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Cine

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by

Rosa Rosselló

on 27 January 2014

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Influencias del cine expresionista alemán en la filmografía del director de cine contemporáneo, Tim Burton.
Introducción:
El cine como arte en sí desde siempre ha bebido de otras influencias artísticas o ha nacido a partir de ellas. Los grandes directores se han basado en los iconos pictóricos para expresar emociones y sensaciones en la pantalla, o simplemente para crear una ambientación acorde con el argumento del film. En todo caso, la pintura siempre ha estado muy presente en el cine.

Corriente artística que busca la expresión de los sentimientos y las emociones del autor, más que la representación de la realidad objetiva. Para lograrlo, los temas se exageran y se distorsionan con el fin de intensificar la comunicación artística. Este movimiento apareció en los últimos años del siglo XIX y principios del XX, durante la República de Weimar.

-Die Brücke (El puente).
- técnica similar a los fauves: intensidad de las siluetas y las masas cromáticas, pero prefiriendo los tonos oscuros
- Difieren por la plasmación de las angustias interiores del hombre y sus preocupaciones existenciales. Son artistas comprometidos con la situación social y política de su tiempo. Destacan Nolde y Kirchner.
Die Brücke. El puente era un símbolo de su anhelo de construir un puente entre el viejo mundo y el nuevo.

-Der Blaue Reiter (El jinete azul). Este grupo no tenía miembros fijos. Rechazaban el arte imitativo de la realidad exterior como había reivindicado el Impresionismo. Se caracterizaban también por el rechazo a los valores del la vieja civilización occidental.

Características
Surge como reacción al impresionismo, frente al naturalismo y al carácter positivista de este movimiento.
El expresionismo en el cine
Importancia de la película de Robert Wiene “El Gabinete del Dr. Caligari” 1919. Se convirtió en uno de los primeros directores que introducía elementos claramente expresionistas en el cine. Se llega al simbolismo a través de los decorados, las luces, el vestuario y la interpretación de los personajes, elementos que aspiraban a mostrar a través de la gran pantalla una óptica deformada de la realidad.
-La idea de los guionistas era la de denunciar la actuación del Estado alemán durante la Guerra.
-Anormalidad escenográfica (chimeneas oblicuas, ventanas con forma de flecha...).
-Busca la expresión de los sentimientos y las emociones del autor más que la representación de la realidad objetiva.
-Interpretación exagerada y con un grado extremo de intensidad emocional.
-Para sustituir a los colores brillantes de los cuadros y decorados expresionistas habría un considerable contraste entre luz y sombra.
Características técnicas de las
películas expresionistas
La escenografía:
Como las películas se filmaban íntegramente en estudios, se utilizaban decorados pintados para ambientarlas.
En “El gabinete del doctor Caligari” (1919) de Robert Wiene, la escenografía adquiere trascendencia. Realizada con un sentido planimétrico, las calles y perspectivas no tienen profundidad real, sino que esto se logra mediante un telón de fondo que representa la prolongación de las callejuelas mediante líneas onduladas.
Las excepciones son “Nosferatu” de Murnau y “Metrópolis” de H.Lang, ya que estas también realizaron filmaciones en ambientes naturales.
Juan Luis López Calahorro
¿Qué plantea?
Un arte más personal e intuitivo, donde predomina la visión interior del artista. La “expresión” frente a la plasmación de la realidad la “impresión”.
La iluminación:
Las experiencias de iluminación llevadas a cabo por Mac Reinhardt en sus puestas teatrales fueron asimiladas por los directores de cine expresionistas y le dieron a las películas un sello muy particular a partir de la elaboración del claro oscuro, que es el contraste acentuado de luces y sobras; consiste en subrayar y destacar con exceso el relieve y contorno de un objeto a las molduras de un decorado.

El Expresionismo
El paisaje natural y el estudio:
Como para los alemanes es imposible separar al hombre de la naturaleza, optaban por construir paisajes artificiales, para poder hacer uso de la iluminación para construir personajes y objetos. Existen vínculos profundos entre los paisajes y los seres humanos, esto se convierte en un factor dramático.
Hay una excepción notable a esta tendencia y es la que se da en el filme “Nosferatu”, donde contrariamente a lo que sucedía en la mayor parte de las películas de la época, los paisajes y las vistas de la ciudad o del castillo se rodaron al aire libre.
Los personajes:
Hay una influencia directa de la literatura romántica en el delineamiento de los personajes, donde se caracterizan por su ambigüedad y desdoblamiento. En todas las películas se encuentra la temática del amor; como este transforma a los individuos y les causa sufrimiento.
El desdoblamiento, con características demoníacas es frecuente en las películas alemanas: “Caligari” es al mismo tiempo un charlatán en una feria como un eminente doctor.
El vestuario:
El vestuario es también, al igual que la iluminación y el escenario, un factor dramático para el cine expresionista alemán. Sus personajes visten capas y sombreros de copas. Se maquillan sus caras de blanco para dar la idea de mascaras, símbolo recurrente de los expresionistas al igual que sus manos extremadamente salientes o crispadas.

La interpretación:
Los personajes tienen movimientos abruptos y duros, quebrados a mitad de camino, que componen un rasgo habitual. Se produce una deformación de los gestos por medio de movimientos intensos que superan la realidad.
Las sombras:
El cine expresionista alemán supo sacar provecho de las sombras para connotar lo amenazante, el presagio siniestro o el destino implacable. De esta manera se convierten en símbolos.
También se utiliza para destacar el carácter de los personajes o dar sentido dramático a alguna escena; “cesare” de “el gabinete del doctor Caligari” al extender sus manos, proyecta su sombra sobre el muro.

Temas principales
- Visión interna: Para el artista expresionista lo importante era el interior, el cual se intenta representar deformándolo, intentando encontrar su esencia.
- Visión crítica: Al materialismo dominante en la sociedad de la época. A la vida urbana. A través de visiones apocalípticas sobre el colapso de la civilización a veces cargados de contenido político revolucionario.
-PRIMERAS PELÍCULAS DEL EXPRESIONISMO ALEMÁN.
-El estudiante de Praga, de Paul Wegener, 1913.
-El Golem, de Paul Wegener y Henrik Galeen, 1914.
-Homunculus de Otto Ripper, 1916.
-El gabinete del doctor Caligari de Robert Wiene, 1919.
-Nosferatu, de Friedrich Murnau, 1922.
-Metrópolis de Fritz Lang, 1926.

Actualmente aún se pueden encontrar retazos de esta corriente artística en algunos directores contemporáneos. Uno de ellos es Tim Burton. El cine de Burton posee claramente unas bases expresionistas con un toque gótico.
Los temas, el tratamiento de los escenarios, la estética, los personajes, todo hace una clara referencia a este estilo.
Los principales temas que Burton aborda en sus obras son la figura del hombre contra el mundo (Edward Scissorhands…), los mundos fantásticos (Tim Burton’s Nighmare Before Christmas), las dobles personalidades (Batman), las diferentes realidades y la imaginación (Big Fish, Charlie and the Chocolate Factory), el lado oscuro o la lucha entre el bien y el mal (Sweeney Todd) y la muerte (Corpse Bride). Estas temáticas recuerdan bastante a las presentes en el cine expresionista alemán, tales como la muerte (Nosferatu, Murnau 1922), el desdoblamiento demoníaco (El Gabinete del Dr. Caligari, Wiene 1919) y los mundos fantásticos o las diferentes realidades (Metropolis, Fritz Lang 1927).
Tim Burton ha inspirado sus obras más relevantes principalmente en dos películas expresionistas: Das Cabinet des Dr. Caligari (El Gabinete del Dr. Caligari, Robert Wiene, 1919), Nosferatu (F.W. Murnau, 1922). En menor medida de Der Golem (El Golem, Paul Wegener, 1920), Metropolis (F. Lang, 1927) y Der Müde Tod (Las Tres Luces, F. Lang, 1921).

Vincent (Vincent, 1982):
Corto realizado utilizando la técnica de “stop-motion”.
Con una fotografía en blanco y negro muy marcada y una estética claramente expresionista: jugando con la iluminación, utilizando claroscuros, sombras exageradamente alargadas, los decorados “vivos” que parecen interactuar con los personajes y además, donde también están presentes los planos y las perspectivas angulosas tan característicos del expresionismo alemán.
Los temas: la muerte, los mundos fantásticos, las realidades paralelas y las dobles personalidades. Temas que se aúnan para formar la historia de un niño pequeño llamado Vincent Malloy que, cansado de su vida monótona y normal, quiere ser Vincent Price, leer a Edgar Allan Poe, llorar a su amada enterrada viva y crear monstruos en su laboratorio secreto.
Claro homenaje a dos de las películas expresionistas más relevantes: Nosferatu y El Gabinete del Dr. Caligari. Similitudes con la película dirigida por Murnau, ya que las sombras cobran un gran protagonismo en los dos films. En Nosferatu, la sombra del vampiro ocupa un especial protagonismo al ser esta la que acecha a sus víctimas. En Vincent, Burton también utiliza sombras desproporcionadas y amenazadoras para resaltar el lado oscuro y siniestro del joven Vincent.

La arquitectura. Una arquitectura que al no poder manifestarse físicamente lo hacía a través de los decorados cinematográficos. En el caso de Vincent toma como referencia esta arquitectura utópica y la traslada a los escenarios en los que se desarrolla el relato.
Como en el film de Wiene o en Nosferatu, la caracterización de los actores era destacable en cuanto al maquillaje y vestuario. Ojos excesivamente remarcados, maquillaje blanco para que los actores parecieran pálidos y otras características que Burton adaptó a casi todos sus personajes, pero concretamente en este corto, no es de despreciar también las similitudes entre los “actores” de Vincent y los intérpretes de El Gabinete del Dr. Caligari. Las similitudes físicas son evidentes, los ojos hundidos y remarcados, el pelo negro y despeinado, la tez demacrada y también en cuanto a fisionomía son muy parecidos (caras alargadas y cuerpos esbeltos). Los gestos y la actuación del personaje de Vincent es muy similar a la de Cesare. Los dos personajes poseen un “alma” muy similar, son diferentes del resto y destacan por tener un mundo interior que entra en conflicto con el resto de la humanidad.
Eduardo Manostijeras (Edward Scissorhands, 1990):
El contraste de dos mundos completamente diferentes, tanto desde el punto de visual como temático.
Estética gótico-expresionista, Burton aúna una atmósfera gótica mediante el uso de grandes espacios que juegan con la luz y el expresionismo viene dado por una arquitectura asimétrica que interactúa con los personajes y los complementa.
Película que juega con la temática de las diferentes realidades, en este caso la realidad de Edward, un chico con tijeras en vez de manos encerrado en un gran castillo y la del resto del mundo, que vive en sus casas adosadas de colores.
La iconografía expresionista está presente y separada de lo demás por una escalera, ya que lo que une esos dos mundos y a la vez los separa es una gran escalinata. Dicha escalera hará que esos dos mundos choquen. Este es un símbolo muy utilizado en el expresionismo, junto al puente. Por ejemplo, en El Gabinete del Dr. Caligari, cuando Cesare secuestra a Jane, la lleva por toda la ciudad hasta que llega a un puente donde la abandona. Esta escena es muy significativa en la película, ya que será la perdición del joven Cesare.
Los decorados de la película en relación al castillo, destacan los grandes ventanales asimétricos y las arquitecturas imposibles que son como un personaje más en la escena envolviendo así a los actores y a la vez interactuando con ellos. La estética es muy importante, ya que es la que separa más claramente los dos mundos que en ella se representan, gracias a ella permite que el mundo de Edward sea mágico, pero a la vez siniestro e inquietante, mientras que el mundo de la civilización se vuelve superficial y frío. Esta característica de utilizar los decorados como medio para transmitir sensaciones y emociones es muy significativa del cine expresionista.

Una de las mayores influencias que ha tenido este film es El Gabinete del Dr. Caligari. En las dos impera una arquitectura imposible de realizar por aspectos físicos y técnicos que es típica del expresionismo, comparando la colina en la que está situado el castillo de Edward y una vista de la ciudad de El Gabinete del Dr. Caligari.
La temática que utiliza en la película también tiene ciertos tintes expresionistas, ya que en la misma tienen cabida la muerte, los mundos fantásticos, lo desconocido y lo siniestro, pero a su vez encontrando en ello una extraña belleza inspirada en la tradición literaria romántica. Y como hizo el expresionismo en su tiempo, esta película también sirve en cierto modo para hacer una denuncia social y expresa los sentimientos de su autor. Para expresar el descontento del autor con la sociedad del momento (1990), una sociedad frívola y acomodada en sus insustanciales vidas y también para criticar con sus normal sociales preestablecidas.
El personaje está claramente inspirado en el sonámbulo Cesare de El Gabinete del Dr. Caligari. Cesare es un personaje muy interesante en el cual se han basado prácticamente todos los personajes masculinos de Burton. Estéticamente los dos personajes van caracterizados prácticamente igual con el maquillaje blanquecino y la mirada muy remarcada y expresiva, e incluso lucen ropas parecidas. Además no solo en lo estético se asemejan, sino que sus actuaciones y sus gestos son muy similares. También los dos son jóvenes apartados de la sociedad por ser diferentes y ninguno de ellos logra adaptarse al nuevo mundo.
Pesadilla Antes de Navidad (Tim Burton’s Nightmare Before Christmas, 1993) (como productor y escritor):
El tema de los mundos fantásticos, la muerte y un cierto pesimismo ante la vida recorren la historia. La escenografía, bastante diferenciada para distinguir y atribuir a cada mundo una estética, una iluminación y unos colores característicos. Rasgo que recoge del expresionismo pictórico, el uso del color es muy importante para sus obras, ya que lo utiliza para transmitir sensaciones implícitas. Contrastada entre los diferentes mundos: Halloween Town con colores opacos, grisáceos y apagados, además de una iluminación tenue; Christmas Town donde todos los colores son alegres y la iluminación tiene tintes alegres; y la realidad, que vendría a ser una mezcla de las dos anteriores. Remite a un principio del expresionismo, el cual utilizaba los recursos visuales no únicamente con fines estéticos, sino que les confería vida propia para que ellos mismos transmitieran las ideas.
La arquitectura y los elementos decorativos en cuanto a la asimetría de los edificios y los elementos angulosos, las edificaciones imposibles, ventanas asimétricas, juegos de luces y sombras que logran crear, como en la película de Wiene, una atmósfera intensa que evoca irrealidad, y crea mundos paralelos.
También podemos encontrar retazos de Nosferatu (Murnau, 1922) en la presencia de las sombras amenazantes y en la inspiración de algunos personajes como son el grupo de vampiros o la escena en que el Alcalde anuncia la desaparición de Jack; o de El Golem (Paul Wegener, 1920) en la similitud de la arquitectura del gueto judío y la de Halloween Town.

También el tema, los mundos fantásticos o las diferentes realidades, la muerte y un cierto pesimismo ante la vida. Remarcado por una estética muy apoyada en las sensaciones y en hacer sentir al espectador sensaciones implícitas que le hacen sentir empatía por los personajes, los pintores expresionistas, demostraban mediante el uso del color sus emociones y su mundo interior. Cuando Jack Skellington se siente mal y deprimido vaga por el bosque, un bosque apagado, lleno de árboles que proyectan sombras amenazadoras, transmitiendo a la vez una sensación de tristeza y melancolía, pero esto cambia totalmente cuando llega a Christmas Town, ya que allí los colores son alegres influenciando al protagonista y al espectador a cambiar su estado de ánimo.


La Novia Cadáver (Corpse Bride, 2005):
Basada en un cuento popular ruso esta película aúna una estética fantástica, misteriosa y una atmósfera mágica donde la muerte es la protagonista. Burton vuelve a utilizar el color para enfatizar más la diferencia entre estos dos mundos. Mientras que el mundo de los vivos predominan los colores grises y azules apagados, en el mundo de los muertos imperan los colores vivos: el verde, violeta, amarillos y azules son los colores que más representan a este mundo y los que en definitiva le dan un aire festivo poco común en estos casos.
Arquitecturas imposibles, paredes inclinadas y las construcciones asimétricas que ayudan a crear la sensación de mundos paralelos.
Los decorados del mundo de los muertos recuerdan a la cuidad ficticia que aparece en El Gabinete del Dr. Caligari donde predominan las figuras asimétricas y las paredes diagonales con ventanas desiguales.
La estética de los personajes principales.
La temática tiene influencias de Nosferatu y Der Müde Tod (Las tres luces, de Lang), en ambos films es el tema de la muerte y la idea de la mujer destinada a unirse a una persona que no es de su mismo mundo.
La idea del puente. En este caso el puente es un puente físico y simbólico, un puente hacia el mundo de los muertos que conecta ambos mundos.

















Se aprecia un contrastado mundo expresado a través de las personalidades divididas de Bruce Wayne y Batman y de los otros personajes principales. Es curioso que el ambicioso magnate encarnado por Christopher Walken se llama Max Schreck, como el actor que hizo del vampiro en Nosferatu.
Una puesta en escena expresionista con la caracterización de los personajes y un gran trabajo en la iluminación creando una ambientación propicia.

Batman (1989):
Batman Returns (1992):
Bibliografía:
-AA.VV., Historia general del cine, Madris, Cátedra, 1995-1998.
-ALTMAN, R., Los géneros cinematográficos, Barcelona, Paidós, 2000.
-CASAS, Q., Fritz Lang, Cátedra, Ediciones Barcelona, 1991.
-CASALS, J., El expresionismo: Orígenes y desarrollo de una nueva sensibilidad, Editorial Montesinos, Barcelona, 1991.
-DUBE, W., Los Expresionistas, Ediciones destino, Barcelona, 1982.
-FERNÁNDEZ, C., F. W. Murnau, Filmoteca Nacional de España, Madrid, 1966.
-KRACAUER, S., De Caligari a Hitler: historia psicológica del cine alemán, Barcelona, Paidós, 1985.
-RICHARD, L., Del expresionismo al nazismo. Arte y cultura desde Guillermo II hasta la república de Weimar, Ed Gustavo Gili, Col. Punto y linea, Barcelona, 1979.
-SÁNCHEZ-BIOSCA, V., Sombras de Weimar, contribución a la historia del cine alemán: 1918-1933, Madrid, Verdoux, 1990.
-SÁNCHEZ-NAVARRO, J., Tim Burton, Cuentos en Sombras. Widescreen Colection, Barcelona, 2000.
-SALSBURY, M., Tim Burton por Tim Burton. Editorial Alba, 2006.

PÀGINES WEB.

-PERÓN, M., “Tim Burton y el expresionismo alemán”. Ensayos sobre la imagen. Edición VII Trabajos de estudiantes de la Facultad de Diseño y Comunicación, Año VII, Vol. 35, Diciembre 2010, Buenos Aires, Argentina, pàgina 115-117.
Recuperat desde:
http://fido.palermo.edu/servicios_dyc/publicacionesdc/vista/detalle_articulo.php?id_articulo=6838&id_libro=275

Una historia psicológica, oscura y melancólica.
La escenografía, Gotan City presenta una atmósfera melancólica con imponentes edificios sumidos en sombras macabras recordándonos a la ciudad de Metrópolis de F. Lang (1927).

Máster en Patrimonio cultural: Investigación y gestión.
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