otros actúan de una forma menos clara, simplemente orientando nuestra vista. Es el caso de las señales de tráfico o las ramas de los árboles, …

Cualquier elemento que “encierre” el centro de interés nos permitirá enmarcar la foto, dirigiendo la atención hacia el elemento deseado.
13. Las curvas en S
Las curvas en “S” son un elemento muy recurrente en fotografía. Está relacionado con la sensualidad. También transmiten moviento y ayudan a conducir la mirada.

En la vida cotidiana encontramos muchos recursos que nos permiten aplicar curvas en “S” en nuestras fotografías. Una carretera, un camino, el curso de un río, … Son elementos visuales muy potentes que dan interés a la fotografía.
Ahora, analicemos sus fotos...
Quien Soy?
Me llamo Rodrigo Herrera Aguirre, soy diseñador gráfico y fotógrafo profesional desde el año 2000.
comencé como fotógrafo "artístico" el año 1998 mientras estudiaba Diseño, el año 2000 hice mi práctica como reportero gráfico en el diario El Mercurio de Antofagasta, me quede trabajando ahí hasta el año 2001, hasta el 2004 paralelamente comencé a hacer clases en el instituto Esane del Norte, luego en el instituto Aiep y en la Universidad La Republica, el año 2008 asumí la jefatura de la escuela de DAC en el instituto Aiep hasta el 2010. Ese Año me fui a trabajar como fotógrafo de la IMA, hasta el 2012 cuando me fui a la CMDS. Desde el año 2014 me dedico a trabajar en mi empresa-agencia-pyme, llamada RH Artes visuales.
Mi campo de trabajo es variado, hago fotos de:
Si quieren ver más, revisen mi página web
www.rhartesvisuales.com
Que es
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